Au milieu du XIXe siècle, en même temps que la société bourgeoise prenait forme, la figure de l’artiste moderne apparaissait sur la scène. Contrairement à l’artiste sous l’Ancien Régime, lié aux cycles symboliques officiels de l’Église ou de l’aristocratie, le nouvel artiste avait pour scène le marché anonyme ou la ville cosmopolite. Face à une situation où l’art est devenu marchandise, l’artiste invente une nouvelle religion, l’art pour l’art, dont il est le grand prêtre. Dans une société en ébullition, régie par le décorum bourgeois et ébranlée par la lutte des classes, l’artiste se présente comme le spécialiste de la liberté et adopte la forme du dandy, du bohème, du révolutionnaire ou de l’avant-gardiste. La clé de l’artiste moderne semble donc résider dans sa confrontation avec les conventions de la société bourgeoise et avec la bourgeoisie elle-même en tant que classe, mais cela contient un paradoxe profond et une aporie terrible, car l’ennemi bourgeois est également son client, et l’art, si révolutionnaire qu’il puisse paraître, est l’une des stars du marché des produits de luxe.
Le Musée National d’Art de Catalogne a rouvert le premier étage du musée, dédié à l’Art Moderne, après un processus de rénovation des collections, des galeries et de la muséographie. Le nouvel affichage propose une nouvelle narration critique et complexe qui évite la simple succession de styles et de noms et regroupe toutes les productions artistiques de l’époque: sculpture et peinture, dessins et estampes, photographie, affiche, cinéma, architecture et arts décoratifs. Maintenant, il y a une plus grande présence d’éléments qui vous aideront à comprendre le contexte social, historique et artistique, et qui mettent en évidence les liens internationaux des artistes et des mouvements de Barcelone et de la Catalogne. La nouvelle exposition va pour la première fois jusqu’aux années 1950, y compris le mouvement Dau al Set (le premier mouvement artistique post-Seconde Guerre mondiale en Catalogne).
L’exposition permanente sur l’art moderne est divisée en quatre sections et un épilogue: The Rise of the Modern Artist, Modernisme (s), Noucentisme (s), Art and Civil War et The Avant-garde Revival of the Post-War Years.
Points forts
Studio, personnage et travail
Après le milieu du XIXe siècle, la société n’identifie plus l’art aux règles universelles et aux valeurs collectives de l’institution universitaire, mais à ce lieu secret qu’est l’atelier de l’artiste. Rempli d’objets faits à la main, de tapis, de tapisseries et d’œuvres d’art en désordre minutieux, comme le musée idéal, ou éclairé par de petites lumières colorées et parsemé des restes d’une fête sans fin, comme une pure continuation de la vie bohème, le studio , en tant que lieu privé, représente l’expression la plus radicale de l’individualité subjective défendue par l’artiste moderne. Le studio a donc un «caractère» identique à celui de l’œuvre qui y est produite.
Portraits et autoportraits
À aucun autre moment de l’histoire, les artistes n’ont consacré autant d’énergie aux autoportraits qu’aux temps modernes. À travers des coiffures ou des vêtements présentant différents degrés d’excentricité et qui deviendront bientôt des lieux communs, l’artiste moderne montre son individualisme rebelle à la société, parfois en dandy, parfois en bohème. Mais ce qui est plus significatif dans ces nouvelles galeries, c’est la profusion de portraits de personnages qui composent les cercles les plus proches de l’artiste: des poètes et des écrivains qui, dans l’exercice de leur nouvelle mission de critiques d’art pour les périodiques et les magazines, devaient devenir un instrument essentiel pour intégrer l’art moderne dans la société de masse.
L’apprentissage de l’artiste. L’Académie
Comparée à la prétendue liberté du studio, dans laquelle s’exprime la nature individuelle de l’artiste, l’académie, dès le début de la modernité, est devenue synonyme de la pérennité des règles artistiques devenues aussi démodées qu’hypocrites. L’artiste moderne a répondu à l’affectation abstraite de l’académie avec sa sincérité subjective et a fait de cette confrontation l’un de ses principes.Cependant, la formation académique était toujours la base de l’apprentissage de l’artiste moderne et du nu, tiré de la vie ou copié à partir d’un nouveau médium. comme la photographie, l’exercice de base de cet apprentissage.
Réalismes: modèle et nu
L’un des moyens par lesquels l’artiste moderne défend son indépendance des normes académiques passe par le réalisme, compris comme une description non réalisée du monde. Le nu étant le point culminant de l’apprentissage académique, il n’est guère surprenant que ce soit aussi là que cette tendance à l’idéalisation se manifeste le plus. Le corps humain affiché dans sa réalité la plus matérielle allait donc à l’encontre des canons abstraits de la beauté représentés dans le nu classique. L’objectivité inéluctable de la photographie, nouvelle concurrente de l’art sur son propre terrain, va avoir une énorme influence sur cette vision réaliste du corps.
L’artiste dans son atelier
Le studio s’identifie autant au «caractère» de l’artiste moderne qu’au «style» de son œuvre. C’est un lieu de retraite, d’inspiration et aussi le noyau à partir duquel cette inspiration se propage vers l’extérieur. Les représentations modernes de l’atelier, que ce soit en peinture ou en photographie, incluent à la fois l’artiste ou un passionné plongé dans ses pensées et le coquin ou le modèle négligé et, très souvent, une peinture dont tout ce que nous voyons est la civière, comme symbole du mystère de l’œuvre pour toujours en cours, une prérogative de l’artiste.
L’artiste bohème
L’artiste moderne définit l’art comme une religion – l’art pour l’art – et lui-même comme un non-conformiste opposé aux conventions de la société bourgeoise, bien que la vérité soit que l’art est un élément essentiel d’un marché de produits de luxe pour lequel la bourgeoisie est les seuls clients. En contradiction marquée avec cela, la vie de l’artiste apparaît comme bohème – en d’autres termes, quelqu’un qui s’identifie aux doigts de la société. L’artiste moderne apparaît comme un gitan (qui était en fait le sens originel du mot «bohème»), le vagabond ou l’acteur dans une pièce mettant en scène des imbéciles, des visionnaires ou des fous, des êtres apparemment possédés, comme lui, par inspiration.
Le portrait bourgeois
Si l’artiste moderne définit sa liberté par opposition aux conventions de la bourgeoisie, il n’en demeure pas moins que le portrait bourgeois est sa principale source de revenus. Des bustes pompeux dans lesquels il est censé représenter de manière réaliste toutes les dentelles et les bijoux, aux portraits domestiques – parfois ceux de sa propre famille – qui reflètent la sécurité d’une vie riche dans tous les sens, et y compris les portraits posthumes, l’artiste recourt à n’importe quel registre. Mais c’est aussi le terrain sur lequel la concurrence de la photographie se durcit. Deux types de réalisme sont considérés ici: la réalité encore «transcendante» de l’art et la réalité désormais «objective» de la photographie.
Le passionné du studio
Un vieux mythe sur le prestige de l’artiste raconte comment Alexandre le Grand a rendu visite à Apelles dans son atelier. Baudelaire, pour sa part, a déclaré que la modernité est une ère de héros dans les chaussures en cuir verni. Du monde du mythe, nous passons à un autre de la vie quotidienne bourgeoise, que les artistes dépeignent souvent dans le retrait du passionné ou du collectionneur regardant des estampes en studio. L’impression, en outre, est un médium multiple, moins cher que la peinture ou la sculpture, et permet à l’artiste moderne d’étendre son travail à des couches sociales qui ne se limitent plus à celles de la bourgeoisie.
orientalisme
L’Orient est présent dans l’art et la culture bourgeoises de la seconde moitié du XIXe siècle pour deux raisons. Tout d’abord, sa découverte a coïncidé avec les campagnes impérialistes des puissances européennes, qui ont violemment réduit les pays d’Afrique du Nord au niveau des colonies; deuxièmement, pour l’imaginaire européen, un fantastique «Orient» très différent de la réalité est devenu le lieu où la passion, désormais perdue dans la vulgarisation de la métropole, était encore possible. L’orientalisme, en somme, rempli de rêves consolants, est devenu l’un des sujets les plus commerciaux des nouveaux marchés de l’art.
Japonisme et autres exotismes
À la fin du XIXe siècle, lorsque le Japon a ouvert ses portes au commerce avec l’Occident, l’intérêt pour sa culture et son art s’est rapidement répandu dans la société européenne. En particulier, les gravures populaires du type connu sous le nom d’ukiyo-e sont devenues des objets d’admiration, à la fois pour la bourgeoisie et pour les artistes eux-mêmes. Intérieurs bourgeois remplis d’ornements japonais – tissus imprimés, écrans, parasols, éventails … -, mais contrairement à ce qui s’était passé avec d’autres exotismes assimilés superficiellement, le style de ces imprimés – la ligne, les couleurs plates, le cadrage et les formats – était être décisif dans la structuration de l’esthétique des avant-gardes.
Peinture historique versus actualité
Dans les hiérarchies de l’art, la peinture historique a occupé la position la plus élevée. Ce sont des œuvres de grand format avec de nombreux personnages, qui ont valu à l’artiste sa plus grande reconnaissance. Mais dans un monde artistique qui n’était plus dominé par le symbolisme de l’ancien régime, autant que par l’inconstance du marché et le présent éphémère, il n’y avait plus de place pour ces grandes «machines moralisatrices». Poussé par l’avènement du journalisme et de la photographie et la nécessité de préserver son statut face à ces nouveaux médias, l’artiste moderne a remplacé les thèmes historiques par des enjeux d’actualité: la guerre coloniale, la lutte des classes, etc.
Paysage 1: peinture et photographie en plein air
Alors que le paysage occupait la deuxième place sous les anciennes hiérarchies, dans la seconde moitié du XIXe siècle, il est devenu le genre le plus important de la peinture. Pour l’un, comme synonyme de réalisme, et pour l’autre, comme l’image de la liberté de l’artiste qui, ayant quitté la vie fermée de l’académie, peint sans entrave en plein air, c’est-à-dire en plein air. Mais c’est aussi un terrain où la concurrence de la photographie se manifeste dans la répétition du sujet et des ressources formelles … Le pictorialisme, un mouvement photographique qui cherche à «élever» la photographie à la catégorie de l’art, trouve son sujet principal dans paysages remplis de nuages et rétro-éclairage.
Paysage 2: Impressionnismes
La peinture en forme de croquis du pleinariste est née de la technique de l’étude académique, mais a rapidement cessé d’être une étape intermédiaire vers l’œuvre finie pour devenir une œuvre à part entière. En même temps, l’une des caractéristiques de la peinture en plein air est son lien avec l’instant fugace, la lumière changeante, l’impression sur la rétine. L’impressionnisme a émergé de ces deux circonstances et, à travers de multiples interprétations, est devenu un style – à la fois de peinture et de vie – qui a caractérisé l’artiste à l’époque moderne, dans le sens transcendantal de la liberté et de l’autonomie dans l’art ainsi que dans la parodie et la caricature.
Musée national d’art de Catalogne
Le Musée National d’Art de Catalogne, également connu sous son acronyme MNAC, est un musée d’art de la ville de Barcelone qui rassemble tous les arts dont la mission est de préserver et d’exposer la collection du monde le plus important de l’art catalan, montrant tout du roman à nos jours. Son directeur actuel est Josep Serra.
Le MNAC est un consortium doté de sa propre personnalité juridique, constitué par la Generalitat de Catalunya, la mairie de Barcelone et l’administration générale de l’État. En plus des administrations publiques, des individus et des entités privées collaborant avec l’administration sont représentés au conseil d’administration du musée.
Le siège principal est situé dans le Palais national de Montjuïc, ouvert en 1929 à l’occasion de l’Exposition internationale. Trois autres institutions font également partie du musée dans son ensemble: la bibliothèque du musée Víctor Balaguer à Vilanova i la Geltrú, le musée Garrotxa à Olot et le musée Cau Ferrat à Sitges, dont la gestion est indépendante et sa propriété est basée sur les conseils respectifs .