표현을 거부하고 본질적으로 시작점이나 끝점이없는 20 세기 서양 미술에 가장 엄격한 의미로 적용된 추상 예술 자연이나 물건에서 추상화하는 과정과는 다른 여러 문화와 기간에 걸친 반복되는 경향 수녀원의 동굴 회화만큼 거슬러 올라갈 수있다), 자급 자족의 가정에 기초한 의식 심미로서의 추상적 예술은 전적으로 현대 현상이다.

추상 미술은 모양, 형태, 색 및 선 모양의 시각적 언어를 사용하여 세계의 시각적 참조로부터 어느 정도 독립성을 지니고있을 수있는 구성을 만듭니다. 르네상스에서부터 19 세기 중반까지 서양의 예술은 원근법의 논리와 눈에 보이는 현실에 대한 착각을 재현하려는 시도로 뒷받침되었다. 유럽인이 아닌 다른 문화의 예술은 접근 가능 해졌고 예술가에게 시각적 경험을 묘사하는 대안적인 방법을 보여주었습니다. 19 세기 말에 많은 예술가들은 기술, 과학 및 철학에서 발생하는 근본적인 변화를 포괄하는 새로운 종류의 예술을 창작 할 필요성을 느꼈습니다. 개개의 예술가들이 이론적 논증을 이끌어 낸 출처는 다양했으며 그 당시 서구 문화의 모든 영역에서 사회적 지적인 선입관을 반영했다.

추상적 예술, 비상 비상 예술, 비 객관적 예술, 비 대표적 예술은 매우 관련있는 용어입니다. 그것들은 비슷하지만, 아마도 동일한 의미는 아닙니다.

추상화는 예술에서의 이미지 묘사에서 현실에서 벗어나는 것을 나타냅니다. 정확한 표현으로부터의 이탈은 경미하거나 부분적이거나 완전 할 수 있습니다. 추상은 연속체를 따라 존재합니다. 최고 수준의 진실성을 목표로하는 예술조차도 완벽하게 표현하기가 너무 어렵 기 때문에 이론적으로는 추상적이라고 할 수 있습니다. 자유를 취하고, 예를 들어 색과 형태를 눈에 띄는 방식으로 변경하는 작품은 부분적으로 추상적이라고 할 수 있습니다. 총 추상화는 인식 할 수있는 모든 것에 대한 참조를 추적하지 않습니다. 예를 들어, 기하학적 추상화에서 자연주의 실체에 대한 언급을 찾기는 쉽지 않다. 비 유적 예술과 전체 추상화는 거의 상호 배타적입니다. 그러나 비 유적이고 재현적인 (또는 현실적인) 예술은 종종 부분 추상화를 포함한다.

기하학적 추상화와 서정적 추상화는 모두 추상적 인 경우가 많습니다. 부분 추상화를 구체화하는 매우 다양한 예술 운동 중에는 예를 들어, 현실과 시각적으로 색상이 현저하게 변경되고 현실주의 실체의 형태를 뻔뻔하게 바꾸는 입체파가 있습니다.

초기 추상화 :
초기 문화의 예술 중 상당 부분은 도기류, 직물, 비석 및 암벽화의 흔적과 기호로 상징적이거나 장식적인 목적을 지닌 단순하고 기하학적 인 선형 형태를 사용했습니다. 추상적 예술이 의사 소통하는 것은 시각적 의미의 수준에 있습니다. 사람은 그것을 읽을 수없는 중국 달필 또는 회교 서예의 아름다움을 누릴 수 있습니다.

중국어 회화에서 추상화는 당나라 시대의 화가 Wang Mo (왕 墨)에게 추적 될 수 있는데, 그는 왕자 (墨)에게 물감을 그렸습니다. 그의 그림 중 어느 것도 남아 있지 않지만이 스타일은 일부 송나라 회화에서 분명히 볼 수 있습니다. Chan 불교 화가 인 Liang Kai (梁楷, C1140-1210)는 계몽 된 비 합리적인 마음과 연결된 자발성을 향상시키기 위해 정확한 표현이 희생 된 그의 “불멸의 붓꽃”에서 그림을 그리는 스타일을 적용했다. Tiantai 불교에 능숙한 Yu Jian이라는 이름의 늦은 노래 화가는 결국 많은 일본 선화 화가들에게 영감을 불어 넣은 일련의 잉크 풍경을 만들었습니다. 그의 그림은 물체의 모양이 거의 보이지 않고 극도로 단순한 안개가 짙은 산을 보여줍니다. 이 형식의 그림은 나중에 세수요 (Sesshu Toyo)에 의해 계속되었다.

Zhu Derun의 “Cosmic Circle”에서 중국어 회화의 또 다른 추상화가 보입니다. 이 그림의 왼쪽에는 바위가 많은 토양에 소나무가 있는데, 그 나뭇 가지는 무질서하게 그림의 오른쪽으로 뻗어있는 덩굴로 묶여 있습니다.이 덩굴은 완벽한 원형 (아마도 나침반의 도움으로 만들어 짐)이 빈. 이 그림은 혼돈과 현실이 자연의 규칙적인 과정의 보완적인 단계 인 도교의 형이상학을 반영한 것이다. 도쿠가와 일본에서는 일부 선 (禅) 스님들이 엔초 (Enso)를 창조했다. 보통 한 번의 자발적인 브러시 획으로 만들어졌으며, 선 그림의 일부를 인도 한 미니멀리스트 미학의 패러다임이되었습니다.

낭만주의 시대의 추상화 :
교회의 후원이 줄어들었고 대중의 개인 후원이 예술가들에게 더 생계를 제공 할 수있게되었다.

추상 미술의 발전에 기여한 세 가지 미술 운동은 낭만주의, 인상파와 표현주의였다. 19 세기에는 예술가들의 예술적 독립성이 향상되었습니다. 볼 수있는 것에 대한 객관적인 관심은 John Constable, J M W Turner, Camille Corot의 그림에서 볼 수 있으며, Barbizon 학교의 plein air painting을 계속 이어가는 인상파 학자에게도 알 수 있습니다.

James McNeill Whistler는 Black and Gold의 Nocturne : Falling Rocket (1872)에서 물체의 묘사보다 시각적 인 감각에 더 중점을 두었다.

표현주의 화가는 페인트 표면의 대담한 사용, 왜곡과 과장 및 강렬한 색을 탐구했습니다. 표현주의 자들은 현대의 경험에 대한 반응과 인식이었던 정서적으로 유화 된 그림을 만들어 냈다. 인상주의와 19 세기 후반 회화의 다른 보수적 인 방향에 대한 반응. 표현 주의자들은 존재의 심리적 상태를 묘사하기 위해 주제에 중점을 두었다. 에드워드 뭉크 (Edvard Munch)와 제임스 엔소 (James Ensor)와 같은 예술가들은 주로 포스트 인상주의 자의 작업에서 영향을 받았지만 그들은 20 세기 추상화의 출현에 도움이되었다. Paul Cézanne은 인상주의 자로 시작했으나 평평한 지역에서 조정 된 색으로 단일 지점에서의 견해에 기반한 현실적인 논리적 구성을 만들기위한 그의 목표는 새로운 시각 예술의 기초가되었고 이후에 입체파로 발전하게되었습니다. 조르쥬 브라크 (Georges Braque)와 파블로 피카소 (Pablo Picasso).

또한 동유럽의 19 세기 말 신비주의와 초기 신교주의 철학이 신지학자인 Mme에 의해 표현되었습니다. Blavatsky는 Hilma af Klint 및 Wassily Kandinsky와 같은 선구자 기하학적 아티스트에게 커다란 영향을 미쳤습니다. Georges Gurdjieff와 P.D.의 신비로운 가르침. Ouspensky는 또한 20 세기 초 Piet Mondrian과 그의 동료들의 기하학적 추상 스타일의 초기 형성에 중요한 영향을 미쳤다.

현대 시대의 추상화 :
Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh 및 Paul Cézanne이 수행 한 포스트 인상주의는 20 세기 예술에 막대한 영향을 주었고 20 세기 추상화의 도래를 이끌었습니다. Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat와 같은 화가들의 유산은 현대 미술의 발전에 필수적이었습니다. 20 세기 초 Henri Matisse와 조 큐스 Braque, André Derain, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck을 비롯한 여러 젊은 예술가들은 파리의 예술 세계를 “야생”, 다중 색상, 풍부한 표현의 풍경과 인물화로 혁명적으로 변화 시켰습니다 비평가가 Fauvism을 불렀다. Collioure (1914)의 French Window, Notre-Dame의 전망 (1914), 1915의 The Yellow Curtain에서 순수 추상화에 매우 가깝게 다가온 Henri Matisse는 색채와 그의 자유롭고 상상력있는 드로잉을 사용하여 색의 원시 언어 Fauves가 개발 한 것과 같이 추상화의 또 다른 개척자 인 Wassily Kandinsky에게 직접 영향을 미쳤습니다 (그림 참조).

큐비즘은 궁극적으로 주제에 달려 있지만, 20 세기에 추상화의 문을 직접 열었던 예술 운동 인 Fauvism과 함께되었다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)는 세잔 (Cézanne)의 생각에 입각 한 최초의 입체파 그림을 만들었습니다. 자연의 모든 묘사가 큐브, 구체 및 원뿔의 세 가지 고형물로 축소 될 수 있습니다. Les Demoiselles d’ Avignon (1907)의 그림으로 피카소는 아프리카의 부족 가면과 그 자신의 새로운 입체파 발명품을 연상케하는 5 명의 매춘부와 여성을 격렬히 묘사 한 원시적이고 원시적 인 매춘 장면을 묘사하는 새롭고 급진적 인 그림을 극적으로 창조했다. 분석 입체주의는 Pablo Picasso와 Georges Braque가 공동으로 1908 년부터 1912 년까지 개발했다. 입체파의 첫 번째 분명한 발현 인 Brain, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel 1920 년대에 뒤샹 (Duchamp)과 다른 것들. 합성 입체파는 다른 질감, 표면, 콜라주 요소, 종이 콜라 및 여러 가지 병합 된 주제를 도입함으로써 특징 지워집니다. 커트 Schwitters와 맨 레이 등의 콜라주 예술가와 입체파에서 단서를 얻는 다른 이들은 다다 (Dada)라는 운동의 발전에 중요한 역할을했습니다.

이탈리아 시인 필리포 토 마소 마리 네티 (Filippo Tommaso Marinetti)는 1909 년에 미래 주의자 선언을 발표했는데, 나중에 1911 년에 소리, 소리 및 냄새의 회화에서 카를로 카라 (Carlo Carra)와 모션 (Umberto Boccioni Train in Motion)의 예술가들에게 영감을 주었고, 큐비즘은 유럽 전역의 미술 운동에 심대한 영향을 미쳤다.

1912 년 Salon de la Section d’ Or 시인 Guillaume Apollinaire는 Robert, Orphism을 비롯한 여러 예술가의 작품을 선정했습니다. 그는 시각적 영역에서 빌려 왔지만 완전히 예술가에 의해 창조 된 요소들로 새로운 구조를 그리는 예술이라고 정의했다 … 그것은 순수 예술이다.

세기의 전환기부터 주요 유럽 도시의 예술가들 사이의 문화적 연결은 모더니즘에 대한 높은 열망과 동등한 예술 형식을 창출하기 위해 노력하면서 극도로 활발 해졌다. 아이디어는 예술가의 서적, 전시회 및 선언문을 통해 상호 비옥 할 수 있었고 많은 소스가 실험과 토론에 개방되어 다양한 추상화 모드의 기초를 형성했습니다. ‘The World Backwards’에서 발췌 한 다음의 발췌문은 당시의 문화의 상호 연관성에 대한 약간의 인상을 준다. “David Burliuk의 현대 미술 운동에 대한 지식은 다이아몬드의 두 번째 Knave 전시회를 위해 극도로 최신이었을 것임에 틀림 없다. 1912 년 1 월 (모스크바)에는 뮌헨 출신의 그림뿐만 아니라 독일 출신의 브 뤼케 그룹의 일부 회원이 포함되어 있었으며 파리 출신으로는 Robert Delaunay, Henri Matisse, Fernand Léger, Picasso의 작품이 나왔다. 입체파에 관한 두 번의 강연과 다이아몬드의 Knave가 자금 조달을위한 논쟁적인 출판 계획을 세웠다. 그는 5 월에 해외로 나가서 독일에있는 프린터에서 떠오른 연감 Der Blaue Reiter와 경쟁하기로 돌아왔다. ”

1909 년부터 1913 년까지이 ‘순수 미술’을 추구하는 많은 실험적 작품이 창안되었습니다. Hilma af Klint; Francis Picabia는 1909 년 봄, 1912 년 봄과 행렬에서의 춤, 1912 년 세비야 (Caudchouc)를 그렸습니다. Wassily Kandinsky는 제목없는 (초록 수채화 물감), 1910 년, 즉흥 물 21A, 인상 시리즈 및 원형 그림 (1911)을 그렸습니다. František Kupka는 1912 년 Newton (Discours of Two Colors), 1912 년과 Amorpha, Fugue en deux couleurs (Two Fouue in Two Colors)의 원작자 인 Orphist 작품을 그렸다. Robert Delaunay는 Simultaneous Windows and Formes Circulaires, Soleil n ° 2 (1912-13)이라는 제목의 시리즈를 그렸습니다. 레오폴드 서바이지 (Léopold Survage)는 1913 년에 컬러 리듬 (Color Rhythm)을 만들었습니다. Piet Mondrian은 1913 년 Tableau 1 번과 Composition No. 11을 그렸다.

그리고 검색은 계속되었다 : 나탈리아 곤차 로바 (Natalia Goncharova)와 미하일 라리 노프 (Mikhail Larionov)의 Rayist (Luchizm) 드로잉은 건설을 위해 빛의 광선과 같은 선을 사용했다. Kasimir Malevich는 1915 년 Suprematist, ‘Black Square’라는 최초의 작품을 완성했다. Suprematist 그룹의 다른 한 명인 Liubov Popova는 1916 년과 1921 년 사이에 Architectonic Constructions과 Spatial Force Constructions를 창안했다. Piet Mondrian은 추상적 인 언어로 진화하고 있었고, 1915 년과 1919 년 사이에 색의 직사각형이있는 수평선과 수직선이있는 신소 화주의는 몬드리안 (Mondrian), 테오 반 저스 부르크 (Theo van Doesburg), 그리고 데스티 우르 (De Stijl) 그룹의 다른 이들은 미래의 환경을 바꿀 의도였습니다.

추상화 음악 :
시각 예술은보다 추상적이게되면서 음악의 몇 가지 특성, 즉 소리와 시간의 추상적 요소를 사용하는 예술 형식을 개발합니다. 음악가 인 Wassily Kandinsky는 영혼에 표식과 연관 색이 울려 퍼질 가능성에 영감을 받았다. Charles Baudelaire는 모든 감각이 다양한 자극에 반응하지만 감각은 심미적 인 차원에서 연결된다는 아이디어가 제시되었습니다.

이것과 밀접히 관련이있는 예술은 영적 차원을 가지고 있고 영적인면에 도달하면서 ‘매일’의 경험을 초월 할 수 있다는 생각입니다. Theosophical Society는 세기 초의 인도와 중국의 신성한 책의 고대 지혜를 대중화했습니다. 이 상황에서 Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint와 ‘무 목적 국가’를 향한 다른 예술가들은 ‘내부’대상을 만드는 방법으로서의 신비주의에 관심을 갖게되었다. 기하학에서 발견되는 보편적이고 시간을 초월한 모양 : 원형, 사각형 및 삼각형은 추상 미술에서 공간 요소가됩니다. 그것들은 가시적 인 현실의 근간을 이루는 색상과 같은 근본적인 체계입니다.

충격:
러시아 전위 예술가 :
러시아의 추상 예술가 중 상당수는 예술이 더 이상 먼 거리가 아니라 삶 자체라고 믿는 Constructivists가되었습니다. 현대 작가의 도구와 재료를 사용하여 기술자가되어야합니다. 인생의 예술! 블라디미르 타 틀린의 슬로건과 미래의 모든 Constructivists의 슬로건이었다. Varvara Stepanova와 Alexandre Exter와 다른 이들은 이젤 그림을 포기하고 극장 디자인과 그래픽 작업에 그들의 힘을 돌렸다. 반대편에는 Kazimir Malevich, Anton Pevsner, Naum Gabo가있었습니다. 그들은 예술은 근본적으로 영적 활동이라고 주장했다. 실용적이고 물질주의적인 의미에서 삶을 조직하지 말고 세상에서 개인의 위치를 ​​창조하는 것. 예술에 대한 물질 주의적 생산 아이디어에 적대적이었던 많은 이들이 러시아를 떠났다. Anton Pevsner는 프랑스에 갔고, Gabo는 처음에는 베를린으로, 그 다음은 영국으로, 마침내 미국으로갔습니다. Kandinsky는 모스크바에서 공부 한 후 바우 하우스로 떠났습니다. 1920 년대 중반까지 예술가들이 실험을 자유롭게 할 수 있었던 혁명기 (1917-1921)는 끝났다. 1930 년대에는 오직 사회주의 리얼리즘 만 허용되었다.

바우 하우스 :
독일 바이마르 바우 하우스 (Bauhaus)는 1919 년 월터 그로피우스 (Walter Gropius)에 의해 설립되었습니다. 교육 프로그램의 근간을 이루는 철학은 모든 시각 및 플라스틱 예술이 건축 및 회화에서 제직 및 스테인드 글라스로 통일 된 것입니다. 이 철학은 영국의 예술 및 공예 운동과 도이 처 워커 분트 (Deutscher Werkbund)의 아이디어에서 성장했습니다. 교사 중 Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers 및 László Moholy-Nagy가있었습니다. 1925 년에 학교는 데 사우로 옮겨졌고 1932 년 나치당이 통제권을 획득하자 바우 하우스는 폐쇄되었습니다. 1937 년 타락한 예술 작품 ‘Entartete Kunst’에는 나치당이 인정하지 않은 모든 유형의 전위 미술이 포함되었습니다. 그런 다음 이주가 시작되었습니다 : 바우 하우스에서만이 아니라 유럽에서 일반적으로 시작되었습니다. 파리, 런던 및 미국. 폴 클레이 (Paul Klee)는 스위스에 갔지만 바우 하우스 (Bauhaus)의 많은 예술가들은 미국에 갔다.

파리와 런던의 추상화 :
1930 년대 파리는 전체주의의 부상으로 영향을받은 러시아, 독일, 네덜란드 및 기타 유럽 국가 출신 예술가들의 주인이되었습니다. Sophie Tauber와 Jean Arp는 유기적 / 기하학적 형태로 그림과 조각을 공동 작업했습니다. 폴란드 인 Katarzyna Kobro는 수학적으로 아이디어를 적용하여 조각했습니다. 가까운 거리에있는 여러 유형의 추상화는 예술가가 다양한 개념적 및 미적 그룹을 분석하려는 시도를 이끌어 냈습니다. Joaquin Torres-Garcia가 주관 한 Cercle et Carré 그룹의 46 명의 회원이 Michel Seuphor를 도와서 전시 한 것은 Neo-Plasticists의 작업과 Kandinsky, Anton Pevsner 및 Kurt Schwitters와 같은 다양한 추상화를 포함했습니다. Theo van Doesburg가 너무 한정 적이라는 비판을하면서 그는 선, 색 및 표면 만이 구체적인 현실 인 추상 미술을 정의하는 선언문을 발표하면서 저널 Art Concret을 출판했습니다. 추상화 – 1931 년에 창립 된 Création은 1935 년 정치 상황이 악화되면서 추상 예술가들에게 참고가되었으며, 런던에서 활동하는 많은 예술가들이 다시 재편성되었습니다. 영국 추상 미술 전시회는 1935 년 영국에서 개최되었습니다. 다음 해 Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth 및 Ben Nicholson의 작업을 포함하여 Nicolete Grey가 국제 추상 및 콘크리트 전시회를 주최했습니다. Hepworth, Nicholson 및 Gabo는 그들의 ‘구성 주의자’일을 계속하기 위해 콘월의 St. Ives 그룹으로 이사했습니다.

미국 : 중반 – 세기
1930 년대 나치가 권력을 잡을 때 많은 예술가들이 유럽을 떠나 미국으로 갔다. 1940 년대 초까지 Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton 등 뉴욕의 현대 예술, 표현주의, 입체파, 추상화, 초현실주의 및 다다이즘의 주요 움직임이 뉴욕에서 나타났습니다. 유럽에 망명 한 소수의 유태인. 유럽의 예술가들이 가져온 풍부한 문화적 영향은 현지 뉴욕 화가가 소장하고 쌓아 올렸습니다. 뉴욕에서 자유의 분위기는 이러한 모든 영향력을 불러 일으켰습니다. 주로 유럽의 예술에 초점을 맞춘 아트 갤러리는 현지 예술 공동체와 성숙하기 시작한 젊은 미국 예술가들의 작품에 주목하기 시작했습니다. 이시기의 특정 아티스트는 성숙한 작업에서 뚜렷하게 추상화되었습니다. 이 기간 동안 Piet Mondrian의 Painting Composition No. 10, 1939-1942는 원색으로 특징 지어졌으며, 흰색 바탕에 검은 격자 선은 직사각형과 추상 미술 전반에 대한 근본적이지만 고전적인 접근 방식을 명확하게 정의했습니다. 그 기간의 일부 예술가들은 근대주의 추상화 주의자 였지만 조지아 오 키프 (Johnia O’Keeffe)와 같은 분류를 무시했다.

결국 스타일의 큰 다양성에서 일하고 있던 미국 예술가들은 응집력있는 문체 그룹으로 합쳐지기 시작했다. 가장 잘 알려진 미국 예술가 그룹은 추상적 표현 주의자와 뉴욕 학교로 알려지게되었습니다. 뉴욕시에는 토론을 장려하는 분위기가 있었고 배우고 성장할 수있는 새로운 기회가있었습니다. 예술가와 교사 John D. Graham과 Hans Hofmann은 새로 도착한 유럽 근대 주의자들과 젊은 미국 예술가들 사이에서 중요한 다리 역할을했습니다. 러시아에서 태어난 마크 로스 코 (Mark Rothko)는 강력한 초현실주의 이미지로 시작하여 나중에 1950 년대의 강력한 색채 구성에 녹아 들었다. 표현주의적인 제스처와 그림 자체의 행위는 잭슨 폴록 (Jackson Pollock), 로버트 마더 웰 (Robert Motherwell), 프란츠 클라인 (Franz Kline)에게 가장 중요하게되었다. 1940 년대에 Arshile Gorky와 Willem de Kooning의 비유적인 작업이 10 년 동안 추상으로 발전했습니다. 뉴욕 시가 중심이되었고, 전세계의 예술가들이 그 중심으로 끌려갔습니다. 미국의 다른 장소에서도 마찬가지입니다.

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미국에서는 Donald Judd의 Minimalist sculptures에서 볼 수있는 Object as Art와 Frank Stella의 그림이 오늘날 더 새로운 순열로 간주됩니다. 다른 예로는 서정적 인 추상화와 Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell 등 다양한 화가의 작업에서 본 Lyrical Abstraction과 감각적 인 색상이 있습니다.

원인:
테오도르 W. 아도르노 (Theodor W. Adorno)의 이름과 관련된 설명 인 현대 미술에서 초록의 추상성이 널리 보급되기 위해 제시된 한 가지 사회 역사적 설명은 그러한 추상화가 점점 커지고있는 추상화에 대한 반응이며이를 반영한 ​​것입니다. 산업 사회에서의 사회적 관계.

프레드릭 제임슨 (Frederic Jameson)은 모더니스트 추상화를 돈의 추상적 힘의 함수로 간주하여 모든 것을 동일하게 교환 가치로 간주한다. 추상적 예술의 사회적 내용은 근대 근대의 세계에서의 사회적 존재의 추상적 본질, 즉 법적 절차, 관료적 비 개인화, 정보 / 힘이다.

이와는 대조적으로 포스트 융의 (Jungian) 이후는 근대 미술에서 콘크리트와 이혼의 이혼이라는 근본적인 형태와 사상의 붕괴와 함께 양자 이론을 보게 될 것이다.