日本绘画是日本最古老，最精致的视觉艺术之一，涵盖了各种流派和风格。 与日本艺术的历史一样，日本绘画的悠久历史展示了日本本土美学与进口思想的适应之间的综合与竞争，主要来自中国绘画，这在许多方面尤其具有影响力; 西方的重大影响只来自16世纪后期，从日本艺术影响西方艺术的同时开始。

中国影响力一再显着的主题领域包括佛教宗教画，中国文人画传统中的水墨画，象形文字书法，动植物画，特别是花鸟画。 然而，在所有这些领域中，日本传统都有所不同。 被广泛认为是日本绘画最具特色的主题，以及后来的版画，是对日常生活和叙事场景的描绘，这些场景往往充满了人物和细节。 这一传统无疑始于中世纪早期的中国影响，除了最普遍的说法之外，现在已经超越了追踪，但从最早的幸存作品时期发展成为一种持续到现代的特定日本传统。

官方的日本国宝（绘画）清单包括158件作品或8至19世纪的作品集（虽然包括一些长期在日本的中国画）代表成就的巅峰，或者非常罕见的幸存者从早期开始。

时间线

古代日本和明日香时期（至710年）
日本绘画的起源可以追溯到日本的史前时期。 在Jōmon时期的陶器和Yayoi时期（公元前300年 – 公元300年）dōtaku青铜铃铛上可以找到简单的图形表示，以及植物，建筑和几何设计。 在Kofun时期和Asuka时期（公元300-700）的许多坟墓中都发现了具有几何和图形设计的壁画。

随着中国书写系统（汉字），中国政府管理模式和佛教在明日香时期的引入，许多艺术作品从中国进口到日本，并开始制作类似风格的地方文体。

奈良时代（710-794）
随着6世纪和7世纪日本佛教的进一步建立，宗教绘画蓬勃发展，并被用来装饰贵族建立的众多寺庙。 然而，奈良时期的日本在雕塑艺术中的重要贡献而不是绘画。

这一时期最早幸存的画作包括位于奈良县Ikaruga的Hōryū-ji寺的Kondō（金堂）内墙的壁画。 这些壁画，以及重要的玉玛神社的彩绘图像，包括jataka的故事，历史佛陀的生活剧集，释迦牟尼，以及佛像，菩萨和各种小神的标志性图像。 这种风格让人想起隋朝或十六国时期的中国画。 然而，到了奈良时期，唐代风格的绘画变得非常流行。 这些还包括Takamatsuzuka墓的壁画，可追溯到公元700年左右。 这种风格演变成（Kara-e）流派，在平安时代早期仍然流行。

由于奈良时期的大部分画作都是宗教性的，绝大多数都是由匿名艺术家创作的。 日本以及中国唐朝的大量奈良时期艺术藏品保存在Shōsō-in，这是一个由Tōdai-ji拥有的8世纪的仓库，目前由Imperial Household Agency管理。

平安时代（794-1185）
随着真言宗和天台的神秘佛教派系的发展，8世纪和9世纪的绘画以宗教意象为特征，最着名的是曼达拉（曼荼罗曼达拉）。 曼陀罗的许多版本，最着名的是在京都Tōji的Diamond Realm Mandala和Womb Realm Mandala，被创建为悬挂卷轴，也作为寺庙墙壁上的壁画。 一个着名的早期例子是位于京都南部的Daigo-ji的五层塔。

随着10世纪日本佛教净土教派的重要性日益提高，开发了新的图像类型以满足这些教派的灵修需求。 其中包括raigōzu（来迎図），描绘了阿弥陀佛以及随之而来的菩萨观音和西施到达，以欢迎信徒的灵魂离开阿米达的西方天堂。 一个着名的早期例子可追溯到1053年，画在京都宇治的一座寺庙Byōdō-in的凤凰厅内部。 这也被认为是所谓的大和（（大和絵，“日式绘画”）的早期例子，因为它包括景观元素，如软丘陵，似乎反映了景观的实际外观。日本西部。 然而，从风格上来说，这种类型的绘画继续受到唐代中国“蓝绿色风格”山水画传统的影响。 Yamato-e是一个不精确的术语，在日本艺术史学家中继续争论不休。

平安时代中期被视为Yamato-e的黄金时代，最初主要用于滑动门（fusuma）和折叠屏幕（byōbu）。 然而，新的绘画形式也出现了，特别是在平安时代结束时，包括emakimono，或长插图的手卷。 各种各样的emakimono包括插图小说，如源氏物语，历史作品，如Ban Dainagon Ekotoba和宗教作品。 在某些情况下，电子艺术家采用自古以来在佛教艺术中使用的图像叙事惯例，而在其他时候，他们设计了新的叙事模式，被认为可以在视觉上传达潜在叙事的情感内容。 Genji Monogatari被组织成谨慎的剧集，而更生动的Ban Dainagon Ekotoba使用连续的叙事模式来强调叙事的前进动作。 这两个emaki在风格上也有所不同，Ban Dainagon的快速笔触和浅色与Genji卷轴的抽象形式和充满活力的矿物颜料形成鲜明对比。 Sanjō宫的围攻是这种绘画的另一个着名的例子。

E-maki也是onna-e（“女性图片”）和otoko-e（“男性图片”）和绘画风格的最早和最好的例子。 这两种风格有很多细微差别。 尽管这些术语似乎暗示了每个性别的审美偏好，但日本艺术史家长期以来一直在争论这些术语的实际含义，但它们仍然不清楚。 也许最容易引起注意的是主题的差异。 Onna-e，由Genji手卷传说，通常涉及宫廷生活和宫廷浪漫，而otoko-e，经常处理历史或半传奇事件，特别是战斗。

镰仓时代（1185-1333）
这些类型继续通过镰仓时代日本。 各种电子邮件继续生产; 然而，镰仓时代的特点是雕塑艺术，而不是绘画。

由于平安时代和镰仓时期的大部分画作都是宗教性的，绝大多数都是由匿名艺术家创作的。

室町时代（1333-1573）
在14世纪，镰仓和京都的大禅寺的发展对视觉艺术产生了重大影响。 Suibokuga，一种由宋元时期引入的简单单色风格的水墨画，在很大程度上取代了前一时期的多彩卷轴画，尽管有一些多彩的肖像仍然存在 – 主要是禅宗僧侣的中国画。 典型的这种绘画是传说中的僧侣Kensu（中国人）在他获得启蒙的那一刻的描绘。 这种类型的绘画是通过快速画笔笔划和最少的细节来执行的。

由牧师画家Josetsu捕捉葫芦（位于Taizō-in，Myōshin-ji，京都）的鲶鱼，标志着室町绘画的转折点。 在前景中，一个男人被描绘在一条小溪的河岸上，手里拿着一个小葫芦，看着一条巨大的滑溜溜的鲶鱼。 薄雾充满了中间地带，背景，山脉似乎远在远处。 人们普遍认为，这幅画的“新风格”，大约在1413年执行，是指在画面内更具中国式的深空感。

到了14世纪末，单色山水画（山水画sansuiga）得到了执政的足利家族的赞助，成为禅宗画家的首选体裁，逐渐从中国的根源演变为更具日式的风格。 山水画的进一步发展是诗画卷轴，称为shigajiku。

室町时代最重要的艺术家是牧师画家Shūbun和Sesshū。 Shūbun是位于Shōkoku-ji的京都寺庙的僧人，他在绘画中描绘了竹林（1446年）的一幅真实景观，其中有一个深入衰退的太空。 与当时的大多数艺术家不同，Sesshū能够前往中国并从源头上学习中国画。 四季景观（Sansui Chokan; c.1486）是Sesshu最成功的作品之一，描绘了四季的持续景观。

在室町时代晚期，水墨画已经从禅宗寺院迁移到艺术世界，因为来自Kanō学校和Ami学校（ja：阿弥派）的艺术家采用了风格和主题，但引入了更多的塑料和装饰效果将持续到现代。

日本室町时代的重要艺术家包括：

Mokkei（约1250年）
Mokuan Reien（1345年去世）
KaōSeena（14世纪）
Mincho（1352-1431）
Josetsu（1405-1423）
TenshōShūbun（死于1460年）
SesshūTōyō（1420-1506）
KanōMasanobu（1434-1530）
KanōMotoobu（1476-1559）
与之前的室町时代形成鲜明对比的是，安土桃山时期的特点是宏伟的多彩风格，大量使用金箔和银箔，以及大规模的作品。 由织田信长，丰臣秀吉，德川家康及其追随者光顾的Kanō学校在规模和声望方面获得了巨大的成就。 KanōEitoku开发了一个公式，用于在围绕房间的滑动门上创建纪念性景观。 这些巨大的屏风和壁画被委托装饰军事贵族的城堡和宫殿。 这种状态持续到随后的江户时代，因为德川幕府继续宣传Kanō学校的作品，作为shōgun，daimyōs和Imperial宫廷的官方认可的艺术。

然而，在Azuchi-Momoyama时期，非卡诺学校的艺术家和潮流也存在和发展，使中国主题适应日本的材料和美学。 其中一个重要的群体是土佐学校，该学校主要以yamato-e传统开发，主要以小型作品和书籍或电子书格式的文学经典插图而闻名。

Azuchi-Momoyama时期的重要艺术家包括：

KanōEitoku（1543-1590）
KanōSanraku（1559-1663）
KanōTan’yū（1602-1674）
HasegawaTōhaku（1539-1610）
KaihōYūshō（1533-1615）
江户时代（1603-1868）

许多艺术史学家将江户时代视为安土桃山时代的延续。 当然，在江户时代早期，许多以前的绘画趋势仍然很受欢迎; 然而，也出现了一些新的趋势。

在江户时代早期出现的一所非常重要的学校是Rinpa学校，它使用古典主题，但以大胆，奢华的装饰形式呈现。 Sōtatsu特别是通过从古典文学中重新创造主题来演变出一种装饰风格，使用色彩鲜艳的人物和来自金箔背景的自然世界的图案。 一个世纪之后，Korin重新设计了Sōtatsu的风格，并创造了独一无二的视觉华丽作品。

在Azuchi-Momoyama时期开始的另一个重要类型，但在江户时代初期达到了全面发展的是Namban艺术，既描绘了异国情调的外国人，也使用了异国情调的外国人风格。 这种类型以长崎港为中心，在德川幕府的国家隐居政策开始后，这是日本唯一对外贸易开放的港口，因此成为中国和欧洲艺术影响力来日本的渠道。 这一类型的绘画包括长崎学校绘画，以及Maruyama-Shijo学校，它将中西方的影响与传统的日本元素相结合。

江户时代的第三个重要趋势是Bunjinga（文人画）类型的兴起，也被称为Nanga学校（南方绘画学校）。 这种类型起源于对中国学者 – 业余画家的作品的模仿，其作品和技术在18世纪中叶来到日本。 KuwayamaGeokushū大师是创造bunjin风格的最大支持者。 他认为中国文人在单色绘画的同一层次上会考虑多色景观。 此外，他还包括一些日本传统主义艺术家，如Rinpa集团的TawarayaSōtatsu和OgataKōrin，以及Nanga的主要代表。 后来的bunjinga艺术家大大改变了这一类型的技术和主题，创造了日本和中国风格的融合。 这种风格的典范包括Ike no Taiga，UragamiGyokudō，Yosa Buson，Tanomura Chikuden，TaniBunchō和Yamamoto Baiitsu。

由于德川幕府的财政和社会紧缩政策，这些流派和风格的奢侈模式在很大程度上局限于社会的上层，如果没有实际上被禁止下层阶级，则无法获得。 普通人开发了一种独立的艺术形式，fūzokuga，（风俗画，类型艺术），其中描绘普通日常生活场景的绘画，特别是普通人，歌舞伎剧场，妓女和风景画的场景很受欢迎。 这些16世纪的绘画产生了浮世绘的绘画和木刻版画。

江户时代的重要艺术家包括：

TawarayaSōtatsu（1643年去世）
Tosa Mitsuoki（1617-1691）
OgataKōrin（1658-1716）
祗园南开（1677-1751）
Sakaki Hyakusen（1697-1752）
Yanagisawa Kien（1704-1758）
Yosa Buson（1716-1783）
ItōJakuchū（1716-1800）
Ike no Taiga（1723-1776）
Suzuki Harunobu（约1725-1770）
SogaShōhaku（1730-1781）
MaruyamaŌkyo（1733-1795）
冈田北三金（1744-1820）
UragamiGyokudō（1745-1820）
Matsumura Goshun（1752-1811）
葛饰北斋（1760-1849）
TaniBunchō（1763-1840）
Tanomura Chikuden（1777-1835）
OkadaHankō（1782-1846）
Yamamoto Baiitsu（1783-1856）
Watanabe Kazan（1793-1841）
歌川广重（1797-1858）
Shibata Zeshin（1807-1891）
Tomioka Tessai（1836-1924）
Kumashiro Hi（Yūhi）（约1712-1772）

战前时期（1868-1945）
战前时期的特点是将艺术分为竞争的欧洲风格和传统的土着风格。

在明治时期，日本在明治政府组织的欧洲化和现代化运动中经历了巨大的政治和社会变革。 西洋绘画（yōga）由政府正式推广，政府派遣有前途的年轻艺术家到国外学习，并聘请外国艺术家来日本在日本学校建立艺术课程。

然而，在对西方风格艺术的最初热情之后，钟摆朝着相反的方向摆动，并由艺术评论家OkakuraKakuzō和教育家Ernest Fenollosa领导，对日本传统风格（Nihonga）的复兴有所回升。 在19世纪80年代，西方风格的艺术被禁止参加官方展览，并受到评论家的严厉批评。 在Okakura和Fenollosa的支持下，Nihonga风格的演变受到欧洲拉斐尔前派运动和欧洲浪漫主义的影响。

Yōga风格画家组建了Meiji Bijutsukai（明治美术协会）举办自己的展览，并促进对西方艺术的新兴趣。

1907年，随着教育部主持下的Bunten的建立，两个竞争团体发现了相互承认和共存，甚至开始了相互合成的过程。

大正时期Yōga占据了Nihonga的主导地位。 在欧洲长期居住之后，许多艺术家（包括Arishima Ikuma）在Yoshihito的统治下回到了日本，带来了印象派和早期后印象派的技巧。 Camille Pissarro，PaulCézanne和Pierre-Auguste Renoir的作品影响了早期的Taishō时期绘画。 然而，大正时期的yōga艺术家也倾向于折衷主义，并且有大量持不同政见的艺术运动。 其中包括Fusain Society（Fyuzankai），它强调后印象派的风格，尤其是野兽派。 1914年，Nikakai（第二师协会）出现反对政府赞助的Bunten展览。

大正时期的日本绘画只受到其他当代欧洲运动的轻微影响，如新古典主义和后印象派晚期。

然而，在20世纪20年代中期，Nihonga又复活了，它采用了后印象派的某些趋势。 第二代Nihonga艺术家组建了日本美术学院（Nihon Bijutsuin），与政府赞助的Bunten竞争，虽然yamato-e传统依然强大，但西方视角和西方空间和光明概念的使用越来越多。模糊了Nihonga和yōga之间的区别。

战前Shōwa时期的日本绘画主要由SōtarōYasui和RyūzaburōUmehara主导，他们将纯艺术和抽象绘画的概念引入Nihonga传统，从而创造了该类型的更具解释性的版本。 Leonard Foujita和Nika Society进一步发展了这一趋势，包括超现实主义。 为了促进这些趋势，独立艺术协会（Dokuritsu Bijutsu Kyokai）成立于1931年。

在第二次世界大战期间，政府控制和审查意味着只能表达爱国主题。 许多艺术家被招募参与政府的宣传工作，对他们作品的批判性非情感评论才刚刚开始。

战前时期的重要艺术家包括：

HaradaNaojirō（1863-1899）
YamamotoHōsui（1850-1906）
AsaiChū（1856-1907）
KanōHōgai（1828-1888）
HashimotoGahō（1835-1908）
黑田精机（1866-1924）
和田荣作（1874-1959）
OkadaSaburōsuke（1869-1939）
SakamotoHanjirō（1882-1962）
Aoki Shigeru（1882-1911）
藤岛武司（1867-1943）
Yokoyama Taikan 1868-1958
HishidaShunsō1874-1911
KawaiYyokudō1873-1957
UemuraShōen（1875-1949）
Maeda Seison（1885-1977）
TakeuchiSeihō（1864-1942）
Tomioka Tessai（1837-1924）
Shimomura Kanzan（1873-1930）
Takeshiro Kanokogi（1874-1941）
今村四郎（1880-1916）
Tomita Keisen（1879-1936）
Koide Narashige（1887-1931）
KishidaRyūsei（1891-1929）
TetsugorōYorozu（1885-1927）
早见Gyoshū（1894-1935）
KawabataRyūshi（1885-1966）
Tsuchida Hakusen（1887-1936）
村上化学（1888-1939）
SōtarōYasui（1881-1955）
Sanzō和田（1883-1967）
RyūzaburōUmehara（1888-1986）
Yasuda Yukihiko（1884-1978）
Kobayashi Kokei（1883-1957）
Leonard Foujita（1886-1968）
YuzōSaeki（1898-1928）
ItōShinsui（1898-1972）
Kaburaki Kiyokata（1878-1972）
Takehisa Yumeji（1884-1934）

战后时期（1945年至今）
在战后时期，政府赞助的日本艺术学院（Nihon Geijutsuin）成立于1947年，包含nihonga和yōga部门。 政府对艺术展览的赞助已经结束，但已经被更大规模的私人展览所取代，例如Nitten。 虽然Nitten最初是日本艺术学院的展览，但自1958年以来它一直由一家独立的私人公司经营。 参加Nitten几乎已成为提名日本艺术学院的先决条件，日本艺术学院本身几乎是提名文化勋章的非正式先决条件。

江户时代和战前时期（1603-1945）的艺术得到了商人和城市人的支持。 与江户时代和战前时期相反，战后时期的艺术变得流行起来。 第二次世界大战后，画家，书法家和版画家在大城市，尤其是东京，蓬勃发展，并专注于城市生活的机制，反映在闪烁的灯光，霓虹色和抽象的狂热节奏。 纽约 – 巴黎艺术界的所有“主义”都被热烈拥抱。 在20世纪60年代的抽象之后，20世纪70年代，由于“op”和“pop”艺术运动强烈地回归现实主义，体现在20世纪80年代Ushio Shinohara的爆炸性作品中。 许多这样杰出的前卫艺术家在日本和国外都有工作，赢得了国际奖项。 这些艺术家认为他们的作品“没有日本人”，他们确实属于国际学校。 到了20世纪70年代后期，对日本品质和民族风格的追求使得许多艺术家重新评估他们的艺术意识形态，转而忽视了一些人认为西方空洞的公式。 现代成语中的当代绘画开始有意识地使用日本传统艺术形式，装置和意识形态。 许多单身汉艺术家转向绘画，以重现空间布局，色彩和谐和抒情的传统细微差别。

日本式或nihonga绘画继续以战前的方式，在保留其内在特征的同时更新传统表达。 这种风格的艺术家仍然使用传统的颜色和墨水在丝绸或纸上绘画，而其他艺术家则使用新材料，如丙烯酸树脂。

许多较古老的艺术学校，尤其是江户时代和战前时期的艺术学院，仍在实践中。 例如，在20世纪80年代的Hikosaka Naoyoshi艺术中，战后时期的许多艺术家的作品反映了rimpa学校的装饰自然主义，其特点是辉煌，纯净的色彩和流血的洗涤。 20世纪80年代，MaruyamaŌkyo学校的现实主义和绅士学者的书法和自发的日本风格都得到了广泛的实践。 有时，所有这些学校，以及较旧的学校，如Kanō学校的墨水传统，都被日本风格和现代成语的当代艺术家所吸引。 由于20世纪70年代开始对日本式艺术的重新流行需求，许多日本风格的画家获得了奖项和奖项。 20世纪80年代，国际现代画家越来越多地利用了日本的学校，因为他们背离了西方风格。 趋势是综合东西方。 一些艺术家已经超越了两者之间的差距，优秀的画家筱田太郎也是如此。 她大胆的墨西哥绘画抽象灵感来自传统书法，但实现了现代抽象的抒情表达。

日本还有一些当代画家的作品很大程度上受到动漫亚文化以及流行和青年文化的其他方面的启发。 村上隆也许是其中最着名和最受欢迎的人，以及他的Kaikai Kiki工作室集体中的其他艺术家。 他的工作重点是通过看似无害的形式表达战后日本社会的问题和关注点。 他大量从动漫和相关风格中汲取灵感，但在传统上与美术相关的媒体中制作绘画和雕塑，故意模糊商业和流行艺术与美术之间的界限。

战后时期的重要艺术家包括：

Ogura Yuki（1895-2000）
UemuraShōko（1902-2001）
KoisoRyōhei（1903-1988）
Kaii Higashiyama（1908-1999）