Pittura giapponese

La pittura giapponese (giapponese: 絵 画) è una delle più antiche e raffinatissime arti visive giapponesi, comprendente un’ampia varietà di generi e stili. Come per la storia delle arti giapponesi in generale, la lunga storia della pittura giapponese esibisce sintesi e competizione tra l’estetica giapponese nativa e l’adattamento di idee importate, principalmente dalla pittura cinese che è stata particolarmente influente in una serie di punti; l’influenza occidentale significativa viene solo dal tardo XVI secolo in poi, cominciando contemporaneamente all’arte giapponese che influenza quella dell’Occidente.

Le aree di argomento in cui l’influenza cinese è stata ripetutamente significativa includono la pittura religiosa buddista, la pittura a inchiostro dei paesaggi nella tradizione della pittura letteraria cinese, la calligrafia degli ideogrammi e la pittura di animali e piante, in particolare uccelli e fiori. Tuttavia, in tutti questi campi si sono sviluppate tradizioni tipicamente giapponesi. L’argomento che è ampiamente considerato come il più caratteristico della pittura giapponese, e in seguito la stampa, è la rappresentazione di scene della vita quotidiana e scene narrative che sono spesso affollate di figure e dettagli. Questa tradizione iniziò senza dubbio nel primo periodo medievale sotto l’influenza cinese che ora è al di là del tracciamento, tranne nei termini più generali, ma dal periodo delle prime opere sopravvissute si era sviluppata in una tradizione specificamente giapponese che durò fino al periodo moderno.

L’Elenco ufficiale dei tesori nazionali del Giappone (dipinti) comprende 158 opere o serie di opere dall’8 ° al 19 ° secolo (pur includendo un certo numero di dipinti cinesi che sono stati a lungo in Giappone) che rappresentano i picchi di realizzazione, o sopravvivenze molto rare dai primi periodi.

Sequenza temporale

Periodo del Giappone antico e Asuka (fino al 710)
Le origini della pittura in Giappone risalgono addirittura al periodo preistorico giapponese. Rappresentazioni figurative semplici, nonché disegni botanici, architettonici e geometrici si trovano su ceramiche d ‘epoca Jōmon e campane in bronzo dōtaku del periodo Yayoi (300 aC – 300 dC). Dipinti murali con disegni sia geometrici che figurativi sono stati trovati in numerosi tumuli risalenti al periodo Kofun e al periodo Asuka (300-700 d.C.).

Insieme all’introduzione del sistema di scrittura cinese (kanji), alle modalità cinesi di amministrazione governativa e al buddismo nel periodo Asuka, molte opere d’arte furono importate in Giappone dalla Cina e iniziarono a produrre copie locali in stili simili.

Periodo Nara (710-794)
Con l’ulteriore insediamento del buddismo nel Giappone del VI e VII secolo, la pittura religiosa fiorì e fu usata per adornare numerosi templi eretti dall’aristocrazia. Tuttavia, il Giappone del periodo Nara è riconosciuto più per importanti contributi nell’arte della scultura che nella pittura.

I primi dipinti sopravvissuti di questo periodo includono i murales sulle pareti interne del Kondō (金堂) nel tempio Hōryū-ji a Ikaruga, nella prefettura di Nara. Questi dipinti murali, così come le immagini dipinte sull’importante santuario Tamamushi includono narrazioni come jataka, episodi della vita del Buddha storico, Shakyamuni, oltre a immagini iconiche di buddha, bodhisattva e varie divinità minori. Lo stile ricorda la pittura cinese della dinastia Sui o del tardo periodo dei Sedici Regni. Tuttavia, a metà del periodo Nara, i dipinti nello stile della dinastia Tang divennero molto popolari. Questi includono anche i murales nella tomba Takamatsuzuka, risalente al 700 circa. Questo stile si è evoluto nel genere (Kara-e), che è rimasto popolare durante il primo periodo Heian.

Poiché la maggior parte dei dipinti del periodo Nara sono di natura religiosa, la stragrande maggioranza è di artisti anonimi. Una vasta collezione di arte del periodo Nara, giapponese e della dinastia Tang cinese è conservata nello Shōsō-in, un deposito dell’VIII secolo, precedentemente di proprietà di Tōdai-ji e attualmente amministrato dall’Imperial Household Agency.

Periodo Heian (794-1185)
Con lo sviluppo delle sette buddhiste esoteriche di Shingon e Tendai, la pittura dell’VIII e del IX secolo è caratterizzata da immagini religiose, in particolare il Mandala dipinto (曼荼羅 mandara). Numerose versioni di mandala, in particolare il Mandala del Reame del Diamante e il Mandala del Reame del Grembo a Tōji a Kyoto, furono create come rotoli pendenti e anche come murales sulle pareti dei templi. Un famoso esempio precedente è la pagoda di cinque piani di Daigo-ji, un tempio a sud di Kyoto.

Con la crescente importanza delle sette della Terra Pura del Buddhismo giapponese nel 10 ° secolo, furono sviluppati nuovi tipi di immagine per soddisfare i bisogni devozionali di queste sette. Questi includono raigōzu (来 迎 図), che raffigurano il Buddha Amida insieme ai bodhisattva presenti Kannon e Seishi che arrivano ad accogliere le anime dei fedeli defunti nel Paradiso Occidentale di Amida. Un famoso primo esempio risalente al 1053 è dipinto all’interno della Phoenix Hall del Byōdō-in, un tempio di Uji, a Kyoto. Questo è anche considerato un primo esempio del cosiddetto Yamato-e (大 和 絵, “pittura in stile giapponese”), nella misura in cui include elementi del paesaggio come dolci colline che sembrano riflettere qualcosa dell’aspetto reale del paesaggio di Giappone occidentale. Stilisticamente, tuttavia, questo tipo di pittura continua ad essere informata dalle tradizioni della pittura di paesaggio cinese “blu e verde” della dinastia Tang. Yamato-e è un termine impreciso che continua a essere discusso tra gli storici dell’arte giapponese.

Il periodo medio-Heian è visto come l’età d’oro di Yamato-e, inizialmente usato principalmente per porte scorrevoli (fusuma) e schermi pieghevoli (byōbu). Tuttavia, anche i nuovi formati di pittura sono venuti alla ribalta, soprattutto verso la fine del periodo Heian, tra cui l’emakimono, o lunghi handscroll illustrati. Le varietà di emakimono comprendono romanzi illustrati, come il Genji Monogatari, opere storiche, come il Ban Dainagon Ekotoba, e opere religiose. In alcuni casi, gli artisti di emaki usavano convenzioni narrative pittoriche che erano state usate nell’arte buddista fin dall’antichità, mentre in altri tempi hanno escogitato nuove modalità narrative che si ritiene possano trasmettere visivamente il contenuto emotivo della narrativa sottostante. Genji Monogatari è organizzato in episodi discreti, mentre il più vivace Ban Dainagon Ekotoba utilizza una modalità narrativa continua per enfatizzare il movimento in avanti della narrazione. Questi due emaki si differenziano anche stilisticamente, con le rapide pennellate e la colorazione chiara di Ban Dainagon che contrasta nettamente con le forme astratte e i vivaci pigmenti minerali dei rotoli di Genji. L’assedio del palazzo Sanjō è un altro famoso esempio di questo tipo di pittura.

Gli E-maki sono anche alcuni dei primi e più grandi esempi di onna-e (“quadri per donne”) e otoko-e (“quadri per uomini”) e stili di pittura. Ci sono molte differenze sottili nei due stili. Sebbene i termini sembrino suggerire le preferenze estetiche di ciascun genere, gli storici dell’arte giapponese hanno a lungo discusso il significato reale di questi termini, e rimangono poco chiari. Forse più facilmente notabili sono le differenze in materia. Onna-e, incarnato dal racconto delle mani di Tale of Genji, di solito tratta la vita di corte e il romanticismo di corte mentre otoko-e, spesso si occupa di eventi storici o semi-leggendari, in particolare battaglie.

Periodo Kamakura (1185-1333)
Questi generi continuarono durante il periodo di Kamakura in Giappone. E-maki di vario genere continuò a essere prodotto; tuttavia, il periodo Kamakura era molto più fortemente caratterizzato dall’arte della scultura, piuttosto che dalla pittura.

Poiché la maggior parte dei dipinti nei periodi di Heian e Kamakura sono di natura religiosa, la stragrande maggioranza è di artisti anonimi.

Periodo Muromachi (1333-1573)
Nel corso del XIV secolo, lo sviluppo dei grandi monasteri Zen di Kamakura e Kyoto ebbe un forte impatto sulle arti visive. Suibokuga, un austero stile monocromatico di pittura a inchiostro introdotta dalla dinastia Song e Yuan, la Cina ha in gran parte sostituito i dipinti policromi a forma di pergamena del periodo precedente, sebbene alcuni ritratti policromi rimangano – primari sotto forma di dipinti chinso di monaci Zen. Tipico di tale dipinto è la raffigurazione del sacerdote-pittore Kaō del leggendario monaco Kensu (Hsien-tzu in cinese) nel momento in cui raggiunse l’illuminazione. Questo tipo di pittura è stata eseguita con pennellate veloci e un minimo di dettagli.

Cattura un pesce gatto con una zucca (che si trova a Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), dal sacerdote-pittore Josetsu, segna una svolta nella pittura di Muromachi. In primo piano un uomo è raffigurato sulla sponda di un ruscello che regge una piccola zucca e osserva un grosso pesce gatto scivoloso. Nebbia riempie la terra di mezzo, e lo sfondo, le montagne sembrano essere molto lontane. Generalmente si presume che il “nuovo stile” del dipinto, eseguito intorno al 1413, si riferisca a un senso più cinese dello spazio profondo all’interno del piano pittorico.

Alla fine del XIV secolo, i monocromatici dipinti di paesaggi (山水画 sansuiga) avevano trovato il patronato della famiglia al potere Ashikaga ed era il genere preferito tra i pittori Zen, gradualmente evolvendosi dalle sue radici cinesi a uno stile più giapponese. Un ulteriore sviluppo della pittura di paesaggio è stato il rotolo di immagini poetiche, noto come shigajiku.

I più importanti artisti del periodo Muromachi sono i sacerdoti-pittori Shūbun e Sesshū. Shūbun, un monaco del tempio di Kyoto di Shōkoku-ji, ha creato nel dipinto Reading in a Bamboo Grove (1446) un paesaggio realistico con una profonda recessione nello spazio. Sesshū, a differenza della maggior parte degli artisti del periodo, è stato in grado di recarsi in Cina e studiare la pittura cinese alla fonte. Il paesaggio delle Quattro Stagioni (Sansui Chokan, 1486 circa) è uno dei lavori più riusciti di Sesshu, raffigurante un paesaggio continuo attraverso le quattro stagioni.

Nel tardo periodo di Muromachi, la pittura a inchiostro era emigrata dai monasteri Zen nel mondo dell’arte in generale, come gli artisti della scuola Kanō e della scuola Ami (ja: 阿 弥 派) hanno adottato lo stile e i temi, ma introducendo un materiale più plastico e effetto decorativo che continuerà nei tempi moderni.

Importanti artisti nel periodo Muromachi in Giappone includono:

Mokkei (1250 circa)
Mokuan Reien (morto nel 1345)
Kaō Ninga (e.14 ° secolo)
Mincho (1352-1431)
Josetsu (1405-1423)
Tenshō Shūbun (morto nel 1460)
Sesshū Tōyō (1420-1506)
Kanō Masanobu (1434-1530)
Kanō Motonobu (1476-1559)
In netto contrasto con il precedente periodo Muromachi, il periodo Azuchi-Momoyama era caratterizzato da un grandioso stile policromo, con ampio uso di lamine d’oro e d’argento, e da opere su larga scala. La scuola Kanō, frequentata da Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu e i loro seguaci, ha guadagnato enormemente dimensioni e prestigio. Kanō Eitoku ha sviluppato una formula per la creazione di paesaggi monumentali sulle porte scorrevoli che racchiudono una stanza. Questi enormi schermi e pitture murali furono commissionati per decorare i castelli e i palazzi della nobiltà militare. Questo status continuò nel successivo periodo Edo, poiché il bakufu Tokugawa continuò a promuovere le opere della scuola Kanō come l’arte ufficialmente sancita per lo shōgun, il daimyōs e la corte imperiale.

Tuttavia, gli artisti e le correnti scolastiche non Kano esistevano e si svilupparono anche durante il periodo Azuchi-Momoyama, adattando i temi cinesi ai materiali e all’estetica giapponesi. Un gruppo importante era la scuola Tosa, che si sviluppava principalmente dalla tradizione yamato-e, che era nota soprattutto per le opere su piccola scala e le illustrazioni di classici della letteratura in formato libro o emaki.

Artisti importanti nel periodo Azuchi-Momoyama includono:

Kanō Eitoku (1543-1590)
Kanō Sanraku (1559-1663)
Kanō Tan’yū (1602-1674)
Hasegawa Tōhaku (1539-1610)
Kaihō Yūshō (1533-1615)
Periodo Edo (1603-1868)

Molti storici dell’arte mostrano il periodo Edo come una continuazione del periodo Azuchi-Momoyama. Certamente, durante il primo periodo Edo, molte delle precedenti tendenze nella pittura continuarono ad essere popolari; tuttavia, sono emerse anche una serie di nuove tendenze.

Una scuola molto significativa nata nel primo periodo Edo era la scuola Rinpa, che utilizzava temi classici, ma li presentava in un formato audace e generosamente decorativo. Sōtatsu in particolare ha sviluppato uno stile decorativo ri-creando temi dalla letteratura classica, usando figure e motivi dai colori brillanti del mondo naturale ambientato su sfondi a foglia d’oro. Un secolo dopo, Korin rielaborò lo stile di Sōtatsu e creò opere visivamente meravigliose unicamente sue.

Un altro genere importante, che ebbe inizio durante il periodo Azuchi-Momoyama, ma che raggiunse il suo pieno sviluppo durante il primo periodo Edo, fu l’arte Nambana, sia nella raffigurazione di stranieri esotici che nell’uso dello stile esotico straniero nella pittura. Questo genere era centrato attorno al porto di Nagasaki, che dopo l’inizio della politica di isolamento nazionale dello shogunato Tokugawa era l’unico porto giapponese rimasto aperto al commercio estero, ed era quindi il canale attraverso il quale le influenze artistiche cinesi ed europee arrivarono in Giappone. I dipinti di questo genere comprendono dipinti della scuola di Nagasaki e anche la scuola Maruyama-Shijo, che combinano influenze cinesi e occidentali con elementi tradizionali giapponesi.

Una terza importante tendenza nel periodo Edo è stata l’ascesa del genere Bunjinga (pittura letterata), noto anche come scuola Nanga (scuola di pittura meridionale). Questo genere iniziò come un’imitazione delle opere di studiosi cinesi dilettanti della dinastia Yuan, le cui opere e tecniche arrivarono in Giappone nella metà del XVIII secolo. Il Maestro Kuwayama Gyokushū è stato il più grande sostenitore della creazione dello stile bunjin. Egli teorizzò che i paesaggi policromi dovevano essere considerati allo stesso livello dei dipinti monocromatici dei letterati cinesi. Inoltre, ha incluso alcuni artisti tradizionalisti giapponesi, come Tawaraya Sōtatsu e Ogata Kōrin del gruppo Rinpa, tra i principali rappresentanti di Nanga. In seguito, gli artisti di Bunjinga hanno considerevolmente modificato sia le tecniche che l’argomento di questo genere per creare una fusione di stili giapponesi e cinesi. Gli esemplari di questo stile sono Ike no Taiga, Uragami Gyokudō, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō e Yamamoto Baiitsu.

A causa delle politiche di austerità fiscale e sociale dello shogunato di Tokugawa, le modalità lussuose di questi generi e stili erano largamente limitate agli strati superiori della società e non erano disponibili, se non addirittura proibite alle classi inferiori. La gente comune ha sviluppato un tipo di arte distinto, il fūzokuga, (風俗 画, l’arte di genere) in cui la pittura raffigurante scene di vita quotidiana comune, in particolare quella della gente comune, teatro kabuki, prostitute e paesaggi erano popolari. Questi dipinti nel XVI secolo diedero origine ai dipinti e alle stampe in legno di ukiyo-e.

Artisti importanti nel periodo Edo includono:

Tawaraya Sōtatsu (morto nel 1643)
Tosa Mitsuoki (1617-1691)
Ogata Kōrin (1658-1716)
Gion Nankai (1677-1751)
Sakaki Hyakusen (1697-1752)
Yanagisawa Kien (1704-1758)
Yosa Buson (1716-1783)
Itō Jakuchū (1716-1800)
Ike no Taiga (1723-1776)
Suzuki Harunobu (1725-1770 circa)
Soga Shōhaku (1730-1781)
Maruyama Ōkyo (1733-1795)
Okada Beisanjin (1744-1820)
Uragami Gyokudō (1745-1820)
Matsumura Goshun (1752-1811)
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tani Bunchō (1763-1840)
Tanomura Chikuden (1777-1835)
Okada Hankō (1782-1846)
Yamamoto Baiitsu (1783-1856)
Watanabe Kazan (1793-1841)
Utagawa Hiroshige (1797-1858)
Shibata Zeshin (1807-1891)
Tomioka Tessai (1836-1924)
Kumashiro Hi (Yūhi) (1712-1772 circa)

Periodo prebellico (1868-1945)
Il periodo prebellico è stato caratterizzato dalla divisione dell’arte in stili europei in competizione e stili tradizionali indigeni.

Durante il periodo Meiji, il Giappone subì un tremendo cambiamento politico e sociale nel corso della campagna di europeizzazione e modernizzazione organizzata dal governo Meiji. La pittura in stile occidentale (yōga) fu ufficialmente promossa dal governo, che inviò giovani artisti promettenti all’estero per gli studi, e che ingaggiò artisti stranieri per venire in Giappone per stabilire un curriculum artistico nelle scuole giapponesi.

Tuttavia, dopo un iniziale entusiasmo per l’arte di stile occidentale, il pendolo oscillò nella direzione opposta, e guidato dal critico d’arte Okakura Kakuzō e dall’educatore Ernest Fenollosa, ci fu un revival di apprezzamento per gli stili tradizionali giapponesi (Nihonga). Negli anni ottanta dell’Ottocento, l’arte in stile occidentale fu bandita dalle mostre ufficiali e fu severamente criticata dalla critica. Supportato da Okakura e Fenollosa, lo stile Nihonga si è evoluto con influenze del movimento preraffaellita europeo e del romanticismo europeo.

I pittori di stile Yōga formarono la Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society) per tenere le proprie mostre e promuovere un rinnovato interesse per l’arte occidentale.

Nel 1907, con l’istituzione del Bunten sotto l’egida del Ministero dell’Istruzione, entrambi i gruppi in competizione trovarono reciproco riconoscimento e coesistenza, e persino iniziarono il processo verso la sintesi reciproca.

Il periodo Taishō vide la predominanza di Yōga su Nihonga. Dopo lunghi soggiorni in Europa, molti artisti (incluso Arishima Ikuma) sono tornati in Giappone sotto il regno di Yoshihito, portando con sé le tecniche dell’impressionismo e del primo post-impressionismo. Le opere di Camille Pissarro, Paul Cézanne e Pierre-Auguste Renoir influenzarono i primi dipinti del periodo Taishō. Tuttavia, gli artisti yōga nel periodo Taishō tendevano anche verso l’eclettismo, e c’era una profusione di movimenti artistici dissidenti. Questi includevano la Fusain Society (Fyuzankai) che enfatizzava stili di post-impressionismo, in particolare il fauvismo. Nel 1914, il Nikakai (Second Division Society) emerse per opporsi all’esibizione Bunten sponsorizzata dal governo.

La pittura giapponese durante il periodo Taishō fu influenzata solo lievemente da altri movimenti europei contemporanei, come il neoclassicismo e il tardo postimpressionismo.

Tuttavia, è stato il risorgente Nihonga, verso la metà degli anni ’20, che ha adottato alcune tendenze dal post-impressionismo. La seconda generazione di artisti di Nihonga formò la Japan Fine Arts Academy (Nihon Bijutsuin) per competere contro Bunten sponsorizzata dal governo, e sebbene le tradizioni yamato-e rimasero forti, l’uso crescente della prospettiva occidentale e i concetti occidentali di spazio e luce iniziarono a offusca la distinzione tra Nihonga e yōga.

La pittura giapponese nel periodo di Shōwa prebellico era in gran parte dominata da Sōtarō Yasui e Ryūzaburō Umehara, che introdussero i concetti di arte pura e pittura astratta alla tradizione di Nihonga, e così creò una versione più interpretativa di quel genere. Questa tendenza è stata ulteriormente sviluppata da Leonard Foujita e dalla Nika Society, per includere il surrealismo. Per promuovere queste tendenze, l’Associazione d’arte indipendente (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) è stata costituita nel 1931.

Durante la seconda guerra mondiale, i controlli governativi e la censura fecero sì che solo i temi patriottici potessero essere espressi. Molti artisti sono stati reclutati nello sforzo di propaganda del governo e la revisione critica non emotiva delle loro opere è appena agli inizi.

Artisti importanti nel periodo prebellico includono:

Harada Naojirō (1863-1899)
Yamamoto Hōsui (1850-1906)
Asai Chū (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828-1888)
Hashimoto Gahō (1835-1908)
Kuroda Seiki (1866-1924)
Wada Eisaku (1874-1959)
Okada Saburōsuke (1869-1939)
Sakamoto Hanjirō (1882-1962)
Aoki Shigeru (1882-1911)
Fujishima Takeji (1867-1943)
Yokoyama Taikan 1868-1958
Hishida Shunsō 1874-1911
Kawai Gyokudō 1873-1957
Uemura Shōen (1875-1949)
Maeda Seison (1885-1977)
Takeuchi Seihō (1864-1942)
Tomioka Tessai (1837-1924)
Shimomura Kanzan (1873-1930)
Takeshiro Kanokogi (1874-1941)
Imamura Shiro (1880-1916)
Tomita Keisen (1879-1936)
Koide Narashige (1887-1931)
Kishida Ryūsei (1891-1929)
Tetsugorō Yorozu (1885-1927)
Hayami Gyoshū (1894-1935)
Kawabata Ryūshi (1885-1966)
Tsuchida Hakusen (1887-1936)
Murakami Kagaku (1888-1939)
Sōtarō Yasui (1881-1955)
Sanzō Wada (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888-1986)
Yasuda Yukihiko (1884-1978)
Kobayashi Kokei (1883-1957)
Leonard Foujita (1886-1968)
Yuzō Saeki (1898-1928)
Itō Shinsui (1898-1972)
Kaburaki Kiyokata (1878-1972)
Takehisa Yumeji (1884-1934)

Periodo del dopoguerra (1945-oggi)
Nel dopoguerra, nel 1947 fu fondata la Japan Art Academy (Nihon Geijutsuin), sponsorizzata dal governo, che conteneva entrambe le divisioni nihonga e yōga. La sponsorizzazione governativa di mostre d’arte è finita, ma è stata sostituita da mostre private, come la Nitten, su una scala ancora più ampia. Sebbene Nitten fosse inizialmente la mostra della Japan Art Academy, dal 1958 è stata gestita da una società privata separata. La partecipazione al Nitten è diventata quasi un prerequisito per la nomina alla Japan Art Academy, che di per sé è quasi un prerequisito non ufficiale per la nomina all’Ordine della Cultura.

Le arti del periodo Edo e prebellico (1603-1945) furono sostenute da mercanti e gente urbana. In contrasto con il periodo Edo e prebellico, le arti del periodo postbellico divennero popolari. Dopo la seconda guerra mondiale, pittori, calligrafi e incisori fiorirono nelle grandi città, in particolare a Tokyo, e si preoccuparono dei meccanismi della vita urbana, riflessi nelle luci tremolanti, nei colori neon e nei ritmi frenetici delle loro astrazioni. Tutti gli “ismi” del mondo artistico di New York-Parigi sono stati accolti con fervore. Dopo le astrazioni degli anni ’60, gli anni ’70 videro un ritorno al realismo fortemente influenzato dai movimenti artistici “op” e “pop”, incarnati negli anni ’80 negli esplosivi lavori di Ushio Shinohara. Molti artisti d’avanguardia di spicco hanno lavorato sia in Giappone che all’estero, vincendo premi internazionali. Questi artisti sentivano che non c’era “nulla di giapponese” nelle loro opere, e in effetti appartenevano alla scuola internazionale. Alla fine degli anni ’70, la ricerca di qualità giapponesi e uno stile nazionale indussero molti artisti a rivalutare la loro ideologia artistica e ad allontanarsi da ciò che alcuni ritenevano fossero le formule vuote dell’Occidente. I dipinti contemporanei nel linguaggio moderno iniziarono a fare un uso consapevole delle forme, dei dispositivi e delle ideologie dell’arte giapponese tradizionale. Un certo numero di artisti mono-ha si sono rivolti alla pittura per riprendere le sfumature tradizionali negli arrangiamenti spaziali, nelle armonie cromatiche e nel lirismo.

La pittura in stile giapponese o nihonga continua in stile prebellico, aggiornando le espressioni tradizionali pur conservando il loro carattere intrinseco. Alcuni artisti di questo stile dipingono ancora su seta o carta con colori e inchiostro tradizionali, mentre altri usano nuovi materiali, come gli acrilici.

Molte delle più antiche scuole d’arte, in particolare quelle del periodo Edo e prebellico, erano ancora praticate. Ad esempio, il naturalismo decorativo della scuola rimpa, caratterizzato da colori brillanti e puri e lavaggi sanguinanti, si è riflesso nel lavoro di molti artisti del dopoguerra nell’arte degli anni ’80 di Hikosaka Naoyoshi. Il realismo della scuola di Maruyama Ōkyo e lo stile calligrafico e spontaneo giapponese dei gentiluomini erano entrambi ampiamente praticati negli anni ’80. A volte tutte queste scuole, così come quelle più vecchie, come le tradizioni dell’inchiostro scolastico Kanō, erano disegnate da artisti contemporanei nello stile giapponese e nel linguaggio moderno. Molti pittori in stile giapponese sono stati premiati con premi e riconoscimenti come risultato della rinnovata richiesta popolare di arte in stile giapponese a partire dagli anni ’70. Sempre di più, i pittori internazionali moderni hanno attirato anche le scuole giapponesi mentre si allontanavano dagli stili occidentali negli anni ’80. La tendenza era stata quella di sintetizzare est e ovest. Alcuni artisti hanno già saltato il divario tra i due, come ha fatto il famoso pittore Shinoda Toko. Le sue audaci astrazioni di inchiostro sumi sono state ispirate dalla calligrafia tradizionale ma realizzate come espressioni liriche dell’astrazione moderna.

Ci sono anche molti pittori contemporanei in Giappone, il cui lavoro è largamente ispirato alle sub-culture degli anime e ad altri aspetti della cultura popolare e giovanile. Takashi Murakami è forse tra i più famosi e popolari tra questi e gli altri artisti nel suo studio Kaikai Kiki. Il suo lavoro è incentrato sull’esprimere problemi e preoccupazioni della società giapponese del dopoguerra attraverso quelle che di solito sono forme apparentemente innocue. Si ispira pesantemente agli anime e agli stili correlati, ma produce dipinti e sculture in media più tradizionalmente associati alle belle arti, che offuscano intenzionalmente le linee tra arte commerciale e popolare e belle arti.

Artisti importanti nel periodo postbellico includono:

Ogura Yuki (1895-2000)
Uemura Shōko (1902-2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
Kaii Higashiyama (1908-1999)