La peinture japonaise (japonaise: 絵 画) est l’une des plus anciennes et des plus raffinées des arts visuels japonais, englobant une grande variété de genres et de styles. Comme dans l’histoire des arts japonais en général, la longue histoire de la peinture japonaise présente la synthèse et la concurrence entre l’esthétique japonaise native et l’adaptation des idées importées, principalement de la peinture chinoise qui a été particulièrement influente sur un certain nombre de points; l’influence occidentale significative vient seulement de la fin du 16ème siècle, en commençant en même temps que l’art japonais influençait celui de l’ouest.

La peinture religieuse bouddhiste, la peinture à l’encre des paysages dans la tradition de la peinture lettrée chinoise, la calligraphie des idéogrammes et la peinture des animaux et des plantes, en particulier des oiseaux et des fleurs, sont des sujets d’intérêt chinois. Cependant, les traditions typiquement japonaises se sont développées dans tous ces domaines. Le sujet qui est largement considéré comme le plus caractéristique de la peinture japonaise, et plus tard de la gravure, est la représentation de scènes de la vie quotidienne et de scènes narratives souvent remplies de figures et de détails. Cette tradition a sans doute commencé au début de la période médiévale sous l’influence chinoise qui est maintenant au-delà du traçage sauf dans les termes les plus généraux, mais de la période des premières œuvres survivantes s’est développée en une tradition spécifiquement japonaise qui a duré jusqu’à la période moderne.

La Liste officielle des trésors nationaux du Japon (peintures) comprend 158 œuvres ou ensembles d’œuvres du VIIIe au XIXe siècle (y compris un certain nombre de peintures chinoises qui ont longtemps été au Japon) qui représentent des pics de réussite, ou des survivances très rares des périodes précoces.

Chronologie

Ancien Japon et période Asuka (jusqu’à 710)
Les origines de la peinture au Japon remontent à la période préhistorique du Japon. Des représentations figurales simples, ainsi que des motifs botaniques, architecturaux et géométriques se trouvent sur les poteries d’époque Jōmon et les cloches de bronze dōtaku de la période Yayoi (300 av. Des peintures murales à motifs géométriques et figuratifs ont été retrouvées dans de nombreux tumulus datant de la période Kofun et de la période Asuka (300-700 ap.

Avec l’introduction du système d’écriture chinois (kanji), des modes d’administration gouvernementale chinois et du bouddhisme à l’époque d’Asuka, de nombreuses œuvres d’art ont été importées au Japon et des copies locales de style similaire ont commencé à être produites.

Période de Nara (710-794)
Avec l’établissement ultérieur du bouddhisme dans le 6ème et 7ème siècle au Japon, la peinture religieuse a fleuri et a été utilisée pour orner de nombreux temples érigés par l’aristocratie. Cependant, Nara-période du Japon est reconnu plus pour des contributions importantes dans l’art de la sculpture que la peinture.

Les peintures les plus anciennes de cette période comprennent les peintures murales sur les murs intérieurs du Kondō (金堂) au temple Hōryū-ji à Ikaruga, dans la préfecture de Nara. Ces peintures murales, ainsi que des images peintes sur l’important sanctuaire Tamamushi comprennent des récits tels que jataka, des épisodes de la vie du Bouddha historique, Shakyamuni, en plus des images iconiques de bouddhas, bodhisattvas et diverses divinités mineures. Le style rappelle la peinture chinoise de la dynastie Sui ou la fin de la période des Seize Royaumes. Cependant, à la mi-période de Nara, les peintures dans le style de la dynastie Tang sont devenues très populaires. Ceux-ci incluent également les peintures murales dans le tombeau de Takamatsuzuka, datant d’environ 700 AD. Ce style a évolué dans le genre (Kara-e), qui est resté populaire au début de la période Heian.

Comme la plupart des peintures de la période Nara sont de nature religieuse, la grande majorité est d’artistes anonymes. Une grande collection d’art de la période Nara, japonaise ainsi que de la dynastie Tang chinoise est conservée au Shōsō-in, un dépôt du 8ème siècle appartenant à Tōdai-ji et actuellement administré par l’Agence de la Maison Impériale.

Période Heian (794-1185)
Avec le développement des sectes bouddhistes ésotériques de Shingon et Tendai, la peinture des VIIIe et IXe siècles est caractérisée par l’imagerie religieuse, notamment le mandala peint (曼荼羅 mandara). De nombreuses versions de mandala, dont le plus célèbre est le Mandala du Royaume des Diamants et le Mandala du Royaume des Vagues à Tōji à Kyoto, ont été créées sous forme de rouleaux suspendus et de peintures murales sur les murs des temples. Un exemple précoce noté est à la pagode de cinq étages de Daigo-ji, un temple au sud de Kyoto.

Avec l’importance croissante des sectes de la Terre Pure du bouddhisme japonais au Xe siècle, de nouveaux types d’images ont été développés pour satisfaire les besoins dévotionnels de ces sectes. Ceux-ci comprennent le raigōzu (来 迎 図), qui représente le bouddha Amida avec ses bodhisattvas Kannon et Seishi qui arrivent pour accueillir les âmes des fidèles partis au paradis occidental d’Amida. Un exemple précoce noté datant de 1053 est peint à l’intérieur de la salle Phoenix du Byōdō-in, un temple à Uji, Kyoto. Ceci est également considéré comme un exemple précoce du soi-disant Yamato-e (大 和 絵, « peinture de style japonais »), dans la mesure où il inclut des éléments de paysage tels que des collines douces qui semblent refléter quelque chose de l’apparence réelle du paysage. ouest du Japon. D’un point de vue stylistique, cependant, ce type de peinture continue d’être informé par les traditions de peinture de paysage chinoises de style «bleu et vert» de la dynastie Tang. Yamato-e est un terme imprécis qui continue à être débattu parmi les historiens de l’art japonais.

La période mi-Heian est considérée comme l’âge d’or de Yamato-e, qui était initialement utilisé principalement pour les portes coulissantes (fusuma) et les écrans pliants (byōbu). Cependant, de nouveaux formats de peinture sont également apparus, en particulier vers la fin de la période Heian, y compris l’emakimono, ou de longs rouleaux illustrés. Les variétés d’emakimono englobent des romans illustrés, tels que le Genji Monogatari, des œuvres historiques, comme le Ban Dainagon Ekotoba, et des œuvres religieuses. Dans certains cas, les artistes emaki utilisaient des conventions narratives picturales qui avaient été utilisées dans l’art bouddhique depuis l’antiquité, tandis qu’à d’autres moments ils imaginaient de nouveaux modes narratifs censés transmettre visuellement le contenu émotionnel du récit sous-jacent. Genji Monogatari est organisé en épisodes discrets, tandis que le plus vivant Ban Dainagon Ekotoba utilise un mode narratif continu afin de mettre en valeur le mouvement vers l’avant du récit. Ces deux emaki diffèrent stylistiquement aussi, avec les coups de pinceau rapides et la coloration claire de Ban Dainagon contrastant nettement avec les formes abstraites et les pigments minéraux vibrants des rouleaux de Genji. Le Siège du Palais Sanjō est un autre exemple célèbre de ce type de peinture.

Les E-maki sont aussi parmi les premiers et les plus grands exemples de l’onna-e («images de femmes») et d’otoko-e («images d’hommes») et de styles de peinture. Il y a beaucoup de belles différences dans les deux styles. Bien que les termes semblent suggérer les préférences esthétiques de chaque genre, les historiens de l’art japonais ont longtemps débattu de la signification réelle de ces termes, et ils restent flous. Peut-être le plus facilement perceptible sont les différences dans le sujet. Onna-e, incarné par le rouleau de Tale of Genji, traite généralement de la vie de cour et de la romance courtoise tandis qu’Otoko-e, traite souvent des événements historiques ou semi-légendaires, en particulier des batailles.

Période de Kamakura (1185-1333)
Ces genres ont continué pendant la période de Kamakura au Japon. E-maki de diverses sortes a continué à être produit; Cependant, la période de Kamakura était beaucoup plus marquée par l’art de la sculpture que par la peinture.

Comme la plupart des peintures des périodes Heian et Kamakura sont de nature religieuse, la grande majorité d’entre elles sont réalisées par des artistes anonymes.

Période Muromachi (1333-1573)
Au XIVe siècle, le développement des grands monastères zen de Kamakura et Kyoto a eu un impact majeur sur les arts visuels. Suibokuga, un style monochrome austère de peinture à l’encre introduit par la dynastie Song et Yuan La Chine remplaça largement les peintures polychromatiques de la période précédente, bien qu’il subsistât quelques portraits polychromes – primaires sous la forme de peintures chinso de moines Zen. La peinture du prêtre-peintre Kaō du moine légendaire Kensu (Hsien-tzu en chinois) est typique de cette peinture au moment où il atteint l’illumination. Ce type de peinture a été exécuté avec des coups de pinceau rapides et un minimum de détails.

Attraper un poisson-chat avec une gourde (situé à Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), par le prêtre-peintre Josetsu, marque un tournant dans la peinture de Muromachi. Au premier plan, un homme est représenté sur la rive d’un ruisseau tenant une petite gourde et regardant un grand poisson-chat slithery. La brume remplit le milieu, et le fond, les montagnes semblent être loin dans le lointain. Il est généralement supposé que le « nouveau style » de la peinture, exécuté vers 1413, se réfère à un sens plus chinois de l’espace profond dans le plan de l’image.

À la fin du XIVe siècle, les peintures de paysages monochromes (山水画 sansuiga) avaient reçu le patronage de la famille Ashikaga et étaient le genre préféré des peintres zen, évoluant progressivement de ses racines chinoises vers un style plus japonais. Un autre développement de la peinture de paysage a été le rouleau d’image de poème, connu sous le nom de shigajiku.

Les principaux artistes de la période Muromachi sont les prêtres-peintres Shūbun et Sesshū. Shūbun, un moine au temple de Kyoto de Shōkoku-ji, a créé dans le tableau Reading in a Bamboo Grove (1446) un paysage réaliste avec une profonde récession dans l’espace. Sesshū, contrairement à la plupart des artistes de l’époque, a pu voyager en Chine et étudier la peinture chinoise à sa source. Le Paysage des Quatre Saisons (Sansui Chokan, vers 1486) est l’une des œuvres les plus accomplies de Sesshu, illustrant un paysage continu à travers les quatre saisons.

À la fin de la période Muromachi, la peinture à l’encre avait migré des monastères zen dans le monde de l’art en général, les artistes de l’école Kanō et de l’école Ami adoptaient le style et les thèmes, mais introduisaient un style plus plastique. effet décoratif qui continuerait dans les temps modernes.

Les artistes importants dans la période de Muromachi au Japon incluent:

Mokkei (vers 1250)
Mokuan Reien (mort en 1345)
Kaō Ninga (14ème siècle)
Mincho (1352-1431)
Josetsu (1405-1423)
Tenshō Shūbun (mort en 1460)
Sesshū Tōyō (1420-1506)
Kanō Masanobu (1434-1530)
Kanō Motonobu (1476-1559)
Contrastant fortement avec la période précédente de Muromachi, la période d’Azuchi-Momoyama a été caractérisée par un style polychrome grandiose, avec l’utilisation étendue d’or et d’argent, et par des travaux sur une très grande échelle. L’école Kanō, patronnée par Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu et leurs partisans, a énormément gagné en taille et en prestige. Kanō Eitoku a développé une formule pour la création de paysages monumentaux sur les portes coulissantes entourant une pièce. Ces énormes écrans et peintures murales ont été commandés pour décorer les châteaux et les palais de la noblesse militaire. Ce statut a continué dans la période suivante d’Edo, pendant que le bakufu de Tokugawa a continué à favoriser les travaux de l’école de Kanō comme art officiellement sanctionné pour le shōgun, les daimyōs, et la cour impériale.

Cependant, des artistes et des courants d’école non-Kano ont existé et se sont développés pendant la période d’Azuchi-Momoyama, adaptant des thèmes chinois aux matériaux et à l’esthétique japonais. Un groupe important était l’école Tosa, qui se développait principalement à partir de la tradition yamato-e, et qui était surtout connue pour des travaux à petite échelle et des illustrations de classiques littéraires en format livre ou emaki.

Les artistes importants de la période Azuchi-Momoyama comprennent:

Kanō Eitoku (1543-1590)
Kanō Sanraku (1559-1663)
Kanō Tan’yū (1602-1674)
Hasegawa Tōhaku (1539-1610)
Kaihō Yūshō (1533-1615)
Période Edo (1603-1868)

Beaucoup d’historiens d’art montrent la période d’Edo comme une continuation de la période d’Azuchi-Momoyama. Certes, au début de la période Edo, de nombreuses tendances de la peinture ont continué à être populaires; cependant, un certain nombre de nouvelles tendances ont également émergé.

Une école très importante qui a vu le jour au début de la période Edo était l’école Rinpa, qui utilisait des thèmes classiques, mais les présentait dans un format audacieux et somptueusement décoratif. Sōtatsu en particulier a développé un style décoratif en recréant des thèmes de la littérature classique, en utilisant des figures brillamment colorées et des motifs du monde naturel sur fond de feuilles d’or. Un siècle plus tard, Korin a retravaillé le style de Sōtatsu et a créé des œuvres visuellement magnifiques qui lui sont propres.

Un autre genre important qui a commencé pendant la période Azuchi-Momoyama, mais qui a atteint son plein développement au début de la période Edo était l’art Namban, à la fois dans la représentation des étrangers exotiques et dans l’utilisation du style étranger exotique dans la peinture. Ce genre était centré autour du port de Nagasaki, qui, après le début de la politique d’isolement national du shogunat Tokugawa, était le seul port japonais ouvert au commerce extérieur et était ainsi le canal par lequel les influences artistiques chinoises et européennes arrivaient au Japon. Les peintures de ce genre incluent les peintures scolaires de Nagasaki, ainsi que l’école Maruyama-Shijo, qui combine des influences chinoises et occidentales avec des éléments japonais traditionnels.

Une troisième tendance importante de la période Edo fut la montée du genre Bunjinga (peinture littéraire), également connu sous le nom d’école Nanga (école de peinture du Sud). Ce genre a commencé comme une imitation des œuvres de peintres érudits-amateurs chinois de la dynastie Yuan, dont les œuvres et les techniques sont arrivées au Japon au milieu du XVIIIe siècle. Maître Kuwayama Gyokushū était le plus grand partisan de la création du style bunjin. Il a théorisé que les paysages polychromatiques devaient être considérés au même niveau de peintures monochromatiques par les lettrés chinois. En outre, il a inclus des artistes traditionalistes japonais, tels que Tawaraya Sōtatsu et Ogata Kōrin du groupe Rinpa, parmi les principaux représentants de Nanga. Plus tard, les artistes de bunjinga ont considérablement modifié les techniques et les thèmes de ce genre pour créer un mélange de styles japonais et chinois. Les exemples de ce style sont Ike no Taïga, Uragami Gyokudo, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō et Yamamoto Baiitsu.

En raison de la politique d’austérité budgétaire et sociale du shogunat Tokugawa, les modes luxueux de ces genres et styles étaient largement limités aux couches supérieures de la société et n’étaient pas disponibles, sinon interdits, aux classes inférieures. Les gens ordinaires ont développé un type d’art distinct, le fūzokuga (Genre 画, l’art de genre) dans lequel la peinture dépeignant des scènes de la vie quotidienne commune, particulièrement celle du peuple, du théâtre kabuki, des prostituées et des paysages étaient populaires. Ces peintures au 16ème siècle ont donné lieu à des peintures et gravures sur bois de l’ukiyo-e.

Les artistes importants dans la période d’Edo incluent:

Tawaraya Sōtatsu (mort en 1643)
Tosa Mitsuoki (1617-1691)
Ogata Kōrin (1658-1716)
Gion Nankai (1677-1751)
Sakaki Hyakusen (1697-1752)
Yanagisawa Kien (1704-1758)
Yosa Buson (1716-1783)
Itō Jakuchū (1716-1800)
Ike no Taiga (1723-1776)
Suzuki Harunobu (vers 1725-1770)
Soga Shōhaku (1730-1781)
Maruyama Ōkyo (1733-1795)
Okada Beisanjin (1744-1820)
Uragami Gyokudō (1745-1820)
Matsumura Goshun (1752-1811)
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tani Bunchō (1763-1840)
Tanomura Chikuden (1777-1835)
Okada Hankō (1782-1846)
Yamamoto Baiitsu (1783-1856)
Watanabe Kazan (1793-1841)
Utagawa Hiroshige (1797-1858)
Shibata Zeshin (1807-1891)
Tomioka Tessai (1836-1924)
Kumashiro Salut (Yūhi) (vers 1712-1772)

Période d’avant-guerre (1868-1945)
La période d’avant-guerre a été marquée par la division de l’art en styles européens concurrents et en styles autochtones traditionnels.

Pendant la période Meiji, le Japon a connu un changement politique et social considérable au cours de la campagne d’européanisation et de modernisation organisée par le gouvernement Meiji. La peinture de style occidental (yōga) a été officiellement promue par le gouvernement, qui a envoyé des jeunes artistes prometteurs à l’étranger pour des études, et qui a embauché des artistes étrangers pour venir au Japon établir un programme d’art dans les écoles japonaises.

Cependant, après un premier élan d’enthousiasme pour l’art de style occidental, le pendule a basculé dans la direction opposée, et dirigé par le critique d’art Okakura Kakuzō et l’éducateur Ernest Fenollosa, il y a eu un regain d’appréciation pour les styles traditionnels japonais (Nihonga). Dans les années 1880, l’art de style occidental a été banni des expositions officielles et sévèrement critiqué par la critique. Soutenu par Okakura et Fenollosa, le style Nihonga a évolué avec les influences du mouvement préraphaélite européen et du romantisme européen.

Les peintres de style Yōga ont formé la Meiji Bijutsukai (Société des beaux-arts Meiji) pour organiser ses propres expositions et promouvoir un regain d’intérêt pour l’art occidental.

En 1907, avec la création du Bunten sous l’égide du ministère de l’Éducation, les deux groupes en compétition ont trouvé une reconnaissance mutuelle et une coexistence, et ont même commencé le processus de synthèse mutuelle.

La période Taishō a vu la prédominance de Yōga sur Nihonga. Après de longs séjours en Europe, de nombreux artistes (dont Arishima Ikuma) sont revenus au Japon sous le règne de Yoshihito, apportant avec eux les techniques de l’impressionnisme et du post-impressionnisme. Les œuvres de Camille Pissarro, Paul Cézanne et Pierre-Auguste Renoir ont influencé les premières peintures de la période Taishō. Cependant, les artistes yōga de la période Taishō tendaient aussi vers l’éclectisme, et il y avait une profusion de mouvements artistiques dissidents. Parmi ceux-ci figurait la Fusain Society (Fyuzankai) qui mettait l’accent sur les styles de post-impressionnisme, en particulier le fauvisme. En 1914, la Nikakai (Société de la deuxième division) est née pour s’opposer à l’exposition Bunten sponsorisée par le gouvernement.

La peinture japonaise pendant la période Taishō n’a été que légèrement influencée par d’autres mouvements européens contemporains, tels que le néoclassicisme et le post-impressionnisme tardif.

Cependant, ce fut Nihonga renaissant, vers le milieu des années 1920, qui adopta certaines tendances du post-impressionnisme. La deuxième génération d’artistes Nihonga a formé l’Académie des beaux-arts du Japon (Nihon Bijutsuin) pour concurrencer le Bunten sponsorisé par le gouvernement, et bien que les traditions yamato-e soient restées fortes, l’utilisation croissante de la perspective occidentale et occidentale brouiller la distinction entre Nihonga et yōga.

La peinture japonaise de la période Shōwa d’avant-guerre était largement dominée par Sōtarō Yasui et Ryūzaburō Umehara, qui introduisirent les concepts d’art pur et de peinture abstraite dans la tradition Nihonga, créant ainsi une version plus interprétative de ce genre. Cette tendance a été développée par Leonard Foujita et la Nika Society, pour englober le surréalisme. Pour promouvoir ces tendances, l’Association d’Art Indépendant (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) a été créée en 1931.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, les contrôles du gouvernement et la censure signifiaient que seuls les thèmes patriotiques pouvaient être exprimés. Beaucoup d’artistes ont été recrutés dans l’effort de propagande du gouvernement, et l’examen critique non émotionnel de leurs œuvres ne fait que commencer.

Artistes importants dans la période d’avant-guerre comprennent:

Harada Naojirō (1863-1899)
Yamamoto Hōsui (1850-1906)
Asai Chū (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828-1888)
Hashimoto Gahō (1835-1908)
Kuroda Seiki (1866-1924)
Wada Eisaku (1874-1959)
Okada Saburōsuke (1869-1939)
Sakamoto Hanjirō (1882-1962)
Aoki Shigeru (1882-1911)
Fujishima Takeji (1867-1943)
Yokoyama Taikan 1868-1958
Hishida Shunsō 1874-1911
Kawai Gyokudō 1873-1957
Uemura Shōen (1875-1949)
Maeda Seison (1885-1977)
Takeuchi Seihō (1864-1942)
Tomioka Tessai (1837-1924)
Shimomura Kanzan (1873-1930)
Takeshiro Kanokogi (1874-1941)
Imamura Shiro (1880-1916)
Tomita Keisen (1879-1936)
Koide Narashige (1887-1931)
Kishida Ryūsei (1891-1929)
Tetsugorō Yorozu (1885-1927)
Hayami Gyoshū (1894-1935)
Kawabata Ryūshi (1885-1966)
Tsuchida Hakusen (1887-1936)
Murakami Kagaku (1888-1939)
Sōtarō Yasui (1881-1955)
Sanzō Wada (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888-1986)
Yasuda Yukihiko (1884-1978)
Kobayashi Kokei (1883-1957)
Leonard Foujita (1886-1968)
Yuzō Saeki (1898-1928)
Itō Shinsui (1898-1972)
Kaburaki Kiyokata (1878-1972)
Takehisa Yumeji (1884-1934)

Période de l’après-guerre (1945-présent)
Dans la période d’après-guerre, l’Académie d’art du Japon (Nihon Geijutsuin), parrainée par le gouvernement, a été créée en 1947 et comprenait à la fois des divisions nihonga et yōga. Le parrainage gouvernemental d’expositions d’art a pris fin, mais il a été remplacé par des expositions privées, telles que les Nitten, à une échelle encore plus grande. Bien que le Nitten ait été initialement l’exposition de la Japan Art Academy, il est dirigé depuis 1958 par une société privée distincte. La participation à la Nitten est devenue presque une condition préalable à la nomination à l’Académie japonaise des arts, ce qui est en soi une condition préalable officieuse à une nomination à l’Ordre de la culture.

Les arts de l’époque d’Edo et d’avant-guerre (1603-1945) ont été soutenus par les commerçants et les citadins. Contre les périodes d’Edo et d’avant-guerre, les arts de l’après-guerre deviennent populaires. Après la Seconde Guerre mondiale, les peintres, les calligraphes et les graveurs prospéraient dans les grandes villes, en particulier Tokyo, et se préoccupaient des mécanismes de la vie urbaine, reflétés dans les lumières vacillantes, les couleurs néons et le rythme frénétique de leurs abstractions. Tous les « ismes » du monde de l’art new-yorkais ont été accueillis avec ferveur. Après les abstractions des années 1960, les années 1970 ont vu un retour au réalisme fortement marqué par les mouvements d’art «op» et «pop», incarnés dans les années 1980 dans les œuvres explosives d’Ushio Shinohara. De nombreux artistes exceptionnels d’avant-garde ont travaillé au Japon et à l’étranger, remportant des prix internationaux. Ces artistes ont estimé qu’il n’y avait «rien de japonais» dans leurs œuvres et qu’ils appartenaient en effet à l’école internationale. À la fin des années 1970, la recherche de qualités japonaises et d’un style national a amené de nombreux artistes à réévaluer leur idéologie artistique et à se détourner de ce que certains pensaient être les formules vides de l’Occident. Les peintures contemporaines dans l’idiome moderne ont commencé à utiliser consciencieusement les formes, les dispositifs et les idéologies de l’art traditionnel japonais. Un certain nombre d’artistes mono-ha se tournent vers la peinture pour retrouver les nuances traditionnelles dans les arrangements spatiaux, les harmonies de couleurs et le lyrisme.

La peinture de style japonais ou nihonga se poursuit d’avant-guerre, mettant à jour les expressions traditionnelles tout en conservant leur caractère intrinsèque. Certains artistes dans ce style peignent encore sur soie ou papier avec des couleurs traditionnelles et de l’encre, tandis que d’autres ont utilisé de nouveaux matériaux, tels que l’acrylique.

Beaucoup d’anciennes écoles d’art, notamment celles d’Edo et d’avant-guerre, étaient encore pratiquées. Par exemple, le naturalisme décoratif de l’école rimpa, caractérisé par des couleurs brillantes et pures et des lavages saignants, se reflétait dans le travail de nombreux artistes de l’après-guerre dans l’art de Hikosaka Naoyoshi des années 1980. Le réalisme de l’école de Maruyama Ōkyo et le style calligraphique et spontané japonais des gentlemen-scholars ont été largement pratiqués dans les années 1980. Parfois, toutes ces écoles, ainsi que les plus anciennes, comme les traditions de l’encre de l’école Kanō, ont été inspirées par des artistes contemporains dans le style japonais et dans l’idiome moderne. De nombreux peintres de style japonais ont été récompensés par des récompenses et des prix en raison de la demande populaire renouvelée pour l’art de style japonais à partir des années 1970. De plus en plus, les peintres modernes internationaux s’inspiraient aussi des écoles japonaises en se détournant des styles occidentaux dans les années 1980. La tendance avait été de synthétiser l’Est et l’Ouest. Certains artistes avaient déjà franchi le pas entre les deux, tout comme l’excellent peintre Shinoda Toko. Ses abstractions audacieuses à l’encre sumi s’inspirent de la calligraphie traditionnelle mais se transforment en expressions lyriques de l’abstraction moderne.

Il y a aussi un certain nombre de peintres contemporains au Japon dont le travail est largement inspiré par les sous-cultures d’anime et d’autres aspects de la culture populaire et de la jeunesse. Takashi Murakami est peut-être l’un des artistes les plus célèbres et les plus populaires, ainsi que les autres artistes de son collectif Kaikai Kiki. Son travail est axé sur l’expression des problèmes et des préoccupations de la société japonaise d’après-guerre à travers des formes apparemment inoffensives. Il s’inspire fortement de l’anime et de styles apparentés, mais produit des peintures et des sculptures dans des médias plus traditionnellement associés aux beaux-arts, brouillant intentionnellement les frontières entre l’art commercial et populaire et les beaux-arts.

Artistes importants dans la période d’après-guerre comprennent:

Ogura Yuki (1895-2000)
Uemura Shōko (1902-2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
Kaii Higashiyama (1908-1999)