La pintura japonesa (en japonés: 絵 画) es una de las artes visuales japonesas más antiguas y refinadas, y abarca una gran variedad de géneros y estilos. Como en la historia de las artes japonesas en general, la larga historia de la pintura japonesa muestra síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas, principalmente de la pintura china, que fue especialmente influyente en varios puntos; la influencia occidental significativa solo viene desde finales del siglo XVI en adelante, comenzando al mismo tiempo que el arte japonés estaba influyendo en el de Occidente.

Las áreas de la materia en las que la influencia china ha sido repetidamente significativa incluyen la pintura religiosa budista, la pintura con pintura a tinta de paisajes en la tradición pintura china, la caligrafía de ideógrafos y la pintura de animales y plantas, especialmente pájaros y flores. Sin embargo, las tradiciones distintivamente japonesas se han desarrollado en todos estos campos. El tema ampliamente considerado como el más característico de la pintura japonesa, y posterior grabado, es la representación de escenas de la vida cotidiana y escenas narrativas que a menudo están llenas de figuras y detalles. Esta tradición sin duda comenzó en el período medieval temprano bajo la influencia china que ahora está más allá del trazado, excepto en los términos más generales, pero desde el período de las obras más antiguas se han convertido en una tradición específicamente japonesa que duró hasta el período moderno.

La Lista oficial de tesoros nacionales de Japón (pinturas) incluye 158 obras o conjuntos de obras del siglo VIII al XIX (aunque incluye una serie de pinturas chinas que han estado en Japón) que representan picos de logros, o supervivencias muy raras. desde los primeros períodos.

Cronología

Período antiguo de Japón y Asuka (hasta 710)
Los orígenes de la pintura en Japón datan del período prehistórico de Japón. Las representaciones figurativas simples, así como los diseños botánicos, arquitectónicos y geométricos se encuentran en la cerámica del período de Jōmon y en las campanas de bronce del dōtaku del período Yayoi (300 aC – 300 dC). Se han encontrado pinturas murales con diseños geométricos y figurativos en numerosos túmulos que datan del período Kofun y el período Asuka (300-700 dC).

Junto con la introducción del sistema de escritura chino (kanji), los modos chinos de administración gubernamental y el budismo en el período Asuka, se importaron muchas obras de arte de Japón a Japón y se empezaron a producir copias locales en estilos similares.

Período de Nara (710-794)
Con el posterior establecimiento del budismo en los siglos VI y VII de Japón, la pintura religiosa floreció y se utilizó para adornar numerosos templos erigidos por la aristocracia. Sin embargo, el período Nara Japón es reconocido más por sus importantes contribuciones en el arte de la escultura que por la pintura.

Las primeras pinturas que sobreviven de este período incluyen los murales en las paredes interiores del Kondō (金堂) en el templo Hōryū-ji en Ikaruga, prefectura de Nara. Estas pinturas murales, así como las imágenes pintadas en el importante Santuario Tamamushi incluyen narrativas como jataka, episodios de la vida del Buda histórico, Shakyamuni, además de imágenes icónicas de budas, bodhisattvas y varias deidades menores. El estilo es una reminiscencia de la pintura china de la dinastía Sui o del período de los Dieciséis Reinos. Sin embargo, a mediados del período de Nara, las pinturas en el estilo de la dinastía Tang se hicieron muy populares. Estos también incluyen los murales de la Tumba Takamatsuzuka, que datan del año 700 d. Este estilo evolucionó hacia el género (Kara-e), que siguió siendo popular durante el período temprano de Heian.

Como la mayoría de las pinturas en el período de Nara son de naturaleza religiosa, la gran mayoría son de artistas anónimos. Una gran colección de arte de la época de Nara, tanto japonesa como de la dinastía Tang china, se conserva en Shōsō-in, un depósito del siglo VIII anteriormente propiedad de Tōdai-ji y actualmente administrado por la Agencia de la Casa Imperial.

Período Heian (794-1185)
Con el desarrollo de las sectas budistas esotéricas de Shingon y Tendai, la pintura de los siglos VIII y IX se caracteriza por imágenes religiosas, sobre todo pintado Mandala (曼荼羅 mandara). Numerosas versiones de mandala, la más famosa es Diamond Realm Mandala y Womb Realm Mandala en Tōji en Kyoto, se crearon como pergaminos colgantes y también como murales en las paredes de los templos. Un ejemplo temprano notable es en la pagoda de cinco pisos de Daigo-ji, un templo al sur de Kioto.

Con la creciente importancia de las sectas de la Tierra Pura del budismo japonés en el siglo X, se desarrollaron nuevos tipos de imágenes para satisfacer las necesidades devocionales de estas sectas. Estos incluyen raigōzu (来 迎,), que representan al Buda Amida junto con los bodhisattvas asistentes Kannon y Seishi que llegan para recibir las almas de los fieles que partieron hacia el Paraíso Occidental de Amida. Un ejemplo temprano notable que data de 1053 está pintado en el interior del Phoenix Hall del Byōdō-in, un templo en Uji, Kyoto. Esto también se considera un ejemplo temprano del llamado Yamato-e (大 和 «,» pintura de estilo japonés «), en la medida en que incluye elementos de paisaje tales como suaves colinas que parecen reflejar algo del aspecto real del paisaje de Japón occidental. Estilísticamente, sin embargo, este tipo de pintura sigue siendo informada por las tradiciones chinas de pintura de paisaje «azul y verde» de la dinastía Tang. Yamato-e es un término impreciso que continúa siendo debatido entre los historiadores del arte japonés.

El período de mediados de Heian se considera la edad de oro de Yamato-e, que inicialmente se usaba principalmente para puertas correderas (fusuma) y biombos plegables (byōbu). Sin embargo, los nuevos formatos de pintura también pasaron a primer plano, especialmente hacia el final del período Heian, incluido el emakimono, o rollos de mano ilustrados durante mucho tiempo. Las variedades de emakimono abarcan novelas ilustradas, como el Genji Monogatari, obras históricas, como Ban Dainagon Ekotoba, y obras religiosas. En algunos casos, los artistas de emaki emplearon convenciones narrativas pictóricas que se habían utilizado en el arte budista desde la antigüedad, mientras que en otras ocasiones idearon nuevos modos narrativos que se cree transmiten visualmente el contenido emocional de la narración subyacente. Genji Monogatari está organizado en episodios discretos, mientras que el más animado Ban Dainagon Ekotoba usa un modo narrativo continuo para enfatizar el movimiento hacia delante de la narración. Estos dos emaki también difieren estilísticamente, con las pinceladas rápidas y la coloración clara de Ban Dainagon, que contrastan marcadamente con las formas abstractas y los vibrantes pigmentos minerales de los rollos de Genji. El asedio del palacio de Sanjō es otro ejemplo famoso de este tipo de pintura.

E-maki también sirven como algunos de los primeros y mejores ejemplos de onna-e («fotos de mujeres») y otoko-e («imágenes de hombres») y estilos de pintura. Hay muchas diferencias en los dos estilos. Aunque los términos parecen sugerir las preferencias estéticas de cada género, los historiadores del arte japonés han debatido durante mucho tiempo el significado real de estos términos, y siguen sin estar claros. Quizás las más notorias sean las diferencias en el tema. Onna-e, personificado por el juego de manos del Cuento de Genji, generalmente trata sobre la vida en la corte y el romance cortesano, mientras que otoko-e, a menudo trata sobre eventos históricos o semilegendarios, particularmente batallas.

Período de Kamakura (1185-1333)
Estos géneros continuaron durante el período de Kamakura en Japón. E-maki de varios tipos continuó siendo producido; sin embargo, el período de Kamakura se caracterizó mucho más por el arte de la escultura que por la pintura.

Como la mayoría de las pinturas de los períodos Heian y Kamakura son de naturaleza religiosa, la gran mayoría son de artistas anónimos.

Período de Muromachi (1333-1573)
Durante el siglo XIV, el desarrollo de los grandes monasterios Zen en Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto en las artes visuales. Suibokuga, un austero estilo monocromático de la pintura con tinta introducida de la dinastía Song y Yuan, China reemplazó en gran medida a las pinturas en pergamino policromadas del período anterior, aunque permanecieron algunos retratos policromados, primarios en forma de pinturas chinso de monjes Zen. Típico de tal pintura es la representación del sacerdote-pintor Kaō del legendario monje Kensu (Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación. Este tipo de pintura se ejecutó con pinceladas rápidas y un mínimo de detalles.

Capturar un bagre con una calabaza (ubicada en Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), por el sacerdote pintor Josetsu, marca un punto de inflexión en la pintura de Muromachi. En primer plano, se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el terreno intermedio, y el fondo, las montañas parecen estar lejos en la distancia. En general se supone que el «nuevo estilo» de la pintura, ejecutado alrededor de 1413, se refiere a una sensación más china del espacio profundo dentro del plano de la imagen.

A finales del siglo XIV, las pinturas de paisaje monocromáticas (山水画 sansuiga) habían sido patrocinadas por la familia gobernante Ashikaga y era el género preferido entre los pintores zen, evolucionando gradualmente de sus raíces chinas a un estilo más japonés. Un desarrollo adicional de la pintura del paisaje fue el rollo de la imagen del poema, conocido como shigajiku.

Los artistas más destacados del período Muromachi son los sacerdotes pintores Shūbun y Sesshū. Shūbun, un monje en el templo de Shōkoku-ji en Kyoto, creó en la pintura Reading in a Bamboo Grove (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en su origen. El paisaje de las Cuatro Estaciones (Sansui Chokan, hacia 1486) es una de las obras más logradas de Sesshu, representando un paisaje continuo a través de las cuatro estaciones.

A finales del período Muromachi, la pintura con tinta había emigrado de los monasterios Zen al mundo del arte en general, ya que los artistas de la escuela Kanō y la escuela Ami (ja: 阿 弥 派) adoptaron el estilo y los temas, pero introdujeron un efecto decorativo que continuaría en los tiempos modernos.

Los artistas importantes en el período de Muromachi Japón incluyen:

Mokkei (hacia 1250)
Mokuan Reien (muerto en 1345)
Kaō Ninga (e.14th siglo)
Mincho (1352-1431)
Josetsu (1405-1423)
Tenshō Shūbun (muerto en 1460)
Sesshū Tōyō (1420-1506)
Kanō Masanobu (1434-1530)
Kanō Motonobu (1476-1559)
En marcado contraste con el período anterior de Muromachi, el período Azuchi-Momoyama se caracterizó por un grandioso estilo policromático, con un amplio uso de láminas de oro y plata, y por obras a gran escala. La escuela Kanō, frecuentada por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores, ganó muchísimo en tamaño y prestigio. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula para la creación de paisajes monumentales en las puertas correderas que encierran una habitación. Estas enormes pantallas y pinturas murales fueron encargados de decorar los castillos y palacios de la nobleza militar. Este estado continuó en el siguiente período Edo, ya que el Tokugawa Bakufu continuó promoviendo los trabajos de la escuela Kanō como el arte sancionado oficialmente para el shōgun, los daimyōs y la corte imperial.

Sin embargo, las corrientes y los artistas que no pertenecen a la escuela Kano también existieron y se desarrollaron durante el período Azuchi-Momoyama, adaptando los temas chinos a los materiales y la estética japoneses. Un grupo importante fue la escuela Tosa, que se desarrolló principalmente a partir de la tradición yamato-e, y que era conocida principalmente por obras a pequeña escala e ilustraciones de clásicos literarios en formato libro o emaki.

Artistas importantes en el período Azuchi-Momoyama incluyen:

Kanō Eitoku (1543-1590)
Kanō Sanraku (1559-1663)
Kanō Tan’yū (1602-1674)
Hasegawa Tōhaku (1539-1610)
Kaihō Yūshō (1533-1615)
Período Edo (1603-1868)

Muchos historiadores del arte muestran el período Edo como una continuación del período Azuchi-Momoyama. Ciertamente, durante el período temprano de Edo, muchas de las tendencias previas en pintura continuaron siendo populares; sin embargo, también surgieron una serie de nuevas tendencias.

Una escuela muy significativa que surgió en el período temprano de Edo fue la escuela Rinpa, que usaba temas clásicos, pero los presentaba en un formato audaz y profusamente decorativo. Sōtatsu, en particular, desarrolló un estilo decorativo mediante la recreación de temas de la literatura clásica, utilizando figuras y motivos de colores brillantes del mundo natural contra fondos de pan de oro. Un siglo más tarde, Korin reformuló el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente hermosas y únicas.

Otro género importante que comenzó durante el período Azuchi-Momoyama, pero que alcanzó su pleno desarrollo durante el período temprano de Edo fue el arte Namban, tanto en la representación de extranjeros exóticos como en el uso del estilo extranjero exótico en la pintura. Este género se centró en el puerto de Nagasaki, que tras el inicio de la política de aislamiento nacional del shogunato Tokugawa fue el único puerto japonés abierto al comercio exterior, y fue así el conducto por el cual las influencias artísticas chinas y europeas llegaron a Japón. Las pinturas en este género incluyen pinturas de la escuela de Nagasaki, y también la escuela Maruyama-Shijo, que combina influencias chinas y occidentales con elementos tradicionales japoneses.

Una tercera tendencia importante en el período Edo fue el surgimiento del género Bunjinga (pintura literaria), también conocido como la escuela Nanga (escuela Southern Painting). Este género comenzó como una imitación de las obras de los pintores académicos aficionados chinos de la dinastía Yuan, cuyas obras y técnicas llegaron a Japón a mediados del siglo XVIII. El Maestro Kuwayama Gyokushū fue el mayor partidario de crear el estilo bunjin. Él teorizó que los paisajes policromáticos debían considerarse en el mismo nivel de pinturas monocromáticas de los letrados chinos. Además, incluyó algunos artistas tradicionalistas japoneses, como Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin del grupo Rinpa, entre los principales representantes de Nanga. Más tarde, los artistas de bunjinga modificaron considerablemente las técnicas y el tema de este género para crear una mezcla de estilos japoneses y chinos. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga, Uragami Gyokudō, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō y Yamamoto Baiitsu.

Debido a las políticas de austeridad fiscal y social del shogunato Tokugawa, los lujosos modos de estos géneros y estilos se limitaban en gran parte a los estratos superiores de la sociedad, y no estaban disponibles, sino prohibidos a las clases bajas. La gente común desarrolló un tipo de arte por separado, el fūzokuga, (風俗 画, arte de género) en el que la pintura que representa escenas de la vida cotidiana, especialmente la de la gente común, el teatro kabuki, las prostitutas y los paisajes eran populares. Estas pinturas en el siglo 16 dieron lugar a las pinturas y grabados en madera de ukiyo-e.

Artistas importantes en el período Edo incluyen:

Tawaraya Sōtatsu (muerto en 1643)
Tosa Mitsuoki (1617-1691)
Ogata Kōrin (1658-1716)
Gion Nankai (1677-1751)
Sakaki Hyakusen (1697-1752)
Yanagisawa Kien (1704-1758)
Yosa Buson (1716-1783)
Itō Jakuchū (1716-1800)
Ike no Taiga (1723-1776)
Suzuki Harunobu (hacia 1725-1770)
Soga Shōhaku (1730-1781)
Maruyama Ōkyo (1733-1795)
Okada Beisanjin (1744-1820)
Uragami Gyokudō (1745-1820)
Matsumura Goshun (1752-1811)
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tani Bunchō (1763-1840)
Tanomura Chikuden (1777-1835)
Okada Hankō (1782-1846)
Yamamoto Baiitsu (1783-1856)
Watanabe Kazan (1793-1841)
Utagawa Hiroshige (1797-1858)
Shibata Zeshin (1807-1891)
Tomioka Tessai (1836-1924)
Kumashiro Hola (Yūhi) (c 1712-1772)

Período de preguerra (1868-1945)
El período anterior a la guerra estuvo marcado por la división del arte en estilos europeos en competencia y estilos indígenas tradicionales.

Durante el período Meiji, Japón experimentó un tremendo cambio político y social en el curso de la campaña de europeización y modernización organizada por el gobierno Meiji. La pintura de estilo occidental (yōga) fue oficialmente promovida por el gobierno, que envió a jóvenes artistas prometedores al extranjero para estudiar y contrató a artistas extranjeros para que vinieran a Japón a establecer un plan de estudios de arte en escuelas japonesas.

Sin embargo, después de una explosión inicial de entusiasmo por el arte de estilo occidental, el péndulo se movió en la dirección opuesta, y dirigido por el crítico de arte Okakura Kakuzō y el educador Ernest Fenollosa, hubo un resurgimiento de la apreciación de los estilos tradicionales japoneses (Nihonga). En la década de 1880, el arte de estilo occidental fue excluido de las exhibiciones oficiales y fue duramente criticado por la crítica. Con el apoyo de Okakura y Fenollosa, el estilo Nihonga evolucionó con influencias del movimiento prerrafaelista europeo y el romanticismo europeo.

Los pintores de estilo Yōga formaron la Meiji Bijutsukai (Sociedad de Bellas Artes Meiji) para celebrar sus propias exposiciones y promover un renovado interés en el arte occidental.

En 1907, con el establecimiento del Bunten bajo la tutela del Ministerio de Educación, ambos grupos en competencia encontraron reconocimiento mutuo y coexistencia, e incluso comenzaron el proceso hacia la síntesis mutua.

El período Taishō vio el predominio de Yōga sobre Nihonga. Después de largas estancias en Europa, muchos artistas (incluido Arishima Ikuma) regresaron a Japón bajo el reinado de Yoshihito, trayendo consigo las técnicas del impresionismo y el postimpresionismo temprano. Las obras de Camille Pissarro, Paul Cézanne y Pierre-Auguste Renoir influyeron en las primeras pinturas del período Taishō. Sin embargo, los artistas de yōga en el período de Taishō también tendían hacia el eclecticismo, y había una profusión de movimientos artísticos disidentes. Estos incluyeron a la Sociedad Fusain (Fyuzankai) que enfatizó los estilos del postimpresionismo, especialmente el fauvismo. En 1914, surgió la Nikakai (Sociedad de la Segunda División) para oponerse a la Exposición de Bunten patrocinada por el gobierno.

La pintura japonesa durante el período Taishō fue moderadamente influida por otros movimientos europeos contemporáneos, como el neoclasicismo y el postimpresionismo tardío.

Sin embargo, fue resurgente Nihonga, hacia mediados de la década de 1920, que adoptó ciertas tendencias desde el postimpresionismo. La segunda generación de artistas de Nihonga formó la Academia de Bellas Artes de Japón (Nihon Bijutsuin) para competir contra el Bunten patrocinado por el gobierno, y aunque las tradiciones yamato-e se mantuvieron fuertes, el uso creciente de la perspectiva occidental y los conceptos occidentales de espacio y luz comenzaron a difumine la distinción entre Nihonga y yōga.

La pintura japonesa en el período Shōwa anterior a la guerra estaba dominada en gran medida por Sōtarō Yasui y Ryūzaburō Umehara, quienes introdujeron los conceptos de arte puro y pintura abstracta en la tradición Nihonga, y así crearon una versión más interpretativa de ese género. Esta tendencia fue desarrollada por Leonard Foujita y la Sociedad Nika, para abarcar el surrealismo. Para promover estas tendencias, la Asociación de Arte Independiente (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) se formó en 1931.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los controles gubernamentales y la censura significaron que solo se podían expresar temas patrióticos. Muchos artistas fueron reclutados en el esfuerzo de propaganda del gobierno, y la crítica revisión no emocional de sus obras apenas está comenzando.

Los artistas importantes en el período de preguerra incluyen:

Harada Naojirō (1863-1899)
Yamamoto Hōsui (1850-1906)
Asai Chū (1856-1907)
Kanō Hōgai (1828-1888)
Hashimoto Gahō (1835-1908)
Kuroda Seiki (1866-1924)
Wada Eisaku (1874-1959)
Okada Saburōsuke (1869-1939)
Sakamoto Hanjirō (1882-1962)
Aoki Shigeru (1882-1911)
Fujishima Takeji (1867-1943)
Yokoyama Taikan 1868-1958
Hishida Shunsō 1874-1911
Kawai Gyokudō 1873-1957
Uemura Shōen (1875-1949)
Maeda Seison (1885-1977)
Takeuchi Seihō (1864-1942)
Tomioka Tessai (1837-1924)
Shimomura Kanzan (1873-1930)
Takeshiro Kanokogi (1874-1941)
Imamura Shiro (1880-1916)
Tomita Keisen (1879-1936)
Koide Narashige (1887-1931)
Kishida Ryūsei (1891-1929)
Tetsugorō Yorozu (1885-1927)
Hayami Gyoshū (1894-1935)
Kawabata Ryūshi (1885-1966)
Tsuchida Hakusen (1887-1936)
Murakami Kagaku (1888-1939)
Sōtarō Yasui (1881-1955)
Sanzō Wada (1883-1967)
Ryūzaburō Umehara (1888-1986)
Yasuda Yukihiko (1884-1978)
Kobayashi Kokei (1883-1957)
Leonard Foujita (1886-1968)
Yuzō Saeki (1898-1928)
Itō Shinsui (1898-1972)
Kaburaki Kiyokata (1878-1972)
Takehisa Yumeji (1884-1934)

Período de la posguerra (1945-presente)
En el período de posguerra, la Academia de Arte de Japón (Nihon Geijutsuin), patrocinada por el gobierno, se formó en 1947, y contenía las divisiones nihonga y yōga. El patrocinio gubernamental de exposiciones de arte ha finalizado, pero ha sido reemplazado por exposiciones privadas, como el Nitten, en una escala aún mayor. Aunque el Nitten fue inicialmente la exposición de la Japan Art Academy, desde 1958 ha sido administrado por una corporación privada separada. La participación en el Nitten se ha convertido en casi un requisito previo para la nominación a la Academia de Arte de Japón, que en sí mismo es casi un requisito previo no oficial para la nominación a la Orden de la Cultura.

Las artes de los periodos Edo y preguerra (1603-1945) fueron apoyadas por comerciantes y gente de la ciudad. Contrario a los períodos Edo y preguerra, las artes de la posguerra se hicieron populares. Después de la Segunda Guerra Mundial, pintores, calígrafos e impresores florecieron en las grandes ciudades, particularmente en Tokio, y se preocuparon por los mecanismos de la vida urbana, reflejados en las luces parpadeantes, los colores de neón y el ritmo frenético de sus abstracciones. Todos los «ismos» del mundo artístico de Nueva York y París fueron acogidos con fervor. Después de las abstracciones de la década de 1960, la década de 1970 vio un retorno al realismo fuertemente condimentado por los movimientos artísticos «op» y «pop», encarnados en la década de 1980 en las explosivas obras de Ushio Shinohara. Muchos artistas de vanguardia tan destacados trabajaron tanto en Japón como en el extranjero, ganando premios internacionales. Estos artistas sentían que no había «nada japonés» sobre sus obras, y de hecho pertenecían a la escuela internacional. A finales de la década de 1970, la búsqueda de cualidades japonesas y un estilo nacional hizo que muchos artistas reevaluaran su ideología artística y se alejaran de lo que algunos consideraban que eran las fórmulas vacías de Occidente. Las pinturas contemporáneas dentro del idioma moderno comenzaron a hacer un uso consciente de las formas, los dispositivos y las ideologías del arte tradicional japonés. Una cantidad de artistas monohaz recurrieron a la pintura para recuperar los matices tradicionales en arreglos espaciales, armonías de color y lirismo.

La pintura de estilo japonés o nihonga continúa antes de la guerra, actualizando las expresiones tradicionales sin perder su carácter intrínseco. Algunos artistas de este estilo todavía pintan en seda o papel con tinta y colores tradicionales, mientras que otros utilizan materiales nuevos, como los acrílicos.

Muchas de las escuelas de arte más antiguas, sobre todo las de Edo y los períodos anteriores a la guerra, todavía se practicaban. Por ejemplo, el naturalismo decorativo de la escuela rimpa, caracterizada por colores brillantes y puros y lavados sangrantes, se reflejó en el trabajo de muchos artistas de la posguerra en el arte de Hikosaka Naoyoshi en la década de 1980. El realismo de la escuela de Maruyama Ōkyo y el estilo japonés caligráfico y espontáneo de los caballeros eruditos fueron ampliamente practicados en la década de 1980. A veces, todas estas escuelas, así como las más antiguas, como las tradiciones de tinta de la escuela Kanō, fueron utilizadas por artistas contemporáneos en el estilo japonés y en el idioma moderno. Muchos pintores de estilo japonés fueron galardonados con premios y premios como resultado de la renovada demanda popular de arte de estilo japonés que comenzó en la década de 1970. Cada vez más, los pintores modernos internacionales también recurrieron a las escuelas japonesas cuando se apartaron de los estilos occidentales en los años ochenta. La tendencia había sido sintetizar Oriente y Occidente. Algunos artistas ya habían saltado la brecha entre los dos, al igual que el destacado pintor Shinoda Toko. Sus audaces abstracciones de tinta sumi se inspiraron en la caligrafía tradicional, pero se concibieron como expresiones líricas de la abstracción moderna.

También hay varios pintores contemporáneos en Japón cuyo trabajo está inspirado en gran medida por subculturas de anime y otros aspectos de la cultura popular y juvenil. Takashi Murakami es quizás uno de los más famosos y populares de estos, junto con los otros artistas en su colectivo de estudio Kaikai Kiki. Su trabajo se centra en expresar problemas y preocupaciones de la sociedad japonesa de la posguerra a través de formas aparentemente inofensivas. Se basa mucho en el anime y los estilos relacionados, pero produce pinturas y esculturas en medios más tradicionalmente asociados con las bellas artes, borrando intencionalmente las líneas entre el arte comercial y popular y las bellas artes.

Los artistas importantes en el período de la posguerra incluyen:

Ogura Yuki (1895-2000)
Uemura Shōko (1902-2001)
Koiso Ryōhei (1903-1988)
Kaii Higashiyama (1908-1999)