El expresionismo abstracto aplicado a un movimiento en la pintura americana que floreció en los años 1940 y 1950, a veces conocido como la Escuela de Nueva York o, por muy poco, como la planificación de la acción, a pesar de que fue acuñado por primera vez en relación con la obra de Vasily Kandinsky en 1929 El obras de la generación de artistas activos en Nueva York desde la década de 1940 y considerado como expresionistas abstractos resisten definición como un estilo cohesionado; que van desde los campos ininterrumpidas Barnett Newman ‘de color a la manipulación violenta de Willem de Kooning de la figura Ellos estaban unidos por una preocupación con diferentes grados de abstracción usado para transmitir un fuerte contenido emocional o expresiva Aunque el término denota principalmente un pequeño núcleo de pintores , cualidades expresionistas abstractos también se puede ver en la escultura de David Smith, Ibram Lassaw y otros,
El expresionismo abstracto es un movimiento post-Segunda Guerra Mundial el arte de la pintura americana, desarrollada en Nueva Yorken la década de 1940. Fue el primer movimiento específicamente estadounidense para lograr influencia internacional y poner la ciudad de Nueva York en el centro del mundo del arte occidental, un papel anteriormente ocupado por París. Aunque el término expresionismo abstracto fue aplicado por primera vez al arte de América en 1946 por el crítico de arte Robert Coates, que había sido utilizado por primera vez en Alemania en 1919 en la revista Der Sturm, en relación con el expresionismo alemán. En elEstados Unidos, Alfred Barr fue el primero en utilizar este término en 1929 en relación con las obras de Wassily Kandinsky.
Estilo:
Técnicamente, un precursor importante es el surrealismo, con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. goteo de pintura de Jackson Pollock en una lona colocada en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en la obra de André Masson, Max Ernst, y David Alfaro Siqueiros. La investigación más reciente tiende a poner el exilio-surrealista Wolfgang Paalen en la posición del artista y teórico que fomentó la teoría del espacio de posibilidad espectador dependiente a través de sus pinturas y su revista DYN. Paalen consideraba las ideas de la mecánica cuántica, así como interpretaciones idiosincráticas de la visión totémico y la estructura espacial de la pintura nativa india de la Columbia Británica y preparó el terreno para la nueva visión espacial de los jóvenes americanos resúmenes. Su largo ensayo Totem Arte (1943) tuvo una considerable influencia en artistas como Martha Graham, Isamu Noguchi, Jackson Pollock, Mark Rothko y Barnett Newman. Hacia 1944 Barnett Newman intentó explicarAmerica’S más reciente movimiento de arte e incluyó una lista de ‘los hombres en el nuevo movimiento.’ Paalen se menciona dos veces; otros artistas mencionados son Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorki y otros. Motherwell se menciona con un signo de interrogación. Otra manifestación temprana importante de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista estadounidense Northwest Mark Tobey, especialmente sus lienzos «escritura blanca», que, aunque por lo general no es grande en escala, anticipar la mirada «all-over» de pinturas de goteo de Pollock .
El nombre del movimiento se deriva de la combinación de la intensidad emocional y la auto-negación de los expresionistas alemanes con la estética anti-figurativa de las escuelas europeas abstractos como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético. Además, tiene una imagen de ser rebelde, anárquico, muy peculiar y, una cierta sensación, nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York que tenían muy diferentes estilos, e incluso a trabajar que no es ni abstracto ni especialmente expresionista. California expresionista abstracto Jay Meuser, que por lo general pintado en el estilo no objetiva, escribió acerca de su pintura Mare Nostrum, «Es mucho mejor para capturar el espíritu glorioso del mar que pintar todos sus ondulaciones minúsculas.» energéticas «action painting» de Pollock, con su sensación de «ocupado», son diferentes, tanto técnica como estéticamente, de la Mujeres violentos y grotescos serie de pinturas figurativas de Willem de Kooning y los rectángulos de color en pinturas de campos de color de Mark Rothko (que no son lo que suele llamarse expresionista, y los que eran Rothko negado resumen). Sin embargo, los cuatro artistas se clasifican como expresionistas abstractos.
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo 20, como Wassily Kandinsky. Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizan muchas de las obras de los expresionistas abstractos, la mayoría de estas pinturas involucrados planificación cuidadosa, sobre todo porque su gran tamaño lo exigía. Con artistas como Paul Klee, Wassily Kandinsky, Emma Kunz, y más tarde Rothko, Barnett Newman, y Agnes Martin, el arte abstracto a entender claramente la expresión de las ideas relativas a la espiritual, el inconsciente y la mente.
¿Por qué este estilo ganó la aceptación general en la década de 1950 es un tema de debate. realismo social americano había sido la corriente principal en la década de 1930. Que había sido influenciado no sólo por la gran depresión, sino también por los muralistas deMéjicotales como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. El clima político después de la Segunda Guerra Mundial no toleraba mucho las protestas sociales de estos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la Segunda Guerra Mundial y comenzó a ser exhibido durante los primeros años cuarenta en galerías deNueva York tales como Art of this Century. La era McCarthy después de la Segunda Guerra Mundial fue una época de censura artística en elEstados Unidos, Pero si la materia eran totalmente abstracto, entonces sería visto como apolítica, y por lo tanto seguro. O si el arte era política, el mensaje era en gran parte de la información privilegiada.
Mientras que el movimiento está estrechamente asociado con la pintura, y pintores como Arshile Gorky, Franz Kline, Clyfford Still, Hans Hofmann, Willem de Kooning, Jackson Pollock, entre otros, collagista Anne Ryan y ciertos escultores en particular, también fueron parte integral de expresionismo abstracto. David Smith, y su esposa Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavía, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois, y Louise Nevelson, en particular, fueron algunos de los escultores considerados como miembros importantes de la movimiento. Además, los artistas David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero, y escultores Richard Lippold, Raoul Haya, George Rickey, Reuben Nakian, e incluso, Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell, y varios otros eran partes integrantes del movimiento expresionista abstracta. Muchos de los escultores que figuran participaron en la novena calle Show, una exposición famoso curada por Leo Castelli elNovena Este de la calle en Nueva York en 1951. Además de los pintores y escultores de la época de la escuela del expresionismo abstracto de Nueva York también genera una serie de poetas de apoyo, incluyendo Frank O’Hara y fotógrafos como Aaron Siskind y Fred McDarrah, (cuyo libro el mundo del artista en imágenes documentado la Escuela de Nueva York durante la década de 1950), y los realizadores-notablemente Robert Frank-así.
Aunque la escuela expresionista abstracto se extendió rápidamente por todo el Estados Unidos, Los centros principales de este estilo eran Nueva York y el San Francisco Bahía Area de California.
Los críticos de arte:
En la década de 1940 hubo no sólo pocas galerías (El arte de este siglo, Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery y algunos otros), sino también a pocos críticos que estaban dispuestos a seguir el trabajo de la Vanguard de Nueva York. También hubo algunos artistas con un fondo literario, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman, que funcionó como críticos también.
Mientras que Nueva York y el mundo eran aún no están familiarizados con el New York vanguardia a finales de la década de 1940, la mayor parte de los artistas que se han convertido en nombres muy conocidos hoy tenían sus críticos patrones bien establecidos: Clement Greenberg abogado por Jackson Pollock y los pintores de campos de color como Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Hans Hofmann; Harold Rosenberg pareció preferir los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline, así como las pinturas seminales de Arshile Gorky; Thomas B. Hess, el jefe de redacción de ARTnews, defendió Willem de Kooning.
Los nuevos críticos elevaron sus protegidos por colada otros artistas como «seguidores» o haciendo caso omiso de los que no sirven a su objetivo de promoción.
En 1958, Mark Tobey se convirtió en el primer pintor americano desde Whistler (1895) para ganar el primer premio en la Bienal de Venecia.
Barnett Newman, un miembro del Grupo finales de la parte alta, escribió prólogos de catálogo y opiniones, y por la década de 1940 se convirtió en un artista que expone a Betty Parsons Gallery. Su primera exposición individual fue en el año 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas en el Studio 35: ‘Estamos en el proceso de hacer el mundo, en cierta medida, a nuestra propia imagen.’ Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó cada paso del camino para reforzar su imagen de nueva creación como artista y promover su trabajo. Un ejemplo es su carta el 9 de abril de 1955, «Carta a Sidney Janis: – bien es cierto que Rothko habla el boxeador que lucha, sin embargo, para presentar al mundo filisteo Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de.. eso.»
Por extraño que la persona cree que han tenido más que ver con la promoción de este estilo era un trotskista Nueva York; Clement Greenberg. Como crítico de arte desde hace mucho tiempo para la Partisan Review y The Nation, se convirtió en un autor temprano y letrado del expresionismo abstracto. El artista y de tacón Robert Motherwell se unió a Greenberg en la promoción de un estilo que encaja en el clima político y la rebeldía intelectual de la época.
Clement Greenberg proclamado expresionismo abstracto de Jackson Pollock y, en particular, como el epítome de valor estético. Él apoyó el trabajo de Pollock con formalismo como simplemente el mejor pintura de su día y la culminación de una tradición artística que se remonta a través de cubismo y Cézanne, Monet, en el que la pintura se hizo cada vez más’purer’ y más concentrada en lo que era ‘esencial’ para ella, la realización de marcas en una superficie plana.
El trabajo de Jackson Pollock siempre ha polarizado críticos. Harold Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en el que «lo que iba a pasar en el lienzo no era una imagen, sino un acontecimiento». «El gran momento llegó cuando se decidió a pintar ‘sólo para pintar’. El gesto en el lienzo era un gesto de liberación de valor político, estético, moral.»
Uno de los mayores críticos del expresionismo abstracto en ese momento era del New York Times el crítico de arte John Canaday. Meyer Schapiro y Leo Steinberg, junto con Clement Greenberg y Harold Rosenberg eran importantes historiadores del arte de la era post-guerra, que expresó su apoyo a expresionismo abstracto. Durante los primeros-a-mediados de los años sesenta críticos de arte más joven Michael Fried, Rosalind Krauss y Robert Hughes añaden conocimientos considerables en la dialéctica crítica que sigue creciendo en todo el expresionismo abstracto.
Historia:
La Segunda Guerra Mundial y el período posterior a la Guerra
Richard Pousette-Dart, sinfonía No. 1, La trascendental, 1941-1942
Durante el período previo y durante la Segunda Guerra Mundial, modernistas artistas, escritores y poetas, así como coleccionistas y comerciantes importantes, huyeron de Europa y el ataque de los nazis de refugio seguro en el Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron pereció. Entre los artistas y coleccionistas que llegaron a Nueva York durante la guerra (algunos de ellos con la ayuda de Varian Fry) eran Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André é Bretón, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger, y Piet Mondrian. Algunos artistas, en especial Pablo Picasso, Henri Matisse y Pierre Bonnard permanecieron enFrancia y sobrevivió.
El período posterior a la guerra dejó a las capitales de Europaen agitación, con una urgencia para la reconstrucción económica y físicamente y políticamente para reagruparse. EnParís, Anteriormente el centro de la cultura europea y la capital del mundo del arte, el clima para el arte era un desastre, y Nueva York reemplazado París como el nuevo centro del mundo del arte. EnEuropa después de la guerra era la continuación del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo, y las obras de Matisse. También enEuropa, Art brut, y la abstracción lírica o Tachismo (el equivalente europeo al expresionismo abstracto), abrazaron la nueva generación. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages y Jean Messagier, entre otros se consideran importantes figuras de la pintura europea de la posguerra. En los Estados Unidos, una nueva generación de artistas estadounidenses comenzaron a emerger y dominar el escenario mundial, y se les llama expresionistas abstractos.
Gorki, Hofmann, y Graham
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunciaron el triunfo del expresionismo abstracto americano, un movimiento modernista que combinan lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo, y principios de la modernidad a través de grandes maestros en América como Hans Hofmann de Alemania y John D. Graham de Ucrania. La influencia de Graham en el arte americano durante la década de 1940 fue particularmente visible en la obra de Arshile Gorky, Willem de Kooning, Jackson Pollock, y Richard Pousette-Dardo entre otros.Gorki’s contribuciones al arte estadounidense y mundial son difíciles de sobreestimar. Su trabajo como la abstracción lírica era un «lenguaje nuevo. Él ‘iluminó el camino para dos generaciones de artistas americanos’. La espontaneidad pictórica de obras de madurez como ‘El hígado es Peine del gallo’, ‘El desposorio II’, y» One año del algodoncillo» inmediatamente prefigurada expresionismo abstracto, y los líderes de la Escuela de Nueva York han reconocido la considerable influencia de Gorki. los primeros trabajos de Hyman Bloom también fue influyente. artistas americanos también se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst, y el grupo de André Breton, la galería de Pierre Matisse, y la galería de Peggy Guggenheim el arte de este siglo, así como otros factores. Hans Hofmann en particular, como maestro, mentor, Estados Unidos. Entre los protegidos de Hofmann fue Clement Greenberg, que se convirtió en una voz enorme influencia de la pintura americana, y entre sus estudiantes fue Lee Krasner, quien presentó a su maestro, Hofmann, a su marido, Jackson Pollock.
Pollock y las influencias abstractas
Durante la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock a la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que le siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la fabricación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte en sí. Al igual que reinvenciones innovadoras de Pablo Picasso de la pintura y la escultura cerca de la vuelta del siglo a través de cubismo y la escultura construida, con influencias tan dispares como pinturas de arena de Navajo, el surrealismo, el análisis de Jung, y el arte mural mexicana, Pollock redefinió lo que era para producir arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y lo convencional era una señal de liberación a los artistas de su época y de todo lo que vino después. Los artistas se dieron cuenta de que Jackson Pollock s proceso de la colocación de lona cruda no estirada en el suelo en el que podría ser atacado desde los cuatro lados con materiales de artista y materiales industriales; madejas lineales de pintura goteaban y arrojados; dibujo, la tinción, el cepillado; las imágenes y las imágenes no-esencialmente tomó la creación artística más allá de cualquier límite anterior. expresionismo abstracto, en general, ampliado y desarrollado las definiciones y posibilidades que tenían disponibles artistas para la creación de nuevas obras de arte.
Los otros expresionistas abstractos siguieron avance de Pollock con los nuevos avances de los suyos. En cierto sentido las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos, y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que los seguía. Los nuevos movimientos de arte de la década de 1960 siguieron esencialmente el ejemplo de expresionismo abstracto y, en particular, las innovaciones de Pollock, De Kooning, Rothko, Hofmann, Reinhardt, y Newman. Los radicales movimientos Anti-formalista de los años 1960 y 1970 incluyendo Fluxus, Neo-Dada, arte conceptual, y el movimiento de arte feminista se pueden remontar a las innovaciones de expresionismo abstracto. Relecturas en el arte abstracto, realizado por los historiadores del arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher críticamente muestra, sin embargo, que las mujeres pioneras artistas que han producido importantes innovaciones en el arte moderno había sido ignorada por las cuentas oficiales de su historia, pero finalmente comenzaron a lograr desde hace mucho tiempo el reconocimiento en la estela del movimiento expresionista abstracto de los años 1940 y 1950. Resumen expresionismo surgió como un importante movimiento de arte enNueva York durante la década de 1950 y, posteriormente, varias galerías de arte principales comenzaron a incluir los expresionistas abstractos en exposiciones y como asiduos en sus listas. Algunas de esas prominentes » de la parte alta galerías incluyen: la Charles Egan Gallery, la galería de Sidney Janis, la Betty Parsons Gallery, la Galería Kootz, el Nagy Galería de Tibor, la Stable Gallery, la galería de Leo Castelli, así como los demás; y varias galerías del centro conocido en la época como las galerías de la calle Décima exhiben muchos artistas jóvenes emergentes que trabajan en la vena expresionista abstracto.
pintura de acción
pintura de acción era un estilo generalizado desde la década de 1940 hasta principios de la década de 1960, y está estrechamente relacionado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado la pintura de acción términos y el expresionismo abstracto indistintamente). La comparación se suele fijar entre la pintura de acción americana y la francesa tachisme.
El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 y marcó un cambio importante en la perspectiva de la estética Nueva York Colegiopintores y críticos. De acuerdo aRosenberg el lienzo era «un escenario en el que actúe». Mientras que los expresionistas abstractos como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning habían sido muy franco en su visión de una pintura como un escenario en el que llegar a un acuerdo con el acto de la creación, los críticos anteriores simpatizan con su causa, como Clement Greenberg, centrado en sus obras objetualidad «. Para Greenberg, era el aspecto físico de las superficies coagulada y aceite-apelmazada que era la clave para entender como documentos de los artistas las pinturas lucha existencial.
Rosenberg’S crítica cambió el énfasis del objeto a la lucha misma, con la pintura acabada de ser sólo la manifestación física, una especie de residuo, del trabajo real del arte, que se encontraba en el acto o proceso de la creación de la pintura. Esta actividad espontánea fue la «acción» del pintor, a través del brazo y la muñeca movimiento, gestos pictóricos, pinceladas, pintura lanzada, salpicado, manchada, scumbled y goteaba. El pintor a veces dejar que el goteo de pintura sobre el lienzo, mientras rítmicamente a bailar, o incluso de pie en la lona, a veces dejando caer la pintura de acuerdo a la mente subconsciente, permitiendo así que la parte inconsciente de la psique y afirman expresarse. Todo esto, sin embargo, es difícil de explicar o interpretar debido a que es una supuesta manifestación inconsciente del acto de creación pura.
En la práctica, el expresionismo abstracto término se aplica a cualquier número de artistas de trabajo (en su mayoría) en Nueva Yorkque tenía muy diferentes estilos, e incluso aplicada al trabajo que no es especialmente abstracto ni expresionista. action painting de Pollock energéticos, con su sensación de «ocupado», son diferentes tanto técnica como estéticamente, a las mujeres violentos y grotescos serie de Willem de Kooning. (Como se ha visto anteriormente) Mujer V es uno de una serie de seis pinturas realizadas por de Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de longitud. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer I, recogida: El Museo de Arte Moderno, Nueva York, en junio de 1950, el cambio y la pintura de la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonado sin terminar en repetidas ocasiones. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el taller de Kooning poco después y animó al artista a persistir. De Kooning’ s respuesta fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer II, la colección: El Museo de Arte Moderno, Nueva York, Woman III, Teherán museo de arte contemporáneo, la mujer IV, Nelson-Atkins Museum of Art, de Kansas City, Missouri. Durante el verano de 1952, pasó aeast Hampton, De Kooning exploró aún más el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya finalizado el trabajo sobre la mujer que a finales de junio o posiblemente tan tarde como noviembre de 1952, y probablemente las otras tres mujeres imágenes que se han concluido prácticamente al mismo tiempo. Las series de la mujer son decididamente pinturas figurativas.
Otro artista importante es Franz Kline, como se demuestra por su pintura Número 2 (1954) (véase más arriba). Al igual que con Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, Kline fue etiquetada un «pintor de acción debido a su estilo aparentemente espontánea e intensa, centrándose menos, o nada en absoluto, en figuras o imágenes, sino en las pinceladas y el uso reales de lona. Automática escritura era un vehículo importante para la acción pintores Franz Kline (en sus cuadros en blanco y negro), Jackson Pollock, Mark Tobey y Cy Twombly, que utiliza el gesto, la superficie y línea para crear, símbolos lineales caligráficas y madejas que se asemejan a la lengua, y resuenan como poderosas manifestaciones del inconsciente colectivo. Robert Motherwell en su Elegía a la República española serie también pintaron poderosas pinturas en blanco y negro utilizando gestos,
Mientras tanto, otros pintores de acción, en particular, Willem de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell y James Brooks, (ver galería) utilizaron imágenes ya sea a través del paisaje del extracto o visiones como expresionistas de la figura para articular sus evocaciones muy personales y de gran alcance. pinturas James Brooks fueron particularmente poético y altamente profético en relación a la abstracción lírica que llegó a ser prominente en los años 1960 y 1970.
campo de color
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y los bloques con serenidad brillantes de color en la obra de Mark Rothko (que no es lo que suele ser llamados expresionista, y que Rothko negado era abstracta), se clasifican como expresionistas abstractos, aunque a partir de lo que Clement Greenberg denomina color de la dirección del campo del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann (ver galería) y Robert Motherwell (galería) se pueden describir cómodamente como los profesionales de la pintura de acción y la pintura del campo de color. En la década de 1940 imágenes de construcción compacta de Richard Pousette-Dardo menudo dependía de temas de la mitología y misticismo; como lo hicieron los cuadros de Adolph Gottlieb, y Jackson Pollock en esa década también.
la pintura de campos de color se refirió inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto, sobre todo la obra de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt y varias series de pinturas de Joan Miró. crítico de arte Clement Greenberg percibe la pintura de campos de color en lo relacionado con, pero diferente de la pintura de acción. Los pintores de campos de color trataron de deshacerse de su arte de la retórica superflua. Artistas como Robert Motherwell, Clyfford Still, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, y especialmente Ad Reinhardt y Barnett Newman, cuya obra maestra Vir Heroicus sublimis está en la colección del MoMA, utilizados en gran medida la reducción de referencias a la naturaleza, y se pintan con un uso altamente articulado y psicológico del color. En general, estos artistas eliminados imágenes reconocibles, en el caso de Rothko y Gottlieb veces utilizando símbolos y signos como la sustitución de las imágenes. Ciertos artistas citan referencias al arte pasada o presente, pero en la pintura de campos de color en general presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Para la consecución de esta dirección de arte moderno, artistas querían presentar cada cuadro como una imagen unificada, cohesiva, monolítica.
A diferencia de los emocionales marcas de energía y de superficie gestual de expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Willem de Kooning, los pintores de campos de color que inicialmente parecía ser fresco y austera, borrando la marca individual en favor de grandes áreas planas de color, que éstos artistas considerados como la naturaleza esencial de la abstracción visual, junto con la forma real de la tela, que más tarde, en la década de 1960 Frank Stella, en particular, logra de manera inusual con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo la pintura de campos de color ha demostrado ser a la vez sensual y profundamente expresiva aunque de una manera diferente a gestual del expresionismo abstracto.
Aunque El expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo el Estados Unidos, Los centros principales de este estilo eran Nueva York y California, Especialmente en el Nueva York Colegio, y el San Francisco Bahíazona. pinturas expresionistas abstractos comparten ciertas características, incluyendo el uso de grandes lienzos, un enfoque «all-over», en el que toda la tela es tratada con la misma importancia (en oposición a ser el centro de mayor interés que los bordes). La tela como la arena se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad de la superficie del cuadro se convirtió en un credo de los pintores campo de color. artistas más jóvenes comenzó a exhibir sus pinturas abstractas relacionadas expresionistas durante la década de 1950, así incluyendo Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas, y Robert Goodnough entre otros .
Aunque Pollock está estrechamente asociado con la pintura de acción debido a su estilo, la técnica y su toque pictórico y su aplicación física de la pintura, críticos de arte han comparado Pollock tanto a la pintura y la pintura de acción campo de color. Otro punto de vista crítico avanzado por Clement Greenberg conecta telas allover de Pollock a los grandes lirios de agua de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Greenberg, crítico de arte Michael Fried, y otros han observado que la sensación general en las obras más famosas de Pollock – sus pinturas de goteo – lee como extensos campos de elementos lineales urbanizadas a menudo la lectura como vastos complejos de madejas de pintura valorados similares que se leen como todo campos de color y el dibujo, y están relacionados con los Monets finales de tamaño mural que se construyen de muchos pasajes de marcas de cepillado y scumbled cerca valiosos que también leen campos tan cerca valorados de color y de dibujo que Monet utiliza en la construcción de sus superficies de imagen. uso de Pollock de todo-sobre composición echar una filosófica y una conexión física a la forma en que los pintores campo de color como Newman, Rothko y aún construyen sus superficies continuas y en Still roto caso. En varias pinturas que Pollock pintó después de su periodo clásico dripping de 1947 a 1950, utilizó la técnica de tinción de la pintura al óleo de líquidos y pintura de casas en lona cruda. Durante 1951 se produjo una serie de pinturas de manchas negro semi-figurativas, y en 1952 realizó pinturas mancha el uso del color. En su noviembre Exposición 1952 en la galería de Sidney Janis en Nueva York Pollock mostró Número 12, 1952, a, pintura mancha magistral grande que se asemeja a un paisaje de colores de colores brillantes (con una superposición de líneas generales goteado pintura oscura); el cuadro fue adquirido de la exposición por Nelson Rockefeller para su colección personal. En 1960 la pintura fue severamente dañado por un incendio en elGobernadores Palacio en de Albanyque también dañó seriamente una pintura Arshile Gorky y varias otras obras de la colección Rockefeller. Sin embargo, para 1999 había sido restaurada y se instaló en Albany Mall.
Mientras Arshile Gorky es considerado como uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y surrealista, también fue uno de los primeros pintores de la Nueva York Colegio que utiliza la técnica de tinción. Gorki creados amplios campos de color vivo, abierta e ininterrumpida que se utiliza en muchos de sus cuadros como jardines. En las pinturas más eficaces y exitosos de Gorki entre los años 1941-1948, se usan de manera habitual intensos campos teñidos de color, a menudo dejando correr el goteo de pintura y, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otra expresionista abstracto cuyas obras en los años 1940 traen a la mente las pinturas de tintura de la década de 1960 y la década de 1970 es James Brooks. Brooks utiliza regularmente como una técnica de tinción en sus pinturas de la década de 1940. Brooks comenzó su diluir la pintura al óleo con el fin de tener colores fluidos con la cual se vierte por goteo y las manchas en el lienzo sobre todo prima que utiliza. Estas obras combinan a menudo caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, Sam Francis’ estilo de gran escala luminosa expresionismo abstracto estaba estrechamente asociado con la pintura del campo de color. Sus pinturas a horcajadas sobre ambos campos dentro de la rúbrica expresionista abstracto, pintura de acción y la pintura de campos de color.
Después de haber visto 1951 pinturas de óleo negro adelgazado manchados en lona cruda de Jackson Pollock, Helen Frankenthaler comenzó a producir pinturas mancha de aceite en colores variados sobre tela cruda en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y mar (como se verá más adelante). Ella es uno de los creadores del movimiento de campos de color que surgió a finales de 1950. Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann. Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de colores como se ve en la puerta, 1959-1960. Hofmann fue reconocido no sólo como artista sino también como un maestro del arte, tanto en su Alemania natal y más tarde en los EE.UU. Hans Hofmann, que llegó a Estados Unidos desde Alemania en la década de 1930, trajo consigo el legado del modernismo. Hofmann fue un artista joven que trabaja enParís que pintó allí antes de la Primera Guerra Mundial trabajó en Hofmann Paríscon Robert Delaunay, y sabía de primera mano el trabajo innovador tanto de Pablo Picasso y Henri Matisse. la obra de Matisse tenía una enorme influencia sobre él, y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y la potencialidad de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campos de color, y sus teorías fueron influyentes a artistas y críticos, sobre todo a Clement Greenberg, así como a otros durante los años 1930 y 1940. En 1953 Morris Louis y Kenneth Noland dos estaban profundamente influenciado por las pinturas de manchas de Helen Frankenthaler después de visitar su estudio enNueva York. Volviendo a Washington, DC., Comenzaron a producir las grandes obras que crearon el movimiento de campo de color a finales de 1950.
En la década de 1960 después de expresionismo abstracto
En la pintura abstracta durante los años 1950 y 1960, varias nuevas direcciones, como el hard edge ejemplificado por John McLaughlin, surgido. Mientras tanto, como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto, otras formas de abstracción geométrica comenzaron a aparecer en estudios de artistas y en los círculos radicales de vanguardia. Clement Greenberg convirtió en la voz de la abstracción post-pictórica; por el comisariado de una exposición influyente de la nueva pintura que recorrió importantes museos de arte en todo elEstados Unidos en 1964. pintura del campo de color, pintura del Duro-borde y la abstracción lírica surgieron como nuevas direcciones radicales.
expresionismo abstracto y la Guerra Fría:
Desde mediados de la década de 1970 se ha sostenido por los historiadores revisionistas que el estilo atrajo la atención, a principios de 1950, de la CIA, que lo veían como representante de los EE.UU. como un refugio del pensamiento libre y el libre mercado, así como una desafiar tanto a los estilos realistas socialistas prevalentes en las naciones comunistas y el dominio de los mercados de arte europeos. El libro de Frances Stonor Saunders, la Guerra Fría Cultural-La CIA y el Mundial de Artes y Letras, (publicado en el Reino Unido como que pagó el Piper ?: CIA y la guerra fría cultural) detalla cómo la CIA financió y organizó la promoción de expresionistas abstractos americanos como parte de imperialismo cultural a través del Congreso por la Libertad Cultural de 1950 a 1967. Cabe destacar que, de Robert Motherwell serie Elegía a laEspañol Repúblicaabordar algunas de estas cuestiones políticas. Tom Braden, director fundador de la División de la CIA Internacional de Organizaciones (IOD) y ex secretario ejecutivo de laMuseo de Arte Moderno dijo en una entrevista, «Creo que fue la división más importante que la agencia tenía, y yo creo que jugó un papel muy importante en la Guerra Fría».
Contra esta tradición revisionista, un ensayo escrito por Michael Kimmelman, principal crítico de arte de The New York Times, llamado Revisando los revisionistas: The Modern, sus críticos y la Guerra Fría, argumenta que gran parte de esta información (así como la interpretación de los revisionistas de ella) con respecto a lo que estaba ocurriendo en la escena artística estadounidense durante la década de 1940 y 50 es rotundamente falsa, o en el mejor (contrario a los principios declarados historiográficas de los revisionistas) descontextualizado. Otros libros sobre el tema incluyen arte en la Guerra Fría por Christine Lindey, que también describe el arte de la Unión Soviética, al mismo tiempo; y Pollock y después editado por Francisco Frascina, que reprodujo el artículo Kimmelman.
Consecuencias:
pintor canadiense Jean-Paul Riopelle (1923-2002), miembro del grupo surrealista inspirado con sede en Montreal Les Automatistes, ayudó a introducir un relacionadas con el estilo del impresionismo abstracto al mundo del arte parisino del libro innovador de 1949. Michel Tapié, Un art autre (1952), también fue enormemente influyente en este sentido. Tapié era también un organizador y comisario de exposiciones que promovió las obras de Pollock y Hans Hofmann enEuropa. Por la década de 1960, el movimiento inicial de afectar había sido asimilada, sin embargo, sus métodos y defensores mantenido una gran influencia en el arte, afectando profundamente la obra de muchos artistas que siguieron. El expresionismo abstracto precedida Tachismo, pintura de campos de color, abstracción lírica, Fluxus, el Pop Art, Minimalismo, Postminimalism, Neo-expresionismo, y los otros movimientos de los años sesenta y setenta y que influyó en todos aquellos movimientos que se desarrollaron más tarde. Movimientos que eran respuestas directas a, y rebeliones contra el expresionismo abstracto se iniciaron con hard edge (Frank Stella, Robert Indiana y otros) y los artistas pop, en particular de Andy Warhol, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein que alcanzó prominencia en los EE.UU., acompañado por Richard Hamilton en Gran Bretaña. Robert Rauschenberg y Jasper Johns en elNOSformó un puente entre el expresionismo abstracto y el arte pop. Minimalismo fue ejemplificado por artistas como Donald Judd, Robert Mangold y Agnes Martin.
Sin embargo, muchos pintores, como Jules Olitski, Joan Mitchell y Antoni Tàpies continuaron trabajando en el estilo expresionista abstracto por muchos años, la ampliación y la expansión de sus implicaciones visuales y filosóficas, como muchos artistas abstractos siguen haciendo hoy en día, en los estilos descritos como Lyrical abstracción, neo-expresionista y otros.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, un grupo de Nueva York artistas comenzaron una de las primeras escuelas de verdaderos artistas en America, Dando lugar a una nueva era en la obra americana: el expresionismo abstracto. Esto llevó al auge del arte estadounidense que llevó a estilos como el Pop Art. Esto también ayudó a hacerNueva York en un centro cultural y artístico.
expresión abstracta expresionista valor sobre la perfección, la vitalidad durante el acabado, la fluctuación durante el reposo, la incógnita sobre lo conocido, lo velado sobre el claro, el individuo sobre la sociedad y el interior sobre el exterior.