A metà del XIX secolo, mentre la società borghese stava prendendo forma, la figura dell’artista moderno apparve sulla scena. A differenza dell’artista sotto l’antico regime, che era legato ai cicli simbolici ufficiali della Chiesa o dell’aristocrazia, il nuovo artista aveva come palcoscenico il mercato anonimo o la città cosmopolita. Di fronte a una situazione in cui l’arte era diventata merce, l’artista ha inventato una nuova religione, arte per l’arte, in cui era il sommo sacerdote. In una società in subbuglio, governata dal decoro borghese e scossa dalla lotta di classe, l’artista si presentò come lo specialista della libertà e adottò la forma del dandy, del bohémien, del rivoluzionario o dell’avanguardia. La chiave per l’artista moderno, quindi, sembra risiedere nel suo confronto con le convenzioni della società borghese e con la stessa borghesia come classe, ma questo contiene un profondo paradosso e una terribile aporia, poiché il nemico borghese è anche suo cliente, e l’arte, per quanto rivoluzionaria possa sembrare, è una delle stelle del mercato dei beni di lusso.

Il Museo Nazionale d’Arte della Catalogna ha riaperto il primo piano del museo, dedicato all’arte moderna, dopo un processo di rinnovamento delle collezioni, delle gallerie e della museografia. Il nuovo display offre una nuova narrativa critica e complessa che evita la semplice successione di stili e nomi e comprende tutte le produzioni artistiche del periodo: scultura e pittura, disegni e stampe, fotografia, poster, cinema, architettura e arti decorative. Ora c’è una maggiore presenza di elementi che ti aiuteranno a comprendere il contesto sociale, storico e artistico e che evidenziano i collegamenti internazionali di artisti e movimenti di Barcellona e della Catalogna. Il nuovo display arriva per la prima volta fino agli anni ’50, incluso il movimento Dau al Set (il primo movimento artistico post-Seconda Guerra Mondiale in Catalogna).

La mostra permanente di arte moderna è divisa in quattro sezioni e un epilogo: The Rise of the Modern Artist, Modernisme (s), Noucentisme (s), Art and Civil War e The Avant-garde Revival of the Post-War Years.

Punti salienti

Studio, carattere e lavoro
Dopo la metà del XIX secolo, la società non identificava più l’arte con le regole universali e i valori collettivi dell’istituzione accademica, ma con quel luogo segreto che è lo studio dell’artista. Riempito con oggetti fatti a mano, tappeti, arazzi e opere d’arte in attento disordine, come il museo ideale, o illuminato da piccole luci colorate e punteggiato dai resti di una festa senza fine, come una pura continuazione della vita bohémien, lo studio , come luogo privato, rappresenta l’espressione più radicale dell’individualità soggettiva difesa dall’artista moderno. Lo studio, quindi, ha un “personaggio” identico a quello del lavoro prodotto lì.

Ritratti e autoritratti
Probabilmente in nessun altro momento della storia gli artisti hanno dedicato così tanta energia agli autoritratti come nei tempi moderni. Attraverso acconciature o abiti che mostrano diversi gradi di eccentricità e presto diventeranno luoghi comuni, l’artista moderno mostra il suo individualismo ribelle alla società, a volte come un dandy, a volte come un bohémien. Ma ciò che è più significativo in queste nuove gallerie è la profusione di ritratti di figure che compongono le cerchie più vicine dell’artista: poeti e scrittori che, nell’esercizio della loro nuova missione come critici d’arte per periodici e riviste, dovevano diventare uno strumento essenziale per integrare l’arte moderna nella società di massa.

L’apprendistato dell’artista. L’Accademia
Rispetto alla presunta libertà dello studio, in cui si esprime la natura individuale dell’artista, l’accademia, sin dall’inizio della modernità, è diventata sinonimo della stanchezza delle regole artistiche che erano diventate obsolete quanto ipocrite. L’artista moderno ha risposto all’affetto astratto dell’Accademia con la sua sincerità soggettiva e ha reso questo confronto uno dei suoi principi, tuttavia, la formazione accademica era ancora la base dell’apprendistato e del nudo dell’artista moderno, tratto dalla vita o copiato da un nuovo mezzo come la fotografia, l’esercizio di base di quell’apprendistato.

Realismi: modello e nudo
Uno dei modi in cui l’artista moderno difende la sua indipendenza dalle norme accademiche è attraverso il realismo, inteso come una descrizione non idealizzata del mondo. Essendo il nudo il culmine dell’apprendistato accademico, non sorprende che sia anche il luogo dove questa mossa contro l’idealizzazione mostra di più. Il corpo umano esposto nella sua realtà più materiale, quindi, andava contro i canoni astratti della bellezza rappresentati nel nudo classico. L’inesauribile obiettività della fotografia, un nuovo concorrente dell’arte nel suo stesso terreno, avrebbe avuto un’enorme influenza in questa visione realistica del corpo.

L’artista nel suo studio
Lo studio è identificato con il “carattere” dell’artista moderno e con lo “stile” del suo lavoro. È un luogo di ritiro, di ispirazione e anche il nucleo da cui tale ispirazione si diffonde verso l’esterno. Le rappresentazioni moderne dello studio, sia nella pittura che nella fotografia, includono sia l’artista che l’appassionato nel profondo del pensiero e il mascalzone o il modello trasandato e, molto spesso, un dipinto di cui tutto ciò che vediamo è la barella, come simbolo del mistero di il lavoro per sempre in corso, una prerogativa dell’artista.

L’artista bohémien
L’artista moderno definisce l’arte come una religione – arte per l’arte – e se stesso come un anticonformista contrario alle convenzioni della società borghese, anche se la verità è che l’arte è una parte essenziale di un mercato di beni di lusso per cui la borghesia è gli unici clienti. In netta contraddizione con ciò, la vita dell’artista si presenta come bohémien, in altre parole, qualcuno che si identifica con i confini della società. L’artista moderno si presenta come uno zingaro (che in realtà era il significato originale della parola “bohémien”), vagabondo o attore in una commedia con sciocchi, visionari o pazzi, esseri apparentemente posseduti, come lui, dall’ispirazione.

Il ritratto borghese
Sebbene l’artista moderno definisca la sua libertà in opposizione alle convenzioni della borghesia, resta il fatto che il ritratto borghese è la sua principale fonte di reddito. Dai busti pomposi in cui dovrebbe rappresentare realisticamente tutti i pizzi e i gioielli, ai ritratti domestici – a volte quelli della sua stessa famiglia – che riflettono la sicurezza di una vita che è ricca in tutti i sensi, compresi i ritratti postumi, l’artista ricorre a qualsiasi registro. Ma questo è anche il terreno in cui la concorrenza della fotografia diventa più dura. Qui vengono considerati due tipi di realismo: la realtà dell’arte ancora “trascendente” e la realtà ora “oggettiva” della fotografia.

L’entusiasta in studio
Un vecchio mito sul prestigio dell’artista racconta come Alessandro Magno visitò Apelle nel suo studio. Baudelaire, da parte sua, ha affermato che la modernità è un’epoca di eroi nelle scarpe di vernice. Dal mondo del mito, ci spostiamo in un altro della quotidianità borghese, che gli artisti spesso descrivono nel ritiro dell’entusiasta o del collezionista che guarda le stampe in studio. La stampa, inoltre, è un supporto multiplo, uno più economico della pittura o della scultura e consente all’artista moderno di estendere il suo lavoro a strati sociali che non sono più limitati a quelli della borghesia.

orientalismo
L ‘”Oriente” è presente nell’arte e nella cultura borghese della seconda metà del XIX secolo per due ragioni. In primo luogo, la sua scoperta coincise con le campagne imperialiste delle potenze europee, che ridussero violentemente i paesi del Nord Africa al livello delle colonie; in secondo luogo, per l’immaginario europeo, un fantastico “Oriente” molto diverso dalla realtà divenne il luogo in cui era ancora possibile la passione, ormai persa nella volgarizzazione della metropoli. L’orientalismo, in breve, pieno di sogni consolanti, divenne uno dei soggetti più commerciali dei nuovi mercati dell’arte.

Japonismo e altri esotismi
Alla fine del XIX secolo, quando il Giappone aprì le sue porte al commercio con l’Occidente, l’interesse per la sua cultura e arte si diffuse rapidamente attraverso la società europea. In particolare, le stampe popolari del tipo noto come ukiyo-e sono diventate oggetti di ammirazione, sia per la borghesia che per gli artisti stessi. Gli interni borghesi pieni di ornamenti giapponesi – tessuti stampati, schermi, ombrelloni, ventagli … -, ma a differenza di quanto accaduto con altri esotismi superficialmente assimilati, lo stile di queste stampe – la linea, i colori piatti, le cornici e i formati – era essere decisivi nella strutturazione dell’estetica delle avanguardie.

Pittura storica contro attualità
Nelle gerarchie dell’arte, la pittura storica ha occupato la posizione più alta. Si trattava di opere di grande formato con molti personaggi, che gli valsero il massimo riconoscimento. Ma in un mondo artistico che non era più dominato dal simbolismo dell’antico regime, tanto quanto dalla instabilità del mercato e dal presente fugace, non c’era più spazio per quelle grandi “macchine moralizzanti”. Spinto dall’avvento del giornalismo e della fotografia e dalla necessità di preservare il suo status di fronte a questi nuovi media, l’artista moderno ha sostituito i temi storici con le questioni di attualità: la guerra coloniale, la lotta di classe, ecc.

Paesaggio 1: pittura e fotografia all’aperto
Mentre il paesaggio occupava il secondo posto sotto le antiche gerarchie, nella seconda metà del XIX secolo divenne il genere più importante della pittura. Per uno, come sinonimo di realismo, e per un altro, come l’immagine della libertà dell’artista che, dopo aver lasciato la vita chiusa dell’Accademia, ha dipinto senza ostacoli in aria, cioè all’aria aperta. Ma questo è anche un terreno in cui la concorrenza della fotografia si è mostrata nella ripetizione di argomenti e risorse formali … Il pittorialismo, un movimento fotografico che ha cercato di “elevare” la fotografia alla categoria dell’arte, ha trovato il suo argomento principale in paesaggi pieni di nuvole e retroilluminazione.

Paesaggio 2: impressionismo
La pittura a schizzi del pleinarista ebbe origine nella tecnica dello studio accademico, ma presto smise di essere un passo intermedio verso il lavoro finito per diventare un’opera a sé stante. Allo stesso tempo, una delle caratteristiche della pittura plein-air è il suo legame con il momento fugace, la luce che cambia, l’impressione sulla retina. L’impressionismo è emerso da queste due circostanze e, attraverso molteplici interpretazioni, è diventato uno stile – entrambi di pittura e di vita – che ha caratterizzato l’artista nell’età moderna, nel senso trascendente di libertà e autonomia nell’arte, nonché nella parodia e nella caricatura.

Museo Nazionale d’Arte della Catalogna
Il Museo Nazionale d’Arte della Catalogna, noto anche con il suo acronimo MNAC, è un museo d’arte nella città di Barcellona che riunisce tutte le arti la cui missione è preservare ed esibire la collezione del mondo più importante dell’arte catalana, mostrando tutto dal romanico ad oggi. Il suo attuale direttore è Josep Serra.

Il MNAC è un consorzio con una propria personalità giuridica costituita dalla Generalitat de Catalunya, dal Consiglio comunale di Barcellona e dall’Amministrazione statale generale. Oltre alle pubbliche amministrazioni, gli individui e gli enti privati ​​che collaborano con l’amministrazione sono rappresentati nel consiglio di fondazione del museo.

La sede principale si trova nel Palazzo Nazionale di Montjuïc, inaugurato nel 1929 in occasione dell’Esposizione Internazionale. Altre tre istituzioni fanno parte del museo nel suo insieme: la Biblioteca del Museo Víctor Balaguer a Vilanova i la Geltrú, il Museo Garrotxa di Olot e il Museo Cau Ferrat di Sitges, la cui gestione è indipendente e la cui proprietà si basa sui rispettivi consigli .