1940 년대와 1950 년대에 번성했던 미국 그림의 움직임에 적용된 추상적 표현주의. 1929 년 바실리 칸딘스키 (Vasily Kandinsky)의 작업과 관련하여 최초로 창안되었지만 뉴욕시 학교라고도 불렀다. 1940 년대부터 뉴욕에서 활동하는 예술가 세대의 작품은 추상 표현주의 자로 간주되어 응집력있는 스타일로 정의에 저항합니다. 그들은 Barnett Newman의 끊임없는 색상의 영역에서부터 Willem de Kooning의 폭력적인 취급에 이르기까지 다양합니다. 강한 정서적 또는 표현적인 내용을 전달하는 데 사용되는 다양한 추상화에 대한 우려로 연결되었습니다. 용어는 주로 화가의 작은 핵을 나타냅니다 데이비드 스미스 (David Smith), 이브람 라우 사우 (Ibram Lassaw) 등의 조각, 아론시 스킨 트 (Aaron Siskind)의 사진, 마크 토비 (Mark Tobey)의 그림뿐만 아니라 브래들리 워커 토 멜린 (Bradley Walker Tomlin)과 리 크라스너 (Lee Krasner)와 같은 저명한 예술가의 작품에서도 추상 표현주의 자질을 볼 수 있습니다 그러나, 추상적 표현주의 자의 대다수는 비판적 레이블을 거부하고, 무엇보다도, 미국 사회의 도덕적 목적과 소외의 상식만을 공유했다

추상적 표현주의는 1940 년대 뉴욕에서 개발 된 미국 그림의 2 차 대전 후 예술 운동이다. 그것은 국제적인 영향력을 얻고 뉴욕시를 서구 예술 세계의 중심에 두는 최초의 구체적 미국 운동이었습니다. 이전에는 파리로 채워진 역할이었습니다. 추상 표현주의라는 용어는 1946 년 미술 평론가 인 Robert Coates에 의해 처음 미국의 예술에 적용되었지만, 1919 년 독일 표현주의에 관한 Der Sturm 지에 처음으로 사용되었습니다. 미국에서 Alfred Barr는 Wassily Kandinsky의 작품과 관련하여이 용어를 1929 년에 처음 사용했습니다.

스타일:
기술적으로, 중요한 전임자는 자발적, 자동적, 또는 무의식적 인 창조에 중점을 둔 초현실주의입니다. 잭슨 폴락 (Jacklock Pollock)이 바닥에 깔린 캔버스 위에 페인트를 떨어 뜨리는 것은 André Masson, Max Ernst 및 David Alfaro Siqueiros의 작업에 뿌리를 둔 기법입니다. 새로운 연구는 추방자 – 초현실주의자인 볼프강 파 알렌 (Wolfgang Paalen)을 자신의 그림과 그의 잡지 DYN을 통해 관람자에 의존 할 가능성이있는 공간에 대한 이론을 조장 한 예술가와 이론가의 입장에 두는 경향이있다. Paalen은 양자 역학에 대한 아이디어뿐만 아니라 브리티시 컬럼비아 출신의 토템 적 비전과 토착 원주민 회화의 공간 구조에 대한 독특한 해석을 고려하고 젊은 미국 초록의 새로운 공간 비전을위한 토대를 마련했습니다. 그의 긴 에세이 Totem Art (1943)는 Martha Graham, Isamu Noguchi, Jackson Pollock, Mark Rothko 및 Barnett Newman과 같은 예술가들에게 상당한 영향력을 행사했습니다. 1944 년경 바넷 뉴먼 (Barnett Newman)은 미국의 최신 미술 운동을 설명하려고 시도했으며 “새로운 운동에 참여한 사람들”목록을 포함시켰다. Paalen은 두 번 언급됩니다; 언급 된 다른 예술가는 Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky 및 기타입니다. Motherwell은 물음표로 언급됩니다. 추상 표현주의가 된 또 다른 중요한 초기 징후는 미국 북서부의 예술가 인 마크 토비 (Mark Tobey), 특히 일반적으로는 규모는 크지 않지만 폴락의 물방울 그림의 “전면적 인”모습을 예상하는 그의 “화이트 글쓰기”캔버스의 작업입니다 .

운동의 이름은 미래주의, 바우 하우스 (Bauhaus), 합성 큐비즘 (Synthetic Cubism)과 같은 유럽 추상 학교의 반 비유적인 미학과 독일 감성 주의자의 감정적 인 강도와 자기 부인의 결합에서 비롯된 것입니다. 또한, 그것은 반항적이고, 무정부 상태이며, 매우 특이하고, 어떤 느낌, 허무주의적인 이미지를 가지고 있습니다. 실제로이 용어는 뉴욕에서 일하는 (주로) 스타일이 매우 다른 많은 예술가들에게 적용되며, 심지어 추상적이거나 표현 주의적이지 않은 작업을하는 사람들에게도 적용됩니다. 일반적으로 비 객관적 스타일로 그린 캘리포니아 주 추상 표현주의 인 Jay Meuser는 자신의 그림 인 Mare Nostrum에 대해 “작은 물결을 그리는 것보다 영광스러운 바다의 정신을 포착하는 것이 훨씬 낫습니다.”라고 썼습니다. “바쁜”느낌을 지닌 Pollock의 활기찬 “액션 페인팅”은 폭력적이고 괴기 한 Willem de Kooning의 비유적인 회화 작품과 Mark Rothko의 Color Field 회화에서 볼 수있는 직사각형 (기술적으로나 미학적으로 모두 다르다. 표현 주의자 (expressist)라고 불리는 것이고, 로스코 (Rothko)는 추상적이라고 부인했다. 그러나 네 명의 예술가 모두 추상적 표현주의 자로 분류됩니다.

추상적 표현주의는 바실리 칸딘스키 (Wassily Kandinsky)와 같은 20 세기 초 러시아 작가들과 많은 문체 상 유사점을 가지고있다. 자발성이나 자발적인 인상이 추상적 표현주의 자들의 작품을 특징 짓는 것은 사실이지만, 대부분의 그림은 특히 대규모로 요구했기 때문에 신중한 계획이 필요했습니다. Paul Klee, Wassily Kandinsky, Emma Kunz, 나중에 Rothko, Barnett Newman 및 Agnes Martin과 같은 예술가들과 함께 추상 미술은 영적, 무의식 및 정신에 관한 아이디어를 분명하게 암시합니다.

이 스타일이 1950 년대에 주류 수용을 얻게 된 이유는 논쟁 거리입니다. 미국의 사회 현실주의는 1930 년대에 주류를 이루었다. 그것은 대공황뿐만 아니라 David Alfaro Siqueiros와 Diego Rivera와 같은 멕시코의 벽화에 의해서도 영향을 받았습니다. 제 2 차 세계 대전 이후의 정치 환경은이 화가들의 사회적 시위를 오랫동안 견뎌 내지 못했습니다. 초록 표현주의는 2 차 세계 대전 중 발생하여 뉴욕의 미술관 (The Art of This Century Gallery)과 같은 40 대 초반에 전시되기 시작했습니다. 제 2 차 세계 대전 이후 맥카시 시대는 미국에서 예술적 검열의시기 였지만 주제가 완전히 추상적 인 경우 정치적으로 보일 수 있으며 안전합니다. 예술이 정치적이라면, 그 메시지는 주로 내부자들에게 달려 있습니다.

이 운동이 그림, Arshile Gorky, Franz Kline, Clyfford Still, Hans Hofmann, Willem de Kooning, Jackson Pollock 및 기타와 같은 화가와 밀접한 관련이있는 반면 collagist Anne Ryan과 특정 조각가는 추상 표현주의에 필수적이었습니다. David Smith와 그의 아내 Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois, Louise Nevelson은 특히 조각가 중 중요한 구성원으로 여겨졌다. 운동. 또한 David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero, 조각가 인 Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, 심지어 Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell 및 기타 여러 사람들이 추상 표현주의 운동. 1951 년 뉴욕의 East Ninth Street에있는 Leo Castelli가 기획 한 유명한 전시회 인 Ninth Street Show에 참가한 많은 조각가들. 당시 화가이자 조각가였던 New York School of Abstract 표현주의는 또한 프랭크 오하라 (Frank O’Hara)와 아론 시스킨드 (Aaron Siskind), 프레드 맥다라 (Fred McDarrah)와 같은 사진가들 (1950 년대 뉴욕 타임스의 사진을 기록한 The Artist ‘s World의 책)과 영화 제작자, 특히 로버트 프랭크 (Robert Frank)

추상적 표현주의 학교가 미국 전역에 빠르게 퍼졌지만이 스타일의 주요 센터는 뉴욕시와 캘리포니아의 샌프란시스코 만 지역이었습니다.

미술 평론가 :
1940 년대에는 갤러리 (이 세기의 미술, 피에르 마티스 갤러리, 줄리앙 레비 갤러리 및 기타 몇몇 갤러리)뿐만 아니라 뉴욕 뱅가드의 작품을 기꺼이 따라 다니는 비평가도 거의 없었습니다. 또한 비평가로도 활동했던 Robert Motherwell과 Barnett Newman 사이에는 문학 배경을 가진 몇 명의 예술가가있었습니다.

뉴욕과 세계는 1940 년대 후반까지 뉴욕의 전위 예술에 아직 익숙하지 않았지만, 오늘날 가명이 된 대부분의 예술가들은 잘 알려진 후원자 평론을 가지고 있습니다. Clement Greenberg는 잭슨 폴락 (Jackson Pollock)과 컬러 필드 화가를 옹호했습니다. Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb 및 Hans Hofmann; Harold Rosenberg는 Willem de Kooning과 Franz Kline과 같은 액션 화가와 Arshile Gorky의 정교한 그림을 선호했다. ARTnews의 편집장 인 Thomas B. Hess는 Willem de Kooning을지지했습니다.

새로운 비평가들은 다른 예술가를 “추종자”로 주조하거나 판촉 목표를 달성하지 못한 사람들을 무시함으로써 자신의 후원자를 높였습니다.

1958 년 Mark Tobey는 휘슬러 (Whistler, 1895) 이후 베니스 비엔날레에서 최우수상을 수상한 최초의 미국 화가가되었습니다.

업타운 그룹의 후반 멤버 인 바넷 뉴만 (Barnett Newman)은 카탈로그의 서문과 리뷰를 썼으며, 1940 년대 말 베티 파슨스 갤러리 (Betty Parsons Gallery)의 전시 아티스트가되었습니다. 그의 첫 번째 개인전은 1948 년이었습니다. 첫 번째 전시회가 열린 직후 Barnett Newman은 Studio 35의 아티스트 세션에서 주목했습니다. “우리는 우리의 이미지에서 어느 정도 세계를 만드는 과정에 있습니다.” 그의 글쓰기 기술을 활용하여 Newman은 아티스트로서 새로 설립 된 이미지를 강화하고 작업을 홍보하기위한 모든 단계에서 싸웠습니다. 한 예가 1955 년 4 월 9 일에 있었던 그의 편지입니다. “라고 편지를 전하면서, Sidney Janis에게 보내는 편지 : Rothko가 전투기를 말한 것은 사실이지만, 그는 철학 세계에 복종하는 것을 싸워야 만한다. 부르주아 사회에 대한 나의 투쟁은 그것.”

이상하게도이 스타일의 홍보와 가장 관련이 있다고 생각되는 사람은 뉴욕 트로츠키 주의자였습니다. 클레멘트 그린버그. Partisan Review와 The Nation에 대한 오랜 시간의 예술 평론가로서 그는 추상적 표현주의의 일찌기 학자가되었습니다. 부유 한 예술가 인 로버트 마더 웰 (Robert Motherwell)은 그린버그 (Greenberg)와 함께 정치 환경과 시대의 지적 반항에 부합하는 스타일을 홍보했습니다.

클레멘트 그린버그는 추상적 표현주의와 잭슨 폴록을 특히 미적 가치의 전형으로 선포했다. 그는 폴록의 형식주의에 대한 작업을 단순히 그 당시의 최고의 그림으로 그리고 큐비즘과 세잔을 통해 모네로 되돌아가는 예술 전통의 절정으로 지원했다.이 그림에서 페인팅은 언제 까지나 ‘순수한’것이되었고 ‘필수적’인 것에 집중되었다. 그것, 평평한 표면에 자국을 만드는 것.

Jackson Pollock의 작업은 항상 비평가들을 양극화 시켰습니다. 해롤드 로젠버그 (Harold Rosenberg)는 그림의 변신에 대해 폴록의 작품에서 실존 적 드라마로 변신했는데, “캔버스에 가면 무슨 일이 일어 났는지는 그림이 아니라 사건”이라고 말했다. “캔버스 위의 몸짓은 가치 정치, 미학적, 도덕적 해방의 제스처였다.”

당시 추상 표현주의의 가장 비판적인 비평가 중 한 명은 뉴욕 타임즈 (New York Times)의 미술 평론가 인 존 캔 데이 (John Canaday)였다. Clement Greenberg와 Harold Rosenberg와 함께 Meyer Schapiro와 Leo Steinberg는 추상적 표현주의에 대한지지를 표명 한 전후 시대의 중요한 예술 사학자였습니다. 초기 60 년대 중반 젊은 비평가 인 Michael Fried, Rosalind Krauss, Robert Hughes는 추상적 표현주의를 중심으로 계속 성장하는 중요한 변증법에 대한 상당한 통찰력을 추가했습니다.

역사:
2 차 세계 대전과 전후 기간

Richard Pousette-Dart, 교향곡 1 번, 초월, 1941 ~ 42 년
제 2 차 세계 대전이 끝날 때까지 모더니스트 아티스트, 작가, 시인, 중요한 수집가와 상인은 유럽에서 도망 쳤고 미국 내 안전한 피난처로 나치의 맹공격을 피했다. 많은 사람들이 도망 가지 않았습니다. 한때 전쟁 중에 뉴욕에 도착한 예술가들과 컬렉터들 중에는 한스 나 투스, 이브 탱기, 케이 세이 지, 맥스 어른스트, 지미 어니스트, 페기 구겐하임, 레오 카스텔 리, 마르셀 뒤샹, 안드레 마숑, 로베르토가있었습니다. Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger 및 Piet Mondrian이 있습니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso), 앙리 마티스 (Henri Matisse), 피에르 보나르 (Pierre Bonnard) 등의 몇몇 예술가들이 프랑스에 남아 생존했다.

전후 기간은 경제적으로나 육체적으로 재건하고 정치적으로 재편성해야하는 긴급 사태로 유럽의 수도를 떠돌 렸습니다. 이전에는 유럽 문화의 중심이자 미술계의 수도였던 파리에서 예술을위한 풍토는 재앙이었고 뉴욕은 예술 세계의 새로운 중심지로 파리를 대체했습니다. 전쟁 후 유럽에는 초현실주의, 입체파, 다다, 마티스의 작품이 계속되었습니다. 또한 유럽에서는 Art brut, Lyrical Abstraction 또는 Tachisme (유럽의 추상 표현주의와 동등 함)가 최신 세대를 유지했습니다. 세르비아 인 Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages 및 Jean Messagier 등은 전후 유럽 회화에서 중요한 인물로 간주됩니다. 미국에서는 새로운 세대의 미국 예술가들이 등장하여 세계 무대를 지배하기 시작했으며, 추상 표현주의 자라고 불 렸습니다.

고르 키, 호프만, 그레이엄
뉴욕시의 1940 년대는 미국 추상 표현주의의 승리를 예고했습니다.이 작품은 Henri Matisse, Pablo Picasso, Surrealism, Joan Miró, Cubism, Fauvism 및 초기 모더니즘에서 배운 교훈을 Hans Hofmann 독일과 존 D. 그레이엄 우크라이나. 1940 년대 초 미국 미술에 대한 그레이엄의 영향은 Arshile Gorky, Willem de Kooning, Jackson Pollock 및 Richard Pousette-Dart의 작업에서 특히 두드러졌습니다. 미국과 세계 예술에 대한 고르 키의 공헌은 과대 평가하기가 어렵습니다. 서정적 인 추상화로서의 그의 작업은 “새로운 언어”였으며, 2 세대의 미국 예술가들에게 길을 열었습니다. “The Liver는 수탉의 빗”, “The Betrothal II”, “One”과 같은 성숙한 작품의 회화 적 자발성 올해 밀크 위드 (The Milkweed) “는 추상 표현주의를 즉각적으로 선보였으며 뉴욕 학교의 지도자들은 고르 키 (Gorky)의 상당한 영향력을 인정했으며 하이 먼 블룸 (Hyman Bloom)의 초기 작품 또한 영향력을 발휘했다. André Breton 그룹, Pierre Matisse의 갤러리, Peggy Guggenheim의 갤러리 The Century of The Century 등이 포함되어 있습니다. 한스 호프만 (Hans Hofmann)은 특히 교사, 멘토, 예술가로서 추상 표현주의의 발전과 성공에 중요하고 영향력이있었습니다. 호프만의 후원자 중 한 사람인 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)는 미국의 회화에 막대한 영향력을 행사했으며, 그의 학생들 중에는 리 크라스너 (Lee Krasner) 그녀의 선생님 인 호프만 (Hofmann)은 남편 인 잭슨 폴록 (Jackson Pollock)에게갔습니다.

폴록 및 추상 영향
1940 년대 후반, Jackson Pollock의 급진적 인 회화 적 접근은 그를 따라온 모든 현대 미술의 잠재력에 혁명을 일으켰습니다. Pollock은 어느 정도 예술 작품 제작에 대한 여정이 예술 작품만큼이나 중요하다는 사실을 깨달았습니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)가 큐비즘과 조각품을 통해 세기의 전환기에 접어 들면서 그림과 조각의 혁신적인 개혁과 마찬가지로 Navaho 모래 그림, 초현실주의, 융 Jian 분석, 멕시코 벽화와 같은 이질적인 영향을받은 Pollock은 예술을 생산하는 것이 무엇인지 다시 정의했습니다. 이젤화와 관습에서 벗어난 그의 움직임은 그의 시대의 예술가들과 그 이후의 모든 예술가들에게 해방의 신호였습니다. 예술가들은 잭슨 폴록의 과정, 즉 미가공 된 캔버스를 예술가 재료 및 산업 자재를 사용하여 4면 모두에서 공격 할 수있는 바닥에 놓는 과정, 페인트가 찢어지고 던져지는 선형 skeins; 드로잉, 염색, 닦기; 이미지 및 비 이미지 – 본질적으로 이전의 경계를 넘어서서 예술을 만들었습니다. 추상 표현주의는 일반적으로 예술가가 새로운 예술 작품을 창작 할 수있는 가능성과 정의를 확장하고 발전 시켰습니다.

다른 추상 표현 주의자들은 Pollock의 획기적인 발전을 따라 새로운 발전을 이루었습니다. Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos 및 다른 사람들의 혁신은 수문을 열었습니다. 그 뒤를 따르는 모든 예술의 다양성과 범위. 1960 년대의 새로운 예술 운동은 추상적 표현주의의 주도, 특히 Pollock, De Kooning, Rothko, Hofmann, Reinhardt, Newman의 혁신을 주도했습니다. 플럭서스 (Fluxus), 네오 다다 (Neo-Dada), 개념 예술 및 페미니스트 예술 운동을 포함한 1960 년대와 1970 년대의 급진적 인 반 (反) 형식주의 운동은 추상적 표현주의의 혁신으로 이어질 수 있습니다. Linda Nochlin, Griselda Pollock, Catherine de Zegher와 같은 미술 사학자들이 수행 한 추상 미술에 대한 재조사는 근대 예술의 주요 혁신을 일으킨 개척자 여성 예술가들이 역사의 공식 계정에 의해 무시 당했음을 비판적으로 보여준다. 1940 년대와 1950 년대의 추상적 표현주의 운동의 결과로 오래 동안 인식을하기 시작했다. 추상적 표현주의는 1950 년대 뉴욕시에서 주요 예술 운동으로 부상했으며 그 이후 몇몇 주요 아트 갤러리는 추상 표현주의를 전시회에 포함하고 로스터에 일반인으로 포함하기 시작했습니다. 저명한 ‘업타운 (uptown)’갤러리에는 찰스 이건 갤러리, 시드니 자니스 갤러리, 베티 파슨스 갤러리, 쿠츠 갤러리, 티 보르 드 나기 갤러리, 안정 갤러리, 레오 카스텔 리 갤러리 등이 포함됩니다. 그 당시에는 10 번째 스트리트 갤러리로 알려진 몇 개의 시내 갤러리가 추상 표현주의 정맥에서 일하는 많은 신흥 젊은 예술가를 전시했습니다.

액션 페인팅
액션 페인팅은 1940 년대부터 1960 년대 초반까지 널리 보급 된 스타일이었으며 추상 표현주의와 밀접하게 관련되어 있습니다 (일부 비평가는 액션 페인팅과 추상 표현주의를 같은 의미로 사용했습니다). 비교는 종종 미국의 액션 페인팅과 프랑스의 타키스움 사이에 그려진다.

이 용어는 1952 년 미국의 비평가 해롤드 로젠버그 (Harold Rosenberg)에 의해 만들어졌으며 뉴욕 학교 화가와 비평가의 미적 관점에서 큰 변화를 일으켰다. Rosenberg에 따르면이 캔버스는 “행동 할 경기장”이라고합니다. Jackson Pollock, Franz Kline, Willem de Kooning과 같은 추상 표현가들은 창작 행위와 관련이있는 분야로 페인팅에 대한 자신의 견해에서 오랫동안 솔직한 의견을 밝혔지만, 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg) 그들의 작품에 초점을 맞추었다. 그린버그에게, 화가들의 실재 투쟁의 문서로 그들을 이해하는 열쇠였던 것은 화약의 응고 된 기름칠 표면의 물리적 성질이었다.

로젠버그의 비판은 그 대상을 강조에서 투쟁 자체로 옮겼는데, 완성 된 그림은 그림 창조의 행위 또는 과정에 있었던 실제 예술 작품의 물리적 형태, 즉 잔여 물일 뿐이다. 이 자발적인 활동은 팔과 손목의 움직임, 회화 적 몸짓, 칫솔질, 던져진 페인트, 튀기고, 얼룩덜룩하게 만들고, 흩어지며 떨어 뜨린 화가의 “행동”이었습니다. 화가는 리드미컬하게 춤을 추거나 심지어는 캔버스에 서있는 동안 때로는 캔버스 위에 페인트를 떨어 뜨려 놓았습니다. 때로는 무의식적 인 마음에 따라 페인트를 떨어 뜨려서 정신의 무의식적 인 부분이 스스로를 단언하고 표현하도록했습니다. 그러나이 모든 것은 순수한 창조 행위의 무의식적 인 징후라고 생각되기 때문에 설명하거나 해석하기가 어렵습니다.

실제로, 추상 표현주의라는 용어는 뉴욕에서 일하는 (주로) 뉴욕에서 일하는 많은 수의 예술가들에게 적용되는데, 그들은 상당히 다른 스타일을 가지고 있으며, 특히 추상 적이 아니고 표현 주의적이지 않은 작업에도 적용됩니다. “바쁜”느낌을 지닌 폴록의 정력적인 액션 페인팅은 기술적으로나 심미적으로나 폭력적이고 괴상한 Willem de Kooning 여성 시리즈와는 다릅니다. (위에서 본) 여성 V는 3/4 길이의 여성 인물을 묘사 한 1950 년과 1953 년 사이에 de Kooning이 만든 일련의 여섯 회화 중 하나입니다. 1950 년 6 월 뉴욕시 현대 미술관에서 1952 년 1 월이나 2 월까지 그림을 반복적으로 변경하고 그림을 그렸습니다.이 그림은 미완성 상태로 버려졌습니다. 미술 사학자 마이어 샤피로 (Meyer Schapiro)는 Kooning의 스튜디오에서 곧 그 그림을 보았고 예술가가 계속 살아남도록 장려했다. 드 쿠닝 (De Kooning)의 대답은 같은 주제로 세 개의 다른 그림을 그리는 것이었다. 여성 II, 컬렉션 : 현대 미술관, 뉴욕시, 여성 III, 테헤란 현대 미술관, 여성 IV, 넬슨 – 앳킨스 미술관, 캔자스 시티, 미주리. 1952 년 여름, 이스트 햄튼 (East Hampton)에서 보낸 de Kooning은 드로잉과 파스텔을 통해 테마를 탐구했습니다. 그는 6 월 말 또는 아마도 1952 년 11 월 말까지 여성 I에 대한 작업을 마칠 수 있었을 것입니다. 그리고 아마 다른 세 명의 여성 사진이 거의 동시에 체결되었을 것입니다. 여성 시리즈는 분명히 비 유적 그림입니다.

또 다른 중요한 예술가 인 프란츠 클라인 (Franz Kline)은 그의 그림 인 Number 2 (1954) (위 참조)에 의해 시연되었습니다. 잭슨 폴락 (Jackson Pollock)과 다른 추상적 표현주의 자들과 마찬가지로, 클라인은 인물이나 이미지에 초점을 맞추지 않고 캔버스의 실제 브러시 스트로크 및 사용법에 초점을 맞춘듯한 자연스럽고 강렬한 스타일 덕분에 “액션 화가”라는 라벨을 붙였습니다. 글쓰기는 액션 화가 프란츠 클라인 (Franz Kline, 흑백 그림), 잭슨 폴락 (Jackson Pollock), 마크 토비 (Mark Tobey), 싸이 툼 블리 (Cy Twombly) 등이 몸짓, 표면 및 선을 사용하여 붓글씨, 선형 기호 및 언어와 유사한 뼈대를 만들고 공감하는 로버트 마더 웰 (Robert Motherwell)은 “Elegy to Spanish Republic series”에서 강력한 제스처, 표면 및 상징을 사용하여 강력한 감정적 혐의를 불러 일으키는 강력한 흑백 그림을 그렸습니다.

그 사이에 Willem de Kooning, Arshile Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell 및 James Brooks (갤러리 참조)와 같은 다른 액션 화가는 추상 풍경을 통해 또는 고도로 개인적이고 강력한 인상을 표현하는 인물의 표현주의 적 비전을 통해 이미지를 사용했습니다. 제임스 브룩스 (James Brooks)의 그림은 1960 년대 후반과 1970 년대에 두드러진 Lyrical Abstraction과의 관계에서 특히 시적이며 매우 선견지명을 갖고있었습니다.

색상 필드
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, 그리고 Mark Rothko의 작품 (Rothko는 추상이라고 부르는 표현주의자가 아닌)에서 반짝이는 색상 블록이 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)가 표현한 추상 표현주의 자라고 분류됩니다. 추상 표현주의의 색상 필드 방향입니다. Hans Hofmann (갤러리 참조)과 Robert Motherwell (갤러리)은 액션 페인팅 및 컬러 필드 페인팅의 실무자로 편안하게 묘사 될 수 있습니다. 1940 년대 Richard Pousette-Dart의 단단히 구성된 이미지는 종종 신화와 신비주의의 주제에 의존했습니다. Adolph Gottlieb와 Jackson Pollock의 그림도 그랬다.

컬러 필드 페인팅은 처음에는 특정 형식의 추상 표현주의, 특히 Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt 및 Joan Miró의 여러 회화 작품을 언급했습니다. 미술 평론가 클레멘트 그린버그는 컬러 필드 페인팅을 액션 페인팅과 관련이 있다고 생각하지만 다른 것으로 간주합니다. Color Field의 화가들은 불필요한 수사학을 없애려했습니다. 한 작품은 Robert Motherwell, Clyfford Still, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, 특히 Ad Reinhardt와 Barnett Newman과 같은 예술가들이 MoMA 소장품에 속한 Vir Heroicus sublimis 자연에, 그리고 그들은 색채의 고도로 관절과 심리적 사용으로 그렸습니다. 일반적으로 Rothko와 Gottlieb의 경우 기호와 기호를 사용하여 이미지를 대체 할 때 이러한 예술가는 눈에 띄는 이미지를 제거했습니다. 특정 예술가는 과거 또는 현재의 예술에 대한 언급을 인용했으나, 일반적으로 컬러 필드 페인팅은 그 자체로서의 추상화를 제시합니다. 현대 미술의 이러한 방향을 추구하면서, 예술가들은 각 그림을 하나의 통일되고 응집 된 모 놀리 식 이미지로 제시하고자했습니다.

잭슨 폴락 (Jackson Pollock)과 빌렘 드 쿠 닝 (Willem de Kooning)과 같은 추상적 표현주의 자의 정서적 에너지와 몸짓 표면 표식과는 달리, 컬러 필드의 화가들은 처음에는 시원하고 간결한 것처럼 보였고, 크고 평평한 영역을 선호하여 개별 표식을 없앴습니다. 1960 년대 Frank Stella가 곡선과 직선의 조합으로 특별한 방법으로 성취 한 캔버스의 실제 모양과 함께 시각적 인 추상화의 본질이라고 여겨지는 예술가. 그러나 컬러 필드 페인팅은 몸짓 추상 표현주의와는 다른 방식으로 관능적이고 깊이 표현 된 것으로 입증되었습니다.

초록 표현주의가 미국 전역으로 빠르게 확산되었지만,이 스타일의 주요 중심지는 뉴욕시와 캘리포니아였습니다. 특히 뉴욕 학교와 샌프란시스코 만 지역이었습니다. 추상 표현주의 그림은 큰 캔버스의 사용, 전체 캔버스가 동등한 중요성으로 취급되는 “전면적 인”접근법을 포함하여 특정 특성을 공유합니다 (중심이 가장자리보다 관심이있는 것과 반대). 경기장의 캔버스는 액션 페인팅의 신조가되었고 그림 평면의 무결성은 컬러 필드 화가의 신념이되었습니다. 젊은 예술가들은 Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas 및 Robert Goodnough 등 1950 년대의 추상 표현주의 관련 그림을 전시하기 시작했습니다. .

폴록은 그의 스타일, 기술, 회화 적 접촉 및 페인트의 물리적 적용으로 액션 페인팅과 밀접하게 관련되어 있지만, 미술 비평가는 액션 페인팅과 컬러 필드 페인팅 모두에 폴록을 비유했습니다. 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)가 진행 한 또 다른 비판적인 견해로 폴록 (Pollock)의 모든 캔버스가 1920 년대에 만들어진 클로드 모네 (Claude Monet)의 대규모 수련 (Water Lilies)과 연결된다. 그린버그, 미술 평론가 마이클 프리드 (Michael Fried)와 다른 사람들은 폴록의 가장 유명한 작품 인 물방울 그림의 전반적인 느낌이 건축 된 선형 요소의 방대한 영역을 종종 읽고있는 비슷한 가치의 페인트 뼈대의 복잡한 콤플렉스로 읽는 것을 관찰했습니다 컬러 및 드로잉 분야와 관련이 있으며 벽면 크기의 후기 모네 (Moets)와 관련이 있습니다. 모네는 모네가 자신의 그림 화면을 만드는 데 사용한 색과 그림의 가까운 값진 필드로 읽히는 많은 가치있는 닦고 자국 자국으로 구성되어 있습니다. 폴록의 전면적 인 구성은 뉴먼 (Newman), 로스코 (Rothko)와 같은 컬러 필드 페인터와 철학적 및 물리적 연결을 제공하며, 스틸의 경우 파손 된 표면에서도 여전히 깨지지 않습니다. 폴록이 1947-1950 년에 고전적인 물방울 그림을 그린 몇 개의 그림에서 그는 유성 페인트와 집 페인트를 원시 캔버스에 얼룩지게하는 기법을 사용했습니다. 1951 년에 그는 일련의 준 비유적인 흑색 얼룩이 지어졌으며 1952 년에 그는 색으로 얼룩이 지어졌습니다. 뉴욕시의 시드니 자니스 갤러리에서 열린 1952 년 11 월 폴록 (Paul Janis Gallery) 전시회에서 1952 년에 폴록 (Pollock)은 1952 년에 밝게 착색 된 얼룩진 풍경과 닮은 크고 웅장한 얼룩이있는 그림을 보여 주었다. 이 그림은 넬슨 록펠러 (Nelson Rockefeller)의 개인 소장품 전시회에서 가져온 것입니다. 1960 년 Albany의 Governors Mansion에서 화재로 인해 그림이 심하게 손상되었으며 Arshile Gorky 그림과 Rockefeller 컬렉션의 여러 작품이 크게 손상되었습니다. 그러나 1999 년에이 건물은 복원되어 Albany Mall에 설치되었습니다.

Arshile Gorky는 초록 표현주의와 초현실주의의 창시자 중 한 명으로 여겨지지만 뉴욕시 학교의 첫 번째 화가 중 한 사람으로 염색 기법을 사용했습니다. 고르 키 (Gorky)는 그가 그린 그의 많은 그림에서 근거로 사용한 생생하고 개방적이며 깨지지 않는 색채의 넓은 분야를 창작했다. 1941 년에서 1948 년 사이 Gorky의 가장 효과적이고 완성 된 그림에서 그는 철저한 염색 된 채색 장을 일관되게 사용하여 페인트가 흐르면서 유기물 및 생물 형체 모양과 섬세한 선으로 된 익숙한 사전 및 주변에 페인트를 떨어 뜨렸다. 1940 년대의 작품에서 1960 년대와 1970 년대의 얼룩진 그림을 염두에 두는 또 다른 추상적 표현 주의자는 James Brooks입니다. 브룩스 (Brooks)는 1940 년대 후반의 회화에서 기법으로 얼룩을 사용했습니다. Brooks는 유채 페인트를 묽게하기 시작하여 그가 사용했던 대부분의 원 캔버스에 물을 붓고 물방울이 생기고 얼룩지게하는 유채 물감을 갖기 시작했습니다. 이 작품들은 종종 서예와 추상적 인 도형을 결합했습니다. 그의 경력의 마지막 30 년 동안, Sam Francis의 대규모 밝은 추상 표현주의 스타일은 Color field painting과 밀접하게 관련되어있었습니다. 그의 그림은 추상 표현주의 루 브릭, 액션 페인팅 및 컬러 필드 페인팅 내에서 두 진영을 횡단했다.

잭슨 폴록 (Jacock Pollock)의 1951 년에 찍은 묽은 검은 색 유성 페인트의 그림이 원시 캔버스에 얼룩 져있는 것을 보았을 때, 헬렌 프랑켄 텔러 (Helen Frankenthaler)는 1952 년에 원시 캔버스에서 다양한 유채 물감으로 얼룩칠한 그림을 만들기 시작했다. 그 기간의 가장 유명한 그림은 산과 바다이다. 그녀는 1950 년대 후반에 등장한 Color Field 운동의 창시자 중 한 명입니다. Frankenthaler는 또한 Hans Hofmann과 함께 공부했습니다. Hofmann의 그림은 1959-1960 년 The Gate에서 볼 수있는 색의 교향곡입니다. 호프만은 1930 년대 초 독일에서 미국으로 온 한스 호프만 (Hans Hofmann)이라는 독일 출신의 예술가이자 동시에 예술가 로서도 명성을 얻었으며 모더니즘의 유산을 가져 왔습니다. 호프만 (Hofmann)은 파리에서 일하던 젊은 예술가로 제 1 차 세계 대전 전에 그렸습니다. 호프만 (Hofmann)은 파리에서 로버트 델 로니 (Robert Delaunay)와 함께 일했으며, 파블로 피카소와 앙리 마티스의 혁신적인 작품을 직접 알았습니다. 마티스의 작품은 그에게 엄청난 영향을 미쳤으며 표현의 언어와 추상의 잠재성에 대한 그의 이해에 달려 있었다. Hofmann은 컬러 필드 페인팅의 첫 번째 이론가 중 한 사람이었으며 그의 이론은 예술가와 비평가, 특히 Clement Greenberg와 1930 년대와 1940 년대의 다른 작가들에게 영향을 미쳤습니다. 1953 년 Morris Louis와 Kenneth Noland는 뉴욕시에있는 스튜디오를 방문한 후 Helen Frankenthaler의 얼룩 그림에 크게 영향을 받았습니다. Returning to Washington, DC., they began to produce the major works that created the color field movement in the late 1950s.

In the 1960s after abstract expressionism
In abstract painting during the 1950s and 1960s, several new directions, like the Hard-edge painting exemplified by John McLaughlin, emerged. Meanwhile, as a reaction against the subjectivism of Abstract expressionism, other forms of Geometric abstraction began to appear in artist studios and in radical avant-garde circles. Clement Greenberg became the voice of Post-painterly abstraction; by curating an influential exhibition of new painting that toured important art museums throughout the United States in 1964. Color field painting, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction emerged as radical new directions.

Abstract expressionism and the Cold War:
Since the mid-1970s it has been argued by revisionist historians that the style attracted the attention, in the early 1950s, of the CIA, who saw it as representative of the USA as a haven of free thought and free markets, as well as a challenge to both the socialist realist styles prevalent in communist nations and the dominance of the European art markets. The book by Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters, (published in the UK as Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) details how the CIA financed and organized the promotion of American abstract expressionists as part of cultural imperialism via the Congress for Cultural Freedom from 1950 to 1967. Notably Robert Motherwell’s series Elegy to the Spanish Republic addressed some of those political issues. Tom Braden, founding chief of the CIA’s International Organizations Division (IOD) and ex-executive secretary of the Museum of Modern Art said in an interview, “I think it was the most important division that the agency had, and I think that it played an enormous role in the Cold War.”

Against this revisionist tradition, an essay by Michael Kimmelman, chief art critic of The New York Times, called Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, argues that much of this information (as well as the revisionists’ interpretation of it) concerning what was happening on the American art scene during the 1940s and 50s is flatly false, or at best (contrary to the revisionists’ avowed historiographic principles) decontextualized. Other books on the subject include Art in the Cold War by Christine Lindey, which also describes the art of the Soviet Union at the same time; and Pollock and After edited by Francis Frascina, which reprinted the Kimmelman article.

Consequences:
Canadian painter Jean-Paul Riopelle (1923–2002), a member of the Montreal-based surrealist-inspired group Les Automatistes, helped introduce a related style of abstract impressionism to the Parisian art world from 1949. Michel Tapié’s groundbreaking book, Un Art Autre (1952), was also enormously influential in this regard. Tapié was also a curator and exhibition organizer who promoted the works of Pollock and Hans Hofmann in Europe. By the 1960s, the movement’s initial affect had been assimilated, yet its methods and proponents remained highly influential in art, affecting profoundly the work of many artists who followed. Abstract expressionism preceded Tachisme, Color Field painting, Lyrical Abstraction, Fluxus, Pop Art, Minimalism, Postminimalism, Neo-expressionism, and the other movements of the sixties and seventies and it influenced all those later movements that evolved. Movements which were direct responses to, and rebellions against abstract expressionism began with Hard-edge painting (Frank Stella, Robert Indiana and others) and Pop artists, notably Andy Warhol, Claes Oldenburg and Roy Lichtenstein who achieved prominence in the US, accompanied by Richard Hamilton in Britain. Robert Rauschenberg and Jasper Johns in the US formed a bridge between abstract expressionism and Pop art. Minimalism was exemplified by artists such as Donald Judd, Robert Mangold and Agnes Martin.

However, many painters, such as Jules Olitski, Joan Mitchell and Antoni Tàpies continued to work in the abstract expressionist style for many years, extending and expanding its visual and philosophical implications, as many abstract artists continue to do today, in styles described as Lyrical Abstraction, Neo-expressionist and others.

In the years after World War II, a group of New York artists started one of the first true schools of artists in America, bringing about a new era in American artwork: abstract expressionism. This led to the American art boom that brought about styles such as Pop Art. This also helped to make New York into a cultural and artistic hub.

Abstract expressionist value expression over perfection, vitality over finish, fluctuation over repose, the unknown over the known, the veiled over the clear, the individual over society and the inner over the outer.