Японская живопись

Японская живопись (японская: 絵 画) – одна из старейших и наиболее совершенных японских изобразительных искусств, охватывающая широкий спектр жанров и стилей. Как и в истории японского искусства в целом, долгая история японской живописи демонстрирует синтез и конкуренцию между местной японской эстетикой и адаптацией импортных идей, в основном из китайской живописи, которая особенно сильно влияла на многие моменты; значительное влияние Запада происходит только с конца XVI века, начиная с того времени, когда японское искусство оказывало влияние на запад.

Областями тематики, в которых китайское влияние неоднократно значимо, включают буддийскую религиозную живопись, рисование чернилами пейзажей в традиции китайской литературной живописи, каллиграфию идеографов и живопись животных и растений, особенно птиц и цветов. Однако во всех этих областях явно сложились японские традиции. Предмет, который широко расценивается как наиболее характерный для японской живописи, а позднее – для печати, – это изображение сцен из повседневной жизни и повествовательных сцен, которые часто заполнены фигурами и деталями. Эта традиция, несомненно, начиналась в раннем средневековом периоде под влиянием Китая, который сейчас не отслеживается, кроме как в самых общих чертах, но с самого раннего сохранившегося произведения превратился в специфически японскую традицию, которая продолжалась до современного периода.

Официальный список национальных сокровищ Японии (картины) включает 158 работ или наборов произведений с 8 по 19 век (хотя и включает в себя ряд китайских картин, которые уже давно находятся в Японии), которые представляют собой вершины достижений или очень редкие пережитки с ранних периодов.

График

Древняя Япония и период Аски (до 710 года)
Истоки живописи в Японии относятся к доисторическому периоду Японии. Простые фигуральные изображения, а также ботанические, архитектурные и геометрические рисунки находятся на керамической плите Jōmon и эпохе Яой (300 г. до н.э. – 300 г. н.э.) бронзы бронзы dōtaku. Настенные росписи с геометрическими и фигуральными рисунками были найдены в многочисленных курганах, относящихся к периоду Кофун и Аске (300-700 гг. Н.э.).

Наряду с внедрением китайской системы письменности (кандзи), китайских способов государственного управления и буддизма в период Аски, многие художественные работы были импортированы в Японию из Китая, и стали выпускаться местные копии в подобных стилях.

Нара период (710-794)
С дальнейшим установлением буддизма в 6 и 7 веках в Японии процветала религиозная живопись и использовалась для украшения многочисленных храмов, воздвигнутых аристократией. Тем не менее, Нара-период Япония признана больше за важный вклад в искусство скульптуры, чем живопись.

Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают в себя фрески на внутренних стенах Конд (金堂) в храме Хрюй-дзи в Икаруге, префектура Нара. Эти настенные росписи, а также нарисованные изображения на важной святилище Тамамуши включают в себя рассказы, такие как джатака, эпизоды из жизни исторического Будды, Шакьямуни, в дополнение к знаковым образам будд, бодхисаттв и различных несовершеннолетних божеств. Стиль напоминает китайскую живопись из династии Суй или позднего периода шестнадцати королевств. Однако к середине эпохи Нара очень популярны картины в стиле династии Тан. Они также включают настенные росписи в Могиле Такамацузуки, датируемые около 700 года нашей эры. Этот стиль превратился в жанр (Кара-э), который оставался популярным в ранний период Хэйан.

Поскольку большинство картин в эпоху Нара носит религиозный характер, подавляющее большинство составляют анонимные художники. Большая коллекция искусства эпохи Нара, японская, а также китайская династия Тан сохранилась в Shōsō-in, хранилище 8-го века, ранее принадлежавшем Tōdai-ji и в настоящее время управляемом Императорским агентством по быту.

Хейанский период (794-1185)
С развитием эзотерических буддийских сект в Сингоне и Тендае живопись VIII и IX веков характеризуется религиозными образами, в первую очередь написанными Мандалой (曼荼羅 mandara). Многочисленные версии мандалы, наиболее знаменитые Алмазным королевством Мандала и царством воробей Мандала в Тхидзи в Киото, были созданы как свисающие свитки, а также как фрески на стенах храмов. Известный ранний пример – в пятиэтажной пагоде Дайо-джи, храме к югу от Киото.

С ростом важности сект из чистой земли японского буддизма в 10 веке новые типы изображений были разработаны для удовлетворения религиозных потребностей этих сект. К ним относятся raigōzu (来 迎 図), которые изображают Будду Амиды вместе с сопутствующими бодхисаттвами Кэннон и Сейши, прибывающие, чтобы приветствовать души верующих, отправившихся в Западный Рай Амиды. Известный ранний пример, относящийся к 1053 году, окрашен во внутреннюю часть Зала Феникса в Byōdō-in, храм в Удзи, Киото. Это также считается ранним примером так называемого Ямато-е (大 和 絵, «японская живопись»), поскольку он включает в себя элементы ландшафта, такие как мягкие холмистые холмы, которые, по-видимому, отражают нечто реальное западной Японии. Стилистически, однако, этот вид живописи продолжает быть подтвержден китайскими традициями пейзажной живописи «Синий и зеленый стиль» династии Тан. Ямато-е – неточный термин, который продолжает обсуждаться среди историков японского искусства.

Период середины Хэня рассматривается как золотой век Ямато-е, который изначально использовался в основном для раздвижных дверей (фусума) и складных экранов (byōbu). Однако на первый план вышли новые форматы рисования, особенно к концу периода Хэйан, включая эмакимоно или длинные иллюстрированные ручные часы. Разновидности emakimono охватывают иллюстрированные романы, такие как Genji Monogatari, исторические произведения, такие как Ban Dainagon Ekotoba и религиозные произведения. В некоторых случаях художники-эмаки использовали живописные повествовательные условности, которые использовались в буддийском искусстве с древних времен, в то время как в другое время они разрабатывали новые режимы повествования, которые, как полагают, визуально отображают эмоциональное содержание основного повествования. Genji Monogatari организован в сдержанные эпизоды, тогда как более живой Ban Dainagon Ekotoba использует непрерывный режим повествования, чтобы подчеркнуть движение вперед повествования. Эти два эмаки отличаются стилистически, а также быстрыми мазками кисти и легкой окраской Ban Dainagon, резко контрастирующими с абстрактными формами и яркими минеральными пигментами свитков Genji. Осада Санджского дворца – еще один известный пример этого вида живописи.

E-maki также служат одними из самых ранних и величайших примеров онны-е («женские рисунки») и отоко-е («мужские картины») и стилей живописи. В двух стилях есть много тонких различий. Хотя эти термины, по-видимому, указывают на эстетические предпочтения каждого пола, историки японского искусства давно обсуждают реальный смысл этих терминов, и они остаются неясными. Возможно, наиболее легко заметны различия в предмете. Онна-э, воплощенная в «Сказке Гинджи», обычно имеет дело с придворной жизнью и придворным романом, а отоко-е часто касается исторических или полулегендарных событий, особенно битв.

Период Камакура (1185-1333)
Эти жанры продолжались через период Камакура в Японии. Продолжалось производство е-маки различного вида; однако период Камакура гораздо сильнее характеризовался искусством скульптуры, чем живописи.

Поскольку большинство картин в периодах Хейан и Камакура являются религиозными по своей природе, подавляющее большинство составляют анонимные художники.

Период Муромачи (1333-1573)
В XIV веке развитие великих монастырей Дзэн в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суйбокуга, строгий монохромный стиль окраски чернил, представленный в династии Сун и Юань. Китай в значительной степени заменил полихромные картины прокрутки предыдущего периода, хотя сохранились некоторые полихромные портреты – первичными в виде рисунков чинзо дзенских монахов. Типичным для такой живописи является изображение священника-живописца Кая легендарного монаха Кенсу (Сянь-цзы на китайском языке) в тот момент, когда он достиг просветления. Этот тип рисунка был выполнен с быстрыми мазками кисти и минимальными деталями.

Ловля сома с тыквой (расположенная в Таиз-в, Мёшин-джи, Киото), священник-художник Йосецу, знаменует собой поворотный момент в картине Муромачи. На переднем плане человек изображен на берегу ручья с маленькой тыквой и смотрит на большого скользкого сома. Туман заполняет среднюю землю, и фон, горы, кажется, далеко вдали. Обычно считается, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому чувству глубокого пространства в плоскости изображения.

К концу 14 века монохромные пейзажные картины (山水画 sansuiga) нашли патронаж правящей семьи Асикага и были предпочтительным жанром среди художников Дзэн, постепенно эволюционировавших от китайских корней до более японского стиля. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал стихотворение с прокруткой, известное как шигаджику.

Первыми художниками периода Муромачи являются священники-художники Шубун и Сесшу. Субун, монах в киотском храме Shōkoku-ji, создал в картине Рединг в Бамбуковой роще (1446) реалистичный пейзаж с глубокой рецессией в космос. Сесшу, в отличие от большинства художников того времени, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись в своем источнике. Пейзаж четырех сезонов (Sansui Chokan, c. 1486) является одним из самых совершенных произведений Sesshu, изображающим непрерывный пейзаж в течение четырех сезонов.

В поздний период Муромачи картина чернил мигрировала из монастырей Дзэн в мир искусства в целом, поскольку художники из школы Кань и школы Ами (ja: 阿 弥 派) приняли стиль и темы, но представили более пластичные и декоративный эффект, который будет продолжаться и в наше время.

Важными художниками в период Муромачи в Японии являются:

Моккеи (приблизительно 1250)
Мокуан Рейен (умер 1345)
Kaō Ninga (e.14th century)
Mincho (1352-1431)
Йосецу (1405-1423)
Tenshō Shubun (умер 1460)
Sesshū Tōyō (1420-1506)
Kanō Masanobu (1434-1530)
Кань Мотонобу (1476-1559)
Резко контрастируя с предыдущим периодом Муромачи, период Азути-Момояма характеризовался грандиозным полихромным стилем, с широким использованием золотой и серебряной фольги, а также работами в очень больших масштабах. Школа Kanō, покровительствовавшая Ода Нобунага, Тоётоми Хидэёши, Токугава Иэясу и их последователей, получила огромные размеры и престиж. Kanō Eitoku разработал формулу для создания монументальных ландшафтов на раздвижных дверях, вмещающих комнату. Эти огромные экраны и настенные росписи были заказаны для украшения замков и дворцов военной знати. Этот статус продолжался в последующий период Эдо, так как Токугава бакуфу продолжал продвигать работы школы Кань в качестве официально санкционированного искусства для shōgun, daimyōs и Imperial court.

Тем не менее, художники и течения школы, не относящиеся к Кано, существовали и развивались в период Азути-Момояма, адаптируя китайские темы к японским материалам и эстетике. Одной из важных групп была школа Тоса, которая развивалась в основном из традиций ямато-е, и которая была известна главным образом для мелкомасштабных работ и иллюстраций литературных классиков в книжном или эмакийском формате.

Важными художниками периода Азучи-Момояма являются:

Kanō Eitoku (1543-1590)
Кань Санраку (1559-1663)
Кань Танью (1602-1674)
Хасегава Тхахаку (1539-1610)
Kaihō Yūshō (1533-1615)
Эдо период (1603-1868)

Многие историки искусства показывают период Эдо как продолжение периода Азучи-Момояма. Конечно, в ранний период Эдо многие из предыдущих тенденций в живописи продолжали оставаться популярными; однако возник ряд новых тенденций.

Одной из очень значительных школ, которая возникла в эпоху раннего Эдо, была школа Ринпы, которая использовала классические темы, но представила их в смелом и щедро декоративном формате. Sōtatsu, в частности, развил декоративный стиль, воссоздавая темы из классической литературы, используя блестящие цветные фигуры и мотивы из естественного мира, установленные на фоне золотых листьев. Через столетие Корин переделал стиль Сентацо и создал визуально великолепные произведения, уникально свои собственные.

Другим важным жанром, который начался в период Азучи-Момояма, но который достиг своего полного развития в течение раннего периода Эдо, было искусство Намбана, как в изображении экзотических иностранцев, так и в использовании экзотического иностранца в живописи. Этот жанр был сосредоточен вокруг порта Нагасаки, который после начала национальной политики уединения сёгуната Токугава был единственным японским портом, открытым для внешней торговли, и, таким образом, был каналом, благодаря которому китайские и европейские художественные влияния пришли в Японию. Картины в этом жанре включают в себя школьные картины Нагасаки, а также школу Маруяма-Шиджо, в которой сочетаются китайские и западные влияния с традиционными японскими элементами.

Третьей важной тенденцией в эпоху Эдо стало появление жанра Bunjinga (литературной живописи), также известного как школа Nanga (школа южной живописи). Этот жанр начался как подражание произведениям китайских ученых-любительских художников династии Юань, чьи работы и техники пришли в Японию в середине 18 века. Мастер Кувейама Гёкушу был самым большим сторонником создания стиля бунджина. Он предположил, что полихроматические ландшафты должны рассматриваться на одном уровне с монохроматическими картинами китайских литераторов. Кроме того, он включал в себя некоторых японских художников-традиционалистов, таких как Таварая Ситацу и Огата Кюрин из группы Ринпа, среди основных представителей Нанги. Позже художники bunjinga значительно изменили как методы, так и предмет этого жанра, чтобы создать смесь японского и китайского стилей. Типами этого стиля являются Айк не Тайга, Урагами Дьёкуд, Йоса Бусон, Таномура Чикуден, Тани Бунч и Ямамото Байицу.

Из-за политики сёгуната Токугавы в отношении фискальной и социальной суровости роскошные способы этого жанра и стилей были в основном ограничены верхними слоями общества и были недоступны, если не были фактически запрещены для низших классов. Обычные люди разработали отдельный тип искусства, fūzokuga, (風俗 画, жанровое искусство), в котором популярны картины, изображающие сцены из обычной повседневной жизни, особенно из простых людей, театра кабуки, проституток и пейзажей. Эти картины в 16 веке породили картины и гравюры на дереве ukiyo-e.

Важными художниками эпохи Эдо являются:

Таварая Сентасу (умер 1643)
Тоса Мицуоки (1617-1691)
Огата Кёрин (1658-1716)
Гион Нанкай (1677-1751)
Сакаки Хиакузен (1697-1752)
Янагисава Киен (1704-1758)
Йоса Бусон (1716-1783)
Itō Jakuchū (1716-1800)
Ike no Taiga (1723-1776)
Судзуки Харунобу (приблизительно 1725-1770)
Soga Shōhaku (1730-1781)
Маруяма Ōkyo (1733-1795)
Окада Бейсанджин (1744-1820)
Урагами Гёкудэ (1745-1820)
Мацумура Гошун (1752-1811)
Кацушика Хокусай (1760-1849)
Тани Бунч (1763-1840)
Таномура Чикуден (1777-1835)
Окада Хэнк (1782-1846)
Ямамото Байюцу (1783-1856)
Ватанабе Казань (1793-1841)
Утагава Хиросиге (1797-1858)
Шибата Зешин (1807-1891)
Томиока Тесай (1836-1924)
Кумаширо Привет (Юхи) (примерно 1712-1772)

Довоенный период (1868-1945)
Довоенный период был отмечен разделением искусства на конкурирующие европейские стили и традиционные национальные стили.

Во время периода Мэйдзи Япония претерпела огромные политические и социальные изменения в ходе кампании по европеизации и модернизации, организованной правительством Мэйдзи. Картина в западном стиле (yōga) была официально одобрена правительством, которое направило многообещающих молодых художников за рубежом для учебы и наняло иностранных художников приехать в Японию для создания учебной программы в японских школах.

Однако, после первоначального взрыва энтузиазма в стиле западного стиля, маятник качнулся в противоположном направлении и во главе с искусствоведом Окакурой Какузю и педагогом Эрнестом Феноллозой, возродился признательность за традиционные японские стили (Нихонга). В 1880-х годах искусство западного стиля было запрещено публичными выставками и подверглось серьезной критике со стороны критиков. При поддержке Okakura и Fenollosa стиль Nihonga развивался с влиянием европейского прерафаэлитового движения и европейского романтизма.

Художники стиля Yōga сформировали Мэйдзи Биджуцукай (Общество изобразительных искусств Мэйдзи), чтобы провести свои выставки и продвинуть новый интерес к западному искусству.

В 1907 году, с созданием Бунтена под эгидой Министерства образования, обе конкурирующие группы нашли взаимное признание и сосуществование и даже начали процесс взаимного синтеза.

Период Тайш увидел преобладание Йыги над Нихонгой. После долгого пребывания в Европе многие художники (в том числе Арисима Икума) вернулись в Японию под властью Йошихито, принеся с собой методы импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писсарро, Поля Сезанна и Пьера-Огюста Ренуара повлияли на ранние картины периода Тайши. Тем не менее, художники Йыга в период Тайши также склонялись к эклектике, и было много диссидентских художественных движений. Они включали Общество Фусайн (Фюсанкай), в котором подчеркивались стили пост-импрессионизма, особенно фовизма. В 1914 году Никакай (Общество второго дивизиона) выступило против оппозиционной выставки Bunten, спонсируемой правительством.

Японская живопись во время периода Тайша была лишь слегка под влиянием других современных европейских движений, таких как неоклассицизм и поздний пост-импрессионизм.

Тем не менее, это была возрождающаяся Нихонга, к середине 1920-х годов, которая приняла определенные тенденции после импрессионизма. Второе поколение художников Nihonga сформировало Японскую Академию изобразительных искусств (Nihon Bijutsuin), чтобы конкурировать с финансируемым правительством Bunten, и хотя традиции yamato-e оставались сильными, все более широкое использование западной перспективы и западные концепции пространства и света начали размытие различия между Нихонга и Йыга.

В японской живописи в предвоенный период Швава в значительной степени доминировали Сюрта Ясуи и Рюзабур Умехара, которые ввели концепции чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонги и создали более интерпретирующую версию этого жанра. Эта тенденция была еще более развита Леонардом Фуджитой и обществом Ника, чтобы охватить сюрреализм. Для продвижения этих тенденций в 1931 году была создана Независимая ассоциация искусств (Докурицу биджуцу Киокай).

Во время Второй мировой войны государственный контроль и цензура означали, что могут выражаться только патриотические темы. Многие художники были завербованы в правительственную пропагандистскую работу, и критический неэмоциональный обзор их произведений только начинается.

Важными художниками в довоенный период являются:

Харада Наожир (1863-1899)
Yamamoto Hōsui (1850-1906)
Асаи Чу (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828-1888)
Хашимото Гах (1835-1908)
Курода Сейки (1866-1924)
Вада Эйсаку (1874-1959)
Окада Сабурсуке (1869-1939)
Сакамото Ханджир (1882-1962)
Аоки Сигеру (1882-1911)
Фудзисима Такези (1867-1943)
Йокояма Тайкан 1868-1958
Хишида Шуньш 1874-1911
Kawai Gyokudō 1873-1957
Уэмура Шен (1875-1949)
Маэда Сейсон (1885-1977)
Такеучи Сейх (1864-1942)
Томиока Тесай (1837-1924)
Шимомура Канзан (1873-1930)
Такеширо Канооги (1874-1941)
Имамура Сиро (1880-1916)
Томита Кейзен (1879-1936)
Koide Narashige (1887-1931)
Кишида Рюсей (1891-1929)
Тетсугорё Йорозу (1885-1927)
Хаями Гёшу (1894-1935)
Кавабата Рюши (1885-1966)
Tsuchida Hakusen (1887-1936)
Мураками Кагаку (1888-1939)
Sōtarō Yasui (1881-1955)
Сандз Вада (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888-1986)
Ясуда Юкихико (1884-1978)
Кобаяси Кокеи (1883-1957)
Леонард Фуджит (1886-1968)
Юзз Саэки (1898-1928)
Itō Shinsui (1898-1972)
Кабураки Кийоката (1878-1972)
Такехиса Юмеджи (1884-1934)

Послевоенный период (с 1945 года по настоящее время)
В послевоенный период в 1947 году была создана японская академия искусств (Nihon Geijutsuin), в которой участвовали как подразделения нихонга, так и ygga. Государственное спонсорство художественных выставок закончилось, но было заменено частными выставками, такими как Nitten, в еще большем масштабе. Несмотря на то, что Ноттинг первоначально была выставкой Академии искусств Японии, с 1958 года она управляется отдельной частной корпорацией. Участие в Nitten стало почти обязательным условием для выдвижения в Академию искусств Японии, что само по себе является почти неофициальной предпосылкой для выдвижения на орденом культуры.

Искусство Эдо и довоенных периодов (1603-1945) поддерживалось торговцами и городскими людьми. Встреча с Эдо и довоенными периодами стали популярными искусства послевоенного периода. После Второй мировой войны художники, каллиграфы и гравюры процветали в больших городах, в частности в Токио, и стали заняты механизмами городской жизни, отраженными в мерцающих огнях, неоновых цветах и ​​безумных темпах их абстракций. Все «измы» мира искусства Нью-Йорка и Парижа были горячо охвачены. После абстракций 1960-х годов 1970-е годы возродились к реализму, сильно приправленным искусственными движениями «op» и «pop», воплощенными в 1980-х годах во взрывных работах Ушио Шинохара. Многие такие выдающиеся авангардные художники работали как в Японии, так и за рубежом, завоевывая международные призы. Эти художники считали, что в их произведениях «ничего японского» нет, и действительно они принадлежали к международной школе. К концу 1970-х годов поиск японских качеств и национального стиля заставил многих художников переоценить свою художественную идеологию и отвернуться от того, что некоторые считали пустыми формулами Запада. Современные картины в рамках современной идиомы стали сознательно использовать традиционные формы японского искусства, устройства и идеологии. Несколько художников из моно-хари обратились к живописи, чтобы вернуть традиционные нюансы в пространственных аранжировках, цветовых гармониях и лирике.

Картина японского или нихонга продолжается довоенным образом, обновляя традиционные выражения, сохраняя при этом свой внутренний характер. Некоторые художники в этом стиле по-прежнему рисуют на шелке или бумаге с традиционными цветами и чернилами, в то время как другие используют новые материалы, такие как акрил.

Многие из старых школ искусства, особенно из Эдо и довоенных периодов, все еще практиковались. Например, декоративный натурализм школы римпы, охарактеризованный блестящими, чистыми цветами и кровоточивыми моющими средствами, отразился на творчестве многих художников послевоенного периода в 1980-х годах искусства Хикосаки Наооши. Реализм школы Маруяма Шкё и каллиграфический и спонтанный японский стиль джентльменов-ученых были широко распространены в 1980-х годах. Иногда все эти школы, а также более старые, такие как традиции чернил в школе Кан, были нарисованы современными художниками в японском стиле и современной идиоме. Многие художники в японском стиле были удостоены наград и призов в результате возобновления популярного спроса на японское искусство, начавшееся в 1970-х годах. Все больше и больше международных художников-художников также привлекали японские школы, поскольку в 1980-х годах они отвернулись от западных стилей. Тенденция заключалась в синтезе Востока и Запада. Некоторые художники уже преодолели разрыв между ними, как и выдающийся художник Шинода Токо. Ее смелые абстракции чернил суми были вдохновлены традиционной каллиграфией, но реализованы как лирические выражения современной абстракции.

В Японии также есть ряд современных художников, чья работа в значительной степени вдохновлена ​​субкультурами аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры. Такаши Мураками, возможно, является одним из самых известных и популярных из них, наряду с другими художниками в его коллективе Kaikai Kiki. Его работа сосредотачивается на выражении проблем и проблем послевоенного японского общества через то, что обычно представляет собой безобидные формы. Он сильно рисует из аниме и связанных стилей, но производит картины и скульптуры в СМИ, более традиционно связанные с изобразительным искусством, намеренно размывая линии между коммерческим и популярным искусством и изобразительным искусством.

Важными художниками в послевоенный период являются:

Огура Юки (1895-2000)
Уэмура Шёко (1902-2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
Кай Хигасияма (1908-1999)