Japanische Malerei (japanisch: 絵 画) ist eine der ältesten und raffiniertesten japanischen Bildenden Künsten, die eine große Vielfalt an Genres und Stilen umfasst. Wie in der Geschichte der japanischen Kunst im Allgemeinen zeigt die lange Geschichte der japanischen Malerei eine Synthese und Konkurrenz zwischen der einheimischen japanischen Ästhetik und der Anpassung eingeführter Ideen, hauptsächlich aus der chinesischen Malerei, die in einer Reihe von Punkten besonders einflussreich war; Ein bedeutender westlicher Einfluss kommt erst ab dem späten 16. Jahrhundert, als die japanische Kunst das westliche beeinflusste.

Themenbereiche, in denen der chinesische Einfluss immer wieder von Bedeutung war, sind die buddhistische religiöse Malerei, die Tuschmalerei von Landschaften in der chinesischen Tradition der Literatenmalerei, die Kalligraphie von Ideogrammen und die Malerei von Tieren und Pflanzen, insbesondere Vögeln und Blumen. In all diesen Bereichen haben sich jedoch deutlich japanische Traditionen entwickelt. Das Thema, das weithin als charakteristisch für die japanische Malerei und spätere Druckgrafik gilt, ist die Darstellung von Szenen aus dem täglichen Leben und von Erzählszenen, die oft mit Figuren und Details überfüllt sind. Diese Tradition begann zweifellos im frühen Mittelalter unter chinesischem Einfluss, die außer allgemeingültig ist, aber aus der Zeit der frühesten erhaltenen Werke sich zu einer spezifisch japanischen Tradition entwickelt hatte, die bis in die Neuzeit anhielt.

Die offizielle Liste der nationalen Schätze Japans (Gemälde) umfasst 158 ​​Werke oder Werkgruppen vom 8. bis zum 19. Jahrhundert (einschließlich einer Reihe von chinesischen Gemälden, die lange in Japan waren), die Höhepunkte oder sehr seltene Überreste darstellen aus frühen Perioden.

Zeitleiste

Alte Japan- und Asuka-Zeit (bis 710)
Die Ursprünge der Malerei in Japan reichen bis in die prähistorische Zeit Japans zurück. Einfache figürliche Darstellungen sowie botanische, architektonische und geometrische Entwürfe finden sich in Jōmon-Keramik und Yayoi-Zeit (300 v. Chr. – 300 n. Chr.) Dōtaku-Bronzeglocken. Wandmalereien mit sowohl geometrischen als auch figürlichen Motiven wurden in zahlreichen Grabhügeln aus der Kofun-Zeit und der Asuka-Zeit (300-700 n.Chr.) Gefunden.

Mit der Einführung des chinesischen Schriftsystems (Kanji), der chinesischen Regierungsverwaltung und des Buddhismus in der Asuka-Zeit wurden viele Kunstwerke aus China nach Japan importiert und lokale Kopien in ähnlichen Stilen hergestellt.

Nara-Zeit (710-794)
Mit der weiteren Etablierung des Buddhismus im Japan des 6. und 7. Jahrhunderts blühte die religiöse Malerei und wurde zum Schmücken zahlreicher von der Aristokratie errichteter Tempel verwendet. Nara-Zeit Japan wird jedoch mehr für wichtige Beiträge in der Kunst der Skulptur als Malerei erkannt.

Zu den frühesten erhaltenen Gemälden aus dieser Zeit gehören die Wandmalereien an den Innenwänden des Kondō (金堂) im Tempel Hōryū-ji in Ikaruga, Präfektur Nara. Diese Wandmalereien sowie gemalte Bilder auf dem wichtigen Tamamushi-Schrein enthalten Erzählungen wie Jataka, Episoden aus dem Leben des historischen Buddha, Shakyamuni, sowie ikonische Bilder von Buddhas, Bodhisattvas und verschiedenen kleineren Gottheiten. Der Stil erinnert an chinesische Malerei aus der Sui-Dynastie oder der späten Sechzehnkönigreichszeit. In der Mitte der Nara-Zeit wurden Gemälde im Stil der Tang-Dynastie sehr beliebt. Dazu gehören auch die Wandmalereien im Takamatsuzuka-Grab aus der Zeit um 700 n. Chr. Dieser Stil entwickelte sich zum (Kara-e) Genre, das durch die frühe Heian Periode populär blieb.

Da die meisten Gemälde der Nara-Zeit religiöser Natur sind, stammen die meisten Gemälde von anonymen Künstlern. Eine große Sammlung von Kunstwerken der Nara-Zeit, sowohl aus Japan als auch aus der chinesischen Tang-Dynastie, befindet sich im Shōsō-in, einem ehemaligen Aufbewahrungsort von Tōdai-ji aus dem 8. Jahrhundert, der derzeit von der kaiserlichen Haushaltsbehörde verwaltet wird.

Heian-Zeit (794-1185)
Mit der Entwicklung der esoterischen buddhistischen Sekten von Shingon und Tendai ist die Malerei des 8. und 9. Jahrhunderts durch religiöse Bilder gekennzeichnet, vor allem das gemalte Mandala (曼荼羅 mandara). Zahlreiche Versionen von Mandalas, am bekanntesten das Diamant-Reich-Mandala und das Gebärmutter-Reich-Mandala am Tōji in Kyoto, wurden als hängende Schriftrollen und auch als Wandbilder an den Wänden von Tempeln geschaffen. Ein frühes Beispiel ist die fünfstöckige Pagode Daigo-ji, ein Tempel südlich von Kyoto.

Mit der wachsenden Bedeutung der Pure Land Sekten des japanischen Buddhismus im 10. Jahrhundert wurden neue Bildtypen entwickelt, um den religiösen Bedürfnissen dieser Sekten gerecht zu werden. Dazu gehören Raigōzu (来 迎 図), die Amida Buddha zusammen mit den begleitenden Bodhisattvas darstellen. Kannon und Seishi kommen an, um die Seelen der Gläubigen willkommen zu heißen, die nach Amidas Westparadies aufgebrochen sind. Ein bekanntes frühes Beispiel aus dem Jahr 1053 ist im Inneren des Phoenix Hall des Byōdō-in, eines Tempels in Uji, Kyoto, gemalt. Dies gilt auch als ein frühes Beispiel für so genannte Yamato-e (大 和 絵, „Japanese-style painting“), insofern es Landschaftselemente wie z. B. sanft geschwungene Hügel umfasst, die etwas von der tatsächlichen Erscheinung der Landschaft zu reflektieren scheinen Westjapan. Stilistisch ist diese Art der Malerei jedoch weiterhin von den chinesischen Landschaftstraditionen der Tang-Dynastie geprägt. Yamato-e ist ein unpräziser Begriff, der unter Historikern der japanischen Kunst weiterhin diskutiert wird.

Die Mitte der Heian-Zeit gilt als das goldene Zeitalter der Yamato-e, die anfänglich hauptsächlich für Schiebetüren (Fusuma) und Faltschirme (byōbu) verwendet wurde. Aber auch neue Malformate traten besonders gegen Ende der Heian-Zeit in den Vordergrund, darunter auch Emakimono oder lange illustrierte Handcrolls. Zu den Varianten des Emakimonos gehören illustrierte Romane wie der Genji Monogatari, historische Werke wie das Ban Dainagon Ekotoba und religiöse Werke. In einigen Fällen verwendeten Emaki-Künstler bildliche Erzählkonventionen, die seit der Antike in der buddhistischen Kunst verwendet wurden, während sie zu anderen Zeiten neue Erzählweisen entwickelten, von denen angenommen wird, dass sie den emotionalen Inhalt der zugrundeliegenden Erzählung visuell vermitteln. Genji Monogatari ist in diskrete Episoden organisiert, während das lebhaftere Ban Dainagon Ekotoba einen kontinuierlichen Erzählmodus verwendet, um die Vorwärtsbewegung der Erzählung zu betonen. Diese zwei Emaki unterscheiden sich auch stilistisch, wobei die schnellen Pinselstriche und die helle Färbung von Ban Dainagon den abstrahierten Formen und den vibrierenden mineralischen Pigmenten der Genji-Schriftrollen stark kontrastieren. Die Belagerung des Sanjō-Palastes ist ein weiteres berühmtes Beispiel für diese Art von Malerei.

E-maki dienen auch als einige der frühesten und größten Beispiele der Onna-e („Frauenbilder“) und Otoko-e („Männerbilder“) und Stile der Malerei. Es gibt viele feine Unterschiede in den beiden Stilen. Obwohl die Begriffe auf die ästhetischen Präferenzen jedes Geschlechts schließen lassen, haben Historiker der japanischen Kunst lange über die tatsächliche Bedeutung dieser Begriffe diskutiert, und sie bleiben unklar. Am auffälligsten sind vielleicht die Unterschiede in der Thematik. Onna-e, verkörpert durch den Tale of Genji handscroll, beschäftigt sich in der Regel mit Hofleben und höfischer Romantik, während otoko-e sich oft mit historischen oder halb-legendären Ereignissen, insbesondere Schlachten, auseinandersetzt.

Kamakura-Zeit (1185-1333)
Diese Genres gingen weiter durch Kamakura-Zeit Japan. E-maki verschiedener Art wurden weiterhin hergestellt; Allerdings war die Kamakura-Zeit viel stärker von der Kunst der Skulptur als von der Malerei geprägt.

Da die meisten Gemälde in der Heian- und Kamakura-Periode religiöser Natur sind, stammen die meisten Gemälde von anonymen Künstlern.

Muromachi-Zeit (1333-1573)
Während des 14. Jahrhunderts hatte die Entwicklung der großen Zen-Klöster in Kamakura und Kyoto einen großen Einfluss auf die bildenden Künste. Suibokuga, ein strenger monochromer Tuschemalereistil aus der chinesischen Song- und Yuan-Dynastie, ersetzte weitgehend die polychromen Rollbilder der vorhergehenden Periode, obwohl einige polychrome Porträts erhalten blieben – primär in Form von Chinso-Gemälden von Zen-Mönchen. Typisch für eine solche Malerei ist die Darstellung des legendären Mönchs Kensu (Hsien-tzu auf Chinesisch) durch den Priester-Maler Kaō in dem Moment, in dem er Erleuchtung erlangt hat. Diese Art von Malerei wurde mit schnellen Pinselstrichen und einem Minimum an Details ausgeführt.

Der Fang eines Wels mit einem Kürbis (in Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto) vom Priester-Maler Josetsu markiert einen Wendepunkt in der Muromachi-Malerei. Im Vordergrund ist ein Mann am Ufer eines Flusses abgebildet, der einen kleinen Kürbis hält und einen großen, schlitzartigen Wels betrachtet. Nebel füllt den mittleren Boden, und der Hintergrund, Berge scheinen weit in der Ferne zu sein. Es wird allgemein angenommen, dass der „neue Stil“ des Gemäldes, der um 1413 ausgeführt wurde, auf ein chinesisches Raumgefühl innerhalb der Bildebene verweist.

Am Ende des 14. Jahrhunderts hatten monochrome Landschaftsgemälde (山水画 sansuiga) die Schirmherrschaft der herrschenden Ashikaga-Familie übernommen und waren unter den Zen-Malern das bevorzugte Genre, das sich allmählich von seinen chinesischen Wurzeln zu einem eher japanischen Stil entwickelte. Eine weitere Entwicklung der Landschaftsmalerei war die Gedichtbildrolle, genannt Shigajiku.

Die bedeutendsten Künstler der Muromachi-Zeit sind die Priester-Maler Shūbun und Sesshū. Shūbun, ein Mönch im Kyoto-Tempel von Shōkoku-ji, schuf in dem Gemälde Lesen in einem Bambushain (1446) eine realistische Landschaft mit tiefer Rezession in den Weltraum. Sesshū konnte, anders als die meisten Künstler dieser Zeit, nach China reisen und an seiner Quelle die chinesische Malerei studieren. Die Landschaft der vier Jahreszeiten (Sansui Chokan; c. 1486) ist eines von Sesshu’s vollendetsten Werken, die eine kontinuierliche Landschaft durch die vier Jahreszeiten darstellen.

In der späten Muromachi-Zeit war Tuschemalerei aus den Zen-Klöstern in die Kunstwelt im Allgemeinen gewandert, als Künstler der Kanō-Schule und der Ami-Schule (ja:: 弥 派) den Stil und die Themen annahmen, aber eine plastische und dekorative Wirkung, die bis in die Neuzeit andauern würde.

Wichtige Künstler in der Muromachi-Zeit Japan sind:

Mokkei (um 1250)
Mokuan Reien (gestorben 1345)
Kaō Ninga (e.14. Jahrhundert)
Mincho (1352-1431)
Josetsu (1405-1423)
Tenshō Shūbun (gestorben 1460)
Sesshū Tōyō (1420-1506)
Kanō Masanobu (1434-1530)
Kanō Motonobu (1476-1559)
In scharfem Gegensatz zu der früheren Muromachi-Periode war die Azuchi-Momoyama-Periode durch einen grandiosen polychromen Stil gekennzeichnet, der in großem Umfang mit Gold und Silberfolie und in großem Umfang gearbeitet wurde. Die Kanō-Schule, die von Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu und ihren Anhängern besucht wurde, gewann enorm an Größe und Prestige. Kanō Eitoku entwickelte eine Formel für die Schaffung von monumentalen Landschaften auf den Schiebetüren, die einen Raum einschließen. Diese riesigen Leinwände und Wandgemälde wurden in Auftrag gegeben, um die Schlösser und Paläste des Militäradels zu dekorieren. Dieser Status setzte sich in der folgenden Edo-Periode fort, als das Tokugawa bakufu fortfuhr, die Arbeiten der Kanō-Schule als die offiziell sanktionierte Kunst für die shōgun, Daimyōs und das kaiserliche Gericht zu fördern.

Aber auch Nicht-Kano-Schulkünstler und -strömungen existierten und entwickelten sich während der Azuchi-Momoyama-Zeit und passten chinesische Themen an japanische Materialien und Ästhetik an. Eine wichtige Gruppe war die Tosa-Schule, die sich vor allem aus der Yamato-e-Tradition entwickelte und vor allem für kleinformatige Arbeiten und Illustrationen literarischer Klassiker im Buch- oder Emaki-Format bekannt war.

Wichtige Künstler in der Azuchi-Momoyama-Periode sind:

Kanō Eitoku (1543-1590)
Kanō Sanraku (1559-1663)
Kanō Tan’yū (1602-1674)
Hasegawa Tōhaku (1539-1610)
Kaihō Yūshō (1533-1615)
Edo-Zeit (1603-1868)

Viele Kunsthistoriker zeigen die Edo-Zeit als eine Fortsetzung der Azuchi-Momoyama-Periode. Sicher, während der frühen Edo-Zeit waren viele der früheren Tendenzen in der Malerei weiterhin beliebt; Es gab jedoch auch eine Reihe neuer Trends.

Eine sehr bedeutende Schule, die in der frühen Edo-Zeit entstand, war die Rinpa-Schule, die klassische Themen verwendete, sie aber in einem kühnen und üppig dekorativen Format präsentierte. Insbesondere Sōtatsu entwickelte einen dekorativen Stil, indem er Motive aus der klassischen Literatur neu erfand, indem er brillant gefärbte Figuren und Motive aus der Natur vor Goldblatthintergründen verwendete. Ein Jahrhundert später überarbeitete Korin Sōtatsus Stil und schuf visuell hinreißende Werke, die einzigartig sind.

Ein anderes wichtiges Genre, das während der Azuchi-Momoyama-Periode begann, aber während der frühen Edo-Periode seine volle Entwicklung erreichte, war die Namban-Kunst, sowohl in der Darstellung exotischer Ausländer als auch in der Verwendung des exotischen Ausländerstils in der Malerei. Dieses Genre war um den Hafen von Nagasaki herum zentriert, der nach dem Beginn der nationalen Abschottungspolitik des Tokugawa Shogunats der einzige japanische Hafen war, der dem Außenhandel offen blieb und somit der Kanal war, durch den chinesische und europäische künstlerische Einflüsse nach Japan gelangten. Zu den Gemälden dieses Genres gehören die Nagasaki-Schule und die Maruyama-Shijo-Schule, die chinesische und westliche Einflüsse mit traditionellen japanischen Elementen verbindet.

Ein dritter wichtiger Trend in der Edo-Zeit war der Aufstieg des Bunjinga (Literatenmalerei) -Genres, auch bekannt als die Nanga-Schule (Southern Painting School). Dieses Genre begann als eine Nachahmung der Werke der chinesischen Gelehrten-Amateur-Maler der Yuan-Dynastie, deren Werke und Techniken in der Mitte des 18. Jahrhunderts nach Japan kamen. Meister Kuwayama Gyokushū war der größte Verfechter des Bunjin-Stils. Er theoretisierte, dass polychromatische Landschaften auf der gleichen Ebene monochromatischer Gemälde von chinesischen Literaten betrachtet werden sollten. Darüber hinaus hat er einige japanische Traditionalisten wie Tawaraya Sōtatsu und Ogata Kōrin aus der Rinpa-Gruppe zu den wichtigsten Nanga-Vertretern gezählt. Später änderten Bunjinga-Künstler sowohl die Techniken als auch das Thema dieses Genres erheblich, um eine Mischung aus japanischen und chinesischen Stilen zu schaffen. Die Exemplare dieses Stils sind Ike keine Taiga, Uragami Gyokudō, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō und Yamamoto Baiitsu.

Aufgrund der Politik des Tokugawa-Shogunats mit fiskalischer und sozialer Austerität waren die luxuriösen Modi dieser Genres und Stile weitgehend auf die oberen Schichten der Gesellschaft beschränkt und für die unteren Klassen nicht verfügbar, wenn nicht gar verboten. Das gemeine Volk entwickelte eine eigene Art von Kunst, die Fūzokuga (Genre 画, Genrekunst), in der Malerei mit Szenen aus dem alltäglichen Leben, vor allem der gewöhnlichen Menschen, Kabuki-Theater, Prostituierten und Landschaften populär war. Aus diesen Gemälden im 16. Jahrhundert stammen die Gemälde und Holzschnitte von Ukiyo-e.

Wichtige Künstler in der Edo-Zeit sind:

Tawaraya Sōtatsu (gestorben 1643)
Tosa Mitsuoki (1617-1691)
Ogata Kōrin (1658-1716)
Gion Nankai (1677-1751)
Sakaki Hyakusen (1697-1752)
Yanagisawa Kien (1704-1758)
Yosa Buson (1716-1783)
Itō Jakuchū (1716-1800)
Ike keine Taiga (1723-1776)
Suzuki Harunobu (ca. 1725-1770)
Soga Shōhaku (1730-1781)
Maruyama Ōkyo (1733-1795)
Okada Beisanjin (1744-1820)
Uragami Gyokudō (1745-1820)
Matsumura Goshun (1752-1811)
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tani Bunchō (1763-1840)
Tanomura Chikuden (1777-1835)
Okada Hankō (1782-1846)
Yamamoto Baiitsu (1783-1856)
Watanabe Kasan (1793-1841)
Utagawa Hiroshige (1797-1858)
Shibata Zeshin (1807-1891)
Tomioka Tessai (1836-1924)
Kumashiro Hi (Yūhi) (c. 1712-1772)

Vorkriegszeit (1868-1945)
Die Vorkriegszeit war geprägt von der Teilung der Kunst in konkurrierende europäische Stile und traditionelle indigene Stile.

Während der Meiji-Zeit erlebte Japan im Zuge der von der Meiji-Regierung organisierten Europäisierungs- und Modernisierungskampagne einen enormen politischen und sozialen Wandel. Die westliche Malerei (yōga) wurde offiziell von der Regierung gefördert, die vielversprechende junge Künstler ins Ausland entsandte und ausländische Künstler engagierte, die nach Japan kamen, um an japanischen Schulen einen Kunstlehrplan zu erstellen.

Nach anfänglichem Enthusiasmus für westliche Kunst schwankte das Pendel jedoch in die entgegengesetzte Richtung, und unter der Leitung des Kunstkritikers Okakura Kakuzō und des Pädagogen Ernest Fenollosa gab es eine Wiederbelebung der Wertschätzung traditioneller japanischer Stile (Nihonga). In den 1880er Jahren wurde westliche Kunst von offiziellen Ausstellungen verbannt und von Kritikern heftig kritisiert. Unterstützt von Okakura und Fenollosa entwickelte sich der Nihonga-Stil mit Einflüssen aus der europäischen Präraffaelitenbewegung und der europäischen Romantik.

Die Maler des Yōga-Stils gründeten die Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society), um eigene Ausstellungen zu veranstalten und ein erneutes Interesse an der westlichen Kunst zu fördern.

Im Jahr 1907, mit der Gründung der Bunten unter der Schirmherrschaft des Bildungsministeriums, fanden beide konkurrierenden Gruppen gegenseitige Anerkennung und Koexistenz und begannen sogar den Prozess der gegenseitigen Synthese.

Die Taishō-Periode sah die Vorherrschaft von Yōga über Nihonga. Nach langen Aufenthalten in Europa kehrten viele Künstler (darunter Arishima Ikuma) unter der Herrschaft von Yoshihito nach Japan zurück und brachten die Techniken des Impressionismus und frühen Postimpressionismus mit. Die Werke von Camille Pissarro, Paul Cézanne und Pierre-Auguste Renoir beeinflussten frühe Gemälde der Taishō-Zeit. Allerdings tendierten Yōga-Künstler in der Taishō-Zeit ebenfalls zum Eklektizismus, und es gab eine Fülle von regimekritischen künstlerischen Bewegungen. Dazu gehörte die Fusain-Gesellschaft (Fyuzankai), die Stile des Post-Impressionismus, insbesondere des Fauvismus, betonte. Im Jahr 1914 trat die Nikakai (Second Division Society) gegen die von der Regierung gesponserte Bunten-Ausstellung auf.

Die japanische Malerei während der Taishō-Zeit wurde von anderen zeitgenössischen europäischen Bewegungen, wie dem Neoklassizismus und dem späten Post-Impressionismus, nur leicht beeinflusst.

Gegen Mitte der 1920er Jahre war es jedoch wieder auflebendes Nihonga, das bestimmte Trends aus dem Post-Impressionismus übernahm. Die zweite Generation von Nihonga-Künstlern bildete die Japan Fine Arts Academy (Nihon Bijutsuin), um gegen die von der Regierung gesponserten Bunten anzutreten, und obwohl Yamato-e Traditionen stark blieben, begann die zunehmende Nutzung der westlichen Perspektive und westlichen Konzepte von Raum und Licht verschwimmen die Unterscheidung zwischen Nihonga und Yōga.

Die japanische Malerei in der Vorkriegs-Shōwa-Zeit wurde weitgehend von Sōtarō Yasui und Ryūzaburō Umehara beherrscht, die die Nihonga-Tradition mit den Konzepten der reinen Kunst und der abstrakten Malerei bekannt machten und so eine eher interpretierende Version dieses Genres schufen. Dieser Trend wurde von Leonard Foujita und der Nika Society weiterentwickelt, um den Surrealismus mit einzubeziehen. Um diese Trends zu fördern, wurde 1931 der Verein Unabhängige Kunst (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) gegründet.

Während des Zweiten Weltkriegs bedeutete Regierungskontrollen und Zensur, dass nur patriotische Themen ausgedrückt werden konnten. Viele Künstler wurden in die Regierungspropaganda-Bemühungen rekrutiert, und eine kritische nicht-emotionale Überprüfung ihrer Werke beginnt gerade erst.

Wichtige Künstler in der Vorkriegszeit sind:

Harada Naojirō (1863-1899)
Yamamoto Hōsui (1850-1906)
Asai Chū (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828-1888)
Hashimoto Gahō (1835-1908)
Kuroda Seiki (1866-1924)
Wada Eisaku (1874-1959)
Okada Saburosuke (1869-1939)
Sakamoto Hanjirō (1882-1962)
Aoki Shigeru (1882-1911)
Fujishima Takeji (1867-1943)
Yokoyama Taikan 1868-1958
Hishida Shunsō 1874-1911
Kawai Gyokudō 1873-1957
Uemura Shōen (1875-1949)
Maeda Seison (1885-1977)
Takeuchi Seihō (1864-1942)
Tomioka Tessai (1837-1924)
Shimomura Kanzan (1873-1930)
Takeshiro Kanokogi (1874-1941)
Imamura Shiro (1880-1916)
Tomita Keisen (1879-1936)
Koide Narashige (1887-1931)
Kishida Ryūsei (1891-1929)
Tetsugorō Yorozu (1885-1927)
Hayami Gyoshū (1894-1935)
Kawabata Ryūshi (1885-1966)
Tsuchida Hakusen (1887-1936)
Murakami Kagaku (1888-1939)
Sōtarō Yasui (1881-1955)
Sanzō Wada (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888-1986)
Yasuda Yukihiko (1884-1978)
Kobayashi Kokei (1883-1957)
Leonard Foujita (1886-1968)
Yuzō Saeki (1898-1928)
Itō Shinsui (1898-1972)
Kaburaki Kiyokata (1878-1972)
Takehisa Yumeji (1884-1934)

Nachkriegszeit (1945-heute)
In der Nachkriegszeit wurde 1947 die staatlich geförderte Japan Art Academy (Nihon Geijutsuin) gegründet, die sowohl die Nihonga- als auch die Yōga-Divisionen enthielt. Die staatliche Förderung von Kunstausstellungen ist beendet, wurde aber in noch größerem Umfang durch private Ausstellungen wie die Nitten ersetzt. Obwohl die Nitten ursprünglich die Ausstellung der Japan Art Academy war, wird sie seit 1958 von einer separaten privaten Körperschaft betrieben. Die Teilnahme am Nitten ist fast schon eine Voraussetzung für die Nominierung an die Japanische Kunstakademie, die für sich genommen fast schon eine inoffizielle Voraussetzung für die Nominierung zum Kulturorden ist.

Die Künste der Edo- und Vorkriegszeit (1603-1945) wurden von Kaufleuten und Stadtbewohnern unterstützt. Entgegen den Edo- und Vorkriegszeiten wurden die Künste der Nachkriegszeit populär. Nach dem Zweiten Weltkrieg blühten Maler, Kalligraphen und Druckgrafiker in den großen Städten, insbesondere in Tokio, und beschäftigten sich mit den Mechanismen des städtischen Lebens, die sich in den flackernden Lichtern, Neonfarben und dem hektischen Tempo ihrer Abstraktionen widerspiegelten. Alle „Ismen“ der Kunstwelt New York-Paris wurden leidenschaftlich umarmt. Nach den Abstraktionen der 1960er Jahre erlebten die 1970er Jahre eine Rückkehr zu einem Realismus, der von den Bewegungen der „Op“ – und „Pop“ -Kunst, die in den 1980er Jahren in den explosiven Werken von Ushio Shinohara verkörpert wurden, stark gewürzt war. Viele dieser herausragenden Avantgarde-Künstler arbeiteten sowohl in Japan als auch im Ausland und gewannen internationale Preise. Diese Künstler fühlten, dass es an ihren Werken „nichts Japanisches“ gab, und tatsächlich gehörten sie zur internationalen Schule. In den späten 1970er Jahren veranlasste die Suche nach japanischen Qualitäten und einem nationalen Stil viele Künstler dazu, ihre künstlerische Ideologie neu zu bewerten und sich von dem abzuwenden, was einige für die leeren Formeln des Westens hielten. Zeitgenössische Gemälde im modernen Idiom begannen, traditionelle japanische Kunstformen, Geräte und Ideologien bewusst zu nutzen. Eine Reihe von Mono-Ha-Künstlern wandte sich der Malerei zu, um traditionelle Nuancen in räumlichen Arrangements, Farbharmonien und Lyrismen wiederzuerlangen.

Die japanische oder nihonga-Malerei wird in der Vorkriegszeit fortgesetzt und aktualisiert traditionelle Ausdrücke, ohne dabei ihren intrinsischen Charakter zu verlieren. Einige Künstler in diesem Stil malen noch mit traditionellen Farben und Tusche auf Seide oder Papier, während andere neue Materialien wie Acryl verwenden.

Viele der älteren Kunstschulen, vor allem die der Edo- und Vorkriegszeit, wurden noch immer praktiziert. Der dekorative Naturalismus der rimpa-Schule, der sich durch brillante, reine Farben und blutende Waschungen auszeichnet, spiegelt sich zum Beispiel in den Arbeiten vieler Künstler der Nachkriegszeit in der Kunst des Hikosaka Naoyoshi der 1980er Jahre wider. Der Realismus von Maruyama Ōkyo’s Schule und der kalligraphische und spontane japanische Stil der Gentlemen-Gelehrten wurden beide in den 1980er Jahren weit verbreitet. Manchmal wurden alle diese Schulen sowie ältere Schulen, wie die Kano-Schule, von zeitgenössischen Künstlern im japanischen Stil und im modernen Idiom verwendet. Viele Maler im japanischen Stil wurden mit Preisen und Auszeichnungen geehrt, nachdem die japanische Kunst ab den 1970er Jahren wieder stark nachgefragt wurde. Mehr und mehr griffen die internationalen modernen Maler auch auf die japanischen Schulen zurück, als sie sich in den 1980er Jahren von westlichen Stilen abwandten. Die Tendenz war, Ost und West zu synthetisieren. Einige Künstler hatten die Lücke zwischen den beiden bereits geschlossen, ebenso wie der hervorragende Maler Shinoda Toko. Ihre kühnen Sumi-Ink-Abstraktionen wurden von der traditionellen Kalligraphie inspiriert, aber als lyrische Ausdrücke der modernen Abstraktion realisiert.

Es gibt auch eine Reihe von zeitgenössischen Malern in Japan, deren Arbeiten weitgehend von Anime-Subkulturen und anderen Aspekten der Volks- und Jugendkultur inspiriert sind. Takashi Murakami gehört zu den bekanntesten und populärsten unter ihnen, zusammen mit den anderen Künstlern seines Kaikai Kiki Studio-Kollektivs. Seine Arbeit konzentriert sich darauf, Themen und Anliegen der japanischen Nachkriegsgesellschaft durch scheinbar harmlose Formen auszudrücken. Er stützt sich stark auf Anime und verwandte Stile, produziert aber Gemälde und Skulpturen in den Medien, die traditionell mit den schönen Künsten in Verbindung gebracht werden und verwischt bewusst die Grenzen zwischen kommerzieller und populärer Kunst und bildender Kunst.

Wichtige Künstler in der Nachkriegszeit sind:

Ogura Yuki (1895-2000)
Uemura Shōko (1902-2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
Kai Higashiyama (1908-1999)