जापानी पेंटिंग (जापानी: 絵 画) जापानी दृश्य कलाओं में से सबसे पुराना और सबसे परिष्कृत है, जिसमें शैलियों और शैलियों की एक विस्तृत विविधता शामिल है। जापानी कलाओं के इतिहास के साथ ही, जापानी चित्रकला का लंबा इतिहास देशी जापानी सौंदर्यशास्त्र और आयातित विचारों के अनुकूलन के बीच संश्लेषण और प्रतिस्पर्धा को प्रदर्शित करता है, मुख्य रूप से चीनी चित्रकला से जो विशेष रूप से कई बिंदुओं पर प्रभावशाली था; महत्वपूर्ण पश्चिमी प्रभाव केवल 16 वीं शताब्दी के बाद से ही शुरू होता है, उसी समय से जापानी कला पश्चिम की ओर प्रभावित हो रही थी।

विषय वस्तु के क्षेत्र जहां चीनी प्रभाव बार-बार महत्वपूर्ण रहा है, बौद्ध धार्मिक चित्रकला, चीनी साहित्यिक चित्रकला परंपरा में परिदृश्यों की स्याही-धो पेंटिंग, विचारधाराओं की सुलेख, और जानवरों और पौधों की चित्रकला, विशेष रूप से पक्षियों और फूलों में शामिल हैं। हालांकि इन सभी क्षेत्रों में विशिष्ट जापानी परंपराएं विकसित हुई हैं। विषय वस्तु जिसे व्यापक रूप से जापानी चित्रकला की अधिकांश विशेषता माना जाता है, और बाद में प्रिंटमेकिंग, रोजमर्रा की जिंदगी और कथात्मक दृश्यों के दृश्यों का चित्रण होता है जो अक्सर आंकड़ों और विवरणों के साथ भीड़ में होते हैं। इस परंपरा में चीनी प्रभाव के तहत शुरुआती मध्ययुगीन काल में कोई संदेह नहीं हुआ, जो अब सबसे सामान्य शर्तों को छोड़कर ट्रेसिंग से परे है, लेकिन शुरुआती जीवित कार्यों की अवधि से विशेष रूप से जापानी परंपरा में विकसित हुआ जो कि आधुनिक काल तक चलता रहा।

जापान के राष्ट्रीय खजाने (पेंटिंग्स) की आधिकारिक सूची में 8 वीं से 1 9वीं शताब्दी तक कामों के 158 काम या सेट शामिल हैं (हालांकि जापान में लंबे समय तक चीनी चित्रों की संख्या शामिल है) जो उपलब्धि के शिखर, या बहुत दुर्लभ जीवित रहने का प्रतिनिधित्व करते हैं शुरुआती अवधि से।

समय

प्राचीन जापान और असुका अवधि (710 तक)
जापान में पेंटिंग की उत्पत्ति जापान की प्रागैतिहासिक अवधि में अच्छी तरह से वापस आ गई है। साधारण मूर्तिकला प्रस्तुतियों, साथ ही साथ वनस्पति, वास्तुशिल्प, और ज्यामितीय डिजाइन जोम अवधि की मिट्टी के बरतन और ययोई अवधि (300 ईसा पूर्व – 300 ईस्वी) डोटाकू कांस्य घंटों पर पाए जाते हैं। कोफुन अवधि और असुका अवधि (300-700 ईस्वी) से जुड़ी कई तुमुली में ज्यामितीय और मूर्तिकला डिजाइन दोनों के साथ भित्तिचित्र चित्र पाए गए हैं।

चीनी लेखन प्रणाली (कांजी), सरकारी प्रशासन के चीनी तरीके, और असुका काल में बौद्ध धर्म के परिचय के साथ-साथ चीन से कई कला कार्यों को जापान में आयात किया गया था और इसी तरह की शैलियों में स्थानीय प्रतियां तैयार की गईं।

नारा अवधि (710-794)
6 वीं और 7 वीं शताब्दी में जापान में बौद्ध धर्म की स्थापना के साथ, धार्मिक चित्रकला का विकास हुआ और अभिजात वर्ग द्वारा बनाए गए कई मंदिरों को सजाने के लिए इस्तेमाल किया गया। हालांकि, नारा-अवधि जापान को चित्रकला की तुलना में मूर्तिकला की कला में महत्वपूर्ण योगदान के लिए और अधिक मान्यता प्राप्त है।

इस अवधि के सबसे शुरुआती चित्रों में नारा प्रीफेक्चर, इकरुगा में होरो-जी मंदिर में कोंडो (金堂) की आंतरिक दीवारों पर मूर्तियां शामिल हैं। इन भित्ति चित्रों के साथ-साथ महत्वपूर्ण तमामुशी श्राइन पर पेंट की गई छवियों में बुद्ध, बोधिसत्व और विभिन्न नाबालिग देवताओं की प्रतिष्ठित छवियों के अलावा, ऐतिहासिक बुद्ध, शाक्यमुनी के जीवन से जाटक, एपिसोड जैसे कथाएं शामिल हैं। शैली सूई राजवंश या देर से सोलह साम्राज्यों की अवधि से चीनी चित्रकला की याद दिलाती है। हालांकि, मध्य-नारा अवधि के दौरान, तांग राजवंश की शैली में पेंटिंग्स बहुत लोकप्रिय हो गईं। इनमें लगभग 700 ईस्वी से डेटिंग, Takamatsuzuka मकबरे में दीवार murals भी शामिल हैं। यह शैली (करा-ए) शैली में विकसित हुई, जो प्रारंभिक हेआन काल के माध्यम से लोकप्रिय रही।

चूंकि नारा अवधि में अधिकांश चित्र प्रकृति में धार्मिक हैं, विशाल बहुमत अज्ञात कलाकारों द्वारा हैं। नारा अवधि कला, जापान के साथ-साथ चीनी तांग राजवंश का एक बड़ा संग्रह शोजो-इन में संरक्षित है, जो 8 वीं शताब्दी के भंडार में पहले स्वामित्व वाली टोदीई-जी है और वर्तमान में शाही घरेलू एजेंसी द्वारा प्रशासित है।

हेनियन अवधि (794-1185)
शिंगन और तेंदई के गूढ़ बौद्ध संप्रदायों के विकास के साथ, 8 वीं और 9वीं शताब्दी की चित्रकला धार्मिक इमेजरी द्वारा विशेषता है, विशेष रूप से चित्रित मंडला (曼荼羅 मंडारा)। मंडला के कई संस्करण, क्योटो में तोजी में सबसे मशहूर डायमंड रियल मंडला और वम्ब रियलम मंडला को लटकते हुए स्क्रॉल के रूप में बनाया गया था, और मंदिरों की दीवारों पर मूर्तियों के रूप में भी बनाया गया था। एक उल्लेखनीय प्रारंभिक उदाहरण क्योटो के दक्षिण में एक मंदिर दाइगो-जी के पांच मंजिला पगोडा में है।

10 वीं शताब्दी में जापानी बौद्ध धर्म के शुद्ध भूमि संप्रदायों के बढ़ते महत्व के साथ, इन संप्रदायों की भक्ति संबंधी आवश्यकताओं को पूरा करने के लिए नई छवि-प्रकार विकसित किए गए थे। इनमें राइगोज़ू (来 迎 図) शामिल है, जिसमें अमिदा बुद्ध को उपस्थित बोधिसत्व कन्नन और सेशी के साथ वफादार की आत्माओं का स्वागत करने के लिए आ रहा है, जो अमिदा के पश्चिमी स्वर्ग में चले गए हैं। 1053 से डेटिंग का एक उल्लेखनीय प्रारंभिक उदाहरण उजी, क्योटो में एक मंदिर, बायोडो-इन के फीनिक्स हॉल के इंटीरियर पर चित्रित किया गया है। इसे तथाकथित यामाटो-ई (大 和 絵, “जापानी-शैली चित्रकला”) का प्रारंभिक उदाहरण भी माना जाता है, क्योंकि इसमें लैंडस्केप तत्व शामिल हैं जैसे नरम रोलिंग पहाड़ियों जो परिदृश्य की वास्तविक उपस्थिति को दर्शाते हैं पश्चिमी जापान स्टाइलिस्टिक रूप से, हालांकि, इस प्रकार की पेंटिंग तांग राजवंश चीनी “नीली और हरी शैली” परिदृश्य पेंटिंग परंपराओं द्वारा सूचित की जा रही है। यामाटो-ई एक अपूर्ण शब्द है जिसे जापानी कला के इतिहासकारों में बहस जारी है।

मध्य-हेआन अवधि को यामाटो-ई की स्वर्ण युग के रूप में देखा जाता है, जिसे प्रारंभ में मुख्य रूप से स्लाइडिंग दरवाजे (फुसुमा) और फोल्डिंग स्क्रीन (बायोबू) के लिए उपयोग किया जाता था। हालांकि, नए पेंटिंग प्रारूप भी सामने आए, विशेष रूप से हेमियन अवधि के अंत में, इमाकिमोनो, या लंबे सचित्र हैंडक्रोल सहित। Emakimono की किस्में सचित्र उपन्यासों, जैसे जेनजी मोनोगत्री, ऐतिहासिक कार्यों, जैसे कि Ban Dainagon Ekotoba, और धार्मिक कार्यों शामिल हैं। कुछ मामलों में, इमाकी कलाकारों ने प्राचीन काल से बौद्ध कला में चित्रित कथात्मक कथाओं का उपयोग किया था, जबकि दूसरी बार उन्होंने नए कथात्मक तरीके तैयार किए थे, जो अंतर्निहित कथाओं की भावनात्मक सामग्री को व्यक्त करते थे। जेनजी मोनोगत्री को बुद्धिमान एपिसोड में व्यवस्थित किया जाता है, जबकि कथा के आगे की गति पर जोर देने के लिए अधिक जीवंत प्रतिबंध डेनगोन एकोटोबा निरंतर कथा मोड का उपयोग करता है। ये दो एमाकी स्टाइलिस्टिक रूप से भी अलग-अलग हैं, तेजी से ब्रश स्ट्रोक और बान डेनैगन के हल्के रंग के साथ सरजीकृत रूपों और जेनजी स्क्रॉल के जीवंत खनिज वर्णक के विपरीत है। संजो पैलेस का घेराबंदी इस प्रकार के चित्रकला का एक और प्रसिद्ध उदाहरण है।

ई-मकी भी ऑनना-ए (“महिलाओं की तस्वीरें”) और ओटोको-ए (“पुरुषों की तस्वीरें”) और पेंटिंग की शैलियों के शुरुआती और महान उदाहरणों में से कुछ के रूप में कार्य करता है। दो शैलियों में बहुत अच्छे अंतर हैं। यद्यपि ये शब्द प्रत्येक लिंग की सौंदर्य प्राथमिकताओं का सुझाव देते हैं, जापानी कला के इतिहासकारों ने इन शर्तों के वास्तविक अर्थ पर लंबे समय से बहस की है, और वे अस्पष्ट हैं। शायद विषय वस्तु में अंतर आसानी से ध्यान देने योग्य हैं। ओन्ना-ई, जेनजी हैंडक्रॉल की कहानी द्वारा लिखित, आम तौर पर अदालत के जीवन और अदालत के रोमांस से संबंधित है, जबकि ओटोको-ई, अक्सर ऐतिहासिक या अर्ध-पौराणिक कार्यक्रमों, विशेष रूप से लड़ाई के साथ सौदा करता है।

कामकुरा अवधि (1185-1333)
यह शैली जापान के कामकुरा काल के माध्यम से जारी रही। विभिन्न प्रकार के ई-मकी का उत्पादन जारी रखा गया; हालांकि, कामकुरा अवधि चित्रकला के बजाए मूर्तिकला की कला द्वारा अधिक दृढ़ता से विशेषता थी।

चूंकि हीआन और कामकुरा काल में अधिकांश चित्र प्रकृति में धार्मिक हैं, विशाल बहुमत अज्ञात कलाकारों द्वारा हैं।

मुरोमाची अवधि (1333-1573)
14 वीं शताब्दी के दौरान, कामकुरा और क्योटो में महान ज़ेन मठों के विकास ने दृश्य कलाओं पर एक बड़ा प्रभाव डाला था। सियोकोकुगा, सोंग और युआन राजवंश चीन से स्याही पेंटिंग की एक अस्थिर मोनोक्रोम शैली ने बड़े पैमाने पर पिछले अवधि की पोलक्रोम स्क्रॉल पेंटिंग्स को प्रतिस्थापित किया, हालांकि कुछ पोलिक्रोम चित्रण बने रहे – ज़ेन भिक्षुओं के चिन्सो चित्रों के रूप में प्राथमिक। इस तरह के पेंटिंग का विशिष्ट पौराणिक कथाकार केनसु (चीनी में हसीन-टीज़ू) के पुजारी-चित्रकार काओ द्वारा चित्रण प्राप्त करने के पल में चित्रण है। इस प्रकार की पेंटिंग को त्वरित ब्रश स्ट्रोक और न्यूनतम विवरण के साथ निष्पादित किया गया था।

पुजारी-चित्रकार जोसेत्सु द्वारा एक गौर्ड (ताइज़ो-इन, मायोशिन-जी, क्योटो में स्थित) के साथ एक कैटफ़िश पकड़ना, मुरोमाची चित्रकला में एक महत्वपूर्ण बिंदु है। अग्रभूमि में एक आदमी को एक छोटे से गले वाले एक धारा के किनारे पर चित्रित किया जाता है और एक बड़ी नीची कैटफ़िश देखता है। मिस्ट मध्यम जमीन को भरता है, और पृष्ठभूमि, पहाड़ दूरी में बहुत दूर दिखाई देते हैं। आमतौर पर यह माना जाता है कि पेंटिंग की “नई शैली”, जिसे 1413 के आसपास निष्पादित किया गया है, चित्र चित्र के भीतर गहरे अंतरिक्ष की एक और चीनी भावना को संदर्भित करता है।

14 वीं शताब्दी के अंत तक, मोनोक्रोम लैंडस्केप पेंटिंग्स (山水画 संसुइगा) को सत्तारूढ़ अशिक्गा परिवार द्वारा संरक्षण मिला था और जेन पेंटर्स के बीच पसंदीदा शैली थी, धीरे-धीरे अपनी चीनी जड़ें और अधिक जापानी शैली से विकसित हो रही थी। लैंडस्केप पेंटिंग का एक और विकास कविता चित्र स्क्रॉल था, जिसे शिगजिकु के नाम से जाना जाता था।

मुरोमाची काल के सबसे प्रमुख कलाकार पुजारी-चित्रकार शुबुन और सेशू हैं। शोकुन-जी के क्योटो मंदिर में एक साधु शुबुन, एक बांस ग्रोव (1446) में पेंटिंग पठन में अंतरिक्ष में गहरे मंदी के साथ एक यथार्थवादी परिदृश्य में बनाया गया। इस अवधि के अधिकांश कलाकारों के विपरीत, सेशु, चीन यात्रा करने और अपने स्रोत पर चीनी चित्रकला का अध्ययन करने में सक्षम थे। चार मौसमों का लैंडस्केप (सांसुई चोकन; सी। 1486) सेशू के सबसे सफल कार्यों में से एक है, जिसमें चार सत्रों के माध्यम से एक सतत परिदृश्य दर्शाया गया है।

देर से मुरोमाची काल में, स्याही पेंटिंग सामान्य रूप से ज़ेन मठों से कला दुनिया में स्थानांतरित हो गई थी, क्योंकि कानो स्कूल और अमी स्कूल (जेए: 阿 弥 派) के कलाकारों ने शैली और विषयों को अपनाया था, लेकिन एक और प्लास्टिक पेश किया था, सजावटी प्रभाव जो आधुनिक समय में जारी रहेगा।

मुरोमाची काल जापान में महत्वपूर्ण कलाकारों में शामिल हैं:

मोक्के (सी। 1250)
मोकुआन रीएन (1345 की मृत्यु हो गई)
काओ निंग (ई .4 वीं शताब्दी)
मिन्को (1352-1431)
जोसेत्सु (1405-1423)
तेंशो शुबुन (1460 की मृत्यु हो गई)
सेशू तोयो (1420-1506)
कानो मसानोबू (1434-1530)
कानो मोटोनोबू (1476-1559)
पिछले मुरोमाची काल के विपरीत, अज़ुची-मोमोयामा अवधि को सोने और चांदी के पन्नी के व्यापक उपयोग के साथ, और बहुत बड़े पैमाने पर काम करके, एक भव्य पोलिक्रोम शैली द्वारा विशेषता थी। ओनो नोबुनगा, टोयोटामी हिदेयोशी, टोकुगावा इयासु और उनके अनुयायियों द्वारा संरक्षित कानो स्कूल, आकार और प्रतिष्ठा में काफी हद तक प्राप्त हुआ। कानो ईटोकू ने कमरे को घेरने वाले स्लाइडिंग दरवाजे पर विशाल परिदृश्य के निर्माण के लिए एक सूत्र विकसित किया। सैन्य कुलीनता के महलों और महलों को सजाने के लिए इन विशाल स्क्रीन और दीवार चित्रों को कमीशन किया गया था। यह स्थिति बाद की ईदो अवधि में जारी रही, क्योंकि टोकुगावा बाकूफू ने कनो स्कूल के कार्यों को बढ़ावा देने के लिए शाओगुन, डेमियो और इंपीरियल कोर्ट के लिए आधिकारिक रूप से स्वीकृत कला के रूप में जारी रखा।

हालांकि, गैर-कानो स्कूल कलाकार और धाराएं अज़ुची-मोमोयामा अवधि के दौरान भी विकसित हुईं और विकसित हुईं, चीनी विषयों को जापानी सामग्रियों और सौंदर्यशास्त्र में अपनाना। एक महत्वपूर्ण समूह टोसा स्कूल था, जो मुख्य रूप से यामाटो-ई परंपरा से बाहर विकसित हुआ था, और जिसे ज्यादातर छोटे पैमाने पर काम और किताब या इमाकी प्रारूप में साहित्यिक क्लासिक्स के चित्रों के लिए जाना जाता था।

Azuchi-Momoyama अवधि में महत्वपूर्ण कलाकारों में शामिल हैं:

कानो ईटोकू (1543-15 9 0)
कानो सनराकू (155 9 -1663)
कानो तनयू (1602-1674)
हसेगावा तोहाकू (1539-1610)
काहो योशो (1533-1615)
ईदो अवधि (1603-1868)

कई कला इतिहासकार एदो अवधि को अज़ुची-मोमोयामा अवधि की निरंतरता के रूप में दिखाते हैं। निश्चित रूप से, शुरुआती ईदो अवधि के दौरान, पेंटिंग में पिछले कई रुझान लोकप्रिय रहे; हालांकि, कई नए रुझान भी उभरे।

शुरुआती ईदो अवधि में पैदा हुआ एक बहुत ही महत्वपूर्ण स्कूल रिनपा स्कूल था, जिसने शास्त्रीय विषयों का उपयोग किया, लेकिन उन्हें एक बोल्ड, और भव्य सजावटी प्रारूप में प्रस्तुत किया। सोतात्सु ने विशेष रूप से शास्त्रीय साहित्य से विषयों को फिर से बनाकर सजावटी शैली विकसित की, जिसमें सोने के पत्ते की पृष्ठभूमि के खिलाफ प्राकृतिक दुनिया के सेट से शानदार रंगीन आंकड़े और प्रकृति का उपयोग किया गया। एक शताब्दी बाद, कोरिन ने सोतात्सू की शैली को फिर से बनाया और अपने आप को अनूठे रूप से शानदार कामों का निर्माण किया।

एक और महत्वपूर्ण शैली जो अज़ुची-मोमोयामा काल के दौरान शुरू हुई थी, लेकिन जो प्रारंभिक ईदो अवधि के दौरान अपने पूर्ण विकास तक पहुंच गई थी, वह विदेशी विदेशियों के चित्रण में और पेंटिंग में विदेशी विदेशी शैली के उपयोग में नंबन कला थी। यह शैली नागासाकी के बंदरगाह के चारों ओर केंद्रित थी, जो टोकुगावा शोगुनेट की राष्ट्रीय पृथक्करण नीति की शुरूआत के बाद ही एकमात्र जापानी बंदरगाह विदेशी व्यापार के लिए खुला था, और इस प्रकार यह संयोग था जिसके द्वारा चीनी और यूरोपीय कलात्मक प्रभाव जापान आए। इस शैली में पेंटिंग्स में नागासाकी स्कूल पेंटिंग्स और मारुआमा-शिजो स्कूल भी शामिल हैं, जो पारंपरिक जापानी तत्वों के साथ चीनी और पश्चिमी प्रभावों को जोड़ती है।

ईदो अवधि में तीसरी महत्वपूर्ण प्रवृत्ति बंजिंग (साहित्यिक चित्रकला) शैली का उदय था, जिसे नंगा स्कूल (दक्षिणी चित्रकारी स्कूल) भी कहा जाता था। इस शैली ने युआन राजवंश के चीनी विद्वान-शौकिया चित्रकारों के कार्यों की नकल के रूप में शुरू किया, जिनके काम और तकनीक 18 वीं शताब्दी के मध्य में जापान आए। मास्टर कुवेमा Gyokushu बुंजिन शैली बनाने का सबसे बड़ा समर्थक था। उन्होंने सिद्धांत दिया कि चीनी साहित्यिक द्वारा मोनोक्रोमैटिक पेंटिंग के समान स्तर पर polychromatic परिदृश्य पर विचार किया जाना चाहिए। इसके अलावा, उन्होंने कुछ जापानी परंपरावादी कलाकारों जैसे कि तवाारा सोतात्सू और रिनपा समूह के ओगाता कोरीन, प्रमुख नंगा प्रतिनिधियों के बीच शामिल थे। बाद में बंजिंग कलाकारों ने जापानी और चीनी शैलियों का मिश्रण बनाने के लिए इस शैली के तकनीकों और विषय वस्तु दोनों में काफी सुधार किया। इस शैली के उदाहरण हैं Ike no Taiga, उरगामी Gyokudō, योसा बुसान, तनोमुरा चिकुडेन, तनी बंचो, और यामामोतो बाईत्सु।

टोकुगावा शोगुनेट की राजकोषीय और सामाजिक तपस्या की नीतियों के कारण, इन शैली और शैलियों के शानदार तरीके बड़े पैमाने पर समाज के ऊपरी स्तर तक ही सीमित थे, और अनुपलब्ध थे, अगर वास्तव में निम्न वर्गों के लिए मना नहीं किया गया था। आम लोगों ने एक अलग प्रकार की कला विकसित की, फ़ूज़ोकुगा, (風俗 画, जेनर आर्ट) जिसमें चित्रकला आम, रोजमर्रा की जिंदगी, विशेष रूप से आम लोगों, कबुकी रंगमंच, वेश्याओं और परिदृश्यों के दृश्यों को दर्शाती थीं। 16 वीं शताब्दी में इन चित्रों ने पिकिंग्स और यूकेयो-ई के लकड़ी के कटोरे के प्रिंटों को जन्म दिया।

ईदो अवधि में महत्वपूर्ण कलाकारों में शामिल हैं:

तवारया सोतात्सू (1643 की मृत्यु हो गई)
टोसा मित्सुकी (1617-1691)
ओगाटा कोरेन (1658-1716)
गेयन नान्काई (1677-1751)
साकाकी हायकुसेन (16 9 7-1752)
यानागिसावा किएन (1704-1758)
योसा बुसान (1716-1783)
इतो जकूचु (1716-1800)
आईके नो ताइगा (1723-1776)
सुजुकी हरुनोबू (सी। 1725-1770)
सोगा शोहाकू (1730-1781)
मारुआमा Ōkyo (1733-1795)
ओकाडा बेइसंजिन (1744-1820)
उरागामी Gyokudō (1745-1820)
मत्सुमुरा गोशुन (1752-1811)
कत्सुशिका होकुसाई (1760-1849)
तनी बंचो (1763-1840)
तनोमुरा चिकुडेन (1777-1835)
ओकाडा हैंको (1782-1846)
यामामोतो बाईत्सु (1783-1856)
वाटानाबे कज़ान (17 9 3-1841)
यूटागावा हिरोशिगे (17 9 7-1858)
शिबाता जेशिन (1807-18 9 1)
टोमीओका टेस्साई (1836-19 24)
कुमाशिरो हाय (यूही) (सी। 1712-1772)

प्रीवर अवधि (1868-19 45)
पूर्ववर्ती अवधि को कला के विभाजन द्वारा प्रतिस्पर्धी यूरोपीय शैलियों और पारंपरिक स्वदेशी शैलियों में चिह्नित किया गया था।

मेजी अवधि के दौरान, जापान ने मेजी सरकार द्वारा आयोजित यूरोपीयकरण और आधुनिकीकरण अभियान के दौरान एक जबरदस्त राजनीतिक और सामाजिक परिवर्तन किया। पश्चिमी शैली की पेंटिंग (योगा) को आधिकारिक तौर पर सरकार द्वारा प्रचारित किया गया था, जिन्होंने अध्ययन के लिए विदेश में युवा कलाकारों को वादा किया था, और जापानी कलाकारों में कला पाठ्यक्रम स्थापित करने के लिए विदेशी कलाकारों को जापान आने के लिए किराए पर लिया था।

हालांकि, पश्चिमी शैली कला के लिए उत्साह के शुरुआती विस्फोट के बाद, पेंडुलम विपरीत दिशा में घूम गया, और कला आलोचक ओकाकुरा काकूजो और शिक्षक अर्नेस्ट फेनोलासा के नेतृत्व में, पारंपरिक जापानी शैलियों (निहोंगा) के लिए प्रशंसा का पुनरुद्धार हुआ। 1880 के दशक में, पश्चिमी शैली कला को आधिकारिक प्रदर्शनी से प्रतिबंधित कर दिया गया था और आलोचकों ने गंभीर आलोचना की थी। ओकाकुरा और फेनोलासा द्वारा समर्थित, निहोंगा शैली यूरोपीय प्री-राफेलिट आंदोलन और यूरोपीय रोमांटिकवाद से प्रभाव के साथ विकसित हुई।

योगा स्टाइल पेंटर्स ने अपनी खुद की प्रदर्शनी आयोजित करने और पश्चिमी कला में नवीनीकृत रुचि को बढ़ावा देने के लिए मेजी बिजुत्सुई (मेजी फाइन आर्ट्स सोसाइटी) का गठन किया।

1 9 07 में, शिक्षा मंत्रालय के तहत बन्टेन की स्थापना के साथ, प्रतिस्पर्धी समूहों को पारस्परिक मान्यता और सह-अस्तित्व मिला, और यहां तक ​​कि पारस्परिक संश्लेषण की प्रक्रिया भी शुरू हुई।

ताइशो काल ने निगोंगा पर योगा का प्रावधान देखा। यूरोप में लंबे समय तक रहने के बाद, कई कलाकार (अरिशिमा इकुमा समेत) योशीहितो के शासनकाल में जापान लौट आए, जिससे उन्हें प्रभाववाद और प्रारंभिक पोस्ट-इंप्रेशनवाद की तकनीकें मिल गईं। केमिली पिस्सारो, पॉल सेज़ेन और पियरे-ऑगस्टे रेनोइर के कामों ने शुरुआती ताइशो अवधि चित्रों को प्रभावित किया। हालांकि, ताइशो काल में योगा कलाकार भी उदारता की ओर रुख करते थे, और असंतोषजनक कलात्मक आंदोलनों का भ्रम था। इनमें फ्यूसेन सोसाइटी (फुजानकाई) शामिल था, जो पोस्ट-इंप्रेशनवाद, विशेष रूप से फाउविज्म की शैलियों पर जोर देती थीं। 1 9 14 में, निककाई (द्वितीय श्रेणी सोसाइटी) सरकार प्रायोजित बंटेन प्रदर्शनी का विरोध करने के लिए उभरा।

ताइशो अवधि के दौरान जापानी पेंटिंग केवल अन्य समकालीन यूरोपीय आंदोलनों, जैसे नियोक्लासिसिज्म और देर से पोस्ट-इंप्रेशनवाद से हल्के से प्रभावित थी।

हालांकि, यह 1 9 20 के दशक के मध्य में निहोंगा पुनरुत्थान था, जिसने बाद के प्रभाव से कुछ रुझान अपनाए। निहोंगा कलाकारों की दूसरी पीढ़ी ने सरकार द्वारा प्रायोजित बंटेन के खिलाफ प्रतिस्पर्धा करने के लिए जापान फाइन आर्ट्स अकादमी (निहोन बिजुत्सुइन) का गठन किया, और यमतो-ई परंपराएं मजबूत बनीं, पश्चिमी परिप्रेक्ष्य के बढ़ते उपयोग और अंतरिक्ष और प्रकाश की पश्चिमी अवधारणाएं शुरू हुईं निहोंगा और योगा के बीच भेद को धुंधला करें।

पूर्ववर्ती शोवा काल में जापानी चित्रकला का मुख्य रूप से सोतरो यासुई और रियुजाबुरो उमेहर का प्रभुत्व था, जिन्होंने निहोंगा परंपरा को शुद्ध कला और अमूर्त चित्रकला की अवधारणाओं की शुरुआत की, और इस प्रकार इस शैली का एक और अधिक व्याख्यात्मक संस्करण बनाया। अवास्तविकता को शामिल करने के लिए, इस प्रवृत्ति को लियोनार्ड फौजीता और निका सोसाइटी द्वारा विकसित किया गया था। इन प्रवृत्तियों को बढ़ावा देने के लिए, स्वतंत्र कला संघ (डोकुरित्सु बीजुत्सु क्योकई) का गठन 1 9 31 में हुआ था।

द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान, सरकारी नियंत्रण और सेंसरशिप का मतलब था कि केवल देशभक्ति विषयों को व्यक्त किया जा सकता है। कई कलाकारों को सरकारी प्रचार प्रयास में भर्ती कराया गया था, और उनके कार्यों की आलोचनात्मक गैर-भावनात्मक समीक्षा केवल शुरुआत है।

पूर्ववर्ती काल में महत्वपूर्ण कलाकारों में शामिल हैं:

हरदा नाओजीरो (1863-1899)
यामामोतो होसुई (1850-1906)
असई चू (1856-1907)
कानो होगी (1828-1888)
हाशिमोतो गाहो (1835-1908)
कुरोदा सेकी (1866-19 24)
वाडा इसाकु (1874-19 5 9)
ओकाडा सबूरोसेक (1869-19 3 9)
सकामोतो हंजीरो (1882-19 62)
अको शिगेरू (1882-19 11)
फुजीशिमा टेकजी (1867-19 43)
योकोयामा ताइकन 1868-1958
हिशिदा शुनसो 1874-19 11
कावाई Gyokudō 1873-1957
उमुरा शोएन (1875-19 4 9)
मेडा सेसन (1885-19 77)
टेकुची सेहो (1864-19 42)
टोमीओका टेस्साई (1837-19 24)
शिमोमुरा कन्ज़न (1873-19 30)
Takeshiro Kanokogi (1874-19 41)
इमामुरा शिरो (1880-19 16)
टोमिता केइसेन (1879-19 36)
कोइड नारशिज (1887-19 31)
किशिदा रयूसेई (18 9 1-19 2 9)
Tetsugorō Yorozu (1885-19 27)
हायामी Gyoshū (1894-19 35)
कबाबता रियुशी (1885-19 66)
Tsuchida Hakusen (1887-19 36)
मुराकामी कगाकू (1888-19 3 9)
सोटरो यासुई (1881-19 55)
संजो वाडा (1883-19 67)
Ryūzaburō Umehara (1888-19 86)
यासुदा युकिहिको (1884-19 78)
कोबायाशी कोकी (1883-1957)
लियोनार्ड फुजीता (1886-19 68)
युजो साकी (18 9 8-19 28)
इटो शिन्सुई (18 9 8-19 72)
कबाराकी क्योकता (1878-19 72)
टेकिसा यमजी (1884-19 34)

पोस्टवर अवधि (1 9 45-वर्तमान)
बाद की अवधि में, सरकारी प्रायोजित जापान आर्ट अकादमी (निहोन गीजुत्सुइन) का गठन 1 9 47 में हुआ था, जिसमें निहोंगा और योगा डिवीजन दोनों शामिल थे। कला प्रदर्शनी का सरकारी प्रायोजन समाप्त हो गया है, लेकिन इसे बड़े प्रदर्शनों पर निजी प्रदर्शनी, जैसे कि निटन, द्वारा प्रतिस्थापित किया गया है। यद्यपि निटन शुरुआत में जापान आर्ट अकादमी की प्रदर्शनी थी, 1 9 58 से इसे एक अलग निजी निगम द्वारा चलाया गया है। जापान आर्ट अकादमी में नामांकन के लिए निटन में भागीदारी लगभग एक शर्त बन गई है, जो स्वयं ही संस्कृति के आदेश में नामांकन के लिए लगभग एक अनौपचारिक शर्त है।

ईदो और पूर्ववर्ती काल (1603-19 45) की कला व्यापारियों और शहरी लोगों द्वारा समर्थित थी। ईदो और पूर्ववर्ती काल के लिए काउंटर, बाद की अवधि के कला लोकप्रिय हो गए। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, बड़े शहरों, विशेष रूप से टोक्यो में चित्रकार, कॉलिग्राफर्स और प्रिंटमेकर विकसित हुए, और शहरी जीवन के तंत्र से जुड़े हुए, जो झटकेदार रोशनी, नियॉन रंगों और उनके अवशोषणों की उन्माद गति में दिखाई देते थे। न्यू यॉर्क-पेरिस कला दुनिया के सभी “आइसम्स” को गहराई से गले लगा लिया गया था। 1 9 60 के दशक के अंतराल के बाद, 1 9 70 के दशक में उस्सी शिनोहर के विस्फोटक कार्यों में 1 9 80 के दशक में “ओप” और “पॉप” कला आंदोलनों द्वारा दृढ़ता से पक्षपात की वास्तविकता में वापसी देखी गई। ऐसे कई उत्कृष्ट अवंत-कलाकार कलाकार जापान और विदेश दोनों में अंतरराष्ट्रीय पुरस्कार जीतते हुए काम करते थे। इन कलाकारों ने महसूस किया कि उनके कार्यों के बारे में “कुछ भी जापानी” नहीं था, और वास्तव में वे अंतरराष्ट्रीय स्कूल से संबंधित थे। 1 9 70 के उत्तरार्ध तक, जापानी गुणों और राष्ट्रीय शैली की खोज ने कई कलाकारों को अपनी कलात्मक विचारधारा का पुनर्मूल्यांकन करने और पश्चिम के खाली सूत्रों के बारे में कुछ महसूस करने से दूर कर दिया। आधुनिक मुहावरे के भीतर समकालीन चित्रों ने पारंपरिक जापानी कला रूपों, उपकरणों और विचारधाराओं का सचेत उपयोग करना शुरू कर दिया। कई मोनो-हा कलाकार कलाकारों की स्थानिक व्यवस्था, रंग सामंजस्य और गीतवाद में परंपरागत बारीकियों को पुनः प्राप्त करने के लिए चित्रकारी में बदल गए।

जापानी शैली या निहोंगा पेंटिंग एक पूर्ववर्ती फैशन में जारी है, अपने आंतरिक चरित्र को बनाए रखते हुए पारंपरिक अभिव्यक्तियों को अद्यतन करता है। इस शैली के भीतर कुछ कलाकार अभी भी पारंपरिक रंगों और स्याही के साथ रेशम या कागज पर पेंट करते हैं, जबकि अन्य ने नई सामग्री, जैसे कि एक्रिलिक्स का उपयोग किया।

कला के पुराने स्कूलों में से कई, विशेष रूप से ईदो और पूर्ववर्ती काल के उन लोगों का अभ्यास किया गया था। उदाहरण के लिए, रिंप स्कूल के सजावटी प्राकृतिकता, जो शानदार, शुद्ध रंग और रक्तस्राव वाशों द्वारा विशेषता है, 1 9 80 के दशक में हिकोसाका नायोशी की कला के बाद के काल के कई कलाकारों के काम में परिलक्षित हुई थी। मारुआमा Ōkyo के स्कूल की यथार्थवाद और 1 9 80 के दशक में सज्जनों-विद्वानों की सुलेख और सहज जापानी शैली दोनों का व्यापक रूप से अभ्यास किया गया था। कभी-कभी इन सभी स्कूलों के साथ-साथ पुराने लोग, जैसे कि कानो स्कूल स्याही परम्पराओं को जापानी शैली और आधुनिक मुहावरे में समकालीन कलाकारों द्वारा तैयार किया गया था। 1 9 70 के दशक की शुरुआत में जापानी शैली की कला के लिए नवीनीकृत लोकप्रिय मांग के परिणामस्वरूप कई जापानी शैली के चित्रकारों को पुरस्कार और पुरस्कार से सम्मानित किया गया। अधिक से अधिक, अंतरराष्ट्रीय आधुनिक चित्रकारों ने जापानी स्कूलों पर भी आकर्षित किया क्योंकि वे 1 9 80 के दशक में पश्चिमी शैलियों से दूर हो गए। प्रवृत्ति पूर्व और पश्चिम को संश्लेषित करने के लिए किया गया था। बकाया चित्रकार शिनोदा तोको के रूप में कुछ कलाकार पहले से ही दोनों के बीच का अंतर उठा चुके थे। उनके बोल्ड सुमी स्याही abstractions पारंपरिक सुलेख द्वारा प्रेरित थे, लेकिन आधुनिक अमूर्तता के गीतात्मक अभिव्यक्ति के रूप में महसूस किया।

जापान में कई समकालीन चित्रकार भी हैं जिनके काम बड़े पैमाने पर एनीम उप-संस्कृतियों और लोकप्रिय और युवा संस्कृति के अन्य पहलुओं से प्रेरित हैं। तकाशी मुराकामी शायद उनके सबसे प्रसिद्ध और लोकप्रिय लोगों में से हैं और उनके कलाकारों के साथ उनके काकाई किकी स्टूडियो सामूहिक हैं। उनके काम केंद्र के बाद के जापानी समाज के मुद्दों और चिंताओं को व्यक्त करने पर केंद्रित हैं जो आमतौर पर निर्दोष रूपों के माध्यम से होते हैं। वह एनीम और संबंधित शैलियों से भारी रूप से आकर्षित करता है, लेकिन मीडिया में पेंटिंग्स और मूर्तियों को पारंपरिक रूप से ललित कला से जुड़ा हुआ है, जो जानबूझकर वाणिज्यिक और लोकप्रिय कला और ललित कलाओं के बीच की रेखाओं को धुंधला कर देता है।

बाद की अवधि में महत्वपूर्ण कलाकारों में शामिल हैं:

ओगुरा युकी (18 9 5-2000)
उमुरा शोको (1 9 02-2001)
कोइसो राओहेई (1 9 03-19 88)
काई हिगाशियमा (1 9 08-1999)