A mediados del siglo XIX, al mismo tiempo que la sociedad burguesa estaba tomando forma, la figura del artista moderno apareció en escena. A diferencia del artista bajo el antiguo régimen, que estaba vinculado a los ciclos simbólicos oficiales de la Iglesia o la aristocracia, el nuevo artista tuvo como escenario el mercado anónimo o la ciudad cosmopolita. Ante una situación en la que el arte se había convertido en una mercancía, el artista inventó una nueva religión, el arte por el arte, en el que era el sumo sacerdote. En una sociedad en crisis, gobernada por el decoro burgués y sacudida por la lucha de clases, el artista se presentó como el especialista en libertad y adoptó la forma del dandy, el bohemio, el revolucionario o el vanguardista. La clave para el artista moderno, entonces, parece estar en su confrontación con las convenciones de la sociedad burguesa y con la burguesía misma como clase, pero esto contiene una profunda paradoja y una terrible aporía, ya que el enemigo burgués es también su cliente, y el arte, por revolucionario que parezca, es una de las estrellas del mercado de artículos de lujo.

El Museo Nacional de Arte de Cataluña reabrió el primer piso del museo, dedicado al arte moderno, después de un proceso de renovación de las colecciones, las galerías y la museografía. La nueva pantalla ofrece una nueva narrativa crítica y compleja que evita la mera sucesión de estilos y nombres e incluye todas las producciones artísticas de la época: escultura y pintura, dibujos y grabados, fotografía, carteles, cine, arquitectura y artes decorativas. Ahora existe una mayor presencia de elementos que lo ayudarán a comprender el contexto social, histórico y artístico, y que resaltan las conexiones internacionales de artistas y movimientos de Barcelona y Cataluña. La nueva exhibición llega por primera vez hasta la década de 1950, incluido el movimiento Dau al Set (el primer movimiento artístico posterior a la Segunda Guerra Mundial en Cataluña).

La exposición permanente de arte moderno se divide en cuatro secciones y un epílogo: El ascenso del artista moderno, Modernismo (s), Novecentismo (s), Arte y Guerra Civil, y El renacimiento vanguardista de los años de la posguerra.

Destacar

Estudio, personaje y obra.
Después de mediados del siglo XIX, la sociedad ya no identificaba el arte con las reglas universales y los valores colectivos de la institución académica, sino con ese lugar secreto que es el estudio del artista. Lleno de objetos hechos a mano, alfombras, tapices y obras de arte en desorden cuidadoso, como el museo ideal, o iluminados por pequeñas luces de colores y salpicados con los restos de una fiesta sin fin, como una pura continuación de la vida bohemia, el estudio , como lugar privado, representa la expresión más radical de la individualidad subjetiva defendida por el artista moderno. El estudio, entonces, tiene un «personaje» que es idéntico al del trabajo producido allí.

Retratos y autorretratos
Probablemente en ningún otro momento de la historia los artistas hayan dedicado tanta energía a los autorretratos como en los tiempos modernos. A través de peinados o prendas que muestran diferentes grados de excentricidad y que pronto se convertirán en lugares comunes, el artista moderno muestra su individualismo rebelde a la sociedad, a veces como dandy, a veces como bohemio. Pero lo que es más significativo en estas nuevas galerías es la profusión de retratos de figuras que forman los círculos más cercanos del artista: poetas y escritores que, en el ejercicio de su nueva misión como críticos de arte para publicaciones periódicas y revistas, se convertirían en un instrumento esencial para integrando el arte moderno en la sociedad de masas.

El aprendizaje del artista. La Academia
En comparación con la supuesta libertad del estudio, en el que se expresa la naturaleza individual del artista, la academia, desde el comienzo de la modernidad, se convirtió en sinónimo de la obsolescencia de las reglas artísticas que se habían vuelto tan anticuadas como hipócritas. El artista moderno respondió a la afectación abstracta de la academia con su sinceridad subjetiva e hizo de esta confrontación uno de sus principios. Sin embargo, la formación académica seguía siendo la base del aprendizaje del artista moderno y el desnudo, extraído de la vida o copiado de un nuevo medio. como la fotografía, el ejercicio básico de ese aprendizaje.

Realismos: modelo y desnudo
Una de las formas en que el artista moderno defiende su independencia de las normas académicas es a través del realismo, entendido como una descripción no idealizada del mundo. Dado que el desnudo es la culminación del aprendizaje académico, no es de extrañar que también sea donde más se muestra este movimiento contra la idealización. El cuerpo humano exhibido en su realidad más material, por lo tanto, fue en contra de los cánones abstractos de belleza representados en el clásico desnudo. La ineludible objetividad de la fotografía, un nuevo competidor del arte en su propio terreno, debía tener una enorme influencia en esta visión realista del cuerpo.

El artista en su estudio.
El estudio se identifica con el «carácter» del artista moderno tanto como con el «estilo» de su trabajo. Es un lugar de retiro, de inspiración, y también el núcleo desde el cual se extiende esa inspiración. Las representaciones modernas del estudio, ya sea en pintura o fotografía, incluyen tanto al artista o entusiasta sumido en el pensamiento como al bribón o modelo descuidado y, muy a menudo, una pintura de la que todo lo que vemos es la camilla, como símbolo del misterio de El trabajo para siempre en progreso, una prerrogativa del artista.

El artista bohemio
El artista moderno define el arte como una religión –arte por el arte– y a sí mismo como un inconformista opuesto a las convenciones de la sociedad burguesa, aunque la verdad es que el arte es una parte esencial de un mercado de bienes de lujo para el cual la burguesía es Los únicos clientes. En marcada contradicción con esto, la vida del artista se presenta como bohemia, en otras palabras, alguien que se identifica con los dedos de la sociedad. El artista moderno se presenta como un gitano (que de hecho era el significado original de la palabra «bohemio»), vagabundo o actor en una obra de teatro con tontos, visionarios o locos, seres aparentemente poseídos, como él, por inspiración.

El retrato burgués
Aunque el artista moderno define su libertad en oposición a las convenciones de la burguesía, el hecho es que el retrato burgués es su principal fuente de ingresos. Desde pomposos bustos en los que se espera que represente de manera realista todos los encajes y joyas, hasta retratos domésticos, a veces los de su propia familia, que reflejan la seguridad de una vida rica en todos los sentidos, e incluye retratos póstumos, el artista recurre a cualquier registro. Pero este es también el terreno en el que la competencia de la fotografía se vuelve más dura. Aquí se consideran dos tipos de realismo: la realidad todavía «trascendente» del arte y la realidad ahora «objetiva» de la fotografía.

El entusiasta en el estudio
Un viejo mito sobre el prestigio del artista cuenta cómo Alejandro Magno visitó a Apelles en su estudio. Baudelaire, por su parte, dijo que la modernidad es una era de héroes en zapatos de charol. Del mundo de los mitos, pasamos a otro de la cotidianidad burguesa, que los artistas a menudo representan en la retirada del entusiasta o coleccionista que mira impresiones en el estudio. La impresión, además, es un medio múltiple, uno más barato que la pintura o la escultura, y permite al artista moderno extender su trabajo a estratos sociales que ya no se limitan a los de la burguesía.

orientalismo
El «Oriente» está presente en el arte y la cultura burgueses de la segunda mitad del siglo XIX por dos razones. Primero, su descubrimiento coincidió con las campañas imperialistas de las potencias europeas, que redujeron violentamente los países del norte de África al nivel de colonias; En segundo lugar, para el imaginario europeo, un fantástico «Oriente» que era muy diferente del real se convirtió en el lugar donde la pasión, ahora perdida en la vulgarización de la metrópoli, todavía era posible. El orientalismo, en resumen, lleno de sueños consoladores, se convirtió en uno de los temas más comerciales de los nuevos mercados de arte.

Japonismo y otros exotismos
A finales del siglo XIX, cuando Japón abrió sus puertas al comercio con Occidente, el interés por su cultura y arte se extendió rápidamente por la sociedad europea. En particular, los grabados populares del tipo conocido como ukiyo-e se convirtieron en objetos de admiración, tanto para la burguesía como para los propios artistas. Interiores burgueses llenos de adornos japoneses –paños impresos, pantallas, sombrillas, abanicos …–, pero a diferencia de lo que había sucedido con otros exotismos superficialmente asimilados, el estilo de estas impresiones –la línea, los colores planos, el encuadre y los formatos– era ser decisivo en la estructuración de la estética de las vanguardias.

Pintura histórica versus actualidad
En las jerarquías del arte, la pintura histórica ha ocupado la posición más alta. Estas fueron obras de gran formato con muchos personajes, lo que le valió al artista su mayor reconocimiento. Pero en un mundo artístico que ya no estaba dominado por el simbolismo del antiguo régimen, tanto como por la inconstancia del mercado y el presente fugaz, ya no había espacio para esas grandes «máquinas de moralización». Impulsado por el advenimiento del periodismo y la fotografía y la necesidad de preservar su estatus frente a estos nuevos medios, el artista moderno reemplazó los temas históricos con temas de actualidad: la guerra colonial, la lucha de clases, etc.

Paisaje 1: pintura al aire libre y fotografía
Mientras que el paisaje ocupó el segundo lugar bajo las antiguas jerarquías, en la segunda mitad del siglo XIX se convirtió en el género más importante en la pintura. Por un lado, como sinónimo de realismo, y por otro, como la imagen de la libertad del artista que, tras abandonar la vida cerrada de la academia, pintó al aire libre sin trabas, es decir, al aire libre. Pero este es también un terreno en el que la competencia de la fotografía se mostró en la repetición de la materia y los recursos formales … El pictorialismo, un movimiento fotográfico que buscaba ‘elevar’ la fotografía a la categoría de arte, encontró su tema principal en paisajes llenos de nubes y luz de fondo.

Paisaje 2: Impresionismos
La pintura en forma de boceto del pleinarista se originó en la técnica del estudio académico, pero pronto dejó de ser un paso intermedio hacia el trabajo terminado para convertirse en un trabajo por derecho propio. Al mismo tiempo, una de las características de la pintura plein-air es su vínculo con el momento fugaz, la luz cambiante, la impresión en la retina. El impresionismo surgió de estas dos circunstancias y, a través de múltiples interpretaciones, se convirtió en un estilo, tanto de pintura como de vida, que caracterizaba al artista en la era moderna, en el sentido trascendental de libertad y autonomía en el arte, así como en la parodia y la caricatura.

Museo Nacional de Arte de Cataluña
El Museo Nacional de Arte de Cataluña, también conocido por sus siglas MNAC, es un museo de arte en la ciudad de Barcelona que reúne todas las artes cuya misión es preservar y exhibir la colección del mundo más importante del arte catalán, mostrando todo desde el románico hasta el presente. Su actual director es Josep Serra.

El MNAC es un consorcio con personalidad jurídica propia constituido por la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y la Administración General del Estado. Además de las administraciones públicas, los individuos y las entidades privadas que colaboran con la administración están representados en el consejo de administración del museo.

La sede principal se encuentra en el Palacio Nacional de Montjuïc, inaugurado en 1929 con motivo de la Exposición Internacional. Otras tres instituciones también forman parte del museo en su conjunto: la Biblioteca del Museo Víctor Balaguer en Vilanova i la Geltrú, el Museo Garrotxa en Olot y el Museo Cau Ferrat en Sitges, cuya gestión es independiente y su titularidad se basa en los respectivos consejos. .