सार अभिव्यक्तिवाद ने अमेरिकी चित्रकला में एक आंदोलन पर लागू किया जो 1940 और 1950 के दशक में पनपा, कभी-कभी न्यूयॉर्क स्कूल के रूप में संदर्भित किया जाता है या, बहुत संकीर्ण रूप से, एक्शन प्लानिंग के रूप में, हालांकि यह पहली बार 1929 में वासिली कैंडेस्की के काम के संबंध में गढ़ा गया था। 1940 के दशक से न्यूयॉर्क में सक्रिय कलाकारों की पीढ़ी के काम और सार अभिव्यक्ति के रूप में माना जाता है कि परिभाषा एक एकजुट शैली के रूप में विरोध करती है; वे बार्नेट न्यूमैन के रंग के अखंड क्षेत्रों से लेकर विल्म डी कूनिंग की हिंसक से निपटने के आंकड़े से संबंधित हैं, वे एक चिंता से जुड़े थे जो अमूर्त की बदलती डिग्री के साथ मजबूत भावनात्मक या अभिव्यंजक सामग्री को व्यक्त करने के लिए उपयोग किया जाता था, हालांकि यह शब्द मुख्य रूप से चित्रकारों के एक छोटे से नाभिक को दर्शाता है। , सार अभिव्यक्तिवादी गुणों को डेविड स्मिथ, इब्रम लासाव और अन्य लोगों की मूर्तिकला, आरोन सिसिंड की फोटोग्राफी और मार्क टोबी की पेंटिंग में देखा जा सकता है, साथ ही ब्रैड वाकर टोमलिन और ली कसनर जैसे कम प्रसिद्ध कलाकारों के काम में भी देखा जा सकता है। हालांकि, अधिकांश सार अभिव्यक्तिवादियों ने महत्वपूर्ण लेबल को खारिज कर दिया और साझा किया, अगर कुछ भी, केवल नैतिक उद्देश्य और अपने समाज से अलगाव की भावना

सार अभिव्यक्तिवाद अमेरिकी चित्रकला में द्वितीय विश्व युद्ध के बाद का कला आंदोलन है, जिसे 1940 के दशक में न्यूयॉर्क में विकसित किया गया था। यह अंतरराष्ट्रीय प्रभाव को प्राप्त करने के लिए पहला विशेष रूप से अमेरिकी आंदोलन था और न्यूयॉर्क शहर को पश्चिमी कला की दुनिया के केंद्र में रखा गया था, जो पहले पेरिस द्वारा भरी गई भूमिका थी। हालांकि सार अभिव्यक्ति को पहली बार अमेरिकी कला में 1946 में कला समीक्षक रॉबर्ट कोट्स ने लागू किया था, लेकिन जर्मनी में 1919 में जर्मन अभिव्यक्ति के बारे में पत्रिका डेर स्टर्म में इसका पहली बार उपयोग किया गया था। संयुक्त राज्य अमेरिका में, अल्फ्रेड बरार पहली बार 1929 में वासिली कैंडिंस्की द्वारा काम करने के संबंध में इस शब्द का उपयोग किया गया था।

अंदाज:
तकनीकी रूप से, एक महत्वपूर्ण पूर्ववर्ती सर्पिलवाद है, जो सहज, स्वचालित या अवचेतन निर्माण पर जोर देता है। फर्श पर रखे कैनवस पर जैक्सन पोलक का टपकना पेंट एक ऐसी तकनीक है जिसकी जड़ें एंड्रे मेसन, मैक्स अर्न्स्ट और डेविड अल्फारो सिकिरोस के काम में हैं। नए शोध में कलाकार और सिद्धांतकार की स्थिति में निर्वासन-सर्फ़र वुल्फगैंग पैलेन को रखा गया है, जिन्होंने अपने चित्रों और अपनी पत्रिका DYN के माध्यम से दर्शक-निर्भर संभावना स्थान के सिद्धांत को बढ़ावा दिया। पैलेन ने क्वांटम यांत्रिकी के विचारों पर विचार किया, साथ ही साथ टोटेमिक दृष्टि और ब्रिटिश कोलंबिया से देशी-भारतीय चित्रकला की स्थानिक संरचना की सुस्पष्ट व्याख्या की और युवा अमेरिकी अमूर्त की नई स्थानिक दृष्टि के लिए जमीन तैयार की। उनके लंबे निबंध टोटेम आर्ट (1943) का मार्था ग्राहम, इसामु नोगुची, जैक्सन पोलक, मार्क रोथको और बार्नेट न्यूमैन जैसे कलाकारों पर काफी प्रभाव था। लगभग 1944 में बार्नेट न्यूमैन ने अमेरिका के नवीनतम कला आंदोलन को समझाने की कोशिश की और “नए आंदोलन में पुरुषों” की एक सूची शामिल की। पैलेन का दो बार उल्लेख किया गया है; अन्य कलाकारों में गोटलिब, रोथको, पोलक, हॉफमैन, बज़ियोट्स, गोर्की और अन्य शामिल हैं। मदरवेल का उल्लेख प्रश्न चिह्न के साथ किया गया है। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के बारे में एक और महत्वपूर्ण प्रारंभिक अभिव्यक्ति अमेरिकी नॉर्थवेस्ट कलाकार मार्क टोबी का काम है, विशेष रूप से उनके “सफेद लेखन” कैनवस, जो आमतौर पर बड़े पैमाने पर नहीं होते हैं, पोलक के ड्रिप चित्रों के “ऑल-ओवर” लुक का अनुमान लगाते हैं। ।

आंदोलन का नाम जर्मन एक्सप्रेशनिस्टों की भावनात्मक तीव्रता और आत्म-इनकार के संयोजन से बना है, जो कि यूरोपीय अमूर्त स्कूलों जैसे कि फ्यूचरिज्म, बॉहॉस और सिंथेटिक क्यूबिज्म के अलंकारिक सौंदर्यबोध के साथ है। इसके अतिरिक्त, इसमें विद्रोही, अराजक, अत्यधिक मूर्खतापूर्ण और, कुछ लगता है, शून्यवादी होने की छवि है। व्यवहार में, यह शब्द न्यूयॉर्क में काम करने वाले किसी भी कलाकार (ज्यादातर) पर लागू होता है, जिनकी शैली काफी अलग थी, और यहां तक ​​कि काम करने के लिए जो न तो विशेष रूप से अमूर्त है और न ही अभिव्यक्तिवादी है। कैलिफ़ोर्निया एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट जे। मेउसर, जो आमतौर पर गैर-उद्देश्य शैली में चित्रित करते हैं, ने अपनी पेंटिंग घोड़ी नोस्ट्रम के बारे में लिखा, “समुद्र की शानदार आत्मा पर कब्जा करने से बेहतर है कि इसके सभी छोटे तरंगों को चित्रित किया जाए।” पोलक की ऊर्जावान “एक्शन पेंटिंग्स”, उनके “व्यस्त” अनुभव के साथ, दोनों अलग-अलग हैं, तकनीकी रूप से और सौंदर्यशास्त्रीय रूप से, विलेम डी कूनिंग की आलंकारिक चित्रों की हिंसक और ग्रोटकेस महिला श्रृंखला से और मार्क रोथको के कलर फील्ड चित्रों में रंग की आयतें (जो कि नहीं हैं) क्या आम तौर पर अभिव्यक्तिवादी कहा जाएगा, और जो रोथको ने इनकार किया था) सार थे। फिर भी सभी चार कलाकारों को अमूर्त अभिव्यक्तिवादी के रूप में वर्गीकृत किया गया है।

सार अभिव्यक्तिवाद के शुरुआती 20 वीं शताब्दी के रूसी कलाकारों में कई शैलीगत समानताएं हैं जैसे वासिली कैंडिंस्की। हालांकि यह सच है कि सहजता या सहजता की छाप ने अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के कई कामों की विशेषता बताई, इनमें से अधिकांश चित्रों में सावधानीपूर्वक नियोजन शामिल था, खासकर जब से उनके बड़े आकार ने इसकी मांग की। पॉल क्ले, वासिली कैंडिंस्की, एम्मा कुंज जैसे कलाकारों और बाद में रोथको, बार्नेट न्यूमैन और एग्नेस मार्टिन जैसे कलाकारों के साथ, अमूर्त कला ने आध्यात्मिक, अचेतन और मन के विषय में विचारों की स्पष्ट रूप से अभिव्यक्ति की।

1950 के दशक में इस शैली को मुख्यधारा की स्वीकृति क्यों मिली, यह बहस का विषय है। 1930 के दशक में अमेरिकी सामाजिक यथार्थवाद मुख्यधारा था। यह न केवल महामंदी से प्रभावित था, बल्कि मैक्सिको के भित्ति-चित्रकारों जैसे डेविड अल्फारो सिकीरोस और डिएगो रिवेरा से भी प्रभावित था। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद की राजनीतिक जलवायु इन चित्रकारों के सामाजिक विरोध को लंबे समय तक सहन नहीं कर पाई। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान सार अभिव्यक्ति उत्पन्न हुई और न्यूयॉर्क में दीर्घाओं में प्रारंभिक शताब्दी के दौरान इस कला की गैलरी के रूप में प्रदर्शित की जाने लगी। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद मैक्कार्थी युग संयुक्त राज्य अमेरिका में कलात्मक सेंसरशिप का समय था, लेकिन यदि विषय पूरी तरह से अमूर्त था, तो इसे राजनीतिक रूप से देखा जाएगा, और इसलिए यह सुरक्षित है। या अगर कला राजनीतिक थी, तो संदेश काफी हद तक अंदरूनी लोगों के लिए था।

जबकि आंदोलन चित्रकला के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है, और चित्रकार जैसे अर्शील गोर्की, फ्रांज क्लाइन, क्लाइफर्ड स्टिल, हैंस हॉफमैन, विलेम डी कूनिंग, जैक्सन पोलक, और अन्य, विशेष रूप से कोलाजिस्ट ऐनी रयान और कुछ मूर्तिकार भी अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के अभिन्न अंग थे। डेविड स्मिथ, और उनकी पत्नी डोरोथी डेहनेर, हर्बर्ट फेरर, इसामु नोगुची, इब्रम लासाव, थियोडोर रोसज़क, फिलिप पाविया, मैरी सेलर, रिचर्ड स्टैंकिविज़, लुईस बुर्जुआ और लुईस नेवेलसन विशेष रूप से मूर्तिकारों में से कुछ थे जिन्हें महत्वपूर्ण सदस्य माना जाता था। आंदोलन। इसके अलावा, कलाकार डेविड हरे, जॉन चेम्बरलेन, जेम्स रोसती, मार्क डी सुवरो, और मूर्तिकारों रिचर्ड लिपोल्ड, राउल हेग, जॉर्ज रिके, रूबेन नेकियन, और यहां तक ​​कि टोनी स्मिथ, सीमन लिपटन, जोसेफ कॉर्नेल, और कई अन्य लोग अभिन्न अंग थे। अमूर्त अभिव्यक्तिवादी आंदोलन। सूचीबद्ध कई मूर्तिकारों ने नौवें स्ट्रीट शो में भाग लिया, 1951 में न्यूयॉर्क सिटी में ईस्ट नाइंथ स्ट्रीट पर लियो कैस्टेलि द्वारा क्यूरेट की गई एक प्रसिद्ध प्रदर्शनी। इस अवधि के चित्रकारों और मूर्तिकारों के अलावा न्यूयॉर्क स्कूल ऑफ़ एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज़्म ने भी कई संख्याएँ उत्पन्न कीं। फ्रैंक ओ’हारा और एरॉन सिसिंड और फ्रेड मैकडाराह जैसे फोटोग्राफर, (जिनकी किताब द आर्टिस्ट्स वर्ल्ड इन पिक्चर्स ने 1950 के दशक के दौरान न्यूयॉर्क स्कूल का दस्तावेजीकरण किया) और फिल्म निर्माताओं-विशेष रूप से रॉबर्ट फ्रैंक-जैसे कलाकारों के साथ-साथ सहायक कवियों ने भी।

यद्यपि अमूर्त अभिव्यक्तिवादी स्कूल पूरे संयुक्त राज्य अमेरिका में तेजी से फैल गया, इस शैली के प्रमुख केंद्र न्यूयॉर्क शहर और कैलिफोर्निया के सैन फ्रांसिस्को खाड़ी क्षेत्र थे।

कला समीक्षक:
1940 के दशक में न केवल कुछ गैलरी (द आर्ट ऑफ दिस सेंचुरी, पियरे मैटिस गैलरी, जूलियन लेवी गैलरी और कुछ अन्य) थे, बल्कि कुछ आलोचक भी थे जो न्यूयॉर्क मोहरा के काम का पालन करने के इच्छुक थे। साहित्यिक पृष्ठभूमि वाले कुछ कलाकार भी थे, उनमें रॉबर्ट मदरवेल और बार्नेट न्यूमैन भी थे, जिन्होंने आलोचकों के रूप में भी काम किया।

जबकि न्यूयॉर्क और दुनिया 1940 के दशक के उत्तरार्ध में न्यूयॉर्क अवंत-उद्यान से अभी तक अपरिचित थे, अधिकांश कलाकार जो आज घरेलू नाम बन चुके हैं, उनके अच्छे संरक्षक आलोचक थे: क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने जैक्सन पोलक और रंग क्षेत्र के चित्रकारों की वकालत की क्लाइफ़र्ड स्टिल, मार्क रोथको, बार्नेट न्यूमैन, एडोल्फ गोटलिब और हंस हॉफमैन; हेरोल्ड रोसेनबर्ग एक्शन चित्रकारों जैसे कि विलेम डी कूनिंग और फ्रांज क्लाइन को पसंद करते थे, साथ ही साथ अर्शाइल गोर्की के सेमिनल चित्रों को भी पसंद करते थे; ARTnews के प्रबंध संपादक थॉमस बी हेस ने विलेम डी कूनिंग को चैंपियन बनाया।

नए आलोचकों ने अन्य कलाकारों को “अनुयायियों” के रूप में प्रस्तुत करके या उन लोगों की अनदेखी करके उनके विरोध को बढ़ा दिया, जिन्होंने अपने प्रचार लक्ष्य को पूरा नहीं किया।

1958 में, मार्क टोबे व्हिस्लर (1895) के बाद से वेनिस बिएनले में शीर्ष पुरस्कार जीतने वाले पहले अमेरिकी चित्रकार बने।

अपटाउन ग्रुप के दिवंगत सदस्य बार्नेट न्यूमैन ने कैटलॉग फॉरवर्ड और रिव्यू लिखे और 1940 के दशक के अंत तक बेट्टी पार्सन्स गैलरी में एक प्रदर्शनकारी कलाकार बन गए। उनका पहला एकल शो 1948 में था। अपनी पहली प्रदर्शनी के तुरंत बाद, बार्नेट न्यूमैन ने स्टूडियो 35 में कलाकारों के सत्रों में से एक में टिप्पणी की: “हम अपनी छवि में, एक निश्चित सीमा तक, दुनिया को बनाने की प्रक्रिया में हैं।” अपने लेखन कौशल का उपयोग करते हुए, न्यूमैन ने एक कलाकार के रूप में अपनी नई स्थापित छवि को मजबूत करने और अपने काम को बढ़ावा देने के लिए हर कदम पर संघर्ष किया। एक उदाहरण 9 अप्रैल, 1955 को उनका पत्र है, “लेटर टू सिडनी जेनिस: – यह सच है कि रोथको सेनानी से बात करता है। वह लड़ता है, हालाँकि, उसे दुनिया को सौंपना है। बुर्जुआ समाज के खिलाफ मेरा संघर्ष कुल अस्वीकृति में शामिल है। यह। ”

इस शैली को बढ़ावा देने के लिए सबसे अजीब व्यक्ति के बारे में सोचा था कि वह न्यूयॉर्क ट्रॉट्सकी था; क्लेमेंट ग्रीनबर्ग। पार्टिसन रिव्यू और द नेशन के लिए लंबे समय तक कला समीक्षक के रूप में, वह अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के शुरुआती और साक्षर प्रस्तावक बने। सुप्रसिद्ध कलाकार रॉबर्ट मदवेल ग्रीनबर्ग में एक शैली को बढ़ावा देने में शामिल हुए, जो राजनीतिक जलवायु और युग के बौद्धिक विद्रोह के लिए उपयुक्त है।

क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने सार अभिव्यक्तिवाद और जैक्सन पोलक को विशेष रूप से सौंदर्य मूल्य के प्रतीक के रूप में घोषित किया। उन्होंने औपचारिक दिनों में पोलक के काम का समर्थन किया, क्योंकि यह अपने दिन की सबसे अच्छी पेंटिंग थी और एक कला परंपरा की परिणति के लिए क्यूबिज़्म और सेज़ेन से मोनेट तक जा रही थी, जिसमें पेंटिंग कभी ‘-पुर’ बन गई थी और जो ‘आवश्यक’ के लिए अधिक केंद्रित थी। यह, एक सपाट सतह पर निशान बनाना।

जैक्सन पोलक के काम ने हमेशा आलोचकों का ध्रुवीकरण किया है। हेरोल्ड रोसेनबर्ग ने पोलक के काम में पेंटिंग को एक अस्तित्ववादी नाटक में बदलने की बात कही, जिसमें “कैनवास पर जाने के लिए चित्र नहीं बल्कि एक घटना थी”। “बड़ा क्षण तब आया जब ‘सिर्फ पेंट करने’ का फैसला किया गया। कैनवास पर इशारा मूल्य-राजनीतिक, सौंदर्यवादी, नैतिकता से मुक्ति का इशारा था।”

उस समय अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के सबसे मुखर आलोचकों में से एक न्यूयॉर्क टाइम्स के कला समीक्षक जॉन कैनाडे थे। क्लेयर ग्रीनबर्ग और हेरोल्ड रोसेनबर्ग के साथ मेयर शापिरो और लियो स्टीनबर्ग युद्ध के बाद के युग के महत्वपूर्ण कला इतिहासकार थे जिन्होंने अमूर्त अभिव्यक्ति के लिए समर्थन का समर्थन किया था। शुरुआती साठ के दशक के मध्य के दौरान युवा कला समीक्षक माइकल फ्राइड, रोज़ालिंड क्रूस और रॉबर्ट ह्यूजेस ने आलोचनात्मक द्वंद्वात्मकता में काफी अंतर्दृष्टि जोड़ दी, जो अमूर्त अभिव्यक्ति के आसपास बढ़ती रहती है।

इतिहास:
द्वितीय विश्व युद्ध और युद्ध के बाद की अवधि

रिचर्ड पसेट-डार्ट, सिम्फनी नंबर 1, द ट्रान्सेंडैंटल, 1941–42
द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान और उसके दौरान, आधुनिकतावादी कलाकार, लेखक और कवि, साथ ही महत्वपूर्ण कलेक्टर और डीलर, यूरोप भाग गए और संयुक्त राज्य अमेरिका में सुरक्षित ठिकाने के लिए नाजियों के हमले से बच गए। जो लोग भाग नहीं गए उनमें से कई नाश नहीं हुए। युद्ध के दौरान न्यूयॉर्क पहुंचे कुछ कलाकारों और संग्राहकों में (वेरियन फ्राई की मदद से) हांस नामुथ, यवेस तुंगुई, के सेज, मैक्स अर्न्स्ट, जिमी अर्नस्ट, पैगी गुगेनहेम, लियो कैस्टेलि, मार्सेल ड्युचम्प, आंद्रे मेसन, रॉबर्टो थे। मटका, आंद्रे ब्रेटन, मार्क चैगल, जैक्स लिप्टिट्ज़, फर्नांड लेगर और पीट मोंड्रियन। कुछ कलाकार, विशेष रूप से पाब्लो पिकासो, हेनरी मैटिस और पियरे बोनार्ड फ्रांस में बने रहे और बच गए।

युद्ध के बाद की अवधि ने यूरोप की राजधानियों को उथल-पुथल में छोड़ दिया, आर्थिक और शारीरिक रूप से पुनर्निर्माण करने और राजनीतिक रूप से फिर से संगठित होने की तत्काल आवश्यकता के साथ। पेरिस में, पूर्व में यूरोपीय संस्कृति का केंद्र और कला की दुनिया की राजधानी, कला के लिए जलवायु एक आपदा थी, और न्यूयॉर्क ने कला की दुनिया के नए केंद्र के रूप में पेरिस को बदल दिया। युद्ध के बाद यूरोप में अतियथार्थवाद, घिनौनापन, दादा, और मैटिस के कार्यों का सिलसिला जारी था। इसके अलावा यूरोप में, आर्ट ब्रुत और लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन या टैचिज्म (एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशन के समतुल्य) ने सबसे नई पीढ़ी को पकड़ लिया। सर्ज पोलीकॉफ, निकोलस डी स्टैल, जॉर्जेस मैथ्यू, विएरा डा सिल्वा, जीन डबफेट, यवेस क्लेन, पियरे सोलजेज और जीन मेसागियर, युद्ध के बाद की यूरोपीय चित्रकला के अन्य महत्वपूर्ण व्यक्ति माने जाते हैं। संयुक्त राज्य में, अमेरिकी कलाकारों की एक नई पीढ़ी उभरने लगी और दुनिया के मंच पर हावी होने लगी, और उन्हें अमूर्त अभिव्यक्तिवादी कहा जाने लगा।

गोर्की, हॉफमैन और ग्राहम
न्यूयॉर्क सिटी में 1940 के दशक में अमेरिकी सार अभिव्यक्तिवाद की जीत हुई, एक आधुनिकतावादी आंदोलन जिसने हेनरी मैटिस, पाब्लो पिकासो, अतियथार्थवाद, जोआन मिरो, क्यूबिज़्म, फासिज्म, और अमेरिका में महान शिक्षकों जैसे हंस हॉस्पमैन से शुरुआती आधुनिकतावाद सीखा। यूक्रेन से जर्मनी और जॉन डी। ग्राहम। 1940 के दशक की शुरुआत में अमेरिकी कला पर ग्राहम का प्रभाव विशेष रूप से अर्शीले गोर्की, विलेम डी कूनिंग, जैक्सन पोलक और रिचर्ड पैसेट-डार्ट के कार्यों में दिखाई देता था। अमेरिकी और विश्व कला में गोर्की के योगदान को कम करना मुश्किल है। गीतात्मक अमूर्त के रूप में उनका काम एक “नई भाषा” था। उन्होंने “अमेरिकी कलाकारों की दो पीढ़ियों के लिए मार्ग प्रज्ज्वलित किया”। “द लिवर इज द कॉकस कॉम्ब”, “द बेट्रोट्रॉफ़ द्वितीय”, और “वन” जैसी परिपक्व कृतियों की चित्रमय सहजता है। ईयर द मिल्कवेड “ने तुरंत सार अभिव्यक्ति को प्राथमिकता दी, और न्यूयॉर्क स्कूल में नेताओं ने गोर्क के काफी प्रभाव को स्वीकार किया है। हाइमन ब्लूम का शुरुआती काम भी प्रभावशाली था। अमेरिकी कलाकारों को पिएटियन लेबरियन, फर्नांड लेगर, मैक्स अर्न्स्ट और की उपस्थिति से भी फायदा हुआ। एंड्रे ब्रेटन समूह, पियरे मैटिस की गैलरी, और पेगी गुगेनहेम की गैलरी द आर्ट ऑफ दिस सेंचुरी, साथ ही अन्य कारक। विशेष रूप से शिक्षक, संरक्षक और कलाकार के रूप में हंस हॉफमैन, दोनों ही महत्वपूर्ण और प्रभावशाली और अभिव्यक्ति अभिव्यक्ति के विकास और सफलता के लिए प्रभावशाली थे। संयुक्त राज्य अमेरिका में। हॉफमैन के विरोध में क्लेमेंट ग्रीनबर्ग थे, जो अमेरिकी चित्रकला के लिए एक बहुत ही प्रभावशाली आवाज बन गए थे, और उनके छात्रों में ली कसनर थे, जिन्होंने पेश किया उसके शिक्षक, हॉफमैन, अपने पति, जैक्सन पोलक के पास।

पोलक और सार प्रभाव
1940 के दशक के उत्तरार्ध के दौरान, पेंटिंग के लिए जैक्सन पोलक के कट्टरपंथी दृष्टिकोण ने उसके बाद होने वाली सभी समकालीन कला की क्षमता में क्रांति ला दी। कुछ हद तक, पोलक ने महसूस किया कि कला का काम करने की ओर यात्रा उतना ही महत्वपूर्ण है जितना कि कला का काम। क्यूबाई के माध्यम से सदी के मोड़ के पास पेंटिंग और मूर्तिकला के पाब्लो पिकासो के अभिनव पुनर्निवेश की तरह और नवनिर्मित रेत चित्रों, अतियथार्थवाद, जुंगियन विश्लेषण और मैक्सिकन भित्ति कला के रूप में असमान के रूप में प्रभाव के साथ, कला का उत्पादन करने के लिए पोलॉक ने फिर से परिभाषित किया। चित्रफलक चित्रकला और पारंपरिकता से दूर उनका कदम अपने युग के कलाकारों और उसके बाद आने वाले सभी के लिए एक मुक्त संकेत था। कलाकारों ने महसूस किया कि जैक्सन पोलक की प्रक्रिया – बिना फर्श के कच्चे कच्चे कैनवास को रखना जहाँ कलाकार सामग्री और औद्योगिक सामग्री का उपयोग करके चारों तरफ से हमला किया जा सकता है; पेंट के रैखिक कंकाल ड्रिप और फेंक दिए गए; ड्राइंग, धुंधला हो जाना, ब्रश करना; कल्पना और गैर-कल्पना – अनिवार्य रूप से कला-निर्माण को किसी भी पूर्व सीमा से परे ले गए। सामान्य रूप से सार अभिव्यक्तिवाद ने कला की नई रचनाओं के निर्माण के लिए कलाकारों द्वारा उपलब्ध परिभाषाओं और संभावनाओं का विस्तार और विकास किया।

दूसरे अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों ने पोलक की सफलता के बाद अपनी खुद की नई सफलताओं के साथ काम किया। एक अर्थ में जैक्सन पोलक, विलेम डी कूनिंग, फ्रांज क्लाइन, मार्क रोथको, फिलिप गुस्टन, हंस हॉफमैन, क्लाइफर्ड स्टिल, बार्नेट न्यूमैन, एड रेनहार्डट, रिचर्ड पैशेट-डार्ट, रॉबर्ट मदरवेल, पीटर वूलकस, और अन्य लोगों ने फ्लडगेट खोले। उन सभी कलाओं की विविधता और गुंजाइश जो उनके पीछे हैं। 1960 के दशक के नए कला आंदोलनों ने अनिवार्य रूप से अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का नेतृत्व किया और विशेष रूप से पोलक, डी कूनिंग, रोथको, हॉफमैन, रीनहार्ट और न्यूमैन के नवाचारों का पालन किया। 1960 के दशक और 1970 के दशक के फ़्लक्सस, नव-दादा, वैचारिक कला, और नारीवादी कला आंदोलन के कट्टरपंथी विरोधी-औपचारिक आंदोलनों को अमूर्त अभिव्यक्ति के नवाचारों का पता लगाया जा सकता है। कला के इतिहासकारों द्वारा लिंडा नॉचलिन, ग्रिसल्डा पोलक और कैथरीन डी ज़ेगर जैसे कलाकारों द्वारा किए गए अमूर्त कला में पुनरावृत्ति, हालांकि, यह दर्शाता है कि आधुनिक कला में प्रमुख नवाचारों का उत्पादन करने वाली अग्रणी महिला कलाकारों को इसके इतिहास के आधिकारिक खातों द्वारा अनदेखा किया गया था, लेकिन अंत में। 1940 और 1950 के अमूर्त अभिव्यक्तिवादी आंदोलन के मद्देनजर लंबे समय से मान्यता प्राप्त करना शुरू किया। सार अभिव्यक्तिवाद 1950 के दशक के दौरान न्यूयॉर्क शहर में एक प्रमुख कला आंदोलन के रूप में उभरा और उसके बाद कई प्रमुख कला दीर्घाओं ने अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों को प्रदर्शनियों में और उनके रोस्टरों में नियमित रूप से शामिल करना शुरू किया। उन प्रमुख ‘अपटाउन’ दीर्घाओं में से कुछ में शामिल हैं: चार्ल्स एगन गैलरी, सिडनी जेनिस गैलरी, बेट्टी पार्सन्स गैलरी, कूटज़ गैलरी, टिबोर डी नगी गैलरी, स्टेबल गैलरी, लियो कैस्टेलि गैलरी और अन्य; और दसवीं स्ट्रीट दीर्घाओं के रूप में उस समय ज्ञात कई डाउनटाउन दीर्घाओं ने अमूर्त अभिव्यक्तिवादी नस में काम करने वाले कई उभरते हुए युवा कलाकारों को प्रदर्शित किया।

एक्शन पेंटिंग
एक्शन पेंटिंग 1940 के दशक की शुरुआत से 1960 के दशक तक व्यापक शैली थी, और यह अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है (कुछ आलोचकों ने एक्शन पेंटिंग और अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का परस्पर उपयोग किया है)। एक तुलना अक्सर अमेरिकी एक्शन पेंटिंग और फ्रांसीसी टैचिज्म के बीच खींची जाती है।

यह शब्द 1952 में अमेरिकी आलोचक हेरोल्ड रोसेनबर्ग द्वारा गढ़ा गया था और न्यूयॉर्क स्कूल के चित्रकारों और आलोचकों के सौंदर्य के परिप्रेक्ष्य में एक बड़ी पारी का संकेत दिया। रोसेनबर्ग के अनुसार कैनवास “एक अखाड़ा था जिसमें अभिनय करना” था। जबकि जैक्सन पोलक, फ्रांज क्लाइन और विलेम डी कूनिंग जैसे अमूर्त अभिव्यक्तिवादी लंबे समय से एक चित्रकला के क्षेत्र में एक क्षेत्र के रूप में अपने दृष्टिकोण के लिए मुखर थे, जिसके निर्माण के लिए शर्तों के साथ आने के लिए, पहले आलोचकों ने उनके कारण के लिए, क्लेमेंट ग्रीनबर्ग की तरह, उनके कामों पर ध्यान केंद्रित “” निष्पक्षता। ” ग्रीनबर्ग के लिए, यह चित्रों के थक्के और तेल-पके हुए सतहों की भौतिकता थी जो उन्हें कलाकारों के अस्तित्व के संघर्ष के दस्तावेजों के रूप में समझने की कुंजी थी।

रोसेनबर्ग की समालोचना ने वस्तु से संघर्ष पर ही जोर दिया, समाप्त चित्रकला में केवल शारीरिक अभिव्यक्ति, एक तरह का अवशेष, कला के वास्तविक कार्य का, जो पेंटिंग के निर्माण की क्रिया या प्रक्रिया में था। यह सहज गतिविधि हाथ और कलाई के आंदोलन, चित्रमय इशारों, ब्रशस्ट्रोक, फेंके गए पेंट, छींटे, दागदार, कुचले हुए और ड्रिप के माध्यम से चित्रकार की “कार्रवाई” थी। चित्रकार कभी-कभी नृत्य करते समय, या कभी-कभी कैनवास में खड़े होते हुए भी कैनवास पर पेंट को टपकने देता है, कभी-कभी अवचेतन मन के अनुसार पेंट को गिरने देता है, इस प्रकार मानस के अचेतन भाग को व्यक्त करता है और व्यक्त करता है। यह सब, हालांकि, व्याख्या या व्याख्या करना मुश्किल है क्योंकि यह शुद्ध निर्माण के कार्य की एक कथित बेहोश अभिव्यक्ति है।

व्यवहार में, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद शब्द न्यूयॉर्क में काम करने वाले कलाकारों (ज्यादातर) के किसी भी संख्या पर लागू होता है, जिनके पास काफी अलग शैली थी, और यहां तक ​​कि काम करने के लिए भी लागू किया गया था जो विशेष रूप से अमूर्त और न ही अभिव्यक्तिवादी है। पोलक की ऊर्जावान एक्शन पेंटिंग्स, उनके “व्यस्त” अनुभव के साथ, विलेम डी कूनिंग की हिंसक और विचित्र महिला श्रृंखला के लिए तकनीकी और सौंदर्य दोनों रूप से अलग हैं। (जैसा कि ऊपर देखा गया है) वुमन वी 1950 और 1953 के बीच डी कूनिंग द्वारा बनाई गई छह चित्रों की एक श्रृंखला है जो तीन-चौथाई लंबाई वाली महिला आकृति को दर्शाती है। उन्होंने इन चित्रों में से सबसे पहले, वुमन I, संग्रह: द म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट, न्यूयॉर्क सिटी, जून 1950 में, जनवरी या फरवरी 1952 तक बार-बार छवि को बदलना और पेंटिंग करना शुरू किया, जब पेंटिंग को अधूरा छोड़ दिया गया था। कला इतिहासकार मेयर शापिरो ने डी कूनिंग के स्टूडियो में पेंटिंग को जल्द ही देखा और कलाकार को लगातार बने रहने के लिए प्रोत्साहित किया। डी कूनिंग की प्रतिक्रिया एक ही विषय पर तीन अन्य चित्रों को शुरू करने की थी; वूमेन II, संग्रह: द म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट, न्यूयॉर्क सिटी, वुमन III, तेहरान म्यूज़ियम ऑफ़ कंटेम्पररी आर्ट, वुमन IV, नेल्सन-एटकिंस म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, कैनसस सिटी, मिसौरी। 1952 की गर्मियों के दौरान, ईस्ट हैम्पटन में बिताए, डे कूनिंग ने ड्रॉइंग और पेस्टल के माध्यम से इस विषय का पता लगाया। हो सकता है कि उन्होंने जून के अंत तक वुमन I पर काम पूरा कर लिया हो, या संभवत: नवंबर 1952 के अंत में, और संभवत: अन्य तीन महिलाओं की तस्वीरों का समापन उसी समय हुआ हो। वुमन सीरीज़ निश्चित रूप से आलंकारिक पेंटिंग्स हैं।

एक अन्य महत्वपूर्ण कलाकार फ्रांज क्लाइन है, जैसा कि उनकी पेंटिंग नंबर 2 (1954) द्वारा प्रदर्शित किया गया है (ऊपर देखें)। जैक्सन पोलक और अन्य अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के रूप में, क्लाइन को “एक्शन पेंटर” के रूप में चिह्नित किया गया क्योंकि उनकी सहज और गहन शैली के कारण, आंकड़े या कल्पना पर कम या बिल्कुल नहीं, बल्कि वास्तविक ब्रश स्ट्रोक और कैनवास के उपयोग पर ध्यान केंद्रित किया गया। लेखन एक्शन पेंटर फ्रैंज क्लाइन (उनके काले और सफेद चित्रों में), जैक्सन पोलक, मार्क टोबी और साइ टोमबली के लिए एक महत्वपूर्ण वाहन था, जिन्होंने हावभाव, सतह और लाइन का इस्तेमाल किया, जो कि सुलेखन, रेखीय प्रतीकों और स्केच बनाने के लिए था, जो भाषा से मिलता जुलता था, और गूंजता था सामूहिक अचेतन से शक्तिशाली अभिव्यक्तियों के रूप में। स्पैनिश रिपब्लिक श्रृंखला के अपने एली में रॉबर्ट मदवेल ने भी इशारों, सतह और प्रतीक का उपयोग करते हुए शक्तिशाली काले और सफेद चित्रों को चित्रित किया जो शक्तिशाली भावनात्मक आरोप लगाते हैं।

इस बीच, अन्य एक्शन चित्रकारों, विशेष रूप से विलेम डी कूनिंग, अर्शाइल गोर्की, नॉर्मन ब्लूहेम, जोन मिशेल, और जेम्स ब्रूक्स, (गैलरी देखें) या तो अमूर्त परिदृश्य के माध्यम से या अपने अत्यधिक व्यक्तिगत और शक्तिशाली विकास को व्यक्त करने के लिए आकृति के अभिव्यक्तिवादी दर्शन के रूप में कल्पना का इस्तेमाल किया। जेम्स ब्रूक्स की पेंटिंग्स विशेष रूप से काव्य और लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन के संबंध में अत्यधिक प्रस्तोता थी जो 1960 के दशक और 1970 के दशक के अंत में प्रमुख हो गई थी।

रंग क्षेत्र
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb और मार्क रोथ्को के काम में रंग के समान रूप से झिलमिलाते हुए ब्लॉक (जो आमतौर पर अभिव्यक्तिवादी नहीं कहलाएंगे और जिसे Rothko ने अमूर्त कहा गया था) को अमूर्त अभिव्यक्तिवादी के रूप में वर्गीकृत किया गया है, जो क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने कहा है। अमूर्त अभिव्यक्ति का रंग क्षेत्र दिशा। हंस हॉफमैन (गैलरी देखें) और रॉबर्ट मदवेल (गैलरी) दोनों को आराम से एक्शन पेंटिंग और कलर फील्ड पेंटिंग के अभ्यासी के रूप में वर्णित किया जा सकता है। 1940 के दशक में रिचर्ड पोरेट-डार्ट की कसकर बनाई गई कल्पना अक्सर पौराणिक कथाओं और रहस्यवाद के विषयों पर निर्भर करती थी; जैसा कि उस दशक में एडोल्फ गोटलिब, और जैक्सन पोलक के चित्रों ने भी किया था।

कलर फील्ड पेंटिंग ने शुरू में एक विशेष प्रकार के अमूर्त अभिव्यक्तिवाद को संदर्भित किया, विशेष रूप से मार्क रोथको, क्लाइफर्ड स्टिल, बार्नेट न्यूमैन, रॉबर्ट मदवेल, एडोल्फ गॉटलीब, एड रेइनहार्ट और जोआन मिरो द्वारा चित्रों की कई श्रृंखलाओं का काम। कला समीक्षक क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने कलर फील्ड पेंटिंग को संबंधित माना, लेकिन एक्शन पेंटिंग से अलग। द कलर फील्ड चित्रकारों ने अपनी कला को शानदार कलाबाजी से मुक्त करने की कोशिश की। रॉबर्ट मदरवेल, क्लाइफर्ड स्टिल, मार्क रोथको, एडोल्फ गॉटलिब, हेन्स होफमैन, हेलेन फ्रैंकेंटहेलर, सैम फ्रांसिस, मार्क टोबी और विशेष रूप से एड रेइनहार्ट और बार्नेट न्यूमैन जैसे कलाकार, जिनकी उत्कृष्ट कृति वीरिकस सब्लिमिस एमओएमए के संग्रह में है, ने बहुत कम संदर्भों का उपयोग किया प्रकृति के लिए, और वे रंग के एक अत्यधिक व्यक्त और मनोवैज्ञानिक उपयोग के साथ चित्रित। सामान्य तौर पर इन कलाकारों ने पहचानने योग्य कल्पना को समाप्त कर दिया, रोथको और गोटलिब के मामले में कभी-कभी प्रतीक का उपयोग करते हुए और कल्पना के प्रतिस्थापन के रूप में हस्ताक्षर करते हैं। कुछ कलाकारों ने अतीत या वर्तमान कला के संदर्भ में उद्धृत किया, लेकिन सामान्य रंग क्षेत्र चित्रकला में अपने आप में एक अंत के रूप में अमूर्तता को प्रस्तुत करता है। आधुनिक कला की इस दिशा को आगे बढ़ाने में, कलाकार प्रत्येक पेंटिंग को एक एकीकृत, एकजुट, अखंड छवि के रूप में प्रस्तुत करना चाहते थे।

जैक्सन पोलक और विलेम डी कूनिंग जैसे अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों की भावनात्मक ऊर्जा और गर्भकालीन सतह के निशान के भेद में, कलर फील्ड चित्रकार शुरू में शांत और स्पष्ट दिखाई देते थे, जो रंग के बड़े, सपाट क्षेत्रों के पक्ष में अलग-अलग चिह्न को चिह्नित करते थे, जो ये कलाकारों को दृश्य अमूर्त की अनिवार्य प्रकृति माना जाता है, साथ ही कैनवास के वास्तविक आकार के साथ, जो बाद में 1960 के दशक में फ्रैंक स्टेला विशेष रूप से घुमावदार और सीधे किनारों के संयोजन के साथ असामान्य तरीके से हासिल किया। हालाँकि, कलर फील्ड पेंटिंग जेस्सल एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशन से एक अलग तरीके से कामुक और गहरी अभिव्यंजक दोनों तरह की साबित हुई है।

हालांकि सार अभिव्यक्ति पूरे अमेरिका में जल्दी से फैल गई, इस शैली के प्रमुख केंद्र न्यूयॉर्क शहर और कैलिफोर्निया थे, विशेष रूप से न्यूयॉर्क स्कूल और सैन फ्रांसिस्को खाड़ी क्षेत्र में। अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्र कुछ विशेषताओं को साझा करते हैं, जिसमें बड़े कैनवस का उपयोग शामिल है, एक “ऑल-ओवर” दृष्टिकोण, जिसमें पूरे कैनवस को समान महत्व के साथ व्यवहार किया जाता है (जैसा कि केंद्र के किनारों से अधिक ब्याज का विरोध किया जाता है)। अखाड़े के रूप में कैनवास एक्शन पेंटिंग का एक प्रमाण बन गया, जबकि पिक्चर प्लेन की अखंडता रंग क्षेत्र के चित्रकारों का एक प्रमाण बन गई। युवा कलाकारों ने 1950 के दशक के साथ-साथ अल्फ्रेड लेस्ली, सैम फ्रांसिस, जोन मिशेल, हेलेन फ्रैंकेंथेलर, साइ टोमब्ली, मिल्टन रेस्निक, माइकल गोल्डबर्ग, नॉर्मन ब्लूहेम, ग्रेस हार्टिगन, फ्रिडेल डेजुबस, और रॉबर्ट गुडएनफ सहित अपने अमूर्त अभिव्यक्तिवादी संबंधित चित्रों का प्रदर्शन शुरू किया। ।

हालांकि पोलॉक उनकी शैली, तकनीक और उनके चित्र के स्पर्श और पेंट के अपने शारीरिक अनुप्रयोग के कारण एक्शन पेंटिंग के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है, कला समीक्षकों ने पोलॉक को एक्शन पेंटिंग और रंग क्षेत्र पेंटिंग दोनों की तुलना में पसंद किया है। क्लेमेंट ग्रीनबर्ग द्वारा उन्नत एक और महत्वपूर्ण दृश्य पोलक के एलोवर कैनवस को 1920 के दशक के दौरान किए गए क्लाउड मोनेट के बड़े पैमाने पर वॉटर लिली से जोड़ता है। ग्रीनबर्ग, कला समीक्षक माइकल फ्राइड और अन्य लोगों ने देखा है कि पोलक के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में समग्र भावना – उनके ड्रिप चित्रों – निर्मित रेखीय तत्वों के विशाल क्षेत्रों के रूप में पढ़ा जाता है जो अक्सर समान मूल्यवान पेंट स्किंस के विशाल परिसरों के रूप में पढ़ते हैं जो सभी पर पढ़ते हैं। रंग और आरेखण के क्षेत्र, और भित्ति-आकार के दिवंगत मानेट से संबंधित हैं जो घनिष्ठ मूल्यवान ब्रश और बिखरे हुए निशानों के कई मार्गों से निर्मित होते हैं जो कि रंग के घनिष्ठ मूल्यवान क्षेत्रों और रेखाचित्र के रूप में भी पढ़े जाते हैं जो मोनेट ने अपने चित्र सतहों के निर्माण में उपयोग किया था। पोलक की ऑल-ओवर रचना का उपयोग एक दार्शनिक और एक शारीरिक संबंध को जिस तरह से न्यूमैन, रोथको और स्टिल जैसे रंग क्षेत्र चित्रकारों को अपने अखंड और स्टिल के मामले में टूटी सतहों का निर्माण करता है। 1947-1950 की अपनी क्लासिक ड्रिप पेंटिंग अवधि के बाद पोलक द्वारा चित्रित कई चित्रों में, उन्होंने कच्चे कैनवास में तरल तेल पेंट और घर के पेंट को धुंधला करने की तकनीक का उपयोग किया। 1951 के दौरान उन्होंने अर्ध-आलंकारिक काले दाग चित्रों की एक श्रृंखला का निर्माण किया, और 1952 में उन्होंने रंग का उपयोग करके दाग चित्रों का निर्माण किया। न्यूयॉर्क सिटी पोलक में सिडनी जेनिस गैलरी में नवंबर 1952 की प्रदर्शनी में नंबर 12, 1952 को दिखाया गया, एक बड़ी, शानदार दाग वाली पेंटिंग जो चमकीले रंग से सना हुआ परिदृश्य जैसा दिखता है (मोटे तौर पर ड्रिप किए गए गहरे पेंट के ओवरले के साथ); पेंटिंग को नेल्सन रॉकफेलर ने अपने व्यक्तिगत संग्रह के लिए प्रदर्शनी से हासिल किया था। १ ९ ६० में अल्बानी में गवर्नर्स मेंशन में लगी आग से पेंटिंग बुरी तरह क्षतिग्रस्त हो गई और रॉकफेलर संग्रह में एक अर्शाइल गोर्की पेंटिंग और कई अन्य कार्यों को भी गंभीर रूप से क्षतिग्रस्त कर दिया। हालांकि, 1999 तक इसे बहाल कर दिया गया था और अल्बानी मॉल में स्थापित किया गया था।

जबकि अर्शील गोर्की को अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के संस्थापक पिता और एक अतियथार्थवादी माना जाता है, वे न्यूयॉर्क स्कूल के पहले चित्रकारों में से एक भी थे जिन्होंने धुंधला होने की तकनीक का इस्तेमाल किया था। गोर्की ने ज्वलंत, खुले, अखंड रंग के व्यापक क्षेत्र बनाए जो उन्होंने अपने कई चित्रों में मैदान के रूप में इस्तेमाल किए। 1941-1948 के बीच गोर्की के सबसे प्रभावी और निपुण चित्रों में, उन्होंने लगातार रंग के गहन दाग वाले क्षेत्रों का उपयोग किया, अक्सर पेंट को चलाने और ड्रिप करने के लिए, जैविक और बायोमॉर्फिक आकार और नाजुक रेखाओं के अपने परिचित लेक्सिकन के तहत और आसपास। एक और अमूर्त अभिव्यक्तिवादी, जिसका काम 1940 के दशक में 1960 के दशक के दाग़ चित्रों और 1970 के दशक के जेम्स ब्रूक्स के दिमाग को बुलाता है। ब्रूक्स ने नियमित रूप से 1940 के दशक के अंत से अपने चित्रों में एक तकनीक के रूप में दाग का इस्तेमाल किया। ब्रूक्स ने अपने तेल के रंग को द्रवित करने के लिए पतला करना शुरू कर दिया, जिसके साथ वह डालना और ड्रिप करना और ज्यादातर कच्चे कैनवस में दाग लगाना, जो उसने इस्तेमाल किया था। ये काम अक्सर सुलेख और अमूर्त आकृतियों को मिलाते हैं। अपने करियर के अंतिम तीन दशकों के दौरान, बड़े पैमाने पर उज्ज्वल सार अभिव्यक्तिवाद के सैम फ्रांसिस की शैली रंग क्षेत्र पेंटिंग के साथ निकटता से जुड़ी हुई थी। उनके चित्रों ने अमूर्त अभिव्यक्तिवादी रूब्रिक, एक्शन पेंटिंग और कलर फील्ड पेंटिंग के भीतर दोनों शिविरों को बिखेर दिया।

जैक्सन पोलक की 1951 के पतले काले रंग के पेंट की कच्ची कैनवस में दागी पेंटिंग को देखकर, हेलेन फ्रैंकन्थेलर ने 1952 में कच्चे कैनवस पर विभिन्न तेल रंगों में दाग चित्रों का निर्माण शुरू किया। उस दौर की उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग माउंटेन और सी (जैसा कि नीचे देखा गया है) है। वह रंग क्षेत्र आंदोलन के प्रवर्तकों में से एक है जो 1950 के दशक के अंत में उभरा। फ्रेंकथेलर ने हंस हॉफमैन के साथ भी अध्ययन किया। हॉफमन की पेंटिंग द गेट, 1959-1960 में देखी गई रंग की सिम्फनी है। हॉफमैन को न केवल एक कलाकार के रूप में बल्कि कला के शिक्षक के रूप में भी जाना जाता था, अपने मूल जर्मनी में और बाद में यू.एस. हस हॉफमैन में, जो 1930 के दशक की शुरुआत में जर्मनी से संयुक्त राज्य अमेरिका आए, अपने साथ आधुनिकता की विरासत लेकर आए। हॉफमैन पेरिस में काम करने वाला एक युवा कलाकार था, जिसने प्रथम विश्व युद्ध से पहले वहां पेंट किया था। हॉफमैन ने पेरिस में रॉबर्ट डेलानाय के साथ काम किया, और वह पाब्लो पिकासो और हेनरी मैटिस दोनों के अभिनव काम को पहले से जानते थे। मैटिस के काम का उन पर और रंग की अभिव्यंजक भाषा की समझ और अमूर्तता की क्षमता पर काफी प्रभाव पड़ा। हॉफमैन रंग क्षेत्र चित्रकला के पहले सिद्धांतकारों में से एक थे, और उनके सिद्धांत कलाकारों और आलोचकों के लिए प्रभावशाली थे, विशेष रूप से क्लेमेंट ग्रीनबर्ग के साथ-साथ 1930 और 1940 के दशक के दौरान अन्य लोगों के लिए। 1953 में मॉरिस लुइस और केनेथ नोलैंड दोनों न्यूयॉर्क शहर में अपने स्टूडियो का दौरा करने के बाद हेलेन फ्रैंकन्थलर के दाग चित्रों से गहराई से प्रभावित थे। Returning to Washington, DC., they began to produce the major works that created the color field movement in the late 1950s.

In the 1960s after abstract expressionism
In abstract painting during the 1950s and 1960s, several new directions, like the Hard-edge painting exemplified by John McLaughlin, emerged. Meanwhile, as a reaction against the subjectivism of Abstract expressionism, other forms of Geometric abstraction began to appear in artist studios and in radical avant-garde circles. Clement Greenberg became the voice of Post-painterly abstraction; by curating an influential exhibition of new painting that toured important art museums throughout the United States in 1964. Color field painting, Hard-edge painting and Lyrical Abstraction emerged as radical new directions.

Abstract expressionism and the Cold War:
Since the mid-1970s it has been argued by revisionist historians that the style attracted the attention, in the early 1950s, of the CIA, who saw it as representative of the USA as a haven of free thought and free markets, as well as a challenge to both the socialist realist styles prevalent in communist nations and the dominance of the European art markets. The book by Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters, (published in the UK as Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) details how the CIA financed and organized the promotion of American abstract expressionists as part of cultural imperialism via the Congress for Cultural Freedom from 1950 to 1967. Notably Robert Motherwell’s series Elegy to the Spanish Republic addressed some of those political issues. Tom Braden, founding chief of the CIA’s International Organizations Division (IOD) and ex-executive secretary of the Museum of Modern Art said in an interview, “I think it was the most important division that the agency had, and I think that it played an enormous role in the Cold War.”

Against this revisionist tradition, an essay by Michael Kimmelman, chief art critic of The New York Times, called Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, argues that much of this information (as well as the revisionists’ interpretation of it) concerning what was happening on the American art scene during the 1940s and 50s is flatly false, or at best (contrary to the revisionists’ avowed historiographic principles) decontextualized. Other books on the subject include Art in the Cold War by Christine Lindey, which also describes the art of the Soviet Union at the same time; and Pollock and After edited by Francis Frascina, which reprinted the Kimmelman article.

Consequences:
Canadian painter Jean-Paul Riopelle (1923–2002), a member of the Montreal-based surrealist-inspired group Les Automatistes, helped introduce a related style of abstract impressionism to the Parisian art world from 1949. Michel Tapié’s groundbreaking book, Un Art Autre (1952), was also enormously influential in this regard. Tapié was also a curator and exhibition organizer who promoted the works of Pollock and Hans Hofmann in Europe. By the 1960s, the movement’s initial affect had been assimilated, yet its methods and proponents remained highly influential in art, affecting profoundly the work of many artists who followed. Abstract expressionism preceded Tachisme, Color Field painting, Lyrical Abstraction, Fluxus, Pop Art, Minimalism, Postminimalism, Neo-expressionism, and the other movements of the sixties and seventies and it influenced all those later movements that evolved. Movements which were direct responses to, and rebellions against abstract expressionism began with Hard-edge painting (Frank Stella, Robert Indiana and others) and Pop artists, notably Andy Warhol, Claes Oldenburg and Roy Lichtenstein who achieved prominence in the US, accompanied by Richard Hamilton in Britain. Robert Rauschenberg and Jasper Johns in the US formed a bridge between abstract expressionism and Pop art. Minimalism was exemplified by artists such as Donald Judd, Robert Mangold and Agnes Martin.

However, many painters, such as Jules Olitski, Joan Mitchell and Antoni Tàpies continued to work in the abstract expressionist style for many years, extending and expanding its visual and philosophical implications, as many abstract artists continue to do today, in styles described as Lyrical Abstraction, Neo-expressionist and others.

In the years after World War II, a group of New York artists started one of the first true schools of artists in America, bringing about a new era in American artwork: abstract expressionism. This led to the American art boom that brought about styles such as Pop Art. This also helped to make New York into a cultural and artistic hub.

Abstract expressionist value expression over perfection, vitality over finish, fluctuation over repose, the unknown over the known, the veiled over the clear, the individual over society and the inner over the outer.