El arte abstracto se aplica en su sentido más estricto a las formas del arte occidental del siglo 20 que rechazan la representación y no tienen de partida o de acabado de punto en la naturaleza A diferencia de los procesos de abstracción de la naturaleza o de objetos (una tendencia que se repite en muchas culturas y períodos que se puede rastrearse ya en la pintura rupestre paleolítico), el arte abstracto como una estética consciente basado en suposiciones de la autosuficiencia es un fenómeno totalmente moderna

Arte abstracto utiliza una lengua visual de la forma, la forma, el color y línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de referencias visuales en el mundo. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo 19, apoyado en la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas a la europea se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A finales del siglo 19 muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcaría los cambios fundamentales que tienen lugar en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las que artistas individuales sacaron sus argumentos teóricos fueron diversas,

El arte abstracto, el arte no figurativo, arte no objetivo, y el arte no representativo son términos vagamente relacionados. Son similares, pero quizás no de significado idéntico.

Abstracción indica un alejamiento de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Esta salida de representación exacta puede ser leve, parcial o completa. La abstracción existe a lo largo de un continuo. Incluso el arte que tiene como objetivo la verosimilitud del más alto grado puede decirse que es abstracto, al menos teóricamente, ya que es probable que sea muy difícil de alcanzar representación perfecta. Ilustraciones que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma en formas que son visibles, se puede decir que ser parcialmente abstracto. La extracción total lleva ningún rastro de cualquier referencia a nada reconocible. En la abstracción geométrica, por ejemplo, uno es poco probable encontrar referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero figurado y representativo (o realista) a menudo contiene el arte abstracción parcial.

Tanto la abstracción geométrica y la abstracción lírica son a menudo totalmente abstracto. Entre los muy numerosos movimientos de arte que encarnan abstracción parcial sería por ejemplo fauvism en el que el color está visible y deliberadamente alterada vis-a-vis la realidad, y el cubismo, que altera evidentemente las formas de las entidades de la vida real representados.

Abstracción principios:
Gran parte del arte de las culturas anteriores – signos y marcas en la cerámica, textiles, y inscripciones y pinturas en roca – Se utiliza simples, geométricas y lineales formas que podrían haber tenido un propósito simbólico o decorativo. Es en este nivel de significado visual que comunica el arte abstracto. Uno puede disfrutar de la belleza de la caligrafía china o la caligrafía islámica, sin ser capaz de leerlo.

En la pintura china, la abstracción se puede remontar al pintor dinastía Tang Wang Mo ( 王墨), a quien se atribuye haber inventado el estilo de pintura-salpicado de tinta. Mientras que ninguno de sus cuadros permanecen, este estilo se ve claramente en algunas pinturas de la dinastía Song. El pintor budista Chan Liang Kai ( 梁楷, c.1140 -1210) que se aplica el estilo de entender la pintura en su «inmortal en tinta salpicado» en el que se sacrifica representación precisa para mejorar la espontaneidad vinculado a la mente no racional de los iluminados. Un pintor Canción tarde llamado Yu Jian, adeptos a Tiantai budismo, creó una serie de paisajes salpicados de tinta que con el tiempo han inspirado a muchos pintores Zen japoneses. Sus pinturas muestran montañas brumosas en gran medida en la que las formas de los objetos son apenas visibles y extremadamente simplificada. Este tipo de pintura fue continuada por Sesshu Toyo en sus últimos años.

Otro ejemplo de la abstracción en la pintura china se ve en Zhu Derun de «Círculo cósmico». En el lado izquierdo de esta pintura es un árbol de pino en suelo rocoso, sus ramas entrelazadas con las vides que se extienden en forma desordenada en el lado derecho de la pintura en la que un círculo perfecto (probablemente hizo con la ayuda de una brújula) flotadores en el vacío. la pintura es un reflejo de la metafísica taoísta en el que el caos y la realidad son etapas complementarias del curso normal de la naturaleza. en Tokugawa Japónalgunos monjes zen pintores crearon Enso, un círculo que representa la iluminación absoluta. Por lo general hecha en una pincelada espontánea, se convirtió en el paradigma de la estética minimalista que guió parte de la pintura zen.

Abstracción en período de romanticismo:
Patrocinio de la iglesia disminuye y el patrocinio privado de lo público se hizo más capaz de proporcionar un medio de vida para los artistas.

Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron Romanticismo, Impresionismo y el Expresionismo. independencia artística para los artistas fue avanzado durante el siglo 19. Un interés objetivo en lo que se ve, se puede discernir a partir de los cuadros de John Constable, JMW Turner, Camilo C y de éstos a los impresionistas que continuó la pintura al aire libre de laBarbizon colegio.

Los primeros indicios de un nuevo arte habían sido hechas por James McNeill Whistler, que, en su pintura Nocturno en Negro y oro: el Rocket que cae, (1872), puso mayor énfasis en la sensación visual de la representación de objetos.

pintores expresionistas exploraron el uso audaz de superficie de la pintura, el dibujo distorsiones y exageraciones, y de color intenso. Expresionistas producidos pinturas cargadas de emoción que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y las reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadores de la pintura de finales del siglo 19. Los expresionistas cambió drásticamente el énfasis en la materia a favor de la representación de los estados psicológicos del ser. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor dibujaron influencias principalmente del trabajo de los postimpresionistas que jugaron un papel decisivo a la llegada de la abstracción en el siglo 20. Paul Cézanne había comenzado como un impresionista pero su objetivo – para hacer una construcción lógica de la realidad basada en una vista desde un único punto,

Adicionalmente a finales del siglo 19 en Europa del Estela mística y principios de la filosofía religiosa modernista según lo expresado por teósofo Mme. Blavatsky tuvo un profundo impacto en los artistas pioneros geométricas como Hilma af Klint y Wassily Kandinsky. La enseñanza mística de Georges Gurdjieff y Ouspensky también tuvo una influencia importante en las primeras formaciones de los estilos abstractos geométricos de Piet Mondrian y sus colegas en el siglo 20.

Abstracción en época moderna:
Impresionismo del poste tal como se practica por Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo 20 y condujo a la aparición de la abstracción del siglo 20. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat y era esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo 20 Henri Matisse y varios otros jóvenes artistas, incluyendo el pre-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionó elParísmundo del arte con «salvaje», de varios colores, paisajes y pinturas de figuras expresivas que los críticos llaman fauvismo. Con su uso expresivo del color y su libre e imaginativo dibujo Henri Matisse se acerca mucho a la abstracción pura en ventana francesa en Collioure (1914), Vista de Notre Dame (1914), y la cortina de amarillo a partir de 1915. El lenguaje crudo del color como el desarrollado por los fauvistas influido directamente en otro de los pioneros de la abstracción, Wassily Kandinsky (ver ilustración).

Aunque el cubismo depende en última instancia la materia, se convirtió, junto con el fauvismo, el movimiento artístico que se abrió la puerta directamente a la abstracción en el siglo 20. Pablo Picasso hizo sus primeras pinturas cubistas en base a la idea de Cézanne que toda representación de la naturaleza se pueden reducir a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Las señoritas de Avignon (1907), Picasso creó una nueva forma espectacular y radical de imagen que representa una escena del burdel crudo y primitivo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recuerdan a las máscaras tribales africanas y sus propias invenciones nuevas cubistas. cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 a través de 1912. cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicada por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y otros en la década de 1920. cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, de Colle papier y una gran variedad de temas fusionado. Los artistas collage como Kurt Schwitters y Man Ray y otros que toman la pista del cubismo fueron fundamentales para el desarrollo del movimiento llamado Dada.

El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publicó el Manifiesto del Futurismo en 1909, que más tarde inspiró a artistas como Carlo Carra en Pintura de sonidos, ruidos y olores y Umberto Boccioni tren en movimiento, 1911, a una etapa adicional de abstracción que lo haría, junto con cubismo, influyó profundamente en los movimientos del arte a lo largo Europa.

Durante el 1912 Salón de la Section d’Or el poeta Guillaume Apollinaire nombrado el trabajo de varios artistas como Robert, el orfismo. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados de la esfera visual, sino que había sido creado en su totalidad por el artista … es un arte puro.

Desde el cambio de siglo, las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas habían vuelto extremadamente activos a medida que se esforzaron para crear una forma de arte igual a las altas aspiraciones del modernismo. Las ideas eran capaces destinado a potenciar por medio de libros de artista, exposiciones y manifiestos por lo que muchas fuentes estaban abiertos a la experimentación y la discusión, y formaron la base para una diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto de ‘El mundo al revés’ da una impresión de la interconexión de la cultura de la época: «El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debe haber sido muy arriba-hasta la fecha, para el segundo Sota de Diamantes exposición, sostuvo en enero de 1912 (en Moscú) incluyó no sólo pinturas enviadas desde Múnich, pero algunos miembros del grupo Die Brücke alemán, mientras que desde París llegó obra de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como Picasso. Durante la primavera David Burliuk dio dos conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que la Sota de Diamantes era financiar. Se fue al extranjero en mayo y regresó decidido a competir con el almanaque Der Blaue Reiter, que había surgido de las impresoras mientras se encontraba enAlemania».

De 1909 a 1913 muchos trabajos experimentales en la búsqueda de este ‘arte puro’ se habían creado: por Hilma af Klint; Francis Picabia pintado Caucho, 1909, La primavera de 1912, baila en la primavera y la procesión, Sevilla, 1912; Wassily Kandinsky pintó sin título (Primera acuarela abstracta) de 1910, la improvisación 21A, la serie de impresión, y la imagen con un círculo (1911); František Kupka había pintado las obras Orphist, Discos de Newton (Estudio para Fuga en dos colores), 1912 y Amorpha, Fuga en deux couleurs (Fuga en dos colores), 1912; Robert Delaunay pintó una serie titulada simultánea de Windows y Formes Circulaires, Soleil n ° 2 (1912 a 1913); Léopold Survage creado color Ritmo (Estudio para la película), 1913; Piet Mondrian, pintado Tableau N ° 1 y N ° 11 Composición de 1913.

Y la búsqueda continuó: Los dibujos Rayist (Luchizm) de Natalia Goncharova y Mikhail Larionov, utilizan líneas como rayos de luz para hacer una construcción. Kasimir Malevich completó su primera obra totalmente abstracta, la suprematista, ‘Cuadrado negro’En 1915. Otro del grupo suprematista’ Liubov Popova, crearon las construcciones arquitectónicas y espaciales de la Fuerza Construcciones entre 1916 y 1921. Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otra en el grupo de Stijl destinados a remodelar el entorno del futuro.

Música abstracción:
Como el arte visual se vuelve más abstracto, se desarrolla algunas características de la música: una forma de arte que utiliza los elementos abstractos de sonido y las divisiones de tiempo. Wassily Kandinsky, él mismo un músico, se inspiró en la posibilidad de marcas y rotundo de color asociativo en el alma. La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos, pero los sentidos están conectados en un nivel más profundo estética.

En estrecha relación con esto, es la idea de que el arte tiene la dimensión espiritual y puede trascender la experiencia ‘todos los días’, llegando a un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados deIndia y China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Kandinsky, Hilma af Klint y otros artistas que trabajan hacia un ‘estado sin objeto’ se interesó en lo oculto como una forma de crear un objeto ‘interior’. Las formas universales y atemporales que se encuentran en la geometría: el círculo, cuadrado y triángulo se convierten en los elementos espaciales en el arte abstracto; que están, como el color, los sistemas fundamentales que subyacen en la realidad visible.

Impacto:
Vanguardia rusa:
Muchos de los artistas abstractos de Rusiase convirtieron constructivistas creen que el arte ya no era algo remoto, sino la vida misma. El artista debe convertirse en un técnico, aprender a utilizar las herramientas y los materiales de la producción moderna. Arte en la vida! era el lema de Vladimir Tatlin, y la de todos los futuros constructivistas. Varvara Stepanova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y desvían sus energías al diseño de teatro y obras gráficas. Por otro lado se encontraba Kazimir Malevich, Anton Pevsner y Naum Gabo. Ellos argumentaron que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido práctico, materialista. Muchos de los que eran hostiles a la idea de la producción materialista del arte izquierdoRusia. Anton Pevsner fue aFrancia, Fue primero a Gabo Berlina, A continuación, a Inglaterra y, finalmente, a America. Kandinsky estudió enMoscú luego a la izquierda de la Bauhaus. A mediados de la década de 1920 el período revolucionario (1917 a 1921), cuando los artistas había sido libre de experimentar había terminado; y por la década de 1930 sólo se permitió el realismo socialista.

La Bauhaus:
La Bauhaus en Weimar, Alemania fue fundada en 1919 por Walter Gropius. La filosofía que subyace en el programa de enseñanza era la unidad de todas las artes visuales y plásticas de la arquitectura y la pintura a tejer y vidrieras. Esta filosofía había crecido de las ideas del movimiento Arts and Crafts enInglaterray el Deutscher Werkbund. Entre los maestros fueron Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers y László Moholy-Nagy. En 1925 la escuela se trasladó aDessauy, como el partido nazi obtuvo el control en 1932, La Bauhaus fue cerrada. En 1937 una exposición de arte degenerado, ‘Entartete Kunst’ contenía todos los tipos de arte de vanguardia desaprobados por el partido nazi. Luego comenzó el éxodo: no sólo de la Bauhaus, sino de Europa en general; aParís, Londres y America. Paul Klee fue aSuiza pero muchos de los artistas de la Bauhaus fueron a America.

abstracción en París y Londres:
Durante la década de 1930 París se convirtió en el anfitrión de artistas de Rusia, Alemania, el Países Bajosy otros países europeos afectados por el ascenso de los totalitarismos. Sophie Tauber y Jean Arp colaboraron en pinturas y esculturas utilizando formas geométricas / orgánicos. La polaca Katarzyna Kobro aplicar las ideas de base matemática a la escultura. Los muchos tipos de abstracción ahora en las proximidades llevaron a los intentos de los artistas para analizar las distintas agrupaciones conceptuales y estéticas. Una exposición de cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré, organizado por Joaquín Torres-García asistido por Michel Seuphor contenía el trabajo de los neoplasticistas así como abstractos tan variados como Kandinsky, Anton Pevsner y Kurt Schwitters. Criticado por Theo van Doesburg a ser demasiado indefinida una colección que publica la revista Art Concret estableciendo un manifiesto que define un arte abstracto en el que la línea, el color y la superficie solamente, son la realidad concreta. Abstracción-Création fundada en 1931 como un grupo más abierto, siempre un punto de referencia para los artistas abstractos, ya que la situación política se agravó en 1935, y los artistas se reagruparon de nuevo, muchos en Londres. La primera exposición de arte abstracto británica se realizó enInglaterraen 1935. Al año siguiente, la exposición abstracto y concreto más internacional fue organizado por Nicolete gris incluyendo el trabajo de Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth y Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson y Gabo se trasladaron al grupo St. Ives enCornualles para continuar su trabajo ‘constructivista’.

America: medio siglo
Durante la llegada de los nazis al poder en la década de 1930 muchos artistas huido Europa para el Estados Unidos. A principios de la década de 1940 los principales movimientos del arte moderno, expresionismo, cubismo, la abstracción, el surrealismo y el dadaísmo han estado representados en Nueva York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton, eran simplemente algunos de los europeos exiliados que llegaron a Nueva York. Las ricas influencias culturales traídas por los artistas europeos se destilaron y construyen sobre los pintores locales de Nueva York. El clima de libertad enNueva Yorkpermitido todas estas influencias a florecer. Las galerías de arte que se habían concentrado principalmente en el arte europeo comenzaron a notar la comunidad artística local y el trabajo de los artistas estadounidenses más jóvenes que habían comenzado a madurar. Ciertos artistas en este momento se hicieron claramente resumen en su obra de madurez. Durante este período la pintura No. 10, 1939-1942 Composición de Piet Mondrian, caracterizado por colores primarios, tierra blanca y líneas de rejilla negra define claramente su enfoque radical pero clásica para el rectángulo y arte abstracto en general. Algunos artistas de la época desafiaron categorización, como Georgia O’Keeffe que, mientras que un abstractionist modernista, era un rebelde pura en que se pintó formas muy abstractas, mientras que no unirse a cualquier grupo específico de la época.

Con el tiempo los artistas americanos que estaban trabajando en una gran diversidad de estilos comenzaron a unirse en grupos cohesivos estilísticas. El grupo más conocido de los artistas americanos se conocía como los expresionistas abstractos y laNueva York Colegio. EnNueva York hubo un ambiente que promueve la discusión y hubo nueva oportunidad para aprender y crecer. Artistas y profesores John D. Graham y Hans Hofmann se convirtieron en importantes figuras puente entre los modernistas europeos recién llegados y los artistas americanos más jóvenes la mayoría de edad. Mark Rothko, nació en Rusia, Se inició con la imaginería surrealista firmemente que más tarde se disolvió en sus composiciones en color de gran alcance de la década de 1950. El gesto expresionista y el acto mismo de pintar, han tenido una importancia primordial a Jackson Pollock, Robert Motherwell y Franz Kline. Mientras que durante la década de 1940 obra figurativa de Willem de Kooning de Arshile Gorky y evolucionaron hacia la abstracción a finales de la década. Nueva Yorkse convirtieron en el centro, y artistas de todo el mundo se inclinaron hacia ella; de otros lugaresAmerica también.

Desarrollos posteriores:
arte digital, pintura de borde duro, abstracción geométrica, el minimalismo, la abstracción lírica, op art, expresionismo abstracto, pintura del campo de color, pintura monocromática, ensamblaje, neo-Dada, pintura formada de la lona, ​​hay algunas direcciones relativas a la abstracción en la segunda mitad del siglo 20.

En el Estados Unidos, El arte como objeto, como se ve en la escultura minimalista de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella se ve hoy en día como las nuevas permutaciones. Otros ejemplos incluyen la abstracción lírica y el uso sensual de color que se ve en la obra de pintores tan diversos como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell.

Causalidad:
Una explicación socio-histórico que se ha ofrecido para la creciente prevalencia de lo abstracto en el arte moderno – una explicación vinculada al nombre de Theodor W. Adorno – es que tal abstracción es una respuesta a, y un reflejo de la creciente abstracción de las relaciones sociales en la sociedad industrial.

Frederic Jameson ve de manera similar la abstracción moderna como una función del poder abstracto de dinero, lo que equivale todas las cosas igual de valores de cambio. El contenido social del arte abstracto es entonces precisamente la naturaleza abstracta de la existencia social – formalidades legales, despersonalización burocrático, la información / energía – en el mundo de la modernidad tardía.

Post-jungianos por el contrario vería las teorías cuánticas con la desintegración de las ideas convencionales de la materia y la forma como subyacente el divorcio de lo concreto y lo abstracto en el arte moderno.