A pintura japonesa (em japonês: 絵 画) é uma das mais antigas e altamente refinadas das artes visuais japonesas, abrangendo uma ampla variedade de gêneros e estilos. Tal como acontece com a história das artes japonesas em geral, a longa história da pintura japonesa exibe síntese e competição entre a estética japonesa nativa e a adaptação de idéias importadas, principalmente da pintura chinesa que foi especialmente influente em vários pontos; A significativa influência ocidental só vem do final do século XVI em diante, começando ao mesmo tempo em que a arte japonesa influenciava a do Ocidente.

Áreas de assunto onde a influência chinesa tem sido repetidamente significante incluem pintura religiosa budista, pintura a tinta das paisagens na tradição chinesa de pintura literária, caligrafia de ideografias, e a pintura de animais e plantas, especialmente pássaros e flores. No entanto, as tradições distintamente japonesas se desenvolveram em todos esses campos. O assunto que é amplamente considerado como o mais característico da pintura japonesa e, posteriormente, da gravura, é a representação de cenas da vida cotidiana e cenas de narrativa que são frequentemente cheias de figuras e detalhes. Essa tradição sem dúvida começou no início do período medieval sob influência chinesa, que agora está além do traçado, exceto nos termos mais gerais, mas a partir do período das primeiras obras que sobreviveram se desenvolveu em uma tradição especificamente japonesa que durou até o período moderno.

A lista oficial de tesouros nacionais do Japão (pinturas) inclui 158 obras ou conjuntos de obras do século VIII ao XIX (embora incluindo várias pinturas chinesas que há muito tempo existem no Japão) que representam picos de realizações, ou sobrevivências muito raras de períodos adiantados.

Timeline

Japão antigo e período de Asuka (até 710)
As origens da pintura no Japão remontam ao período pré-histórico do Japão. Representações figurativas simples, bem como desenhos botânicos, arquitetônicos e geométricos são encontrados na época do período Jomon e no período de Yayoi (300 aC – 300 dC) dōtaku sinos de bronze. Pinturas murais com desenhos geométricos e figurativos foram encontradas em numerosos tumulos datando do período Kofun e do período Asuka (300-700 dC).

Juntamente com a introdução do sistema de escrita chinês (kanji), os modos chineses de administração governamental e o budismo no período Asuka, muitas obras de arte foram importadas para o Japão da China e cópias locais em estilos semelhantes começaram a ser produzidas.

Período de Nara (710–794)
Com o estabelecimento do budismo no Japão dos séculos VI e VII, a pintura religiosa floresceu e foi usada para adornar numerosos templos erigidos pela aristocracia. No entanto, o período Nara do Japão é reconhecido mais por importantes contribuições na arte da escultura do que da pintura.

As primeiras pinturas sobreviventes deste período incluem os murais nas paredes interiores do Kondō (金堂) no templo Hōryū-ji em Ikaruga, Prefeitura de Nara. Estas pinturas murais, bem como imagens pintadas no importante Santuário Tamamushi incluem narrativas como jataka, episódios da vida do Buda histórico, Shakyamuni, além de imagens icônicas de budas, bodhisattvas e várias divindades menores. O estilo é uma reminiscência da pintura chinesa da dinastia Sui ou do final dos Dezesseis Reinos. No entanto, no período médio de Nara, as pinturas no estilo da dinastia Tang tornaram-se muito populares. Estes também incluem os murais da Tumba de Takamatsuzuka, datados de cerca de 700 dC. Este estilo evoluiu para o gênero (Kara-e), que permaneceu popular no início do período Heian.

Como a maioria das pinturas no período Nara são de natureza religiosa, a grande maioria é de artistas anônimos. Uma grande coleção de arte do período Nara, japonês, bem como da dinastia Tang chinesa é preservada no Shōsō-in, um repositório do século VIII que pertenceu a Tōdai-ji e atualmente administrado pela Agência da Casa Imperial.

Período Heian (794–1185)
Com o desenvolvimento das seitas budistas esotéricas de Shingon e Tendai, a pintura dos séculos VIII e IX é caracterizada por imagens religiosas, principalmente Mandala (曼荼羅 mandara). Numerosas versões da mandala, mais notavelmente a Mandala do Reino do Diamante e a Mandala do Domínio do Ventre em Tōji em Kyoto, foram criadas como pergaminhos pendurados, e também como murais nas paredes dos templos. Um exemplo precoce é o pagode de cinco andares de Daigo-ji, um templo ao sul de Kyoto.

Com a crescente importância das seitas da Terra Pura do budismo japonês no século 10, novos tipos de imagem foram desenvolvidos para satisfazer as necessidades devocionais dessas seitas. Estes incluem raigōzu (来 迎 図), que retratam o Buda Amida juntamente com os bodhisattvas Kannon e Seishi que chegam para receber as almas dos fiéis que partiram para o Paraíso Ocidental de Amida. Um exemplo notável, datado de 1053, é pintado no interior do Phoenix Hall do Byōdō-in, um templo em Uji, Kyoto. Este também é considerado um dos primeiros exemplos do chamado Yamato-e (Japanese 和 絵, “pintura em estilo japonês”), na medida em que inclui elementos da paisagem, como colinas suaves que parecem refletir algo da aparência real da paisagem de oeste do Japão. Estilisticamente, no entanto, este tipo de pintura continua a ser informado pelas tradições chinesas de pintura de paisagem “dinastia Tang e estilo chinês”. Yamato-e é um termo impreciso que continua a ser debatido entre os historiadores da arte japonesa.

O período médio de 18 anos é visto como a idade de ouro do Yamato-e, que inicialmente era usado principalmente para portas deslizantes (fusuma) e telas dobráveis ​​(bybu). No entanto, novos formatos de pintura também vieram à tona, especialmente no final do período Heian, incluindo emakimono, ou longos manuscritos ilustrados. Variedades de emakimono abrangem romances ilustrados, como o Genji Monogatari, obras históricas, como o Ban Dainagon Ekotoba, e obras religiosas. Em alguns casos, os artistas emaki empregaram convenções narrativas pictóricas que foram usadas na arte budista desde os tempos antigos, enquanto outras vezes criaram novos modos narrativos que se acredita transmitirem visualmente o conteúdo emocional da narrativa subjacente. Genji Monogatari é organizado em episódios discretos, enquanto o mais vigoroso Ban Dainagon Ekotoba usa um modo narrativo contínuo para enfatizar o movimento para a frente da narrativa. Estes dois emaki diferem estilisticamente também, com as pinceladas rápidas e a coloração clara de Ban Dainagon contrastando completamente com as formas abstratas e os pigmentos minerais vibrantes dos pergaminhos Genji. O cerco do Palácio de Sanjō é outro exemplo famoso deste tipo de pintura.

E-maki também servem como alguns dos primeiros e maiores exemplos do onna-e (“fotos de mulheres”) e otoko-e (“quadros de homens”) e estilos de pintura. Existem muitas diferenças finas nos dois estilos. Embora os termos pareçam sugerir as preferências estéticas de cada gênero, os historiadores da arte japonesa há muito debatem o significado real desses termos, e eles permanecem obscuros. Talvez mais facilmente notáveis ​​sejam as diferenças no assunto. Onna-e, sintetizado pelo handsale Tale of Genji, normalmente lida com a vida na corte e o romance cortês enquanto otoko-e, muitas vezes lidam com eventos históricos ou semi-lendários, particularmente batalhas.

Período Kamakura (1185 a 1333)
Esses gêneros continuaram pelo Japão no período Kamakura. E-maki de vários tipos continuou a ser produzido; no entanto, o período Kamakura foi muito mais fortemente caracterizado pela arte da escultura do que pela pintura.

Como a maioria das pinturas nos períodos Heian e Kamakura são de natureza religiosa, a grande maioria é de artistas anônimos.

Período Muromachi (1333-1573)
Durante o século XIV, o desenvolvimento dos grandes mosteiros zen em Kamakura e Kyoto teve um grande impacto nas artes visuais. Suibokuga, um estilo austero monocromático de pintura a tinta introduzido pela dinastia Song e Yuan A China substituiu em grande parte as pinturas policromadas em pergaminho do período anterior, embora alguns retratos policromos permanecessem – primários na forma de pinturas chinso de monges zen. Típica de tal pintura é a representação do sacerdote-pintor Kaō do lendário monge Kensu (Hsien-tzu em chinês) no momento em que alcançou a iluminação. Este tipo de pintura foi executado com pinceladas rápidas e um mínimo de detalhes.

Captura de um peixe-gato com uma cabaça (localizado em Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), pelo pintor-sacerdote Josetsu, marca um ponto de viragem na pintura Muromachi. Em primeiro plano, um homem é representado na margem de um riacho, segurando uma pequena cabaça e olhando para um grande bagre escorregadio. Névoa preenche o meio-termo, e o fundo, as montanhas parecem estar longe na distância. É geralmente assumido que o “novo estilo” da pintura, executado por volta de 1413, se refere a um sentido mais chinês de espaço profundo dentro do plano da imagem.

No final do século XIV, as pinturas monocromáticas (山水画 sansuiga) tinham sido patrocinadas pela família Ashikaga e eram o gênero preferido entre os pintores Zen, evoluindo gradualmente de suas raízes chinesas para um estilo mais japonês. Um outro desenvolvimento da pintura de paisagem foi o rolo de imagem de poema, conhecido como shigajiku.

Os principais artistas do período Muromachi são os pintores sacerdotes Shūbun e Sesshū. Shūbun, um monge no templo de Shōkoku-ji, em Kyoto, criou na pintura Lendo em um Bosque de Bambu (1446) uma paisagem realista com profunda recessão no espaço. Sesshū, diferentemente da maioria dos artistas do período, pôde viajar para a China e estudar a pintura chinesa em sua origem. Paisagem das Quatro Estações (Sansui Chokan; c. 1486) é uma das obras mais realizadas de Sesshu, retratando uma paisagem contínua através das quatro estações do ano.

No final do período Muromachi, pinturas a tinta haviam migrado dos mosteiros zen para o mundo da arte em geral, já que artistas da escola Kanō e da escola Ami (ja: 阿 弥 派) adotaram o estilo e os temas, mas introduzindo um estilo mais plástico e efeito decorativo que continuaria nos tempos modernos.

Artistas importantes no período Muromachi no Japão incluem:

Mokkei (c. 1250)
Mokuan Reien (falecido em 1345)
Kaō Ninga (século e.14)
Mincho (1352–1431)
Josetsu (1405–1423)
Tenshō Shūbun (falecido em 1460)
Sesshū Tōyō (1420–1506)
Kanō Masanobu (1434-1530)
Kanō Motonobu (1476-1559)
Em forte contraste com o período Muromachi anterior, o período de Azuchi-Momoyama foi caracterizado por um grandioso estilo policromado, com uso extensivo de folhas de ouro e prata, e por trabalhos em grande escala. A escola Kanō, patrocinada por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu e seus seguidores, ganhou tremendamente em tamanho e prestígio. Kanō Eitoku desenvolveu uma fórmula para a criação de paisagens monumentais nas portas de correr que envolvem uma sala. Essas telas enormes e pinturas de parede foram encomendadas para decorar os castelos e palácios da nobreza militar. Este status continuou no período Edo subsequente, pois o bakufu Tokugawa continuou a promover as obras da escola Kanō como a arte oficialmente sancionada para o shōgun, daimyōs e corte imperial.

No entanto, artistas e correntes de escolas não-Kano existiram e se desenvolveram durante o período Azuchi-Momoyama, adaptando os temas chineses aos materiais e estética japoneses. Um grupo importante era a escola Tosa, que se desenvolveu principalmente a partir da tradição yamato-e, e que era conhecida principalmente por trabalhos de pequena escala e ilustrações de clássicos literários em formato de livro ou emaki.

Artistas importantes no período Azuchi-Momoyama incluem:

Kanō Eitoku (1543-1590)
Kanō Sanraku (1559 a 1663)
Kanō Tan’yū (1602–1674)
Hasegawa Tōhaku (1539–1610)
Kaiho Yushu (1533 a 1615)
Período Edo (1603–1868)

Muitos historiadores da arte mostram o período Edo como uma continuação do período Azuchi-Momoyama. Certamente, durante o início do período Edo, muitas das tendências anteriores da pintura continuaram a ser populares; no entanto, várias novas tendências também surgiram.

Uma escola muito significativa que surgiu no início do período Edo foi a escola Rinpa, que usava temas clássicos, mas os apresentava em um formato arrojado e luxuosamente decorativo. Sōtatsu em particular, evoluiu um estilo decorativo, recriando temas da literatura clássica, usando figuras coloridas e motivos do mundo natural contra fundos de folhas de ouro. Um século depois, Korin retrabalhou o estilo de Sōtatsu e criou trabalhos visualmente lindos exclusivamente seus.

Outro gênero importante que começou durante o período de Azuchi-Momoyama, mas que atingiu seu pleno desenvolvimento durante o início do período Edo, foi a arte Namban, tanto na representação de estrangeiros exóticos quanto no uso do estilo exótico estrangeiro na pintura. Este gênero foi centrado em torno do porto de Nagasaki, que após o início da política de reclusão nacional do xogunato Tokugawa era o único porto japonês aberto ao comércio exterior e era, portanto, o meio pelo qual as influências artísticas chinesas e européias chegavam ao Japão. As pinturas deste gênero incluem pinturas da escola de Nagasaki, e também a escola Maruyama-Shijo, que combina influências chinesas e ocidentais com elementos tradicionais japoneses.

Uma terceira tendência importante no período Edo foi a ascensão do gênero Bunjinga (pintura literata), também conhecida como a escola Nanga (escola de pintura do sul). Este gênero começou como uma imitação das obras de pintores chineses eruditos-amadores da dinastia Yuan, cujos trabalhos e técnicas chegaram ao Japão em meados do século XVIII. Mestre Kuwayama Gyokushū foi o maior defensor da criação do estilo bunjin. Ele teorizou que as paisagens policromáticas deveriam ser consideradas no mesmo nível das pinturas monocromáticas pelos literatos chineses. Além disso, ele incluiu alguns artistas tradicionalistas japoneses, como Tawaraya Sōtatsu e Ogata Kōrin do grupo Rinpa, entre os principais representantes do Nanga. Mais tarde artistas de bunjinga modificaram consideravelmente tanto as técnicas como o assunto deste gênero para criar uma mistura de estilos japoneses e chineses. Os exemplos deste estilo são Ike no Taiga, Uragami Gyokudu, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō e Yamamoto Baiitsu.

Devido às políticas de austeridade fiscal e social do xogunato Tokugawa, os modos luxuosos desses gêneros e estilos eram em grande parte limitados aos estratos superiores da sociedade, e eram indisponíveis, se não realmente proibidos, às classes mais baixas. As pessoas comuns desenvolveram um tipo separado de arte, o fūzokuga, (Gen 画, arte de gênero) no qual a pintura retratando cenas da vida cotidiana comum, especialmente a das pessoas comuns, teatro kabuki, prostitutas e paisagens eram populares. Essas pinturas no século 16 deram origem às pinturas e gravuras em xilogravura de ukiyo-e.

Artistas importantes no período Edo incluem:

Tawaraya Sōtatsu (falecido em 1643)
Tosa Mitsuoki (1617–1691)
Ogata Kōrin (1658–1716)
Gion Nankai (1677–1751)
Sakaki Hyakusen (1697–1752)
Yanagisawa Kien (1704–1758)
Yosa Buson (1716–1783)
Itō Jakuchū (1716–1800)
Ike no Taiga (1723–1776)
Suzuki Harunobu (c. 1725–1770)
Soga Shōhaku (1730–1781)
Maruyama Ōkyo (1733–1795)
Okada Beisanjin (1744–1820)
Uragami Gyokudō (1745–1820)
Matsumura Goshun (1752–1811)
Katsushika Hokusai (1760–1849)
Tani Bunchō (1763 a 1840)
Tanomura Chikuden (1777–1835)
Okada Hanko (1782–1846)
Yamamoto Baiitsu (1783–1856)
Watanabe Kazan (1793 a 1841)
Utagawa Hiroshige (1797–1858)
Shibata Zeshin (1807–1891)
Tomioka Tessai (1836 a 1924)
Kumashiro Hi (Yūhi) (c. 1712–1772)

Período pré-guerra (1868-1945)
O período pré-guerra foi marcado pela divisão da arte em estilos europeus concorrentes e estilos indígenas tradicionais.

Durante o período Meiji, o Japão passou por uma tremenda mudança política e social no curso da campanha de europeização e modernização organizada pelo governo Meiji. A pintura de estilo ocidental (yōga) foi oficialmente promovida pelo governo, que enviou jovens artistas promissores ao exterior para estudos, e que contrataram artistas estrangeiros para vir ao Japão para estabelecer um currículo de arte nas escolas japonesas.

No entanto, depois de uma explosão inicial de entusiasmo pela arte do estilo ocidental, o pêndulo balançou na direção oposta, e liderado pelo crítico de arte Okakura Kakuzō e o educador Ernest Fenollosa, houve um renascimento do apreço pelos estilos tradicionais japoneses (Nihonga). Na década de 1880, a arte de estilo ocidental foi banida das exibições oficiais e foi severamente criticada pelos críticos. Apoiado por Okakura e Fenollosa, o estilo Nihonga evoluiu com influências do movimento europeu pré-rafaelita e do romantismo europeu.

Os pintores de estilo Yōga formaram o Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society) para realizar suas próprias exposições e promover um renovado interesse pela arte ocidental.

Em 1907, com a criação do Bunten sob a égide do Ministério da Educação, ambos os grupos concorrentes encontraram reconhecimento mútuo e coexistência, e até começaram o processo de síntese mútua.

O período Taishō viu a predominância de Yōga sobre Nihonga. Depois de longas estadias na Europa, muitos artistas (incluindo Arishima Ikuma) retornaram ao Japão sob o reinado de Yoshihito, trazendo consigo as técnicas do impressionismo e do pós-impressionismo. As obras de Camille Pissarro, Paul Cézanne e Pierre-Auguste Renoir influenciaram as primeiras pinturas do período Taishō. Contudo, os artistas yōga no período Taishō também tenderam para o ecletismo, e houve uma profusão de movimentos artísticos dissidentes. Estes incluíam a Fusain Society (Fyuzankai), que enfatizava estilos de pós-impressionismo, especialmente o fauvismo. Em 1914, o Nikakai (Sociedade da Segunda Divisão) surgiu para se opor à Exposição Bunten patrocinada pelo governo.

A pintura japonesa durante o período Taishō foi apenas levemente influenciada por outros movimentos europeus contemporâneos, como o neoclassicismo e o pós-impressionismo tardio.

No entanto, foi ressurgente Nihonga, em meados da década de 1920, que adotou certas tendências do pós-impressionismo. A segunda geração de artistas Nihonga formou a Academia de Belas Artes do Japão (Nihon Bijutsuin) para competir contra o Bunten patrocinado pelo governo, e embora as tradições do yamato-e continuassem fortes, o crescente uso da perspectiva ocidental e os conceitos ocidentais de espaço e luz começaram borrar a distinção entre Nihonga e yōga.

A pintura japonesa no período antes da guerra de Shōwa foi amplamente dominada por Sōtarō Yasui e Ryūzaburō Umehara, que introduziram os conceitos de arte pura e pintura abstrata à tradição Nihonga, e assim criaram uma versão mais interpretativa desse gênero. Essa tendência foi desenvolvida por Leonard Foujita e pela Nika Society, para abranger o surrealismo. Para promover estas tendências, a Associação de Arte Independente (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) foi formada em 1931.

Durante a Segunda Guerra Mundial, os controles governamentais e a censura significaram que apenas temas patrióticos poderiam ser expressos. Muitos artistas foram recrutados para o esforço de propaganda do governo, e uma revisão crítica não emocional de seus trabalhos está apenas começando.

Artistas importantes no período pré-guerra incluem:

Harada Naojirō (1863–1899)
Yamamoto Hōsui (1850 a 1906)
Asai Chū (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828–1888)
Hashimoto Gahō (1835 a 1908)
Kuroda Seiki (1866-1924)
Wada Eisaku (1874-1959)
Okada Saburōsuke (1869-1939)
Sakamoto Hanjirō (1882-1962)
Aoki Shigeru (1882–1911)
Fujishima Takeji (1867 a 1943)
Yokoyama Taikan 1868-1958
Hishida Shunsō 1874-1911
Kawai Gyokudō 1873-1957
Uemura Shōen (1875-1949)
Maeda Seison (1885–1977)
Takeuchi Seihō (1864-1942)
Tomioka Tessai (1837–1924)
Shimomura Kanzan (1873-1930)
Takeshiro Kanokogi (1874-1941)
Imamura Shiro (1880–1916)
Tomita Keisen (1879-1936)
Koide Narashige (1887–1931)
Kishida Ryūsei (1891-1929)
Tetsugorō Yorozu (1885-1927)
Hayami Gyoshū (1894–1935)
Kawabata Ryūshi (1885-1966)
Tsuchida Hakusen (1887-1936)
Murakami Kagaku (1888 a 1939)
Sōtarō Yasui (1881–1955)
Sanzō Wada (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888-1986)
Yasuda Yukihiko (1884-1978)
Kobayashi Kokei (1883–1957)
Leonard Foujita (1886-1968)
Yuzō Saeki (1898-1928)
Itō Shinsui (1898-1972)
Kaburaki Kiyokata (1878–1972)
Takehisa Yumeji (1884-1934)

Período pós-guerra (1945 – presente)
No período do pós-guerra, a Academia de Artes do Japão (Nihon Geijutsuin), patrocinada pelo governo, foi formada em 1947, contendo divisões nihonga e yōga. O patrocínio governamental de exposições de arte terminou, mas foi substituído por exposições privadas, como a Nitten, em uma escala ainda maior. Embora o Nitten tenha sido inicialmente a exposição da Japan Art Academy, desde 1958 ele é administrado por uma corporação privada separada. A participação no Nitten tornou-se quase um pré-requisito para a nomeação para a Japan Art Academy, que em si é quase um pré-requisito não oficial para a nomeação para a Ordem da Cultura.

As artes dos períodos Edo e pré-guerra (1603-1945) foram apoiadas por comerciantes e pessoas urbanas. Contra os períodos de Edo e antes da guerra, as artes do pós-guerra tornaram-se populares. Depois da Segunda Guerra Mundial, pintores, calígrafos e impressores floresceram nas grandes cidades, particularmente Tóquio, e se preocuparam com os mecanismos da vida urbana, refletidos nas luzes bruxuleantes, nas cores neon e no ritmo frenético de suas abstrações. Todos os “ismos” do mundo artístico de Nova York-Paris foram fervorosamente abraçados. Após as abstrações da década de 1960, a década de 1970 viu um retorno ao realismo fortemente saboreado pelos movimentos de arte “op” e “pop”, incorporados na década de 1980 nas obras explosivas de Ushio Shinohara. Muitos desses grandes artistas de vanguarda trabalharam tanto no Japão quanto no exterior, ganhando prêmios internacionais. Esses artistas achavam que não havia “nada de japonês” em suas obras e, de fato, pertenciam à escola internacional. No final dos anos 1970, a busca por qualidades japonesas e um estilo nacional fizeram com que muitos artistas reavaliassem sua ideologia artística e se afastassem do que alguns achavam que eram as fórmulas vazias do Ocidente. Pinturas contemporâneas dentro do idioma moderno começaram a fazer uso consciente de formas de arte, dispositivos e ideologias japonesas tradicionais. Vários artistas mono-ha recorreram à pintura para recuperar nuances tradicionais em arranjos espaciais, harmonias de cores e lirismo.

A pintura em estilo japonês ou nihonga continua de forma pré-guerra, atualizando expressões tradicionais, mantendo seu caráter intrínseco. Alguns artistas dentro desse estilo ainda pintam em seda ou papel com cores tradicionais e tinta, enquanto outros usam novos materiais, como acrílicos.

Muitas das escolas de arte mais antigas, principalmente aquelas dos períodos Edo e pré-guerra, ainda eram praticadas. Por exemplo, o naturalismo decorativo da escola de rimpa, caracterizado por cores brilhantes e puras e lavagens de sangue, foi refletido no trabalho de muitos artistas do pós-guerra na década de 1980, na arte de Hikosaka Naoyoshi. O realismo da escola de Maruyamakyo e o estilo japonês caligráfico e espontâneo dos senhores-eruditos foram amplamente praticados nos anos 80. Às vezes, todas essas escolas, assim como as mais antigas, como as tradições de tinta da escola Kanō, eram atraídas por artistas contemporâneos no estilo japonês e no idioma moderno. Muitos pintores de estilo japonês foram homenageados com prêmios e prêmios como resultado da demanda popular renovada por arte em estilo japonês a partir da década de 1970. Cada vez mais, os pintores modernos internacionais também se inspiraram nas escolas japonesas quando se afastaram dos estilos ocidentais na década de 1980. A tendência foi sintetizar o Oriente e o Ocidente. Alguns artistas já haviam saltado a lacuna entre os dois, assim como o notável pintor Shinoda Toko. Suas abstrações de tinta sumi foram inspiradas pela caligrafia tradicional, mas realizadas como expressões líricas da abstração moderna.

Há também uma série de pintores contemporâneos no Japão cujo trabalho é amplamente inspirado por subculturas de anime e outros aspectos da cultura popular e juvenil. Takashi Murakami é talvez um dos mais famosos e populares destes, juntamente com os outros artistas em seu coletivo de estúdio Kaikai Kiki. O seu trabalho centra-se na expressão de questões e preocupações da sociedade japonesa do pós-guerra, através de formas aparentemente inócuas. Ele desenha pesadamente de anime e estilos relacionados, mas produz pinturas e esculturas em mídia mais tradicionalmente associada com artes plásticas, intencionalmente borrar as linhas entre arte comercial e popular e artes plásticas.

Artistas importantes no período pós-guerra incluem:

Ogura Yuki (1895–2000)
Uemura Shōko (1902–2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
Kaii Higashiyama (1908-1999)