L’arte astratta si applica in senso stretto a forme di arte occidentale del XX secolo che rifiutano la rappresentazione e non hanno alcun punto di partenza o di finitura in natura distinte dai processi di astrazione dalla natura o dagli oggetti (una tendenza ricorrente in molte culture e periodi che può essere rintracciata fin dalla pittura delle caverne paleolitiche), l’arte astratta come un’estetica consapevole basata su ipotesi di autosufficienza è un fenomeno interamente moderno

L’arte astratta usa un linguaggio visivo di forma, forma, colore e linea per creare una composizione che possa esistere con una certa indipendenza dai riferimenti visivi nel mondo. L’arte occidentale era stata, dal Rinascimento fino alla metà del 19 ° secolo, sostenuta dalla logica della prospettiva e un tentativo di riprodurre un’illusione di realtà visibile. Le arti di culture diverse dall’europea erano diventate accessibili e mostravano modi alternativi di descrivere l’esperienza visiva all’artista. Alla fine del XIX secolo molti artisti sentirono il bisogno di creare un nuovo tipo di arte che comprenderebbe i cambiamenti fondamentali che avvengono in tecnologia, scienza e filosofia. Le fonti da cui i singoli artisti hanno tratto le loro argomentazioni teoriche erano diverse e riflettevano le preoccupazioni sociali e intellettuali in tutte le aree della cultura occidentale in quel momento.

L’arte astratta, l’arte non figurativa, l’arte non oggettiva e l’arte non rappresentativa sono termini generici. Sono simili, ma forse non hanno un significato identico.

L’astrazione indica una partenza dalla realtà nella rappresentazione delle immagini nell’arte. Questa deviazione dalla rappresentazione accurata può essere lieve, parziale o completa. L’astrazione esiste lungo un continuum. Anche l’arte che mira alla verosimiglianza del più alto grado può dirsi astratta, almeno teoricamente, dal momento che la rappresentazione perfetta è probabilmente estremamente sfuggente. Un’opera d’arte che prende le libertà, alterando per esempio il colore e la forma in modi che sono vistosi, si può dire che sia parzialmente astratta. L’astrazione totale non ha alcuna traccia di alcun riferimento a qualcosa di riconoscibile. Nell’astrazione geometrica, per esempio, è improbabile trovare riferimenti a entità naturalistiche. L’arte figurativa e l’astrazione totale si escludono quasi a vicenda. Ma l’arte figurativa e rappresentativa (o realistica) spesso contiene un’astrazione parziale.

Sia l’astrazione geometrica che l’astrazione lirica sono spesso totalmente astratte. Tra i numerosi movimenti artistici che incarnano un’astrazione parziale sarebbe ad esempio il fauvismo in cui il colore è vistosamente e deliberatamente alterato rispetto alla realtà, e il cubismo, che altera palesemente le forme delle entità della vita reale rappresentate.

Early Abstraction:
Gran parte dell’arte delle culture precedenti – segni e segni su ceramica, tessuti, iscrizioni e pitture su roccia – utilizzavano forme semplici, geometriche e lineari che avrebbero potuto avere uno scopo simbolico o decorativo. È a questo livello di significato visivo che l’arte astratta comunica. Si può godere della bellezza della calligrafia cinese o della calligrafia islamica senza poterla leggere.

Nella pittura cinese, l’astrazione può essere fatta risalire al pittore della dinastia Tang Wang Mo (王 墨), che è accreditato di aver inventato lo stile della pittura a spruzzi d’inchiostro. Sebbene nessuno dei suoi dipinti rimanga, questo stile è chiaramente visibile in alcuni Song Dynasty Paintings. Il pittore buddista Chan Liang Kai (梁楷, 1140-1210) ha applicato lo stile per dipingere la pittura nel suo “Immortal in splashed ink” in cui una rappresentazione accurata viene sacrificata per migliorare la spontaneità legata alla mente non razionale degli illuminati. Un tardo pittore di Song di nome Yu Jian, abile nel buddhismo di Tiantai, creò una serie di paesaggi di inchiostro schizzato che alla fine ispirarono molti pittori zen giapponesi. I suoi dipinti mostrano montagne fortemente nebbiose in cui le forme degli oggetti sono appena visibili ed estremamente semplificate. Questo tipo di pittura è stato continuato da Sesshu Toyo nei suoi ultimi anni.

Un altro esempio di astrazione nella pittura cinese è visto nel “Cerchio cosmico” di Zhu Derun. Sul lato sinistro di questo dipinto c’è un pino in un terreno roccioso, i suoi rami intrecciati con viti che si estendono in modo disordinato verso il lato destro del dipinto in cui un cerchio perfetto (probabilmente fatto con l’aiuto di una bussola) galleggia nel vuoto. Il dipinto è un riflesso della metafisica taoista in cui il caos e la realtà sono fasi complementari del corso regolare della natura. Nel Giappone Tokugawa alcuni monaci-pittori zen crearono Enso, un circolo che rappresenta l’illuminazione assoluta. Di solito fatto in un colpo di pennello spontaneo, è diventato il paradigma dell’estetica minimalista che ha guidato parte della pittura zen.

Astrazione nel periodo del romanticismo:
Il patronato della chiesa diminuì e il mecenatismo privato del pubblico divenne più capace di fornire un sostentamento agli artisti.

Tre movimenti artistici che hanno contribuito allo sviluppo dell’arte astratta sono stati il ​​Romanticismo, l’Impressionismo e l’Espressionismo. L’indipendenza artistica per gli artisti fu avanzata durante il XIX secolo. Un interesse oggettivo in ciò che si vede, può essere discernuto dai dipinti di John Constable, J M W Turner, Camille Corot e da loro agli impressionisti che hanno continuato la pittura plein air della scuola di Barbizon.

Le prime intuizioni di una nuova arte erano state fatte da James McNeill Whistler che, nel suo dipinto Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, (1872), poneva una maggiore enfasi sulla sensazione visiva rispetto alla rappresentazione degli oggetti.

I pittori espressionisti esplorarono l’uso audace della superficie pittorica, disegnando distorsioni ed esagerazioni e colori intensi. Gli espressionisti producevano dipinti carichi di emozioni che erano reazioni e percezioni dell’esperienza contemporanea; e reazioni all’Impressionismo e altre direzioni più conservatrici della pittura del tardo XIX secolo. Gli espressionisti cambiarono drasticamente l’enfasi sull’argomento a favore del ritratto degli stati psicologici dell’essere. Sebbene artisti come Edvard Munch e James Ensor abbiano tratto influenze principalmente dal lavoro dei post-impressionisti, sono stati determinanti per l’avvento dell’astrazione nel 20 ° secolo. Paul Cézanne aveva iniziato come Impressionista ma il suo obiettivo – fare una costruzione logica della realtà basata su una visione da un singolo punto, con colori modulati in aree piane – divenne la base di una nuova arte visiva, che in seguito sarebbe stata sviluppata in Cubismo da Georges Braque e Pablo Picasso.

Inoltre, alla fine del XIX secolo, nell’Europa orientale il misticismo e la prima filosofia religiosa modernista espressa dal teosofo Madame. Blavatsky ebbe un profondo impatto su artisti geometrici pionieri come Hilma af Klint e Wassily Kandinsky. L’insegnamento mistico di Georges Gurdjieff e P.D. Anche Ouspensky ebbe un’importante influenza sulle prime formazioni degli stili geometrici astratti di Piet Mondrian e dei suoi colleghi all’inizio del XX secolo.

Astrazione in periodo moderno:
Post impressionismo come praticato da Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh e Paul Cézanne ha avuto un impatto enorme sull’arte del XX secolo e ha portato all’avvento dell’astrazione del XX secolo. L’eredità di pittori come Van Gogh, Cézanne, Gauguin e Seurat era essenziale per lo sviluppo dell’arte moderna. All’inizio del XX secolo Henri Matisse e molti altri giovani artisti tra cui il pre-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck hanno rivoluzionato il mondo artistico parigino con paesaggi selvaggi, multicolori, espressivi e quadri che i critici chiamavano il fauvismo. Con il suo uso espressivo del colore e il suo libero e fantasioso disegno Henri Matisse si avvicina molto alla pura astrazione in French Window a Collioure (1914), View of Notre-Dame (1914) e The Yellow Curtain del 1915. Il linguaggio grezzo del colore come sviluppato dai Fauves influenzò direttamente un altro pioniere dell’astrazione, Wassily Kandinsky (vedi illustrazione).

Sebbene il cubismo dipenda in ultima analisi dalla materia, è diventato, insieme al fauvismo, il movimento artistico che ha aperto direttamente la porta all’astrazione nel 20 ° secolo. Pablo Picasso ha realizzato i suoi primi dipinti cubisti basati sull’idea di Cézanne secondo cui ogni rappresentazione della natura può essere ridotta a tre solidi: cubo, sfera e cono. Con il dipinto Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso crea drammaticamente un nuovo quadro radicale che rappresenta una scena del bordello crudo e primitivo con cinque prostitute, donne dipinte violentemente, che ricordano maschere tribali africane e le sue nuove invenzioni cubiste. Il cubismo analitico fu sviluppato congiuntamente da Pablo Picasso e Georges Braque, dal 1908 al 1912. Il cubismo analitico, la prima chiara manifestazione del cubismo, fu seguito dal cubismo sintetico, praticato da Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e altri negli anni ’20. Il cubismo sintetico è caratterizzato dall’introduzione di diverse trame, superfici, elementi di collage, papier collé e una grande varietà di soggetti uniti. Gli artisti di collage come Kurt Schwitters e Man Ray e altri che hanno preso l’idea del Cubismo sono stati fondamentali per lo sviluppo del movimento chiamato Dada.

Il poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti pubblicò il Manifesto del Futurismo nel 1909, che in seguito ispirò artisti come Carlo Carra in Pittura di suoni, rumori e odori e Umberto Boccioni Train in Motion, 1911, ad un ulteriore stadio di astrazione che avrebbe, insieme a Cubismo, movimenti artistici profondamente influenzati in tutta Europa.

Durante il Salon de la Section d’Or del 1912 il poeta Guillaume Apollinaire nominò il lavoro di diversi artisti tra cui Robert, Orphism. L’ha definita come l’arte di dipingere nuove strutture con elementi che non sono stati presi in prestito dalla sfera visiva, ma è stata creata interamente dall’artista … è un’arte pura.

Dall’inizio del secolo, i legami culturali tra gli artisti delle principali città europee sono diventati estremamente attivi mentre si sforzano di creare una forma d’arte all’altezza delle alte aspirazioni del modernismo. Le idee erano in grado di cross-fertilizzare attraverso libri d’artista, mostre e manifesti in modo che molte fonti fossero aperte alla sperimentazione e alla discussione e formassero una base per una varietà di modi di astrazione. Il seguente estratto di “The World Backwards” dà una certa impressione dell’interconnessione della cultura in quel momento: “La conoscenza di David Burliuk dei movimenti di arte moderna deve essere stata estremamente aggiornata, per la seconda esposizione Knave of Diamonds, che si è tenuta nel gennaio 1912 (a Mosca) includevano non solo i dipinti inviati da Monaco, ma alcuni membri del gruppo tedesco Die Brücke, mentre da Parigi provenivano lavori di Robert Delaunay, Henri Matisse e Fernand Léger, oltre a Picasso. tenne due lezioni sul cubismo e progettò una pubblicazione polemica, che il Fante di Diamanti doveva finanziare, andò all’estero a maggio e tornò deciso a rivaleggiare con l’almanacco Der Blaue Reiter che era emerso dagli stampatori mentre era in Germania “.

Dal 1909 al 1913 furono creati molti lavori sperimentali nella ricerca di questa “arte pura”: di Hilma af Klint; Francis Picabia dipinse Caoutchouc, 1909, The Spring, 1912, Dances at the Spring e The Procession, Siviglia, 1912; Wassily Kandinsky dipinse Untitled (First Abstract Watercolor), 1910, Improvisation 21A, la serie Impression e Picture with a Circle (1911); František Kupka aveva dipinto le opere di Orphist, Dischi di Newton (Studio per la fuga in due colori), 1912 e Amorpha, Fuga e deux couleurs (Fuga in due colori), 1912; Robert Delaunay dipinse una serie intitolata Simultaneous Windows and Formes Circulaires, Soleil n ° 2 (1912-13); Léopold Survage creò Colored Rhythm (Studio per il film), 1913; Piet Mondrian, dipinse il tableau n. 1 e la composizione n. 11, 1913.

E la ricerca continuò: i disegni Rayist (Luchizm) di Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, usavano linee come raggi di luce per realizzare una costruzione. Kasimir Malevich completò il suo primo lavoro interamente astratto, il Suprematista, “Quadrato nero”, nel 1915. Un altro gruppo del Suprematista “Liubov Popova, creò le Costruzioni Architettoniche e le Costruzioni di Forze Spaziali tra il 1916 e il 1921. Piet Mondrian stava evolvendo il suo linguaggio astratto, di linee orizzontali e verticali con rettangoli di colore, tra il 1915 e il 1919, il neoplasticismo era l’estetica che Mondrian, Theo van Doesburg e altri del gruppo De Stijl intendevano rimodellare l’ambiente del futuro.

Musica di astrazione:
Man mano che l’arte visiva diventa più astratta, sviluppa alcune caratteristiche della musica: una forma d’arte che usa gli elementi astratti del suono e le divisioni del tempo. Wassily Kandinsky, egli stesso un musicista, è stato ispirato dalla possibilità di segni e colori associativi che risuonano nell’anima. L’idea era stata avanzata da Charles Baudelaire, secondo cui tutti i nostri sensi rispondono a vari stimoli, ma i sensi sono collegati ad un livello estetico più profondo.

Strettamente correlato a questo, è l’idea che l’arte abbia la dimensione spirituale e possa trascendere l’esperienza “ogni giorno”, raggiungendo un piano spirituale. La Società Teosofica rese popolare l’antica saggezza dei libri sacri dell’India e della Cina nei primi anni del secolo. Fu in questo contesto che Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint e altri artisti che lavoravano verso uno “stato senza oggetto” si interessarono all’occulto come modo di creare un oggetto “interiore”. Le forme universali e senza tempo che si trovano nella geometria: il cerchio, il quadrato e il triangolo diventano gli elementi spaziali nell’arte astratta; sono, come il colore, i sistemi fondamentali alla base della realtà visibile.

impatto:
Avanguardia russa:
Molti degli artisti astratti in Russia divennero costruttivisti credendo che l’arte non fosse più qualcosa di remoto, ma la vita stessa. L’artista deve diventare un tecnico, imparando a usare gli strumenti e i materiali della produzione moderna. Arte nella vita! era lo slogan di Vladimir Tatlin e quello di tutti i costruttivisti del futuro. Varvara Stepanova e Alexandre Exter e altri abbandonarono la pittura da cavalletto e dirottarono le loro energie verso il design del teatro e le opere grafiche. Dall’altro lato c’erano Kazimir Malevich, Anton Pevsner e Naum Gabo. Sostenevano che l’arte fosse essenzialmente un’attività spirituale; creare il posto dell’individuo nel mondo, non organizzare la vita in senso pratico e materialista. Molti di coloro che erano ostili all’idea di produzione materialistica dell’arte lasciarono la Russia. Anton Pevsner andò in Francia, Gabo andò prima a Berlino, poi in Inghilterra e infine in America. Kandinsky studiò a Mosca e partì per il Bauhaus. Verso la metà degli anni ’20 il periodo rivoluzionario (dal 1917 al 1921) in cui gli artisti erano liberi di sperimentare era finito; e negli anni ’30 era permesso solo il realismo socialista.

Il Bauhaus:
Il Bauhaus di Weimar, in Germania, fu fondato nel 1919 da Walter Gropius. La filosofia alla base del programma di insegnamento era l’unità di tutte le arti visive e plastiche dall’architettura e dalla pittura alla tessitura e al vetro colorato. Questa filosofia era nata dalle idee del movimento Arts and Crafts in Inghilterra e dal Deutscher Werkbund. Tra gli insegnanti c’erano Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers e László Moholy-Nagy. Nel 1925 la scuola fu trasferita a Dessau e, quando il partito nazista ottenne il controllo nel 1932, il Bauhaus fu chiuso. Nel 1937 una mostra di arte degenerata, “Entartete Kunst” conteneva tutti i tipi di arte d’avanguardia disapprovata dal partito nazista. Poi è iniziato l’esodo: non solo dal Bauhaus ma dall’Europa in generale; a Parigi, a Londra e in America. Paul Klee andò in Svizzera ma molti degli artisti del Bauhaus andarono in America.

Astrazione a Parigi e Londra:
Durante gli anni ’30, Parigi divenne l’ospite di artisti provenienti da Russia, Germania, Paesi Bassi e altri paesi europei colpiti dall’aumento del totalitarismo. Sophie Tauber e Jean Arp hanno collaborato a dipinti e sculture usando forme organiche / geometriche. La polacca Katarzyna Kobro ha applicato idee matematiche alla scultura. I molti tipi di astrazione ora nelle immediate vicinanze hanno portato i tentativi degli artisti di analizzare i vari raggruppamenti concettuali ed estetici. Una mostra di quarantasei membri del gruppo Cercle et Carré, organizzata da Joaquin Torres-Garcia con l’aiuto di Michel Seuphor, conteneva opere dei neoplasticisti e astrattisti vari come Kandinsky, Anton Pevsner e Kurt Schwitters. Criticato da Theo van Doesburg per essere una collezione troppo indefinita, ha pubblicato la rivista Art Concret che ha definito un manifesto che definisce un’arte astratta in cui la linea, il colore e la superficie sono solo la realtà concreta. L’Abstraction-Création, fondata nel 1931 come gruppo più aperto, fornì un punto di riferimento per gli artisti astratti, mentre la situazione politica peggiorava nel 1935 e gli artisti si raggrupparono nuovamente, molti a Londra. La prima mostra di arte astratta britannica si tenne in Inghilterra nel 1935. L’anno seguente la più internazionale mostra di astrattismo e calcestruzzo fu organizzata da Nicolete Gray che comprendeva opere di Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth e Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson e Gabo si trasferirono nel gruppo di St. Ives in Cornovaglia per continuare il loro lavoro “costruttivista”.

America: metà del secolo
Durante l’ascesa al potere dei nazisti negli anni ’30 molti artisti fuggirono dall’Europa negli Stati Uniti. Agli inizi degli anni ’40 i principali movimenti dell’arte moderna, espressionismo, cubismo, astrazione, surrealismo e dada erano rappresentati a New York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton, erano solo alcuni degli europei esiliati che arrivarono a New York. Le ricche influenze culturali portate dagli artisti europei sono state distillate e costruite dai pittori locali di New York. Il clima di libertà a New York ha permesso a tutte queste influenze di prosperare. Le gallerie d’arte che si concentravano principalmente sull’arte europea iniziarono a notare la comunità artistica locale e il lavoro di giovani artisti americani che avevano iniziato a maturare. Alcuni artisti in questo momento sono diventati distintamente astratti nel loro lavoro maturo. Durante questo periodo la composizione di pittura di Piet Mondrian n. 10, 1939-1942, caratterizzata da colori primari, terra bianca e linee di griglia nere definì chiaramente il suo approccio radicale ma classico al rettangolo e all’arte astratta in generale. Alcuni artisti del periodo sfidarono la categorizzazione, come Georgia O’Keeffe che, pur essendo un’astrattista modernista, era un puro anticonformista in quanto dipinse forme altamente astratte pur non aderendo a nessun gruppo specifico del periodo.

Alla fine, gli artisti americani che lavoravano in una grande varietà di stili iniziarono a fondersi in gruppi stilistici coesi. Il gruppo più noto di artisti americani divenne noto come gli espressionisti astratti e la scuola di New York. A New York c’era un’atmosfera che incoraggiava la discussione e c’erano nuove opportunità di apprendimento e crescita. Artisti e insegnanti John D. Graham e Hans Hofmann divennero importanti figure di ponte tra i modernisti europei appena arrivati ​​e gli artisti americani più giovani che diventavano maggiorenni. Mark Rothko, nato in Russia, ha iniziato con immagini fortemente surrealiste che successivamente si sono dissolte nelle sue potenti composizioni a colori dei primi anni ’50. Il gesto espressionistico e l’atto stesso di dipingere diventarono di primaria importanza per Jackson Pollock, Robert Motherwell e Franz Kline. Mentre negli anni ’40 il lavoro figurativo di Arshile Gorky e Willem de Kooning si è evoluto in astrazione alla fine del decennio. New York City divenne il centro, e gli artisti di tutto il mondo gravitarono verso di esso; anche da altri posti in America.

Sviluppi successivi:
Arte digitale, pittura hard-edge, astrazione geometrica, minimalismo, astrazione lirica, arte op, espressionismo astratto, pittura a colori, pittura monocromatica, assemblaggio, neo-Dada, pittura su tela sagomata, sono alcune direzioni relative all’astrazione nella seconda metà del 20 ° secolo.

Negli Stati Uniti, l’arte come oggetto, come si vede nella scultura minimalista di Donald Judd e nei dipinti di Frank Stella, sono visti oggi come nuove permutazioni. Altri esempi includono Lyrical Abstraction e l’uso sensuale del colore visto nel lavoro di pittori diversi come Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell.

Causa:
Una spiegazione socio-storica che è stata offerta per la crescente prevalenza dell’astratto nell’arte moderna – una spiegazione legata al nome di Theodor W. Adorno – è che tale astrazione è una risposta e una riflessione alla crescente astrazione di relazioni sociali nella società industriale.

Anche Frederic Jameson vede l’astrazione modernista come una funzione del potere astratto del denaro, equiparando tutte le cose allo stesso modo come valori di scambio. Il contenuto sociale dell’arte astratta è quindi precisamente la natura astratta dell’esistenza sociale – le formalità legali, l’impersonalizzazione burocratica, l’informazione / potere – nel mondo della tarda modernità.

I post-junghiani, al contrario, vedrebbero le teorie quantistiche con la loro disintegrazione delle idee convenzionali di forma e materia come fondamento del divorzio del concreto e dell’astratto nell’arte moderna.