اللوحة اليابانية (اليابانية: 絵 画) هي واحدة من أقدم الفنون البصرية اليابانية وأكثرها دقة ، وتضم مجموعة متنوعة من الأنواع والأنماط. كما هو الحال في تاريخ الفنون اليابانية بشكل عام ، فإن التاريخ الطويل لمعرض اللوحات اليابانية هو التوليف والتنافس بين الجماليات اليابانية الأصلية والتكيف مع الأفكار المستوردة ، خاصة من اللوحة الصينية التي كانت مؤثرة بشكل خاص في عدد من النقاط ؛ التأثير الغربي الكبير لا يأتي إلا من القرن السادس عشر فيما بعد ، بدءاً من نفس الوقت الذي كان فيه الفن الياباني يؤثر على الغرب.

وتشمل مجالات الموضوعات التي كان التأثير الصيني فيها مراراً على الدوام ، الرسم الديني البوذي ، ورسومات غسل الحبر للمناظر الطبيعية في تقاليد الرسم الأدبي الصيني ، وخطوط الآيديوغراف ، وطلاء الحيوانات والنباتات ، وخاصة الطيور والزهور. ومع ذلك تطورت التقاليد اليابانية المميزة في جميع هذه المجالات. الموضوع الذي ينظر إليه على نطاق واسع على أنه أكثر خصائص اللوحة اليابانية ، وطباعتها فيما بعد ، هو تصوير المشاهد من الحياة اليومية والمشاهد السردية التي غالباً ما تكون مكتظة بالأرقام والتفاصيل. ولا شك أن هذه التقاليد بدأت في أوائل العصور الوسطى في ظل النفوذ الصيني الذي يتخطى الآن الأثر إلا في أكثر المصطلحات العامة ، ولكن من فترة أقدم الأعمال الباقية تطورت إلى تقاليد يابانية محددة استمرت حتى العصر الحديث.

تتضمن القائمة الرسمية للكنوز الوطنية اليابانية (اللوحات) 158 عملاً أو مجموعة من الأعمال من القرن الثامن إلى القرن التاسع عشر (على الرغم من أنها تضم ​​عددًا من اللوحات الصينية التي كانت موجودة منذ فترة طويلة في اليابان) والتي تمثل قمم الإنجاز ، أو الناجين الناجين جدًا من الفترات المبكرة.

الجدول الزمني

فترة اليابان القديمة وأسوكا (حتى 710)
تعود أصول الرسم في اليابان إلى فترة ما قبل التاريخ في اليابان. تم العثور على تماثيل تصويرية بسيطة ، وكذلك تصاميم نباتية ومعمارية وهندسية على الفخار فترة Jōmon وفترة Yayoi (300 قبل الميلاد – 300 م) أجراس البرونزية dōtaku. تم العثور على لوحات جدارية مع كل من التصاميم الهندسية والتصويرية في العديد من الورم التي يرجع تاريخها إلى فترة Kofun وفترة Asuka (300-700 ميلادي).

جنبا إلى جنب مع إدخال نظام الكتابة الصيني (كانجي) ، والطرق الصينية للإدارة الحكومية ، والبوذية في فترة أسوكا ، تم استيراد العديد من الأعمال الفنية إلى اليابان من الصين وبدأت النسخ المحلية في أساليب مماثلة لإنتاجها.

فترة نارا (710-794)
مع زيادة إنشاء البوذية في اليابان في القرنين السادس والسابع ، ازدهرت اللوحة الدينية واستخدمت لتزين العديد من المعابد التي أقامتها الطبقة الأرستقراطية. ومع ذلك ، يتم التعرف على اليابان فترة Nara- أكثر للمساهمات الهامة في فن النحت من اللوحة.

تضم أقدم اللوحات الباقية من هذه الفترة الجداريات على الجدران الداخلية للكوندو (金堂) في معبد Hōryū-ji في إيكاروغا ، محافظة نارا. تتضمن هذه اللوحات الجدارية ، بالإضافة إلى صور مرسومة على مزار تاماموشي الهام روايات مثل جاتاكا ، حلقات من حياة بوذا التاريخي ، شاكياموني ، بالإضافة إلى صور أيقونية لبوذا ، بوديساتفاس ، ومعبودات مختلفة. النمط يذكرنا بالرسم الصيني من سلالة سوي أو أواخر فترة الممالك السادسة عشر. ومع ذلك ، بحلول منتصف فترة نارا ، أصبحت اللوحات في أسلوب سلالة تانج تحظى بشعبية كبيرة. وتشمل هذه أيضا جداريات الجدار في مقبرة Takamatsuzuka ، التي يرجع تاريخها إلى حوالي 700 م. تطور هذا النمط إلى نوع (كارا-إي) ، الذي بقي شائعًا خلال فترة هييان المبكرة.

بما أن معظم اللوحات في فترة نارا دينية بطبيعتها ، فإن الغالبية العظمى من الفنانين المجهولين. يتم الحفاظ على مجموعة كبيرة من فن فترة نارا ، اليابانية وكذلك من سلالة تانغ الصينية في Shōsō-in ، وهو مستودع يعود للقرن الثامن كان مملوكًا من قبل Tōdai-ji وتديره حاليًا وكالة القصر الإمبراطوري.

فترة هييآن (794-1185)
مع تطور الطائفتين البوذيتين البائسين في Shingon و Tendai ، تتميز اللوحة من القرنين الثامن والتاسع بالتصوير الديني ، وأبرزها رسم Mandala (曼荼羅 mandara). تم إنشاء نسخ عديدة من ماندالا ، أشهرها عالم الماس ماندالا و Womb Realm Mandal في Tōji في كيوتو ، كمخطوطات معلقة ، وكذلك كجداريات على جدران المعابد. من الأمثلة المبكرة على ذلك هو المعبد المكون من خمسة طوابق في Daigo-ji ، وهو معبد جنوبي كيوتو.

مع تزايد أهمية طوائف بيور لاند للبوذية اليابانية في القرن العاشر ، تم تطوير أنماط صور جديدة لتلبية الاحتياجات التعبدية لهذه الطوائف. وتشمل هذه raigōzu (来 迎 図) ، والتي تصور أميدا بوذا جنبا إلى جنب مع bodhisattvas Kannon و Seishi المصاحبة تصل إلى الترحيب أرواح المؤمنين غادر إلى الجنة الغربية لأميدا. وهناك مثال مبكر مشهور يرجع تاريخه إلى عام 1053 تم رسمه في داخل قاعة فينيكس للبيودو-إن ، وهو معبد في يوجي ، كيوتو. ويعتبر هذا أيضًا مثالًا مبكرًا لما يسمى بـ Yamato-e (大 和 絵 ، “الرسم المصمم على الطريقة اليابانية”) ، بقدر ما يشمل عناصر المناظر الطبيعية مثل التلال الناعمة الدوارة التي تبدو وكأنها تعكس شيئًا من المظهر الفعلي لمناظر طبيعية غرب اليابان. ومع ذلك ، من الناحية الشكلية ، لا يزال هذا النمط من الرسم مستمراً من تقاليد الرسم على المناظر الطبيعية الصينية “الخضراء والبيضاء” في أسرة تانغ. ياماتو الإلكتروني مصطلح غير دقيق لا يزال قيد النقاش بين مؤرخي الفن الياباني.

يُنظر إلى فترة منتصف هيان على أنها العصر الذهبي لـ Yamato-e ، والتي كانت مستخدمة في البداية للأبواب المنزلقة (fusuma) والشاشات القابلة للطي (byōbu). ومع ذلك ، ظهرت تنسيقات رسومات جديدة أيضًا في المقدمة ، خاصةً في نهاية فترة هييآن ، بما في ذلك emakimono ، أو أشرطة اليد الطويلة الموضحة. تتضمن أصناف من emakimono روايات مصورة ، مثل جينجي Monogatari ، والأعمال التاريخية ، مثل Ban Dainagon Ekotoba ، والأعمال الدينية. في بعض الحالات ، استخدم فنانو إيماكي مواثيق روائية مصورة استخدمت في الفن البوذي منذ العصور القديمة ، بينما في أوقات أخرى استنبطوا أساليب سرديّة جديدة يُعتقد أنها تنقل المحتوى العاطفي للرسالة الأساسية. تم تنظيم Genji Monogatari في حلقات متقنة ، في حين يستخدم Ban Dainagon Ekotoba الأكثر نشاطًا أسلوبًا سرديًا مستمرًا للتأكيد على حركة السرد إلى الأمام. هذان الإيقاقيان يختلفان من حيث الأسلوب أيضًا ، مع ضربات الفرشاة السريعة والتلوين الفاتح لبان دايناجون المتناقض بشكل صارخ مع الأشكال المستخرجة والأصباغ المعدنية النابضة لمخطوطات جينجي. حصار Sanjō Palace هو مثال مشهور آخر لهذا النوع من اللوحات.

E-maki أيضا بمثابة بعض من أقدم وأكبر الأمثلة على “الصور النسائية” (Onna-e) و otoko-e (“صور الرجال”) وأنماط الرسم. هناك العديد من الاختلافات الدقيقة في النمطين. على الرغم من أن المصطلحات تشير إلى التفضيلات الجمالية لكل جنس ، فإن مؤرخي الفن الياباني قد ناقشوا المعنى الفعلي لهذه المصطلحات ، وما زالوا غير واضحين. ولعل أكثر ما يمكن ملاحظته بسهولة هو الاختلافات في الموضوع. تتداخل Onna-e ، التي تجسدها حكاية hand handbar لـ Tale of Genji ، عادة مع الحياة القضائية والرومانسية القبيلية في حين أن otoko-e غالباً ما تتعامل مع الأحداث التاريخية أو شبه الأسطورية ، وخاصة المعارك.

فترة كاماكورا (1185-1333)
استمرت هذه الأنواع من خلال فترة Kamakura اليابان. استمر إنتاج E-maki من مختلف الأنواع ؛ ومع ذلك ، كانت فترة كاماكورا تتميز بقوة أكبر بكثير بفن النحت ، بدلا من الرسم.

بما أن معظم اللوحات في فترتي هيان وكاماكورا ذات طابع ديني ، فإن الغالبية العظمى من الفنانين المجهولين.

فترة موروماتشي (1333-1573)
خلال القرن الرابع عشر ، كان لتطوير الأديرة العظيمة زين في كاماكورا وكيوتو تأثير كبير على الفنون البصرية. Suibokuga ، وهو أسلوب أحادي اللون متقارب من لوحة الحبر المقدمة من سلالة Song and Yuan الصينية ، استبدلت إلى حد كبير لوحات التمرير متعددة الألوان في الفترة السابقة ، على الرغم من أن بعض البورتريكات المتعددة الألوان بقيت – الأولية في صورة لوحات chinso لرهبان Zen. نموذج من هذه اللوحة هو تصوير الرسام كاو للراهب الأسطوري كينسو (Hsien-tzu بالصينية) في اللحظة التي حقق فيها التنوير. تم تنفيذ هذا النوع من الرسم مع ضربات فرشاة سريعة وأدق التفاصيل.

إن صيد سمك السلور مع القرع (الموجود في Taizō-in، Myōshin-ji، Kyoto)، بواسطة الرسام الكاهن Josetsu، يمثل نقطة تحول في لوحة Muromachi. في المقدمة يظهر رجل على ضفة جدول يمسك قرعًا صغيرًا وينظر إلى سمك السلور الكبير. ميست تملأ الأرض الوسطى ، والخلفية ، يبدو أن الجبال بعيدة في المسافة. من المفترض بشكل عام أن “النمط الجديد” للرسم ، الذي تم تنفيذه حوالي عام 1413 ، يشير إلى إحساس صيني أكثر بالفضاء العميق داخل الطائرة.

في نهاية القرن الرابع عشر ، وجدت لوحات المناظر الطبيعية أحادية اللون (山水画 sansuiga) رعاية عائلة Ashikaga الحاكمة وكانت النوع المفضل بين رسامي Zen ، تطور تدريجيا من جذورها الصينية إلى أسلوب ياباني أكثر. وهناك تطور آخر للرسم على المناظر الطبيعية هو التمرير على شكل قصيدة ، والمعروف باسم shigajiku.

أهم الفنانين في فترة موروماتشي هم الرسامان الكوبيان شيبون وشيسو. Shūbun ، وهو راهب في معبد كيوتو من Shōkoku-ji ، التي أنشئت في لوحة القراءة في بستان البامبو (1446) مشهد واقعي مع ركود عميق في الفضاء. تمكن Sesshū ، خلافا لمعظم الفنانين في هذه الفترة ، من السفر إلى الصين ودراسة الرسم الصيني في مصدره. يُعد منظر فور سيزونز (Sansui Chokan؛ c. 1486) أحد أكثر أعمال سيسيو إثارةً ، ويصور منظرًا مستمرًا خلال الفصول الأربعة.

في أواخر عهد موروماتشي ، هاجرت لوحة الحبر من أديرة زن إلى عالم الفن بشكل عام ، حيث اعتمد الفنانون من مدرسة كانو ومدرسة عامي (ja: 阿 派) الأسلوب والموضوعات ، ولكن إدخال المزيد من البلاستيك و تأثير الزخرفية التي من شأنها أن تستمر في العصر الحديث.

من الفنانين المهمين في فترة Muromachi اليابان:

موكى (1250 م)
موكوان راين (توفي عام 1345)
Kaō Ninga (القرن الرابع عشر)
مينشو (1352-1431)
جوسيتسو (1405-1423)
Tenshō Shūbun (توفي 1460)
Sesshū Tōyō (1420–1506)
كانو ماسانوبو (1434–1530)
كانو موتونوبو (1476-1559)
في تناقض حاد مع الفترة السابقة من Muromachi ، تميزت فترة Azuchi – Momoyama بأسلوب فخم متعدد الألوان ، مع استخدام واسع النطاق للرقائق الذهبية والفضية ، وبالأعمال على نطاق واسع جدا. اكتسبت مدرسة Kanō ، التي رعاها Oda Nobunaga ، و Toyotomi Hideyoshi ، و Tokugawa Ieyasu ، وأتباعها ، بشكل هائل في الحجم والهيبة. طور Kanō Eitoku صيغة لإنشاء المناظر الطبيعية الضخمة على الأبواب المنزلقة التي تضم غرفة. تم تكليف هذه اللوحات الضخمة واللوحات الجدارية بتزيين القلاع والقصور من النبلاء العسكريين. واستمر هذا الوضع في فترة إيدو اللاحقة ، حيث استمر توكوغاوا باكوفو في ترويج أعمال مدرسة كانيو باعتبارها الفن المعتمد رسميًا للشيغون والدايمي والمحكمة الإمبراطورية.

ومع ذلك ، كان هناك فنانين وتلاميذ من خارج كانو موجودون وطوروا خلال فترة أزوتشي-موموياما أيضًا ، مع تكييف المواضيع الصينية مع المواد والجماليات اليابانية. وكانت إحدى المجموعات المهمة هي مدرسة توسا ، التي تطورت في المقام الأول من تقاليد ياماتو ، والتي عرفت في الغالب بالأعمال الصغيرة والرسوم التوضيحية للأدب الكلاسيكي في شكل كتاب أو إيماكي.

من الفنانين المهمين في فترة أزوتشي-موموياما:

كانو إيتوكو (1543-1590)
كانش سانراكو (1559-1663)
كانجي تانييف (1602-1674)
هاسيغاوا تاشوكو (1539-1610)
كايهي يوشي (1533–1615)
فترة إيدو (1603-1868)

يُظهر العديد من المؤرخين الفنيين فترة إيدو كإستمرار لفترة أزوتشي-موموياما. بالتأكيد ، خلال فترة إيدو المبكرة ، استمر العديد من التوجهات السابقة في الرسم لتكون شعبية ؛ ومع ذلك ، ظهر أيضًا عدد من الاتجاهات الجديدة.

كانت مدرسة رينبا واحدة من المدارس الهامة جداً التي نشأت في فترة إيدو المبكرة ، والتي استخدمت مواضيع كلاسيكية ، ولكنها قدمت لهم شكلًا جريئًا وباعثًا على التزيين. تطورت Sōtatsu على وجه الخصوص نمط الزخرفة عن طريق إعادة خلق موضوعات من الأدب الكلاسيكي ، وذلك باستخدام شخصيات ملونة زاهية بزخارف من العالم الطبيعي على خلفية أوراق الذهب. بعد قرن من الزمان ، أعاد كورين صياغة أسلوب Sōtatsu وأنتج أعمال رائعة بصري فريد له.

ومن الأنواع المهمة الأخرى التي بدأت خلال فترة أزوتشي – موموياما ، والتي وصلت إلى تطورها الكامل خلال فترة إيدو الأولى ، كان فن نامبان ، سواء في تصوير الأجانب الغريبة أو في استخدام الأسلوب الأجنبي الغريب في الرسم. تمحور هذا النوع حول ميناء ناغازاكي ، الذي كان بعد بداية السياسة الوطنية المنعزلة في توكوغاوا شوغناتي هو الميناء الياباني الوحيد المفتوح للتجارة الخارجية ، وكان بالتالي القناة التي أتت بها التأثيرات الفنية الصينية والأوروبية إلى اليابان. تشمل اللوحات في هذا النوع لوحات مدرسة ناغازاكي ، وكذلك مدرسة ماروياما-شيجو ، التي تجمع بين التأثيرات الصينية والغربية مع العناصر اليابانية التقليدية.

كان هناك اتجاه هام ثالث في فترة إيدو هو صعود نوع Bunjinga (الرسم الأدبي) ، المعروف أيضا باسم مدرسة Nanga (مدرسة الرسم الجنوبية). بدأ هذا النوع من التقليد كتقليد لأعمال الرسامين الصينيين الباحثين الهواة من أسرة يوان ، التي جاءت أعمالها وتقنياتها إلى اليابان في منتصف القرن الثامن عشر. كان سيد Kuwayama Gyokushū أكبر مؤيد لخلق نمط bunjin. لقد فكر في أن المناظر الطبيعية متعددة الألوان يجب أن يتم أخذها بعين الاعتبار على نفس مستوى اللوحات أحادية اللون من قبل الأدباء الصينيين. علاوة على ذلك ، شمل بعض الفنانين التقليديين اليابانيين ، مثل Tawaraya Sōtatsu و Ogata Kōrin من مجموعة Rinpa ، بين ممثلي Nanga الرئيسيين. في وقت لاحق من الفنانين bunjinga تعديل كبير على حد سواء التقنيات وموضوع هذا النوع لخلق مزيج من الأساليب اليابانية والصينية. نماذج هذا النمط هي Ike no Taiga و Uragami Gyokudō و Yosa Buson و Tanomura Chikuden و Tani Bunchō و Yamamoto Baiitsu.

نظرًا لسياسات “توكوغاوا شوغونات” للتقشف المالي والاجتماعي ، كانت الأساليب الفاخرة لهذا النوع والأنماط مقتصرة إلى حد كبير على الطبقات العليا للمجتمع ، ولم تكن متاحة ، إن لم تكن في الواقع ممنوعة على الطبقات الدنيا. طور عامة الناس نوعا منفصلا من الفن ، fūzokuga ، (風俗 画 ، فن النوع) في اللوحة التي تصور مشاهد من الحياة اليومية المشتركة ، وخاصة أن عامة الناس ، مسرح الكابوكي ، البغايا والمناظر الطبيعية كانت شعبية. أدت هذه اللوحات في القرن السادس عشر إلى ظهور اللوحات والمطبوعات الخشبية في ukiyo-e.

من الفنانين المهمين في فترة إيدو:

تورايا ساتاتسو (توفي عام 1643)
توسا ميتسوكي (1617-1691)
أوغاتا كرين (1658-1716)
جيون نانكاي (1677-1751)
ساكاكي هيكوسن (1697-1752)
ياناجيساوا كين (1704-1758)
يوسا بوسون (1716-1783)
إيتو ياكوتش (1716-1800)
آيك نو تايجا (1723-1776)
سوزوكي هارونوبو (1725-1770)
سوجا شاكو (1730-1781)
ماروياما شيكيو (1733-1795)
أوكادا بيسانجين (1744–1820)
Uragami Gyokudō (1745–1820)
ماتسومورا غوشون (1752-1811)
كاتسوشيكا هوكوساي (1760-1849)
تاني بونتش (1763–1840)
تانومورا تشيكودين (1777-1835)
أوكادا هانكو (1782-1846)
ياماموتو باييتسو (1783-1856)
واتانابي كازان (1793-1834)
أوتاغاوا هيروشيغه (1797-1858)
شيباتا زيشين (1807-1891)
توميوكا تيساي (1836–1924)
Kumashiro Hi (Yūhi) (c. 1712–1772)

فترة ما قبل الحرب (1868-1945)
تميزت فترة ما قبل الحرب بتقسيم الفن إلى أساليب أوروبية متنافسة وأساليب تقليدية تقليدية.

خلال فترة ميجي ، خضعت اليابان لتغيير سياسي واجتماعي هائل في سياق حملة أوروبية والتحديث التي نظمتها حكومة ميجي. روّجت الحكومة رسمياً (يوغا) رسمياً على النمط الغربي ، وأرسلت الفنانين الشبان الواعدين إلى الخارج للدراسة ، وقاموا باستئجار فنانين أجانب للقدوم إلى اليابان لتأسيس مناهج فنية في المدارس اليابانية.

ومع ذلك ، بعد الاندفاع الأولي من الحماس للفن على النمط الغربي ، تأرجح البندول في الاتجاه المعاكس ، وقادها الناقد الفني أوكاكورا كاكوزو والمعلم إرنست فينولوسا ، كان هناك إحياء للتقدير للأنماط اليابانية التقليدية (Nihonga). في ثمانينات القرن التاسع عشر ، مُنع الفن الغربي من المعارض الرسمية وانتقد بشدة من قبل النقاد. بدعم من Okakura و Fenollosa ، تطور أسلوب Nihonga مع التأثيرات من الحركة الأوروبية قبل Raphaelite والرومانسية الأوروبية.

شكَّل رسامو أسلوب يوغا Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society) لإقامة معارض خاصة بهم وتشجيع الاهتمام المتجدد بالفن الغربي.

في عام 1907 ، مع إنشاء Bunten تحت إشراف وزارة التربية والتعليم ، وجدت كلتا المجموعتين المتنافستين اعترافًا متبادلًا وتعايشًا ، وحتى بدأت في عملية التوليفة المتبادلة.

شهدت فترة Taishō هيمنة Yōga على Nihonga. بعد الإقامة الطويلة في أوروبا ، عاد العديد من الفنانين (بما في ذلك أريشيما إيكوما) إلى اليابان في عهد يوشيهيتو ، حاملين معهم أساليب الانطباعية والابتعاد المبكر عن الانطباعية. أثرت أعمال كميل بيسارو وبول سيزان وبيير أوغست رينوار على لوحات فترة تايشو المبكرة. ومع ذلك ، فإن فناني اليوجا في فترة تايشو كانوا يميلون أيضا نحو الانتقاء ، وكان هناك الكثير من الحركات الفنية المنشقة. شملت هذه الجمعية Fusain (Fyuzankai) التي أكدت أنماط ما بعد الانطباعية ، خصوصا fauvism. في عام 1914 ، ظهرت جمعية Nikakai (جمعية الدرجة الثانية) لمعارضة معرض Bunten الذي ترعاه الحكومة.

تأثرت اللوحة اليابانية خلال فترة Taishō بشكل معتدل فقط من قبل الحركات الأوروبية المعاصرة الأخرى ، مثل الكلاسيكية الجديدة والتأخر ما بعد الانطباعية.

ومع ذلك ، فقد كان Nihonga المنبعث من جديد ، نحو منتصف 1920s ، والتي اعتمدت اتجاهات معينة من مرحلة ما بعد الانطباعية. شكل الجيل الثاني من فناني Nihonga أكاديمية الفنون الجميلة اليابانية (Nihon Bijutsuin) للتنافس ضد Bunten الذي ترعاه الحكومة ، وعلى الرغم من أن تقاليد yamato-e ظلت قوية ، فإن الاستخدام المتزايد للمنظور الغربي ، والمفاهيم الغربية للفضاء والضوء بدأت طمس التمييز بين Nihonga و yōga.

كانت اللوحة اليابانية في فترة ما قبل الحرب في Shuwa يسيطر عليها إلى حد كبير Sōtarō Yasui و Ryūzaburō Umehara ، الذي قدم مفاهيم الفن النقي واللوحة التجريدية لتقاليد Nihonga ، وبالتالي خلق نسخة أكثر تفسيرا من هذا النوع. تم تطوير هذا الاتجاه من قبل ليونارد فويتا وجمعية نيكا ، ليشمل السريالية. لتعزيز هذه الاتجاهات ، تم تشكيل جمعية الفن المستقلة (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) في عام 1931.

خلال الحرب العالمية الثانية ، كانت الضوابط والرقابة الحكومية تعني أنه يمكن التعبير عن مواضيع وطنية فقط. تم تجنيد العديد من الفنانين في جهود الدعاية الحكومية ، والمراجعة النقدية غير العاطفية لأعمالهم بدأت للتو فقط.

من الفنانين المهمين في فترة ما قبل الحرب ما يلي:

هارادا ناجيري (1863-1899)
ياماموتو هوسوي (1850-1906)
Asai Chū (1856-1907)
كانجي حجي (1828-1888)
هاشيموتو جاه (1835-1908)
كورودا سيكي (1866–1924)
وادا إيساكو (1874-1959)
أوكادا سابورسوك (1869-1939)
ساكاموتو هانجيرو (1882-1962)
أوكي شيجيرو (1882–1911)
Fujishima Takeji (1867–1943)
يوكوياما تايكان 1868-1958
هيشيدا شونسو 1874-1911
كاواي جيوكودو 1873-1957
أويمورا شين (1875-1949)
مايدا سيسون (1885-1977)
تاكيوشي سيه (1864-1942)
توميوكا تيساي (1837–1924)
شيمومورا كانزان (1873-1930)
تاكيشيرو كانوكوجي (1874–1941)
إمامورا شيرو (1880–1916)
توميتا كيسن (1879-1936)
Koide Narashige (1887–1931)
كيشيدا ريوسي (1891-1929)
تيتسوغورو يوروزو (1885-1927)
هايامي جيوشو (1894-1935)
كواباتا ريوشى (1885 – 1966)
تسوتشيدا هاكوسين (1887-1936)
موراكامي كاجاكو (1888-1939)
ساتارو ياسوي (1881–1955)
سانزو وادا (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888–1986)
ياسودا يوكيهيكو (1884–1978)
كوباياشي كوكي (1883–1957)
ليونارد فوخيتا (1886-1968)
يوزو سايكي (1898-1928)
إتسو شينسوي (1898-1972)
كابوراكي كييوكاتا (1878-1972)
تاكيهيسا يوميجي (1884-1934)

فترة ما بعد الحرب (1945 حتى الآن)
في فترة ما بعد الحرب ، تم تأسيس أكاديمية الفنون اليابانية التي ترعاها الحكومة (نيهون جيجوتسوين) في عام 1947 ، وتحتوي على كل من أقسام nihonga و yōga. انتهت الرعاية الحكومية للمعارض الفنية ، ولكن تم استبدالها بمعارض خاصة ، مثل Nitten ، على نطاق أوسع. على الرغم من أن نيتن كان في البداية معرض أكاديمية الفنون اليابانية ، إلا أنه منذ عام 1958 تديره شركة خاصة منفصلة. أصبحت المشاركة في فيلم Nitten شرطًا أساسيًا للترشيح في أكاديمية الفنون اليابانية ، والذي يعتبر في حد ذاته شرطًا غير رسميًا تقريبًا للترشح لمصلحة الثقافة.

تم دعم فنون إيدو وفترات ما قبل الحرب (1603-1945) من قبل التجار وسكان الحضر. مواجهة لفترات إيدو وفترات ما قبل الحرب ، أصبحت فنون فترة ما بعد الحرب شعبية. بعد الحرب العالمية الثانية ، ازدهر الرسامون والخطاطون والطباعة في المدن الكبرى ، وخاصة طوكيو ، وأصبحوا منشغلين بآليات الحياة الحضرية ، التي تنعكس في الأضواء الخافتة ، وألوان النيون ، والوتيرة المحمومة للتجريدات. جميع “isms” من عالم الفن نيويورك وباريس اعتنقوا بحماس. بعد التجريدات في الستينيات ، شهدت السبعينات عودة إلى الواقعية ذات النكهة القوية من قبل حركات الفن “أوب” و “البوب” ، المتجسدة في الثمانينيات في الأعمال التفجيرية لأوشينو شينوهارا. عمل العديد من هؤلاء الفنانين الرائدين في اليابان وفي الخارج ، حيث فازوا بجوائز دولية. شعر هؤلاء الفنانون أنه لا يوجد “يابانيون” في أعمالهم ، بل إنهم ينتمون إلى المدرسة الدولية. بحلول أواخر السبعينيات من القرن الماضي ، تسبب البحث عن الصفات اليابانية والأسلوب الوطني في إعادة العديد من الفنانين إلى إعادة النظر في أيديولوجياتهم الفنية والابتعاد عن ما شعر البعض بأنه صيغ فارغة للغرب. بدأت اللوحات المعاصرة في اللغة الحديثة في استخدام الوعي للأشكال الفنية اليابانية التقليدية ، والأجهزة ، والإيديولوجيات. تحول عدد من الفنانين الأحاديين إلى لوحة لاستعادة الفوارق التقليدية في الترتيبات المكانية ، وتناغم الألوان ، والشعر الغنائي.

وتستمر اللوحة على الطريقة اليابانية أو نيهونغا بطريقة ما قبل الحرب ، وتحديث التعبيرات التقليدية مع الحفاظ على طابعها الجوهري. بعض الفنانين في هذا النمط ما زالوا يرسمون على الحرير أو الورق بالألوان والحبر التقليدية ، بينما يستخدم آخرون مواد جديدة ، مثل الأكريليك.

لا تزال تمارس العديد من المدارس الفنية القديمة ، ولا سيما تلك التي تعود إلى فترة إيدو وفترات ما قبل الحرب. على سبيل المثال ، انعكست الطبيعة الزخرفية لمدرسة rimpa ، التي تتميز بألوان زاهية ونقية وغسل ينزف ، في عمل العديد من الفنانين في فترة ما بعد الحرب في فن الثمانينات من Hikosaka Naoyoshi. كانت واقعية مدرسة ماروياما شيكو والنمط الياباني الخطي والعفوي للسادة العلماء قد تمارس على نطاق واسع في الثمانينيات. في بعض الأحيان كانت كل هذه المدارس ، بالإضافة إلى المدارس القديمة ، مثل تقاليد الحبر التابعة لمدرسة كان ، قد تم رسمها من قِبل فنانين معاصرين على الطريقة اليابانية وفي المصطلح الحديث. تم تكريم العديد من الرسامين على الطريقة اليابانية بجوائز وجوائز نتيجة تجدد الطلب الشعبي على الفن الياباني الذي بدأ في السبعينيات. المزيد والمزيد من الرسامين العالميين المعاصرين اعتمدوا أيضا على المدارس اليابانية حيث ابتعدوا عن الأنماط الغربية في الثمانينيات. كان الاتجاه هو تجميع الشرق والغرب. قفز بعض الفنانين بالفعل الفجوة بين الاثنين ، كما فعل الرسام المعلق شينودا توكو. استلهمت أفكارها الجريئة للحبر السومى من الخط التقليدي ولكن أدركت أنها تعبيرات غنائية عن التجريد الحديث.

وهناك أيضًا عدد من الرسامين المعاصرين في اليابان الذين يستلهم عملهم بشكل كبير من ثقافات فرعية من ثقافة الأنمي وجوانب أخرى من الثقافة الشعبية والشبابية. ربما يكون تاكاشي موراكامي من أشهر وأشهر هؤلاء الفنانين ، بالإضافة إلى الفنانين الآخرين في مجمع كايكاي كيكي للاستوديوهات. يركز عمله على التعبير عن قضايا واهتمامات المجتمع الياباني بعد الحرب من خلال ما يبدو عادة أشكالاً غير ضارة. وهو يعتمد بشكل كبير على الأنمي والأساليب ذات الصلة ، لكنه ينتج لوحات ومنحوتات في وسائل الإعلام المرتبطة تقليديا بالفنون الجميلة ، مما يفسد الخطوط بين التجارة والفن الشعبي والفنون الجميلة عن قصد.

من الفنانين المهمين في فترة ما بعد الحرب ما يلي:

اوجورا يوكي (1895-2000)
أويمورا شوكو (1902-2001)
كويسو ريهيهي (1903-1988)
Kaii Higashiyama (1908-1999)