일본 화 (일본어 : 絵 画)는 다양한 장르와 스타일을 포함하여 일본 시각 예술 중에서 가장 오래되고 가장 세련된 작품 중 하나입니다. 일본 미술의 역사와 마찬가지로 일본 그림의 오랜 역사는 일본의 미학과 수입 된 사상의 적응 사이의 합성과 경쟁을 보여준다. 뜻 깊은 서양 영향은 일본 미술이 서구 미술에 영향을 줄 때부터 시작되어 16 세기 후반부터 온다.

중국의 영향이 반복적으로 중요하게 다루어지는 영역에는 불교도의 종교적 회화, 중국 문학 회화 전통의 경관 그림 그리기, 문자 표기법, 동식물, 특히 새와 꽃 그림이 포함됩니다. 그러나 이러한 모든 분야에서 일본의 전통이 두드러지게 나타납니다. 일본 화의 가장 큰 특징으로 널리 받아 들여지고 나중에 판화로 다루어지는 주제는 일상 생활에서 묘사 된 장면과 그림과 디테일이 섞여있는 서사 장면입니다. 이 전통은 의심 할 여지없이 가장 일반적인 용어를 제외하고는 흔적을 넘어선 중국의 영향으로 중세 초기에 시작되었지만, 초기 생존 시대부터 현대에 이르기까지 계속 된 일본 전통으로 발전했다.

공식 국립 국보 목록 (회화)에는 8-18 세기의 작품 (일본에 오래 있었던 중국 그림을 포함하여)이 158 점이나 그 중 가장 높은 성과를 나타내는 희귀 한 생존자 초기부터.

타임 라인

고대 일본과 아스카 시대 (710 년까지)
일본에서의 회화의 기원은 일본의 선사 시대로 거슬러 올라갑니다. 조문 (Jōmon) 시대의 도자기와 야요이 (Yayoi) 시대 (300 BC ~ 300 AD)의 청동 종에서 식물 학적, 건축 학적, 기하학적 인 디자인뿐만 아니라 단순한 도형 표현이 발견됩니다. Kofun 시대와 Asuka 시대 (300-700 AD)의 수많은 고분에서 기하학적 인 것과 도형적인 디자인을 가진 벽화가 발견되었습니다.

아스카 시대의 한자 쓰기, 한자 모드, 불교의 도입과 함께 중국에서 많은 예술 작품이 일본으로 수입되었고 유사한 스타일의 현지 사본이 제작되기 시작했다.

나라 시대 (710-794)
6 세기와 7 세기 일본에서 불교가 더 확립되면서 귀족들이 세운 수많은 성전을 장식하기 위해 종교 그림이 번창하여 사용되었습니다. 그러나 나라 시대 일본은 회화보다는 조각 예술에 중요한 공헌을 한 것으로 여겨진다.

이 기간 중 가장 오래 살아남은 그림은 나라현 이카 루가 (奈良縣) 이카 루가 (伊 賀 鹿)의 호류지 절의 곤도 (金堂) 내벽의 벽화입니다. 이 벽화에는 중요한 타마 무시 신전에 페인트 칠 된 이미지 외에 자타 카 (Jataka)와 같은 서사, 역사적인 부처의 삶에서 나온 에피소드, 샤 차무니 (Shakyamuni), 부처님, 보살 및 다양한 사소한 신의 상징적 인 이미지가 포함됩니다. 스타일은 수나라 또는 16 세기 후반의 중국 그림을 연상시킵니다. 그러나, 나라 중기 경에, 당나라 풍의 회화가 대 호평을 받았다. 여기에는 약 700 년경에 만들어진 다카마쓰 즈카 (Takamatsuzuka) 무덤의 벽화도 포함됩니다. 이 스타일은 헤이안 시대 초기부터 계속 된 (카라에) 장르로 발전했습니다.

나라 시대의 대부분의 회화는 본질적으로 종교적이기 때문에 대다수는 익명의 예술가들이다. 나라 시대 미술, 일본 및 중국 당나라 시대의 대규모 컬렉션은 이전에 Tōdai-ji 소유였던 Shōsō-in에 보관되었으며 현재 Imperial Household Agency에서 관리하고 있습니다.

헤이안 시대 (794-1185)
신곤 (Shingon)과 텐다이 (Tendai)의 밀교 불교 종파의 발달과 함께 8 세기와 9 세기의 회화는 종교적 이미지가 특징이며, 특히 만다라 (Mandala) (曼荼羅 만다라)가 그려져있다. 교토의 Tōji에서 가장 유명한 만다라와 가장 유명한 Diamond Realm Mandala와 Womb Realm Mandala는 매달려 스크롤과 사원 벽에 벽화로 제작되었습니다. 주목할만한 초기 사례는 교토의 남쪽에있는 다이 고지 (Diigo-ji)의 5 층 탑에 있습니다.

10 세기에 일본 불교의 순수한 종파의 중요성이 증대됨에 따라,이 종파의 신앙 요구를 충족시키기위한 새로운 이미지 유형이 개발되었습니다. 아미가의 서양의 낙원을 떠난 신자들의 영혼을 환영하기 위해 도착한 관음 보살과 관음과 함께 아미타 불상을 묘사하는 raigōzu (来 迎 図). 1053 년에 지어진 이른 예가 교토 우지 (宇 治)에있는 불도 (鳳 洞)의 피닉스 홀 내부에 그려져 있습니다. 이것은 조경의 실제 모습을 반영하는 것처럼 보이는 부드러운 굴곡 언덕과 같은 풍경 요소를 포함하고있는 소위 Yamato-e (대 和 絵, “일본식 그림”)의 초기 사례이기도합니다. 서부 일본. 그러나 스타일 론적으로, 당나라 시대 중국의 “청색과 녹색 스타일”의 풍경화 전통에 의해 이러한 유형의 그림이 계속 알려졌다. Yamato-e는 일본 미술의 역사가들 사이에서 계속 토론되고있는 부정확 한 용어입니다.

헤이안 중기는 Yamato-e의 황금 시대로 간주됩니다. Yamato-e는 주로 슬라이딩 도어 (fusuma) 및 접이식 스크린 (byōbu)에 주로 사용되었습니다. 그러나 헤이안 시대 말기에는 새로운 그림 형식이 등장했습니다. 예를 들어, 에마 키노 노 (emakimono) 또는 긴 일러스트 핸드 스크롤을 포함합니다. 에마 키 모노 품종에는 겐지 모노 가타리, 금지 다이 나곤 에코 토바 등의 역사적인 작품, 종교적 작품 등 소설이수록되어 있습니다. 어떤 때는 emaki 아티스트들이 고대부터 불교 미술에서 사용되었던 회화 적 서사 규칙을 사용하는 반면, 다른 시대에는 근본적인 서사의 감정적 인 내용을 시각적으로 전달하는 것으로 생각되는 새로운 서사 방식을 고안했다. 겐지 모노 가타리 (Genji Monogatari)는 신중한 에피소드로 구성되어 있으며 반면 더 활발한 반 다이나곤 에코 토바 (Bain Dainagon Ekotoba)는 내러티브의 전방 동작을 강조하기 위해 지속적인 내러티브 모드를 사용합니다. 이 2 개의에 마키는 겐지 두루마리의 추상적 인 형태와 생생한 광물질에 뚜렷하게 대조되는 금지 다이나곤 (Ban Dainagon)의 빠른 브러쉬 스트로크와 가벼운 채색으로 스타일이 독특합니다. Sanjō 궁전의 포위 공격 (Siege of Sanjō Palace)은이 유형의 그림의 또 다른 유명한 예입니다.

E-maki는 또한 onna-e ( “여성 그림”) 및 otoko-e ( “남성 그림”) 및 그림 스타일의 초기 및 최대 사례로 제공됩니다. 두 가지 스타일에는 많은 차이점이 있습니다. 이 용어가 각 성별의 미적 선호를 제시하는 것 같지만, 일본 미술의 역사가들은 오랫동안이 용어의 실제 의미에 대해 논쟁 해왔다. 아마 가장 쉽게 눈에 띄는 것은 주제의 차이입니다. Onna-e는 겐지 이야기 이야기로 전형적으로 다루어지며, 법정 생활과 법정 로맨스를 다룬다. otoko-e는 흔히 역사적 사건이나 반 – 전설적인 사건, 특히 전투를 다룬다.

가마쿠라 시대 (1185-1333)
이 장르는 가마쿠라 시대 일본을 거쳐 계속되었습니다. 다양한 종류의 E-maki가 계속 생산되었습니다. 그러나 가마쿠라 시대는 페인팅보다는 조각 예술이라는 특성을 훨씬 더 강하게 특징으로했다.

헤이안 시대와 가마쿠라 시대의 대부분의 회화는 사실상 종교적이기 때문에, 대다수는 익명의 예술가들이다.

무로마치 시대 (1333-1573)
14 세기에 가마쿠라와 교토의 선 (禅) 수도원의 발전은 시각 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. Suibokuga, 노래와 유안 왕조에서 도입 된 까만 단색 작풍은 이전 기간의 다색 일폭 그림을 대체했다, 몇몇 polychrome 초상화가 남아 있었더라도 – 대체로 – Zen 수도사의 chinso 회화의 모양으로 1 차 남아 있었다. 그러한 회화의 전형은 계몽을 이룬 순간에 전설의 승려 인 Kensu (중국의 Hsien-tzu)의 사제 화가 Kao에 의한 묘사이다. 이 유형의 그림은 빠른 브러쉬 스트로크와 최소한의 세부 묘사로 실행되었습니다.

사제 화가 조 세츠 (Josetsu)가 쓴, 조롱박 (교토 묘신 지 타이 조인)에있는 메기를 잡는 것은 무로마치 그림의 전환점이됩니다. 전경에서 한 남자가 작은 조롱박을 들고 큰 slithery 메기를보고 스트림의 은행에 그려져 있습니다. 안개가 중간을 채우고, 배경, 산들이 먼 곳에있는 것처럼 보입니다. 일반적으로 약 1413 년에 완성 된이 그림의 “새로운 스타일”은 그림 평면 내에서 깊은 중국 감각을 의미한다고 가정합니다.

14 세기 말 단필 풍경 (山水画 산수가)은 아시카가 (安 城) 가문의 후원을 얻었으며 선화 화가들 사이에서 선호하는 장르였으며 점차 중국의 뿌리에서 일본 스타일로 발전했다. 조경 그림의 발전은 시가 지쿠 (shigajiku)라고 알려진시 그림 두루마리였다.

무로마치 시대의 가장 유명한 예술가는 사부 화가 Shūbun과 Sesshū입니다. Shūkoku-ji의 교토 사원에서 Shūbun, 스님은 대나무 숲 (1446)에서 독서 그림에서 공간으로 깊은 후퇴와 현실적인 풍경을 만들었습니다. Sesshū는, 기간의 대부분의 예술가와는 다른, 중국에 여행하고 그것의 근원에 중국어 그림을 공부할 수 있었다. 사계절의 풍경 (Sansui Chokan, c. 1486)은 Sesshu의 가장 뛰어난 작품 중 하나이며 사계절을 통해 계속되는 풍경을 묘사합니다.

무로마치 시대 말기에는 가노 스쿨과 아미 스쿨 (ja : 阿 弥 派)의 예술가가 스타일과 테마를 채택하면서 선조 수도원에서 미술계로 옮겨 갔다. 장식 효과는 현대에 계속 될 것입니다.

무로마치 시대 일본의 중요한 예술가는 다음과 같습니다 :

목계 (1250 년경)
모쿠 안 라이엔 (1345 년 사망)
카오 닌가 (e.14 세기)
민코 (1352-1431)
죠 세츠 (1405-1423)
덴쇼 슈분 (1460 년 사망)
Sesshū Tōyō (1420-1506)
가나 노 마사노부 (1434-1530)
카노 모토 노부 (1476-1559)
이전 무로마치 시대와는 대조적으로, 아즈 치 – 모모 야마 시대는 금과 은박지를 광범위하게 사용하고, 거대한 규모의 작품을 통해 거대한 다색 양식이 특징이었습니다. 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이에야스, 그리고 추종자들이 애용하는 가노 (Kanō) 학교는 크기와 위신이 대단히 뛰어났습니다. Kano Eitoku는 방을 둘러싸고있는 슬라이딩 도어에 기념비적 인 풍경을 창조하는 공식을 개발했습니다. 이 거대한 스크린과 벽화는 군 귀족의 성곽과 궁전을 장식하도록 위임 받았다. 도쿠가와 막부는 쇼군, 다이묘, 제국 법원의 공인 된 공예로서 카노 학교의 작품을 계속 홍보하면서 이후에도 시대에 계속되었다.

그러나 아즈 치 모모 야마 시대에는 카노가 아닌 학교 예술가와 흐름이 존재하고 발전하여 중국의 테마를 일본의 재료와 미학에 적응 시켰습니다. 중요한 그룹 중 하나는 토사 학교 였는데 주로 야마토 전자 전통에서 개발되었으며 소규모 작품이나 서적이나 에마 키 형식의 고전 문학 작품으로 유명합니다.

아즈 치 모모 야마 시대의 중요한 예술가들 :

카노 에이 토쿠 (1543-1590)
Kanura Sanraku (1559-1663)
Kanō Tan’yū (1602-1674)
하세가와 토하 쿠 (1539-1610)
카이 호 유쇼 (1533-1615)
에도 시대 (1603-1868)

많은 예술 사학자들은에도 시대를 아즈 치 모모 야마 시대의 연속으로 보여줍니다. 물론에도 시대 초기의 회화 경향은 계속해서 인기가있었습니다. 그러나, 많은 새로운 동향이 또한 나타났습니다.

에도 시대 초반에 일어난 하나의 중요한 학교는 고전적인 주제를 사용했지만 대담하고 장식적인 형식으로 제시 한 린파 학교였습니다. Sōtatsu는 고전 문학에서 테마를 재창조하여 장식적인 스타일을 발전 시켰으며 금박 배경을 배경으로하는 자연스러운 색상의 인물과 모티프를 사용했습니다. 1 세기 후, 코린은 소타츠의 스타일을 수정하여 시각적으로 화려한 작품을 독자적으로 창작했습니다.

아즈 치 모모 야마 시대에 시작되었지만에도 시대 초기에 완전히 발전한 또 다른 중요한 장르는 이국적인 외국인 묘사와 회화에서의 이국적인 외국인 스타일 사용에 관한 남반 예술이었다. 이 장르는 나가사키 항을 중심으로하였으며, 도쿠가와 막부의 국가적 고립 정책이 시작된 이후 일본 무역항은 유일하게 일본 항구 였기 때문에 중국과 유럽의 예술적 영향이 일본으로 유입되는 통로였습니다. 이 장르의 그림으로는 나가사키 학교의 그림과 중국과 서양의 영향을 전통적인 일본 요소와 결합시킨 마루야마 시죠 (Maruyama-Shijo) 학교가 있습니다.

에도 시대의 세 번째 중요한 트렌드는 Nanga 학교 (남부 회화 학교)라고도 알려진 Bunjinga (학자적 인 그림) 장르의 등장이었습니다. 이 장르는 18 세기 중엽에 일본에 온 원조 왕조의 중국 학자 – 아마추어 화가들의 작품을 모방 한 것으로 시작되었다. 마스터 Kuwayama Gyokushū는 bunjin 스타일을 만드는 가장 큰 후원자였습니다. 그는 다색성 풍경이 중국 지식인에 의해 단색 그림의 동일한 수준에서 고려되어야한다고 이론화했다. 또한 그는 주요 Nanga 대표자들과 함께 Rinpa 그룹의 Tawaraya Sōtatsu 및 Ogata Kohrin과 같은 일부 일본 전통 예술가들을 포함 시켰습니다. 나중에 분진가 예술가들은이 장르의 기술과 주제를 상당히 수정하여 일본과 중국 스타일의 혼합을 만들었다. 이 형식의 전형은 Ike no Taiga, Uragami Gyokudō, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō, Yamamoto Baiitsu입니다.

도쿠가와 막부의 재정 및 사회 긴축 정책 덕분에이 장르와 스타일의 호화로운 방식은 사회의 상위 계층에 크게 제한되어 있었으며 하위 계층에게는 실제로 금지되지 않았다면 이용할 수 없었습니다. 일반 사람들은 공통적 인 일상 생활, 특히 일반 대중, 가부키 극장, 매춘 여성 및 경관의 장면을 묘사 한 그림이 인기가있는 별도의 유형의 미술 인 fuzokuga (風俗 画, 장르 예술)를 개발했습니다. 16 세기의이 그림들은 우키요에의 회화와 목판화를 탄생 시켰습니다.

에도 시대의 중요한 예술가는 다음과 같습니다 :

타 와라야 소따쓰 (1643 년 사망)
토사 미츠 우키 (1617-1691)
오가타 고린 (1658-1716)
기온 난카이 (1677-1751)
Sakaki Hyakusen (1697-1752)
야나기사와 키엔 (1704-1758)
요사 부손 (1716-1783)
이토 자쿠 츄 (1714-1800)
Ike no Taiga (1723-1776)
스즈키 하루노부 (1725-1770 년경)
소가 쇼하 쿠 (1730-1781)
마루야마 오쿄 (1733-1795)
오카다 베이 산진 (1744-1820)
우라 가미 교 쿠도 (1745-1820)
마쓰 무라 고순 (1752-1811)
카츠 시카 호쿠사이 (1760-1849)
Tani Bunchō (1763-1840)
타 노무라 치쿠 덴 (1777-1835)
오카다 한코 (1782-1846)
야마모토 바이이 쯔 (1783-1856)
와타나베 카잔 (1793-1841)
우타가와 히로시게 (1797-1858)
시바타 제신 (Shibata Zeshin, 1807-1891)
토미 오카 테 사이 (1836-1924)
구마 시로 하이 (Yūhi) (c. 1712-1772)

전 전 기간 (1868-1945)
전후 시대는 예술을 경쟁하는 유럽 스타일과 전통적인 원주민 스타일로 구분했다.

메이지 시대에 일본은 메이지 정부가 주최 한 유럽과 근대화 운동에서 엄청난 정치 사회적 변화를 겪었다. 서양식 회화 (yōga)는 유망한 젊은 예술가를 유학 국으로 파견하고 외국 예술가를 고용하여 일본 학교에 미술 커리큘럼을 설립하기 위해 일본에 온 정부에 의해 공식적으로 홍보되었습니다.

그러나 서양식 예술에 대한 초기 열정이 지나자, 진자는 반대 방향으로 움직 였고 미술 비평가 인 Okakura Kakuzō와 교육자 Ernest Fenollosa가 이끄는 전통 일본 스타일 (Nihonga)에 대한 감사의 부활이있었습니다. 1880 년대에는 서양식 예술이 공식 전시회에서 금지되었고 비평가들에 의해 심하게 비판되었습니다. 오카 쿠라 (Okakura)와 페 놀라 사 (Fenollosa)가 후원하는 니혼가 (Nihonga) 스타일은 라파엘 (Raphaelite) 이전 유럽 운동과 유럽 낭만주의의 영향을 받아 발전했습니다.

Yōga 스타일의 화가는 Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society)를 결성하여 자체 전시회를 개최하고 서양 미술에 대한 새로운 관심을 촉진했습니다.

1907 년 교육부 후원으로 Bunten이 설립됨에 따라 두 경쟁 그룹 모두 상호 인정과 공존을 발견하고 상호 합성으로 나아 가기 시작했습니다.

Taishō 기간은 Nihonga에 Yōga의 우세를 보았다. 유럽에서 오랫동안 머문 후에 많은 예술가 (Arishima Ikuma 포함)가 Yoshihito 통치하에 일본으로 돌아와 인상주의와 후기 인상파의 기법을 가져 왔습니다. 카미유 피사로, 폴 세잔, 피에르 오귀스트 르누아르의 작품은 타이 쇼 초기 회화에 영향을 미쳤다. 그러나 타이 쇼 시대의 유가 예술가들은 절충주의에 빠져 있었고, 반체제적인 예술 운동이 많았다. 여기에는 인상주의의 스타일, 특히 fauvism을 강조한 Fusainy Society (Fyuzankai)가 포함되었습니다. 1914 년 정부가 후원 한 번천 전 (Bunten Exhibition)에 반대하는 것으로 알려진 Nikakai (Second Division Society)가 등장했습니다.

타이 쇼 시대의 일본화는 신고전주의와 후기 인상주의와 같은 다른 현대 유럽 운동에 의해 온화하게 영향을 받았다.

그러나 인상파 이후의 경향을 채택한 것은 1920 년대 중반으로 거슬러 올라간 Nihonga였다. 2 세의 일본인 예술가는 정부가 후원하는 Bunten과 경쟁하기 위해 일본 미술 학교 (Nihon Bijutsuin)를 결성했으며, 야마토 전통은 여전히 ​​강하게 남아 있지만 서구의 시각과 서양의 개념은 점차 증가했다. Nihonga와 yōga의 구별을 흐리게한다.

전전 쇼와 (Shōwa) 시대의 일본화는 순수 예술과 추상적 인 그림의 개념을 니혼가 전통에 도입 한 Sōtarō Yasui와 Ryūzaburō Umehara에 의해 크게 지배되었고, 따라서이 장르의 해석 적 버전이 창안되었습니다. 이 추세는 Leonard Foujita와 Nika Society에 의해 초현실주의를 망라하기 위해 더 발전되었습니다. 이러한 경향을 촉진하기 위해 1931 년 독립 미술 협회 (Dokuritsu Bijutsu Kyokai)가 설립되었습니다.

제 2 차 세계 대전 중 정부의 통제와 검열은 애국적인 주제들만이 표현 될 수 있음을 의미했다. 많은 예술가들이 정부의 선전 노력에 동원되었으며, 비폭력적인 비평 적 검토는 단지 시작에 불과합니다.

전전 기간의 중요한 예술가는 다음과 같습니다 :

하라다 나오지로 (1863-1899)
야마모토 호이이 (1850-1906)
아사 추 (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828-1888)
하시 모토 가호 (1835-1908)
구로다 세이 키 (1866-1924)
와다 에이 삭 (1874-1959)
오카다 사부로 우 스케 (1869-1939)
사카모토한지로 (1882-1962)
아오키 시게루 (1882-1911)
후지시마 다케시 (1867-1943)
요코야마 다이칸 1868-1958
히다 슌소 1874-1911
가와이 교 쿠도 1873-1957
우에 무라 쇼엔 (1875-1949)
마에다 세이 손 (1885-1977)
다케우치 세이 호 (1864-1942)
토미 오카 테 사이 (1837-1924)
시모무라 간잔 (1873-1930)
가노 코기 타케시로 (1874-1941)
이마무라 시로 (1880-1916)
도미타 케이젠 (1879-1936)
코이데 나라 시게 (1887-1931)
키시 다 류세 (1891-1929)
요로즈 테츠 고로 (1885-1927)
Hayami Gyoshū (1894-1935)
가와바타 류시 (1885-1966)
쓰 치다 하쿠센 (1887-1936)
무라카미 가가 쿠 (1888-1939)
Sōtarō Yasui (1881-1955)
Sanzō Wada (1883-1967)
류 마자로 우메하라 (1888-1986)
야스다 유키히코 (1884-1978)
고바야시 코 케이 (1883-1957)
레오나드 후지타 (Leonard Foujita, 1886-1968)
사에키 유조 (1898-1928)
이토 신수이 (1898-1972)
카부 라기 키요 카타 (1878-1972)
타케 히사 유메 지 (1884-1934)

전후 기간 (1945- 현재)
전후시기에는 정부가 후원하는 일본 예술 학교 (Nihon Geijutsuin)가 1947 년에 결성되었으며, 일본 영자 아카데미 (nihonga and yōga division)가 둘 다 포함되어 있습니다. 정부의 미술 전시회 후원은 끝났지 만 Nitten과 같은 사적 전시회로 대체되었다. Nitten은 처음에는 Japan Art Academy 전시회 였지만 1958 년부터는 별도의 민간 법인에서 운영되었습니다. 니트 텐에 입회하는 것은 문화 예술 훈장에 대한 지명을위한 비공식적 인 전제 조건 인 거의 일본 아트 아카데미에 지명되기위한 전제 조건이되었습니다.

에도 시대와 전후 (1603-1945)의 예술은 상인과 도시 사람들의지지를 받았다. 에도 (江 戸) 시대와 전쟁 전의시기에 맞서 전후 시대의 예술이 인기를 얻었습니다. 제 2 차 세계 대전 이후, 화가, 서예가 및 판화 제작자들은 대도시, 특히 도쿄에서 번창했고 도시 생활의 메커니즘에 몰두하여 깜박이는 불빛, 네온 컬러 및 그 추상화 된 광란의 속도에 반영되었습니다. 뉴욕 – 파리 예술 세계의 모든 “이즘”은 열렬히 받아 들여졌습니다. 1960 년대의 추상화 이후, 1970 년대는 Ushio Shinohara의 폭발적인 작품에서 1980 년대에 구체화 된 “op”와 “pop”미술 운동에 강하게 영향을받은 리얼리즘으로의 복귀를 보았습니다. 뛰어난 아방가르드 아티스트 중 다수가 국내외에서 일하면서 국제 상을 수상했습니다. 이 예술가들은 자신의 작품에 대해 “일본인이 없다”고 느꼈고 실제로 그들은 국제 학교에 소속되어있었습니다. 1970 년대 후반에 일본의 특성과 국가 스타일을 찾자 많은 예술가들은 예술적 이데올로기를 재평가하고 서구의 공포 된 공식을 느꼈다. 현대 관용구의 현대 회화는 전통적인 일본식 예술 형식, 장치 및 이데올로기를 의식적으로 사용하기 시작했습니다. 많은 모노 하 예술가들이 공간 배열, 색의 하모니 및 서정성에 대한 전통적인 뉘앙스를 재현하기 위해 그림으로 변했습니다.

일본식 또는 일본화는 전쟁 전의 방식으로 계속되어 전통적 표현을 업데이트하면서 본질적인 성격을 유지합니다. 이 스타일의 일부 아티스트는 여전히 실크 나 종이에 전통적인 색상과 잉크로 페인트하는 반면 다른 작가는 아크릴과 같은 새로운 소재를 사용했습니다.

에도 시대와 전후 시대의 미술 학교들 중 상당수가 여전히 여전히 연습을 받았다. 예를 들어, 화려하고 순수한 색채와 출혈 세척으로 특징 지어지는 림파 학교의 장식적인 자연주의는 1980 년대 히코 사카 나오요시 (Hikosaka Naoyoshi)의 미술에서 전후 시대의 많은 예술가들의 작품에 반영되었습니다. 마루야마 오쿄 (Maruyama Okyo)의 학교와 서예 및 자발적인 일본인 신사들의 현실주의는 1980 년대에 광범위하게 실천되었습니다. 때로는 카노 학교의 잉크 전통과 같은 오래된 학교뿐만 아니라이 학교들 모두가 일본 스타일의 현대 예술가와 현대 관용구에서 그려졌습니다. 많은 일본 화가들은 1970 년대부터 시작된 일본식 예술에 대한 인기있는 수요의 결과로 상과 상을 수상했습니다. 국제 현대 화가들은 점점 더 1980 년대 서양식에서 벗어나면서 일본 학교에 끌려갔습니다. 동양과 서양을 종합하려는 경향이있었습니다. 뛰어난 화가 시노다 토코 (Shinoda Toko)와 마찬가지로 일부 예술가는 이미이 둘 사이의 차이를 뛰어 넘었습니다. 대담한 수미 잉크 추상화는 전통적인 서예에서 영감을 얻었지만 근대 추상화의 서정적 표현으로 실현되었습니다.

일본의 현대 화가들 중에는 애니메이션 하위 문화와 대중 문화와 청소년 문화의 영향을 많이받는 작품들이 많이 있습니다. 다카시 무라카미는 아마 카카 이키 키키 스튜디오 집단과 함께 이들 중 가장 유명하고 인기있는 작가 중 하나 일 것입니다. 그의 작품은 전후 일본 사회의 문제와 우려를 보통 겉으로보기에는 무해한 형식을 통해 표현하는 데 중점을두고 있습니다. 그는 애니메이션 및 관련 스타일에서 크게 벗어나지 만 전통적으로 미술과 관련된 미디어에서 회화와 조각을 생산하며 상업적 예술과 대중 예술 및 예술 사이의 경계를 의도적으로 모호하게 만듭니다.

전후 기간에 중요한 예술가는 다음과 같습니다 :

오구라 유키 (1895 ~ 2000)
우에 무라 쇼코 (1902-2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
카이 히가시야마 (1908-1999)