Espressionismo astratto applicato a un movimento nella pittura americana che fiorì negli anni ’40 e ’50, a volte indicato come la Scuola di New York o, molto strettamente, come pianificazione d’azione, anche se fu inizialmente coniato in relazione all’opera di Vasily Kandinsky nel 1929. opere della generazione di artisti attivi a New York dagli anni ’40 e considerati espressionisti astratti che resistono alla definizione come stile coeso; spaziano dai campi di colore ininterrotti di Barnett Newman alla manipolazione violenta della figura di Willem de Kooning. Erano collegati da una preoccupazione con vari gradi di astrazione usati per trasmettere un forte contenuto emotivo o espressivo. Sebbene il termine denoti principalmente un piccolo nucleo di pittori Le qualità espressioniste astratte possono anche essere viste nella scultura di David Smith, Ibram Lassaw e altri, nella fotografia di Aaron Siskind e nella pittura di Mark Tobey, così come nel lavoro di artisti meno famosi come Bradley Walker Tomlin e Lee Krasner Tuttavia, la maggioranza degli espressionisti astratti ha rifiutato etichette critiche e condiviso, semmai, solo un senso comune di scopo morale e di alienazione dalla società americana
L’espressionismo astratto è un movimento artistico post-Seconda Guerra Mondiale nella pittura americana, sviluppato a New York negli anni ’40. Fu il primo movimento specificamente americano ad ottenere l’influenza internazionale e collocò la città di New York al centro del mondo artistico occidentale, ruolo precedentemente occupato da Parigi. Anche se il termine espressionismo astratto fu applicato per la prima volta all’arte americana nel 1946 dal critico d’arte Robert Coates, fu usato per la prima volta in Germania nel 1919 nella rivista Der Sturm, riguardante l’espressionismo tedesco. Negli Stati Uniti, Alfred Barr fu il primo ad usare questo termine nel 1929 in relazione alle opere di Wassily Kandinsky.
Stile:
Tecnicamente, un importante predecessore è il surrealismo, con la sua enfasi sulla creazione spontanea, automatica o subconscia. La pittura gocciolante di Jackson Pollock su una tela posata sul pavimento è una tecnica che affonda le sue radici nel lavoro di André Masson, Max Ernst e David Alfaro Siqueiros. La ricerca più recente tende a mettere l’esilia-surrealista Wolfgang Paalen nella posizione dell’artista e teorico che ha favorito la teoria dello spazio di possibilità dipendente dallo spettatore attraverso i suoi dipinti e la sua rivista DYN. Paalen considerò le idee della meccanica quantistica, nonché interpretazioni idiosincratiche della visione totemica e della struttura spaziale della pittura indio-indiana dalla Columbia Britannica e prepararono il terreno per la nuova visione spaziale dei giovani abstract americani. Il suo lungo saggio Totem Art (1943) ebbe una notevole influenza su artisti come Martha Graham, Isamu Noguchi, Jackson Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman. Intorno al 1944 Barnett Newman cercò di spiegare il più recente movimento artistico dell’America e incluse una lista di “gli uomini nel nuovo movimento”. Paalen è menzionato due volte; altri artisti menzionati sono Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky e altri. Motherwell è citato con un punto interrogativo. Un’altra importante manifestazione iniziale di ciò che è diventato espressionismo astratto è l’opera dell’artista nord-americano Mark Tobey, in particolare le sue tele “white writing”, che, sebbene generalmente non di grandi dimensioni, anticipano l’aspetto “all over” delle pitture a goccia di Pollock .
Il nome del movimento deriva dalla combinazione dell’intensità emotiva e dell’auto-negazione degli espressionisti tedeschi con l’estetica anti-figurativa delle scuole astratte europee come il futurismo, il Bauhaus e il cubismo sintetico. Inoltre, ha l’immagine di essere ribelle, anarchico, altamente idiosincratico e, in qualche modo, nichilista. In pratica, il termine si applica a qualsiasi numero di artisti che lavorano (principalmente) a New York che hanno stili molto diversi, e persino a lavorare che non è né particolarmente astratto né espressionista. L’espressionista astratto della California Jay Meuser, che di solito dipinge in uno stile non oggettivo, ha scritto sul suo dipinto Mare Nostrum, “È molto meglio catturare lo spirito glorioso del mare che dipingere tutte le sue piccole increspature.” Gli energici “action painting” di Pollock, con il loro “busy” feel, sono diversi, sia dal punto di vista tecnico che estetico, dalla violenta e grottesca serie Women dei dipinti figurativi di Willem de Kooning e dai rettangoli di colore nei dipinti Color Field di Mark Rothko (che non sono quello che di solito si chiamerebbe espressionista e che Rothko negava erano astratti). Eppure tutti e quattro gli artisti sono classificati come espressionisti astratti.
L’espressionismo astratto ha molte somiglianze stilistiche con gli artisti russi del primo Novecento come Wassily Kandinsky. Anche se è vero che la spontaneità o l’impressione di spontaneità caratterizzarono molte delle opere degli espressionisti astratti, la maggior parte di questi dipinti implicava un’attenta pianificazione, soprattutto perché le loro grandi dimensioni lo richiedevano. Con artisti come Paul Klee, Wassily Kandinsky, Emma Kunz e in seguito Rothko, Barnett Newman e Agnes Martin, l’arte astratta implicava chiaramente l’espressione di idee riguardanti lo spirituale, l’inconscio e la mente.
Perché questo stile abbia guadagnato l’accettazione tradizionale negli anni ’50 è una questione di dibattito. Il realismo sociale americano era stato il mainstream negli anni ’30. Era stato influenzato non solo dalla Grande Depressione, ma anche dai muralisti del Messico come David Alfaro Siqueiros e Diego Rivera. Il clima politico dopo la seconda guerra mondiale non tollerò a lungo le proteste sociali di questi pittori. L’espressionismo astratto sorse durante la seconda guerra mondiale e cominciò ad essere esposto durante i primi anni Quaranta nelle gallerie di New York come la galleria The Art of This Century. L’era di McCarthy dopo la seconda guerra mondiale fu un periodo di censura artistica negli Stati Uniti, ma se l’argomento fosse del tutto astratto allora sarebbe considerato apolitico e quindi sicuro. O se l’arte era politica, il messaggio era in gran parte per gli addetti ai lavori.
Mentre il movimento è strettamente associato alla pittura, e pittori come Arshile Gorky, Franz Kline, Clyfford Still, Hans Hofmann, Willem de Kooning, Jackson Pollock e altri, il collagista Anne Ryan e alcuni scultori in particolare erano anche parte integrante dell’espressionismo astratto. David Smith e sua moglie Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois e Louise Nevelson in particolare erano alcuni degli scultori considerati membri importanti del movimento. Inoltre, gli artisti David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero e gli scultori Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian e persino Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell e molti altri erano parte integrante di il movimento espressionista astratto. Molti degli scultori elencati parteciparono alla Ninth Street Show, una famosa mostra a cura di Leo Castelli in East Ninth Street a New York City nel 1951. Oltre ai pittori e agli scultori del periodo, la New York School of Abstract expressionism ha anche generato un certo numero di poeti di supporto, tra cui Frank O’Hara e fotografi come Aaron Siskind e Fred McDarrah, (il cui libro The Artist’s World in Pictures ha documentato la New York School negli anni ’50) e anche i registi, in particolare Robert Frank.
Sebbene la scuola espressionista astratta si diffondesse rapidamente in tutti gli Stati Uniti, i centri principali di questo stile erano New York City e la zona della Baia di San Francisco in California.
Critici d’arte:
Negli anni ’40 non c’erano solo poche gallerie (L’arte di questo secolo, la galleria Pierre Matisse, Julien Levy Gallery e pochi altri) ma anche alcuni critici che erano disposti a seguire il lavoro della New York Vanguard. C’erano anche alcuni artisti con un background letterario, tra cui Robert Motherwell e Barnett Newman, che fungevano anche da critici.
Mentre New York e il mondo non avevano ancora familiarità con le avanguardie di New York alla fine degli anni ’40, la maggior parte degli artisti che sono diventati nomi di famiglia oggi avevano i loro sostenitori ben consolidati: Clement Greenberg sosteneva Jackson Pollock ei pittori del campo dei colori come Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann; Harold Rosenberg sembrava preferire i pittori d’azione come Willem de Kooning e Franz Kline, così come i dipinti seminali di Arshile Gorky; Thomas B. Hess, il caporedattore di ARTnews, ha sostenuto Willem de Kooning.
I nuovi critici hanno elevato i loro protetti con il casting di altri artisti come “seguaci” o ignorando coloro che non hanno raggiunto il loro obiettivo promozionale.
Nel 1958, Mark Tobey divenne il primo pittore americano da quando Whistler (1895) vinse il primo premio alla Biennale di Venezia.
Barnett Newman, un membro in ritardo del gruppo Uptown, ha scritto prefazioni e recensioni del catalogo, e alla fine degli anni ’40 è diventato un artista espositore alla Betty Parsons Gallery. La sua prima mostra personale fu nel 1948. Poco dopo la sua prima esibizione, Barnett Newman fece notare in una delle Sessioni degli artisti allo Studio 35: “Siamo in procinto di rendere il mondo, in una certa misura, a nostra immagine”. Utilizzando le sue capacità di scrittura, Newman ha combattuto in ogni modo per consolidare la sua nuova immagine di artista e promuovere il suo lavoro. Un esempio è la sua lettera del 9 aprile 1955, “Lettera a Sidney Janis: – è vero che Rothko parla il combattente, ma combatte per sottomettersi al mondo filisteo: la mia lotta contro la società borghese ha comportato il rifiuto totale di esso “.
Stranamente la persona che si pensava avesse più a che fare con la promozione di questo stile era un trotzkista newyorkese; Clement Greenberg. Come critico d’arte di lunga data per la Partisan Review e The Nation, è diventato uno dei primi e letterati sostenitori dell’espressionismo astratto. L’artista benestante Robert Motherwell si unì a Greenberg nel promuovere uno stile che si adattava al clima politico e alla ribellione intellettuale dell’epoca.
Clement Greenberg ha proclamato l’espressionismo astratto e Jackson Pollock in particolare come l’epitome del valore estetico. Sosteneva il lavoro di Pollock su basi formalistiche come il miglior dipinto del suo tempo e il culmine di una tradizione artistica che passava attraverso Cubismo e Cézanne a Monet, in cui la pittura diventava sempre “più pura” e più concentrata in ciò che era “essenziale” per esso, la creazione di segni su una superficie piana.
Il lavoro di Jackson Pollock ha sempre polarizzato i critici. Harold Rosenberg ha parlato della trasformazione della pittura in un dramma esistenziale nell’opera di Pollock, in cui “ciò che doveva andare sulla tela non era un quadro ma un evento”. “Il grande momento arrivò quando fu deciso di dipingere ‘solo per dipingere’. Il gesto sulla tela era un gesto di liberazione dal valore politico, estetico, morale”.
Uno dei critici più vocalici dell’espressionismo astratto all’epoca era il critico d’arte del New York Times, John Canaday. Meyer Schapiro e Leo Steinberg insieme a Clement Greenberg e Harold Rosenberg sono stati importanti storici dell’arte del dopoguerra che hanno espresso sostegno per l’espressionismo astratto. Durante la prima metà degli anni ’60 i giovani critici d’arte Michael Fried, Rosalind Krauss e Robert Hughes aggiunsero considerevoli intuizioni sulla dialettica critica che continua a crescere attorno all’espressionismo astratto.
Storia:
Seconda guerra mondiale e il periodo post-bellico
Richard Pousette-Dart, Symphony No. 1, The Transcendental, 1941-42
Durante il periodo che portò avanti e durante la seconda guerra mondiale, artisti, scrittori e poeti modernisti, così come importanti collezionisti e mercanti, fuggirono dall’Europa e dall’assalto dei nazisti per un rifugio sicuro negli Stati Uniti. Molti di quelli che non sono fuggiti sono morti. Tra gli artisti e i collezionisti arrivati a New York durante la guerra (alcuni con l’aiuto di Varian Fry) c’erano Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger e Piet Mondrian. Alcuni artisti, in particolare Pablo Picasso, Henri Matisse e Pierre Bonnard rimasero in Francia e sopravvissero.
Il periodo postbellico lasciò le capitali dell’Europa in uno sconvolgimento, con l’urgenza di ricostruire economicamente e fisicamente e di riorganizzarsi politicamente. A Parigi, un tempo centro della cultura europea e capitale del mondo dell’arte, il clima per l’arte era un disastro e New York sostituì Parigi come il nuovo centro del mondo dell’arte. In Europa dopo la guerra ci fu la continuazione del Surrealismo, del Cubismo, del Dada e delle opere di Matisse. Anche in Europa, Art brut e Lyrical Abstraction o Tachisme (l’equivalente europeo di espressionismo astratto) si sono impadroniti della nuova generazione. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages e Jean Messagier, tra gli altri, sono considerati personaggi importanti della pittura europea del dopoguerra. Negli Stati Uniti, una nuova generazione di artisti americani ha cominciato ad emergere e a dominare il palcoscenico mondiale, e sono stati chiamati espressionisti astratti.
Gorky, Hofmann e Graham
Gli anni ’40 a New York annunciarono il trionfo dell’espressionismo americano astratto, un movimento modernista che univa le lezioni apprese da Henri Matisse, Pablo Picasso, Surrealismo, Joan Miró, Cubismo, Fauvismo e primo modernismo attraverso grandi maestri americani come Hans Hofmann da Germania e John D. Graham dall’Ucraina. L’influenza di Graham sull’arte americana nei primi anni ’40 era particolarmente visibile nel lavoro di Arshile Gorky, Willem de Kooning, Jackson Pollock e Richard Pousette-Dart, tra gli altri. I contributi di Gorky all’arte americana e mondiale sono difficili da sovrastimare. Il suo lavoro di astrazione lirica era un “nuovo linguaggio” che “apriva la strada a due generazioni di artisti americani”. La spontaneità pittorica di opere mature come “Il fegato è il pettine del gallo”, “Il fidanzamento II” e “Uno” Year the Milkweed “ha immediatamente prefigurato l’espressionismo astratto ei leader della New York School hanno riconosciuto la considerevole influenza di Gorky.Il primo lavoro di Hyman Bloom è stato anche influente.Gli artisti americani hanno anche beneficiato della presenza di Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst, e il gruppo di André Breton, la galleria di Pierre Matisse e la galleria di Peggy Guggenheim The Art of This Century, oltre ad altri fattori: Hans Hofmann in particolare come insegnante, mentore e artista era importante e influente per lo sviluppo e il successo dell’espressionismo astratto in negli Stati Uniti Tra i protetti di Hofmann c’era Clement Greenberg, che divenne una voce enormemente influente per la pittura americana, e tra i suoi studenti vi fu Lee Krasner, che introdusse la sua insegnante, Hofmann, a suo marito, Jackson Pollock.
Pollock e influenze astratte
Verso la fine degli anni ’40, l’approccio radicale alla pittura di Jackson Pollock rivoluzionò il potenziale di tutta l’arte contemporanea che lo seguì. In una certa misura, Pollock si rese conto che il viaggio verso la realizzazione di un’opera d’arte era importante quanto l’opera d’arte stessa. Come gli innovativi reinventamenti pittorici e scultorei di Pablo Picasso verso la fine del secolo scorso attraverso il cubismo e la scultura costruita, con influenze disparate come la sabbia di Navaho, il surrealismo, l’analisi junghiana e l’arte murale messicana, Pollock ridefinì ciò che era per produrre arte. Il suo allontanarsi dalla pittura da cavalletto e dalla convenzionalità è stato un segnale di liberazione per gli artisti della sua era e per tutto ciò che è venuto dopo. Gli artisti hanno capito che il processo di Jackson Pollock – il posizionamento di una tela grezza non appesa sul pavimento dove poteva essere attaccato da tutti e quattro i lati usando materiali d’artista e materiali industriali; matasse lineari di vernice gocciolavano e lanciavano; disegnare, macchiare, spazzolare; l’immaginario e il non-immaginario, essenzialmente, hanno preso l’arte al di là di ogni confine precedente. L’espressionismo astratto in generale ha ampliato e sviluppato le definizioni e le possibilità che gli artisti avevano a disposizione per la creazione di nuove opere d’arte.
Gli altri espressionisti astratti seguirono la svolta di Pollock con nuove scoperte. In un certo senso le innovazioni di Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos e altri hanno aperto le cateratte alla diversità e alla portata di tutta l’arte che li ha seguiti. I nuovi movimenti artistici degli anni ’60 seguirono essenzialmente la direzione dell’espressionismo astratto e in particolare le innovazioni di Pollock, De Kooning, Rothko, Hofmann, Reinhardt e Newman. I movimenti radicali anti-formalisti degli anni ’60 e ’70, tra cui Fluxus, Neo-Dada, l’arte concettuale e il movimento artistico femminista possono essere ricondotti alle innovazioni dell’espressionismo astratto. Le riletture nell’arte astratta, fatte da storici dell’arte come Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher mostrano criticamente, tuttavia, che le pioniere che hanno prodotto importanti innovazioni nell’arte moderna erano state ignorate dai resoconti ufficiali della sua storia, ma alla fine cominciò a ottenere un riconoscimento a lungo atteso sulla scia del movimento espressionista astratto degli anni ’40 e ’50. L’espressionismo astratto è emerso come un grande movimento artistico a New York negli anni ’50 e da allora in poi alcune importanti gallerie d’arte hanno iniziato a includere gli espressionisti astratti nelle mostre e come regolari nelle loro liste. Alcune di quelle importanti gallerie “uptown” includevano: la Charles Egan Gallery, la Sidney Janis Gallery, la Betty Parsons Gallery, la Kootz Gallery, la Tibor de Nagy Gallery, la Stable Gallery, la Leo Castelli Gallery e altre; e diverse gallerie del centro note all’epoca in quanto le gallerie della Tenth Street esibivano molti giovani artisti emergenti che lavoravano nella vena espressionista astratta.
Pittura d’azione
La pittura d’azione era uno stile molto diffuso dagli anni ’40 fino ai primi anni ’60, ed è strettamente associata all’espressionismo astratto (alcuni critici hanno usato i termini pittura d’azione e espressionismo astratto in modo intercambiabile). Spesso si fa un confronto tra la pittura d’azione americana e il tachisme francese.
Il termine fu coniato dal critico americano Harold Rosenberg nel 1952 e segnò un importante cambiamento nella prospettiva estetica dei pittori e dei critici della Scuola di New York. Secondo Rosenberg la tela era “un’arena in cui agire”. Mentre espressionisti astratti come Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning erano stati a lungo espliciti nella loro visione di un dipinto come un’arena entro cui fare i conti con l’atto della creazione, i primi critici simpatizzarono la loro causa, come Clement Greenberg, incentrato sulla “oggettività” delle loro opere. Per Greenberg, era la fisicità delle superfici coagulate e incrostate di olio che era la chiave per comprenderle come documenti della lotta esistenziale degli artisti.
La critica di Rosenberg spostò l’enfasi dall’oggetto alla lotta stessa, con il dipinto finito che era solo la manifestazione fisica, una sorta di residuo, della vera opera d’arte, che era nell’atto o nel processo della creazione del dipinto. Questa attività spontanea era l ‘”azione” del pittore, attraverso il movimento di braccia e polsi, gesti pittorici, pennellate, vernice gettata, schizzata, macchiata, sbucciata e gocciolava. A volte il pittore lasciava che la vernice gocciolasse sulla tela, mentre danzando ritmicamente, o persino stando in piedi nella tela, a volte lasciando che la pittura cadesse secondo la mente subconscia, lasciando così che la parte inconscia della psiche si affermasse e si esprimesse. Tutto ciò, tuttavia, è difficile da spiegare o interpretare perché è una presunta manifestazione inconscia dell’atto di pura creazione.
In pratica, il termine espressionismo astratto è applicato a qualsiasi numero di artisti che lavorano (per lo più) a New York, che avevano stili molto diversi e persino applicati a un lavoro che non è particolarmente astratto né espressionista. I dipinti energici di Pollock, con la loro “indaffarata” sensazione, sono diversi sia dal punto di vista tecnico che estetico, alla violenta e grottesca serie delle donne di Willem de Kooning. (Come visto sopra) La donna V fa parte di una serie di sei dipinti realizzati da de Kooning tra il 1950 e il 1953 che raffigurano una figura femminile di tre quarti. Iniziò il primo di questi dipinti, Donna I, collezione: il Museum of Modern Art di New York, nel giugno 1950, cambiando e dipingendo ripetutamente l’immagine fino a gennaio o febbraio del 1952, quando il dipinto fu abbandonato incompiuto. Lo storico dell’arte Meyer Schapiro ha visto il dipinto nello studio di de Kooning poco dopo e ha incoraggiato l’artista a persistere. La risposta di De Kooning fu di iniziare altri tre dipinti sullo stesso tema; Woman II, collezione: Museo di arte moderna, New York City, Donna III, Museo di arte contemporanea di Teheran, Donna IV, Museo d’arte Nelson-Atkins, Kansas City, Missouri. Durante l’estate del 1952, trascorsa a East Hampton, de Kooning esplorò ulteriormente il tema attraverso disegni e pastelli. Potrebbe aver finito di lavorare su Donna I entro la fine di giugno, o forse fino a novembre 1952, e probabilmente le altre tre foto femminili sono state concluse più o meno nello stesso periodo. Le serie Donna sono quadri decisamente figurativi.
Un altro artista importante è Franz Kline, come dimostra la sua pittura Numero 2 (1954) (vedi sopra). Come per Jackson Pollock e altri espressionisti astratti, Kline è stato etichettato come “pittore d’azione per il suo stile apparentemente spontaneo e intenso, concentrandosi di meno, o non del tutto, su figure o immagini, ma sulle reali pennellate e sull’uso della tela. la scrittura era un veicolo importante per i pittori d’azione Franz Kline (nei suoi dipinti in bianco e nero), Jackson Pollock, Mark Tobey e Cy Twombly, che utilizzavano gesti, superfici e linee per creare simboli lineari e calligrafici che assomigliano al linguaggio e risuonano come potenti manifestazioni dell’inconscio collettivo, Robert Motherwell nella sua serie Elegy to the Republic Republic dipinse anche potenti dipinti in bianco e nero usando gesti, superfici e simboli che evocavano potenti cariche emotive.
Nel frattempo, altri pittori d’azione, in particolare Willem de Kooning, Arshile Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell e James Brooks (vedi galleria) hanno usato immagini attraverso il paesaggio astratto o come visioni espressionistiche della figura per articolare le loro evocazioni altamente personali e potenti. I dipinti di James Brooks erano particolarmente poetici e molto preveggenti in relazione all’Astrazione Lirica che divenne importante tra la fine degli anni ’60 e gli anni ’70.
Campo di colore
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e i blocchi di colore serenamente scintillanti nel lavoro di Mark Rothko (che non è quello che di solito si chiamerebbe espressionista e che Rothko negava fosse astratto), sono classificati come espressionisti astratti, sebbene da ciò che Clement Greenberg definì il Direzione del campo di colore di espressionismo astratto. Sia Hans Hofmann (vedi galleria) che Robert Motherwell (galleria) possono essere comodamente descritti come professionisti della pittura d’azione e della pittura a colori. Negli anni ’40 l’immaginario costruito da Richard Pousette-Dart dipendeva spesso dai temi della mitologia e del misticismo; così come i dipinti di Adolph Gottlieb e Jackson Pollock in quel decennio.
La pittura di Field Field inizialmente si riferiva a un particolare tipo di espressionismo astratto, in particolare il lavoro di Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt e diverse serie di dipinti di Joan Miró. Il critico d’arte Clement Greenberg ha percepito la pittura di Colour Field come correlata ma diversa dalla pittura d’azione. I pittori dei Colour Field hanno cercato di liberare la loro arte dalla retorica superflua. Artisti come Robert Motherwell, Clyfford Still, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, e soprattutto Ad Reinhardt e Barnett Newman, il cui capolavoro Vir heroicus sublimis è nella collezione del MoMA, utilizzava riferimenti molto ridotti alla natura, e hanno dipinto con un uso molto articolato e psicologico del colore. In generale, questi artisti hanno eliminato immagini riconoscibili, nel caso in cui Rothko e Gottlieb a volte usavano il simbolo e il segno come sostituto delle immagini. Alcuni artisti citano riferimenti all’arte passata o presente, ma in generale la pittura sul campo dei colori presenta l’astrazione come fine a se stessa. Nel perseguire questa direzione dell’arte moderna, gli artisti hanno voluto presentare ogni dipinto come un’immagine unificata, coesa, monolitica.
In distinzione con l’energia emotiva e segni di superficie gestuale di espressionisti astratti come Jackson Pollock e Willem de Kooning, i pittori del Campo Colore inizialmente sembravano freschi e austeri, cancellando il marchio individuale in favore di ampie aree piatte di colore, che questi artisti considerati la natura essenziale dell’astrazione visiva, insieme alla forma reale della tela, che più tardi negli anni ’60 Frank Stella in particolare realizzò in modi insoliti con combinazioni di bordi curvi e diritti. Tuttavia la pittura Color Field ha dimostrato di essere sia sensuale che profondamente espressiva anche se in modo diverso dall’espressionismo gestuale astratto.
Sebbene l’espressionismo astratto si diffondesse rapidamente in tutti gli Stati Uniti, i centri principali di questo stile furono New York City e California, in particolare nella New York School e nell’area della Baia di San Francisco. Le pitture espressioniste astratte condividono alcune caratteristiche, tra cui l’uso di grandi tele, un approccio “all-over”, in cui l’intera tela viene trattata con uguale importanza (in contrapposizione al fatto che il centro è più interessante dei bordi). La tela come arena divenne un credo della pittura d’azione, mentre l’integrità del piano pittorico divenne un credo dei pittori del campo di colore. Artisti più giovani hanno iniziato ad esporre i loro dipinti espressionisti astratti negli anni ’50, tra cui Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas e Robert Goodnough tra gli altri .
Sebbene Pollock sia strettamente associato a Action Painting a causa del suo stile, della sua tecnica, del suo tocco pittorico e della sua applicazione fisica della pittura, i critici d’arte hanno paragonato Pollock sia alla pittura Action che alla pittura a colori. Un altro punto di vista critico avanzato da Clement Greenberg collega le tele all-over di Pollock ai grandi gigli d’acqua di Claude Monet realizzati negli anni ’20. Greenberg, il critico d’arte Michael Fried, e altri hanno osservato che il sentimento generale nelle opere più famose di Pollock – i suoi dipinti a goccia – leggeva come vasti campi di elementi lineari costruiti leggendo spesso come vasti complessi di simili matasse colorate che si leggono dappertutto campi di colore e disegno, e sono collegati ai Monets in ritardo di dimensioni murali che sono costituiti da molti passaggi di segni ravvicinati, spazzolati e sbrecciati, che leggono anche come campi di colore e disegno vicini valorizzati utilizzati da Monet nella costruzione delle superfici dell’immagine. L’uso della composizione all-over di Pollock conferisce una connessione filosofica e fisica al modo in cui i pittori dei campi di colore come Newman, Rothko e Still costruiscono le loro superfici rotte ininterrotte e nel caso di Still. In diversi dipinti che Pollock dipinse dopo il suo classico periodo di pittura a goccia del 1947-1950, usò la tecnica di colorare la pittura ad olio fluido e la pittura di casa su tela grezza. Nel 1951 realizzò una serie di pitture a macchie nere semi-figurative e nel 1952 produsse pitture a macchie usando il colore. Nella sua mostra del novembre 1952 alla Sidney Janis Gallery di New York, Pollock mostrò il Numero 12 del 1952, una grande pittura magica che assomiglia a un paesaggio macchiato dai colori vivaci (con una sovrapposizione di vernice scura di grosse gocce); il dipinto è stato acquisito dalla mostra di Nelson Rockefeller per la sua collezione personale. Nel 1960 il dipinto fu gravemente danneggiato da un incendio nella Governors Mansion di Albany, che danneggiò anche gravemente un dipinto di Arshile Gorky e diversi altri lavori della collezione Rockefeller. Tuttavia, nel 1999 era stato restaurato e installato ad Albany Mall.
Mentre Arshile Gorky è considerato uno dei padri fondatori dell’espressionismo astratto e di un surrealista, è stato anche uno dei primi pittori della Scuola di New York a utilizzare la tecnica della colorazione. Gorky creò vasti campi di colori vivaci, aperti e ininterrotti che usò in molti dei suoi dipinti come motivi. Nei dipinti più efficaci e realizzati di Gorky tra il 1941 e il 1948, ha sempre usato intensi campi di colori macchiati, lasciando spesso scorrere e gocciolare la pittura, sotto e attorno al suo lessico familiare di forme organiche e biomorfe e linee delicate. Un altro espressionista astratto le cui opere negli anni ’40 ricordano le pitture a macchie degli anni ’60 e ’70 è James Brooks. Brooks usava regolarmente la macchia come tecnica nei suoi dipinti dalla fine degli anni ’40. Brooks iniziò a diluire la pittura ad olio per avere colori fluidi con cui versare e gocciolare e macchiare la tela prevalentemente grezza che usava. Queste opere spesso combinavano calligrafia e forme astratte. Durante gli ultimi tre decenni della sua carriera, lo stile dell’espressionismo astratto brillante su larga scala di Sam Francis era strettamente associato alla pittura sul campo del colore. I suoi dipinti erano a cavallo di entrambi i campi all’interno della rubrica espressionista astratta, della pittura d’azione e della pittura a colori.
Dopo aver visto i dipinti di Jackson Pollock del 1951 dipinti a olio nero diluito macchiati su tela grezza, nel 1952 Helen Frankenthaler iniziò a produrre dipinti a macchie con colori a olio vari su tela grezza. Il suo dipinto più famoso di quel periodo è Monti e Mare (vedi sotto). È una delle creatrici del movimento Color Field emerso alla fine degli anni ’50. Frankenthaler ha anche studiato con Hans Hofmann. I dipinti di Hofmann sono una sinfonia di colori come si vede in The Gate, 1959-1960. Hofmann era famoso non solo come artista ma anche come insegnante d’arte, sia nella natia Germania che negli Stati Uniti. Hans Hofmann, arrivato negli Stati Uniti dalla Germania nei primi anni ’30, portò con sé l’eredità del Modernismo. Hofmann era un giovane artista che lavorava a Parigi che vi dipinse prima della prima guerra mondiale. Hofmann lavorò a Parigi con Robert Delaunay, e conosceva in prima persona l’opera innovativa di Pablo Picasso e Henri Matisse. Il lavoro di Matisse ha avuto un’influenza enorme su di lui e sulla sua comprensione del linguaggio espressivo del colore e della potenzialità dell’astrazione. Hofmann fu uno dei primi teorici della pittura a colori, e le sue teorie furono influenti per gli artisti e per i critici, in particolare per Clement Greenberg, così come per altri durante gli anni Trenta e Quaranta. Nel 1953 Morris Louis e Kenneth Noland furono profondamente influenzati dalle pitture di Helen Frankenthaler dopo aver visitato il suo studio a New York City. Returning to Washington, DC., they began to produce the major works that created the color field movement in the late 1950s.
In the 1960s after abstract expressionism
In abstract painting during the 1950s and 1960s, several new directions, like the Hard-edge painting exemplified by John McLaughlin, emerged. Meanwhile, as a reaction against the subjectivism of Abstract expressionism, other forms of Geometric abstraction began to appear in artist studios and in radical avant-garde circles. Clement Greenberg became the voice of Post-painterly abstraction; by curating an influential exhibition of new painting that toured important art museums throughout the United States in 1964. Color field painting, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction emerged as radical new directions.
Abstract expressionism and the Cold War:
Since the mid-1970s it has been argued by revisionist historians that the style attracted the attention, in the early 1950s, of the CIA, who saw it as representative of the USA as a haven of free thought and free markets, as well as a challenge to both the socialist realist styles prevalent in communist nations and the dominance of the European art markets. The book by Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters, (published in the UK as Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) details how the CIA financed and organized the promotion of American abstract expressionists as part of cultural imperialism via the Congress for Cultural Freedom from 1950 to 1967. Notably Robert Motherwell’s series Elegy to the Spanish Republic addressed some of those political issues. Tom Braden, founding chief of the CIA’s International Organizations Division (IOD) and ex-executive secretary of the Museum of Modern Art said in an interview, “I think it was the most important division that the agency had, and I think that it played an enormous role in the Cold War.”
Against this revisionist tradition, an essay by Michael Kimmelman, chief art critic of The New York Times, called Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, argues that much of this information (as well as the revisionists’ interpretation of it) concerning what was happening on the American art scene during the 1940s and 50s is flatly false, or at best (contrary to the revisionists’ avowed historiographic principles) decontextualized. Other books on the subject include Art in the Cold War by Christine Lindey, which also describes the art of the Soviet Union at the same time; and Pollock and After edited by Francis Frascina, which reprinted the Kimmelman article.
Consequences:
Canadian painter Jean-Paul Riopelle (1923–2002), a member of the Montreal-based surrealist-inspired group Les Automatistes, helped introduce a related style of abstract impressionism to the Parisian art world from 1949. Michel Tapié’s groundbreaking book, Un Art Autre (1952), was also enormously influential in this regard. Tapié was also a curator and exhibition organizer who promoted the works of Pollock and Hans Hofmann in Europe. By the 1960s, the movement’s initial affect had been assimilated, yet its methods and proponents remained highly influential in art, affecting profoundly the work of many artists who followed. Abstract expressionism preceded Tachisme, Color Field painting, Lyrical Abstraction, Fluxus, Pop Art, Minimalism, Postminimalism, Neo-expressionism, and the other movements of the sixties and seventies and it influenced all those later movements that evolved. Movements which were direct responses to, and rebellions against abstract expressionism began with Hard-edge painting (Frank Stella, Robert Indiana and others) and Pop artists, notably Andy Warhol, Claes Oldenburg and Roy Lichtenstein who achieved prominence in the US, accompanied by Richard Hamilton in Britain. Robert Rauschenberg and Jasper Johns in the US formed a bridge between abstract expressionism and Pop art. Minimalism was exemplified by artists such as Donald Judd, Robert Mangold and Agnes Martin.
However, many painters, such as Jules Olitski, Joan Mitchell and Antoni Tàpies continued to work in the abstract expressionist style for many years, extending and expanding its visual and philosophical implications, as many abstract artists continue to do today, in styles described as Lyrical Abstraction, Neo-expressionist and others.
In the years after World War II, a group of New York artists started one of the first true schools of artists in America, bringing about a new era in American artwork: abstract expressionism. This led to the American art boom that brought about styles such as Pop Art. This also helped to make New York into a cultural and artistic hub.
Abstract expressionist value expression over perfection, vitality over finish, fluctuation over repose, the unknown over the known, the veiled over the clear, the individual over society and the inner over the outer.