L’expressionnisme abstrait appliqué à un mouvement dans la peinture américaine qui a prospéré dans les années 1940 et 1950, parfois appelé l’École de New York ou, très étroitement, comme plan d’action, même si elle a été inventé par rapport au travail de Vasily Kandinsky en 1929 œuvres de la génération d’artistes actifs à New York des années 1940 et considéré comme expressionnistes abstraits résistent définition comme un style cohérent; ils vont de champs ininterrompues »de Barnett Newman de couleur à la manipulation violente de Willem de Kooning de la figure Ils étaient liés par une préoccupation avec des degrés d’abstraction utilisé pour transmettre un fort contenu émotionnel ou expressif Bien que le terme désigne essentiellement un petit noyau de peintres , les qualités expressionnistes abstraits peuvent également être vu dans la sculpture de David Smith, Ibram Lassaw et d’autres,
L’expressionnisme abstrait est un mouvement artistique post-Seconde Guerre mondiale dans la peinture américaine, développée en New Yorkdans les années 1940. Ce fut le premier mouvement spécifiquement américain d’exercer une influence internationale et de mettre New York City au centre du monde de l’art occidental, un rôle autrefois rempli par Paris. Bien que le terme expressionnisme abstrait a d’abord été appliqué à l’art américain en 1946 par le critique d’art Robert Coates, il avait d’abord été utilisé en Allemagne en 1919 dans le magazine Der Sturm, en ce qui concerne l’expressionnisme allemand. dans leÉtats Unis, Alfred Barr a été le premier à utiliser ce terme en 1929 par rapport à des œuvres de Wassily Kandinsky.
Style:
Techniquement, un prédécesseur important est le surréalisme, qui met l’accent sur la création spontanée, automatique ou inconscient. Jackson peinture de Pollock dégoulinant sur une toile posée sur le sol est une technique qui a ses racines dans l’œuvre d’André Masson, Max Ernst, et David Alfaro Siqueiros. La recherche récente a tendance à mettre le Wolfgang Paalen exil surréaliste dans la position de l’artiste et théoricienne qui a favorisé la théorie de l’espace de possibilité dépendant du spectateur à travers ses peintures et son magazine DYN. Paalen considéré comme des idées de la mécanique quantique, ainsi que des interprétations idiosyncrasiques de la vision totémique et la structure spatiale de la peinture native-indienne de la Colombie-Britannique et a préparé le terrain pour la nouvelle vision spatiale des jeunes résumés américains. Son long essai Totem Art (1943) a eu une influence considérable sur des artistes tels que Martha Graham, Isamu Noguchi, Jackson Pollock, Mark Rothko et Barnett Newman. Autour de 1944 Barnett Newman a tenté d’expliquerAmériquele plus récent mouvement d’art » et comprenait une liste des « hommes dans le nouveau mouvement. » Paalen est mentionné deux fois; d’autres artistes mentionnés sont Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky et d’autres. Motherwell est mentionné avec un point d’interrogation. Une autre manifestation précoce importante de ce qui est devenu l’expressionnisme abstrait est l’œuvre de l’artiste nord-ouest américain Mark Tobey, en particulier ses toiles « écriture blanche », qui, bien que généralement pas grande échelle, tablent sur une « all over » regard des dripping de Pollock .
Le nom du mouvement est dérivé de la combinaison de l’intensité émotionnelle et l’abnégation des expressionnistes allemands avec l’esthétique anti-figurative des écoles abstraites européennes telles que le futurisme, le Bauhaus et le cubisme synthétique. En outre, il a une image d’être rebelle, anarchiques, très idiosyncrasique et une certaine sensation, nihiliste. Dans la pratique, le terme est appliqué à un certain nombre d’artistes travaillant (la plupart du temps) à New York qui avaient des styles tout à fait différents, et même au travail qui est ni surtout abstraite, ni expressionniste. Californie expressionnisme abstrait Jay Meuser, qui généralement peint dans le style non-objectif, a écrit sur son tableau Mare Nostrum, « Il est préférable de saisir l’esprit glorieux de la mer que pour peindre toutes ses petites ondulations. » « peintures à l’action » énergique de Pollock, avec leur sensation « occupé », sont différents, aussi bien sur le plan technique et esthétique, de la femmes violentes et grotesques série de peintures figuratives de Willem de Kooning et les rectangles de couleur dans les tableaux de Mark Rothko Color Field (qui ne sont pas ce qui serait habituellement appelé expressionniste, et qui Rothko nié étaient abstraits). Pourtant, les quatre artistes sont classés comme expressionnistes abstraits.
L’expressionnisme abstrait a de nombreuses similitudes stylistiques aux artistes russes du début du 20ème siècle tels que Wassily Kandinsky. Bien qu’il soit vrai que la spontanéité ou l’impression de spontanéité caractérise de nombreuses œuvres des expressionnistes abstraites, la plupart de ces peintures impliqués une planification minutieuse, d’autant plus que leur grande taille exigeait. Avec des artistes tels que Paul Klee, Wassily Kandinsky, Emma Kunz, et plus tard Rothko, Barnett Newman et Agnès Martin, l’art abstrait expression implique clairement des idées concernant le spirituel, l’inconscient et l’esprit.
Pourquoi ce style a gagné l’acceptation grand public dans les années 1950 est une question de débat. réalisme social américain avait été le courant dominant dans les années 1930. Il avait été influencée non seulement par la Grande Dépression, mais aussi par les muralistes deMexiquetels que David Alfaro Siqueiros et Diego Rivera. Le climat politique après la Seconde Guerre mondiale ne tolérera pas longtemps les protestations sociales de ces peintres. L’expressionnisme abstrait a surgi pendant la Seconde Guerre mondiale et a commencé à être présenté au début des années quarante dans des galeries àNew York tels que l’art de ce siècle Galerie. L’ère McCarthy après la Seconde Guerre mondiale fut un temps de la censure artistique dans laÉtats Unis, Mais si le sujet était tout à fait abstraite, alors il serait considéré comme apolitiques, et donc sans danger. Ou si l’art était politique, le message était en grande partie pour les initiés.
Alors que le mouvement est étroitement associé à la peinture et des peintres comme Arshile Gorky, Franz Kline, Clyfford Still, Hans Hofmann, Willem de Kooning, Jackson Pollock, et d’autres, collagiste Anne Ryan et certains sculpteurs en particulier ont été également partie intégrante de l’expressionnisme abstrait. David Smith, et sa femme Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavie, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois et Louise Nevelson en particulier étaient quelques-uns des sculpteurs considérés comme étant des membres importants de la mouvement. De plus, les artistes David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero, et sculpteurs Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, et même Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell, et plusieurs autres faisaient partie intégrante du mouvement expressionniste abstrait. Un grand nombre des sculpteurs ont participé à la inscrite comme Ninth Street Show, une exposition célèbre organisée par Leo Castelli surEst Ninth Street dans La ville de New York en 1951. Outre les peintres et sculpteurs de l’époque l’École de New York de l’expressionnisme abstrait a également généré un certain nombre de poètes de soutien, y compris Frank O’Hara et photographes tels que Aaron Siskind et Fred McDarrah, (dont le livre du monde de l’artiste en images documentées l’école de New York dans les années 1950), et les cinéastes Robert Frank-notamment-et.
Bien que l’école expressionniste abstrait se propager rapidement dans la États Unis, Les grands centres de ce style ont été La ville de New York et le San Francisco baie domaine de Californie.
Les critiques d’art:
Dans les années 1940 il n’y avait pas que quelques galeries (l’art de ce siècle, Galerie Pierre Matisse, Galerie Julien Levy et quelques autres), mais aussi quelques critiques qui étaient prêts à suivre les travaux du New York Vanguard. Il y avait aussi quelques artistes avec un fond littéraire, dont Robert Motherwell et Barnett Newman, qui a fonctionné comme critiques aussi.
Alors que New York et le monde étaient encore peu familiers avec le New York d’avant-garde des années 1940, la plupart des artistes qui sont devenus des noms familiers aujourd’hui avaient leurs critiques de patrons bien établis: Clement Greenberg préconisé Jackson Pollock et les peintres de champ de couleur comme Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb et Hans Hofmann; Harold Rosenberg semblait préférer les peintres d’action tels que Willem de Kooning et Franz Kline, ainsi que les peintures séminales de Arshile Gorky; Thomas B. Hess, rédacteur en chef de ARTnews, le champion de Kooning.
Les nouveaux critiques élevé leurs protégés par coulée d’autres artistes comme « disciples » ou en ignorant ceux qui ne servent leur objectif de promotion.
En 1958, Mark Tobey est devenu le premier peintre américain depuis Whistler (1895) pour remporter le premier prix à la Biennale de Venise.
Barnett Newman, un ancien membre du groupe Uptown, a écrit des préfaces et commentaires catalogue et fin des années 1940 est devenu un artiste exposant à Betty Parsons Gallery. Son premier spectacle solo était en 1948. Peu après sa première exposition, Barnett Newman a fait remarquer dans l’une des sessions d’artistes au Studio 35: « Nous sommes en train de faire du monde, dans une certaine mesure, dans notre propre image. » Utilisant ses compétences en écriture, Newman a combattu toutes les étapes de la façon de renforcer son image nouvellement créé comme un artiste et de promouvoir son travail. Un exemple est sa lettre le 9 Avril 1955, « Lettre à Sidney Janis: – il est vrai que Rothko parle le combattant, il se bat, cependant, de se soumettre au monde philistin Ma lutte contre la société bourgeoise a impliqué le rejet total de.. il. »
Étrangement la personne pensait avoir eu plus à voir avec la promotion de ce style était à New York trotskyste; Clement Greenberg. Comme critique d’art de longue date pour la Partisan Review et The Nation, il est devenu un promoteur précoce et lettré de l’expressionnisme abstrait. Robert artiste bien nantis Motherwell a rejoint Greenberg dans la promotion d’un style qui convient le climat politique et la rébellion intellectuelle de l’époque.
Clement Greenberg a proclamé l’expressionnisme abstrait et Jackson Pollock en particulier comme la quintessence de la valeur esthétique. Il a soutenu le travail de Pollock pour des raisons formaliste simplement la meilleure peinture de sa journée et l’aboutissement d’une tradition artistique remontant par le cubisme et Cézanne à Monet, où la peinture est devenue toujours’purer » et plus concentrée dans ce qui était « essentiel » à elle, la réalisation de marques sur une surface plane.
Le travail de Jackson Pollock a toujours polarisé critiques. Harold Rosenberg a parlé de la transformation de la peinture dans un drame existentiel dans l’œuvre de Pollock, où « ce qui était d’aller sur la toile était pas une image mais un événement ». « Le grand moment est venu quand il a été décidé de peindre« juste à peindre. Le geste sur la toile était un geste de libération de la valeur politique, esthétique, morale. »
L’un des critiques les plus virulents de l’expressionnisme abstrait à l’époque était critique d’art du New York Times John Canaday. Meyer Schapiro et Leo Steinberg ainsi que Clement Greenberg et Harold Rosenberg étaient importants historiens de l’art de l’après-guerre, qui a exprimé son soutien à l’expressionnisme abstrait. Au cours de la première moitié des années soixante-à-jeunes critiques d’art Michael Fried, Rosalind Krauss et Robert Hughes a ajouté un aperçu considérable dans la dialectique critique qui continue à se développer autour de l’expressionnisme abstrait.
Histoire:
Seconde Guerre mondiale et la période post-guerre
Richard Pousette-Dart, Symphonie n ° 1, transcendantal, 1941-1942
Au cours de la période précédant et pendant la Seconde Guerre mondiale, des artistes, des écrivains modernistes et poètes, ainsi que d’importants collectionneurs et marchands, ont fui l’Europe et l’assaut des nazis pour refuge dans la États Unis. Beaucoup de ceux qui n’ont pas fui ont péri. Parmi les artistes et les collectionneurs qui sont arrivés à New York pendant la guerre (certains avec l’ aide de Varian Fry) étaient Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, Andr de Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger, et Piet Mondrian. Quelques artistes, notamment Pablo Picasso, Henri Matisse et Pierre Bonnard sont restés dansFrance et survécu.
La période d’après-guerre a laissé les capitales de L’Europe en plein bouleversement, avec une urgence à la reconstruction économique et physique et de se regrouper sur le plan politique. DansParis, Autrefois le centre de la culture européenne et capitale du monde de l’art, le climat pour l’art était une catastrophe, et New York remplacé Paris comme le nouveau centre du monde de l’art. DansL’Europe après la guerre, il y avait la poursuite du surréalisme, le cubisme, dadaïsme, et les œuvres de Matisse. Aussi dansL’Europe , Art brut, et l’abstraction lyrique ou tachisme (l’équivalent européen à l’expressionnisme abstrait) se sont emparés de la nouvelle génération. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages et Jean Messagier, entre autres sont considérés comme des figures importantes dans la peinture européenne d’après-guerre. Aux États-Unis, une nouvelle génération d’artistes américains ont commencé à émerger et à dominer la scène mondiale, et ils ont été appelés expressionnistes abstraits.
Gorky, Hofmann et Graham
Les années 1940 à New York a marqué le triomphe de l’expressionnisme abstrait américain, un mouvement moderniste qui combine les enseignements tirés de Henri Matisse, Pablo Picasso, le surréalisme, Joan Miró, le cubisme, le fauvisme, et au début du Modernisme par de grands professeurs en Amérique comme Hans Hofmann de Allemagne et John D. Graham de l’Ukraine. L’influence de Graham sur l’art américain au début des années 1940 a été particulièrement visible dans les travaux de Arshile Gorky, Willem de Kooning, Jackson Pollock, et Richard Pousette-Dart entre autres.Gorkyde » contributions à l’art américain et mondial sont difficiles à surestimer. Son travail l’abstraction lyrique était une « nouvelle langue. Il « a allumé la voie à deux générations d’artistes américains ». La spontanéité picturale des œuvres matures tels que « Le foie est le peigne du coq », « Fiançailles II » et » One année du asclépiade » immédiatement préfigurée expressionnisme abstrait, et les dirigeants du New York école ont reconnu une influence considérable de Gorki. les premiers travaux de Hyman Bloom a également été influente. artistes américains ont également bénéficié de la présence de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst, et le groupe André Breton, la galerie de Pierre Matisse, et la galerie de Peggy Guggenheim l’art de ce siècle, ainsi que d’autres facteurs. Hans Hofmann en particulier en tant que professeur, mentor, États Unis. Parmi l’Hofmann était mentorés Clement Greenberg, qui est devenu une voix influente pour la peinture énormément américaine, et parmi ses étudiants était Lee Krasner, qui a présenté son professeur, Hofmann, à son mari, Jackson Pollock.
Pollock et influences Résumé
Au cours de la fin des années 1940, l’approche radicale de la peinture de Jackson Pollock a révolutionné le potentiel de tout l’art contemporain qui le suivait. Dans une certaine mesure, Pollock se rendit compte que le voyage vers faire une œuvre d’art est aussi important que l’œuvre d’art elle-même. Comme réinventions innovants de la peinture et de la sculpture de Pablo Picasso au tournant du siècle par le cubisme et la sculpture construite, avec des influences aussi diverses que des peintures de sable Navaho, le surréalisme, l’analyse jungienne, et l’art mural mexicain, Pollock a redéfini ce qu’il était de produire de l’art. Son abandon de la peinture et chevalet conventionnalité était un signal libérateur aux artistes de son époque et de tout ce qui est venu après. Les artistes ont réalisé que Jackson Pollock » processus de la mise en place de la toile brute non étirée sur le sol où il pourrait être attaqué de tous les quatre côtés en utilisant des matériaux d’artistes et de matériaux industriels; écheveaux linéaires de peinture coulait et jetées; le dessin, la coloration, le brossage; des images et des non-imagerie a essentiellement pris la création artistique au-delà de toute limite avant. L’expressionnisme abstrait en général élargi et développé les définitions et les possibilités que les artistes avaient disponibles pour la création de nouvelles œuvres d’art.
Les autres expressionnistes abstraits ont suivi la percée de Pollock avec de nouvelles percées de leur propre. Dans un sens, les innovations de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos, et d’autres ont ouvert les vannes à la diversité et la portée de tout l’art qui les suivait. Les nouveaux mouvements artistiques des années 1960 essentiellement suivi l’exemple de l’expressionnisme abstrait et en particulier les innovations de Pollock, De Kooning, Rothko, Hofmann, Reinhardt et Newman. Les mouvements radicaux anti-formalistes des années 1960 et 1970, y compris Fluxus, Neo-Dada, l’art conceptuel, et le mouvement de l’art féministe remontent aux innovations de l’expressionnisme abstrait. Relectures dans l’art abstrait, fait par les historiens d’art tels que Linda Nochlin, Griselda Pollock et Catherine de Zegher spectacles de façon critique, cependant, que les femmes artistes pionniers qui ont produit des innovations importantes dans l’art moderne avait été ignoré par les comptes officiels de son histoire, mais a finalement commencé à réaliser depuis longtemps la reconnaissance à la suite du mouvement expressionniste abstrait des années 1940 et 1950. L’expressionnisme abstrait est apparu comme un mouvement artistique majeurLa ville de New York au cours des années 1950 et par la suite plusieurs grands galeries d’art ont commencé à inclure les expressionnistes abstraits dans des expositions et que les habitués dans leurs tableaux de service. Certains de ces grands ‘uptown’ galeries inclus: la Galerie Charles Egan, la galerie Sidney Janis, la Betty Parsons Gallery, la Galerie Kootz, Tibor de Nagy Gallery, la Galerie stable, la galerie Leo Castelli, ainsi que d’autres; et plusieurs galeries du centre-ville connue à l’époque comme les galeries Tenth Street ont présenté de nombreux artistes émergents les plus jeunes qui travaillent dans la veine expressionniste abstrait.
Action painting
peinture à l’action était un style répandu des années 1940 jusqu’au début des années 1960, et est étroitement associée à l’expressionnisme abstrait (certains critiques ont utilisé la peinture à l’action des termes et l’expressionnisme abstrait de manière interchangeable). Une comparaison est souvent faite entre la peinture à l’action américaine et le tachisme français.
Le terme a été inventé par le critique américain Harold Rosenberg en 1952 et a marqué un changement majeur dans la perspective esthétique New York Écolepeintres et critiques. SelonRosenberg la toile était « une arène où agir ». Alors que expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock, Franz Kline et Willem de Kooning avaient longtemps été ouvertement leur point de vue d’un tableau comme une arène au sein de laquelle se réconcilier avec l’acte de création, les critiques antérieures sympathiques à leur cause, comme Clement Greenberg, mis l’accent sur leurs œuvres « de objectness. » Pour Greenberg, ce fut l’aspect physique des peintures de surfaces coagulé et agglomérée d’huile qui était la clé pour les comprendre que les documents des artistes de lutte existentielle.
RosenbergLa critique de » déplacé l’accent de l’objet à la lutte elle-même, avec la peinture finie étant seulement la manifestation physique, une sorte de résidu, de l’œuvre réelle de l’art, qui était dans l’acte ou le processus de la création de la peinture. Cette activité spontanée était la « action » du peintre, dans le bras et le mouvement du poignet, picturalement, coups de pinceau, de la peinture jetée, éclaboussé, taché, scumbled et égouttée. Le peintre aurait parfois laisser couler la peinture sur la toile, tout en dansant en rythme, ou même debout dans la toile, laissant parfois la chute de peinture selon l’esprit subconscient, laissant ainsi la partie inconsciente de l’assert psyché et s’exprimer. Tout cela, cependant, il est difficile d’expliquer ou d’interpréter parce qu’elle est une manifestation inconsciente supposée de l’acte de création pure.
Dans la pratique, le terme expressionnisme abstrait est appliqué à un certain nombre d’artistes travaillant (la plupart du temps) en New Yorkqui avait des styles tout à fait différents, et même à des œuvres qui ne sont pas particulièrement abstraite, ni expressionniste. peintures à l’action énergique de Pollock, leur sensation « occupé », sont différents à la fois sur le plan technique et esthétique, à la violence et de femmes grotesques série de Willem de Kooning. (Comme on le voit ci-dessus) Femme V est l’un d’une série de six peintures réalisées par de Kooning entre 1950 et 1953 qui dépeignent une figure féminine longueur trois-quarts. Il a commencé la première de ces peintures, Femme I, collection: Le Musée d’Art Moderne, New York, en Juin 1950, changeant à plusieurs reprises et la peinture sur l’image jusqu’à Janvier ou Février 1952, lorsque la peinture a été abandonnée inachevée. L’historien de l’art Meyer Schapiro a vu la peinture dans l’atelier de Kooning peu de temps après et a encouragé l’artiste à persister. De Kooning » réponse s devait commencer trois autres tableaux sur le même thème; Femme II, collection: Musée d’Art Moderne, New York City, Femme III, Musée d’art contemporain de Téhéran, Femme IV, Musée Nelson-Atkins de l’art, Kansas City, Missouri. Au cours de l’été 1952, passé àEast Hampton, De Kooning plus exploré le thème à travers des dessins et des pastels. Il peut avoir fini de travailler sur Femme I d’ici la fin de Juin, ou peut-être le plus tard Novembre 1952, et probablement les images trois autres femmes ont été conclus à la même époque. La série femme sont des peintures figuratives décidément.
Un autre artiste important est Franz Kline, comme en témoigne sa peinture numéro 2 (1954) (voir ci-dessus). Comme avec Jackson Pollock et d’autres expressionnistes abstraits, Kline a été marqué d’un « peintre d’action en raison de son style en apparence spontanée et intense, en se concentrant moins, ou pas du tout, sur les chiffres ou les images, mais les coups de pinceau réelle et l’utilisation de la toile. Automatique l’écriture est un véhicule important pour l’action peintres Franz Kline (dans ses peintures en noir et blanc), Jackson Pollock, Mark Tobey et Cy Twombly, qui a utilisé le geste, la surface et la ligne pour créer calligraphiques, des symboles linéaires et écheveaux qui ressemblent à la langue, et résonnera manifestations puissants de l’inconscient collectif. Robert Motherwell dans son Elégie à la série République espagnole ont également peint puissants tableaux en noir et blanc en utilisant le geste,
Pendant ce temps, d’autres peintres d’action, notamment Willem de Kooning, Arshile Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell et James Brooks, (voir galerie) utilisé des images soit par paysage abstrait ou visions expressionnistes de la figure d’exprimer leurs évocations très personnelles et puissants. Les peintures de James Brooks ont été particulièrement poétique et très prémonitoire par rapport à l’abstraction lyrique qui est devenu important dans les années 1960 et les années 1970.
champ couleur
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb et les blocs sereinement chatoyantes de couleur dans l’œuvre de Mark Rothko (qui est pas ce que serait habituellement appelé expressionniste et qui Rothko niaient était abstraite), sont classés comme expressionnistes abstraits, quoique de ce que Clement Greenberg appelé la direction du champ couleur de l’expressionnisme abstrait. Les deux Hans Hofmann (voir galerie) et Robert Motherwell (galerie) peuvent être confortablement décrits comme des praticiens de l’action et peinture sur le terrain couleur. Dans les années 1940 l’imagerie bien construit Richard Pousette-Dart dépendait souvent des thèmes de la mythologie et de la mystique; tout comme les peintures de Adolph Gottlieb, et Jackson Pollock dans cette décennie aussi bien.
Couleur peinture Champ d’abord fait référence à un type particulier de l’expressionnisme abstrait, en particulier le travail de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt et plusieurs séries de peintures de Joan Miró. Le critique d’art Clement Greenberg perçu couleur peinture de domaine comme liée à mais différente de la peinture d’action. Les peintres de terrain Couleur cherché à débarrasser leur art de la rhétorique superflue. Des artistes comme Robert Motherwell, Clyfford Still, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, et surtout Ad Reinhardt et Barnett Newman, dont le chef-d’œuvre Vir Heroicus sublimis est dans la collection de MoMA, utilisé des références très réduits à la nature, et ils ont peint avec une utilisation très articulée et psychologique de la couleur. En général, ces artistes éliminés des images reconnaissables, dans le cas de Rothko et Gottlieb en utilisant parfois le symbole et le signe que le remplacement de l’imagerie. Certains artistes cités références à l’art passé ou présent, mais dans la peinture générale de champ de couleur présente l’abstraction comme une fin en soi. Dans la poursuite de cette direction de l’art moderne, les artistes ont voulu présenter chaque tableau comme une image monolithique unifiée, cohérente,.
A la différence à l’énergie émotionnelle et marques surface gestuelles de expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning, les couleurs de terrain peintres sont apparus d’abord être cool et austère, effaçant la marque individuelle en faveur de grands aplats de couleurs, que ces artistes considérés comme la nature essentielle de l’abstraction visuelle, ainsi que la forme réelle de la toile, qui plus tard dans les années 1960 Frank Stella notamment réalisé de manière inhabituelle avec des combinaisons d’arêtes courbes et droites. Cependant la peinture de domaine couleur est avérée être à la fois sensuelle et profondément expressive mais d’une manière différente de gestuelles expressionnisme abstrait.
Bien que l’expressionnisme abstrait se propager rapidement dans la États Unis, Les grands centres de ce style ont été La ville de New York et Californie, En particulier dans le New York École, et le San Francisco baierégion. Résumé des peintures expressionnistes partagent certaines caractéristiques, y compris l’utilisation de grandes toiles, une approche « all-over », où toute la toile est traitée avec une égale importance (par opposition au centre étant de plus d’intérêt que les bords). La toile que l’arène est devenue un crédo de la peinture d’action, alors que l’intégrité du plan de l’image est devenue un crédo des peintres sur le terrain couleur. jeunes artistes ont commencé à exposer leurs abstraites peintures liées expressionnistes au cours des années 1950 et dont Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas, et Robert Goodnough entre autres .
Bien que Pollock est étroitement associée à l’Action Painting à cause de son style, la technique et son toucher et sa painterly application physique de la peinture, les critiques d’art ont comparé Pollock à la fois la peinture à l’action et la peinture sur le terrain de la couleur. Une autre vue critique avancée par Clement Greenberg relie allover Pollock à toiles à grande échelle Nymphéas de Claude Monet fait dans les années 1920. Greenberg, critique d’art Michael Fried, et d’autres ont observé que le sentiment général dans les œuvres les plus célèbres de Pollock – ses peintures goutte à goutte – lire comme de vastes champs de bâtis éléments linéaires lecture souvent de vastes complexes de pelotes de peinture d’une valeur similaire qui se lisent comme partout domaines de la couleur et le dessin, et sont liés aux Monets tardives de taille murales qui sont construits de nombreux passages de marques brossées et scumbled une valeur proche qui a également lu aussi près des champs d’une valeur de couleur et de dessin que Monet utilisé dans la construction de ses surfaces d’image. L’utilisation de Pollock de tout sur la composition prête une philosophique et une connexion physique à la façon dont les peintres de champ de couleur comme Newman, Rothko et encore construire leurs ininterrompues et dans Still cas des surfaces brisées. Dans plusieurs tableaux qui Pollock peint après sa période de peinture au goutte à goutte classique de 1947-1950, il a utilisé la technique de coloration peinture à l’huile fluide et peinture maison en toile brute. Au cours de 1951, il a produit une série de peintures tache noire semi-figuratives, et en 1952 il a produit des peintures tache en utilisant la couleur. Dans son exposition Novembre 1952 à la galerie Sidney Janis à New York Pollock a montré le numéro 12, 1952, une grande peinture tache magistral qui ressemble à un paysage teinté aux couleurs vives (avec une superposition de peinture noire largement égoutté); le tableau a été acquis de l’exposition par Nelson Rockefeller pour sa collection personnelle. En 1960, le tableau a été gravement endommagé par le feu dans lagouverneurs Manoir dans Albanyqui a également gravement endommagé une peinture Arshile Gorky et plusieurs autres œuvres de la collection Rockefeller. Cependant, en 1999, il a été restauré et a été installé à Albany Mall.
Alors que Arshile Gorky est considéré comme l’un des pères fondateurs de l’expressionnisme abstrait et surréaliste, il a également été l’un des premiers peintres de la New York École qui a utilisé la technique de coloration. Gorky créé de vastes champs de couleurs vives, ouvert, sans interruption qu’il a utilisé dans plusieurs de ses peintures comme motifs. Dans les peintures les plus efficaces et les plus accomplis de Gorky entre les années 1941-1948, il a toujours utilisé les champs colorés de couleurs intenses, laissant souvent la course de peinture et goutte à goutte, sous et autour de son lexique familier des formes organiques et biomorphiques et lignes délicates. Une autre expressionniste abstraite dont les travaux dans les années 1940 appellent à l’esprit les peintures tache des années 1960 et les années 1970, est James Brooks. Brooks utilisé régulièrement tache en tant que technique dans ses peintures des années 1940. Brooks a commencé à diluer sa peinture à l’huile afin d’avoir des couleurs fluides avec pour les libations et goutte à goutte et aux taches dans la toile la plupart du temps cru qu’il a utilisé. Ces travaux calligraphie souvent combinés et des formes abstraites. Au cours des trois dernières décennies de sa carrière, Sam Francis’ style de grande échelle l’expressionnisme abstrait lumineux a été étroitement associé à la peinture sur le terrain couleur. Ses peintures chevauchait les deux camps au sein de la rubrique de l’expressionnisme abstrait, la peinture et la couleur d’action peinture de domaine.
Après avoir vu la peinture Jackson peintures de Pollock 1951 de l’huile noire amincie teinté en toile brute, Helen Frankenthaler a commencé à produire des peintures tache aux couleurs d’huile variées sur toile brute en 1952. Son tableau le plus célèbre de cette époque est montagnes et la mer (comme on le voit ci-dessous). Elle est l’un des initiateurs du mouvement qui a émergé terrain couleur à la fin des années 1950. Frankenthaler a également étudié avec Hans Hofmann. Les peintures de Hofmann sont une symphonie de couleurs comme on le voit dans la porte, 1959-1960. Hofmann était célèbre non seulement en tant qu’artiste mais aussi en tant que professeur d’art, aussi bien dans son pays natal, l’Allemagne et plus tard dans la Hans Hofmann Etats-Unis, qui est venu aux États-Unis d’Allemagne au début des années 1930, apporté avec lui l’héritage du modernisme. Hofmann était un jeune artiste travaillant dansParis qui a peint là avant la Première Guerre mondiale Hofmann a travaillé dans Parisavec Robert Delaunay, et il savait de première main le travail innovateur des deux Pablo Picasso et Henri Matisse. Le travail de Matisse a eu une influence énorme sur lui, et sur sa compréhension de la langue expressive de la couleur et la potentialité de l’abstraction. Hofmann a été l’un des premiers théoriciens de la peinture sur le terrain de la couleur, et ses théories étaient influentes aux artistes et aux critiques, en particulier à Clement Greenberg, ainsi que d’autres au cours des années 1930 et 1940. En 1953, Morris Louis et Kenneth Noland ont tous deux été profondément influencé par les peintures de taches de Helen Frankenthaler après avoir visité son atelierLa ville de New York. De retour à Washington, DC., Ils ont commencé à produire les œuvres majeures qui ont créé le mouvement de champ de couleur à la fin des années 1950.
Dans les années 1960 après l’expressionnisme abstrait
Dans la peinture abstraite au cours des années 1950 et 1960, plusieurs nouvelles directions, comme le tableau dur bord illustré par John McLaughlin, a émergé. Pendant ce temps, en réaction contre le subjectivisme de l’expressionnisme abstrait, d’autres formes d’abstraction géométrique ont commencé à apparaître dans les studios d’artistes et dans les milieux d’avant-garde radicale. Clement Greenberg est devenu la voix de l’abstraction post postpittoresque; par curating une exposition influente de la nouvelle peinture qui a visité d’importants musées d’art tout au long de laÉtats Unis en 1964. peinture sur le terrain couleur, peinture dur bord et a émergé comme l’abstraction lyrique nouvelles orientations radicales.
L’expressionnisme abstrait et la guerre froide:
Depuis le milieu des années 1970, il a été soutenu par les historiens révisionnistes que le style a attiré l’attention, au début des années 1950, de la CIA, qui a vu en tant que représentant des Etats-Unis comme un refuge de la pensée libre et le libre marché, ainsi qu’un défi à la fois les styles réalistes socialistes qui prévalent dans les pays communistes et la domination des marchés d’art européens. Le livre de Frances Stonor Saunders, la guerre froide culturelle La CIA et le monde des arts et des lettres, (publié au Royaume-Uni comme Qui a payé le prix ?: CIA et la guerre froide culturelle) explique comment la CIA a financé et organisé la promotion des expressionnistes abstraits américains dans le cadre de l’impérialisme culturel par le Congrès pour la liberté culturelle de 1950 à 1967. Notamment série Robert Motherwell Elégie à laEspanol Républiqueabordé certaines de ces questions politiques. Tom Braden, chef fondateur de la Division des organisations internationales de la CIA (IOD) et ancien secrétaire exécutif de laMusée de Art moderne dit dans une interview: « Je pense que c’est la division la plus importante que l’agence avait, et je pense qu’il a joué un rôle énorme dans la guerre froide. »
Contre cette tradition révisionniste, un essai de Michael Kimmelman, critique d’art du New York Times, appelé Revisiter les révisionnistes: Le moderne, ses critiques et la guerre froide, fait valoir que la plupart de ces informations (ainsi que l’interprétation des révisionnistes il) en ce qui concerne ce qui se passait sur la scène de l’art américain au cours des années 1940 et des années 50 est platement faux, ou au mieux (contrairement aux principes avoués historiographiques des révisionnistes) décontextualisé. D’autres livres sur le sujet comprennent Art dans la guerre froide par Christine Lindey, qui décrit également en même temps l’art de l’Union soviétique; et Pollock et après édité par Francis Frascina, qui reproduit l’article Kimmelman.
Conséquences:
peintre canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002), membre du groupe inspiré surréaliste-montréalaise Les Automatistes, a contribué à introduire un style connexe expressionnisme abstrait au monde de l’art parisien du livre révolutionnaire de 1949. Michel Tapié, Un Art Autre (1952), a également une influence considérable à cet égard. Tapié était aussi un organisateur conservateur et de l’exposition qui fait la promotion des œuvres de Pollock et Hans Hofmann dansL’Europe . Dans les années 1960, avait été assimilé affect l’initiale du mouvement, mais ses méthodes et les partisans restés très influent dans l’art, ce qui affecte profondément le travail de nombreux artistes qui ont suivi. L’expressionnisme abstrait précédé tachisme, couleur peinture Champ, Abstraction Lyrique, Fluxus, Pop Art, Minimalisme, Postminimalisme, néo-expressionnisme, et les autres mouvements des années soixante et soixante-dix et il a influencé tous les mouvements ultérieurs qui ont évolué. Les mouvements qui étaient des réponses directes, et les rébellions contre l’expressionnisme abstrait a commencé avec la peinture Hard-bord (Frank Stella, Robert Indiana et d’autres) et les artistes Pop, notamment Andy Warhol, Claes Oldenburg et Roy Lichtenstein qui a obtenu d’importance aux États-Unis, accompagné de Richard Hamilton en Grande-Bretagne. Robert Rauschenberg et Jasper Johns dans laNOUSformé un pont entre l’expressionnisme abstrait et art de bruit. Minimalisme a été illustrée par des artistes tels que Donald Judd, Robert Mangold et Agnes Martin.
Cependant, de nombreux peintres, tels que Jules Olitski, Joan Mitchell et Antoni Tàpies ont continué à travailler dans le style expressionniste abstrait depuis de nombreuses années, l’extension et l’expansion de ses implications visuelles et philosophiques, autant d’artistes abstraits continuent de le faire aujourd’hui, dans des styles décrits comme Lyrical abstraction, néo-expressionniste et d’autres.
Dans les années après la Seconde Guerre mondiale, un groupe de New York les artistes ont commencé une des premières véritables écoles d’artistes Amérique, Ce qui porte une nouvelle ère dans l’art américain: l’expressionnisme abstrait. Cela a conduit à l’essor de l’art américain qui a provoqué des styles tels que Pop Art. Cela a également contribué à faireNew York dans un centre culturel et artistique.
Résumé expression de valeur expressionniste sur la perfection, la vitalité sur la fin, la fluctuation sur le repos, l’inconnu sur le connu, le voile sur clair, l’individu sur la société et l’intérieur sur l’extérieur.