Come palcoscenico per il potere borghese e la lotta di classe, la città in subbuglio all’inizio del secolo fu anche la cornice per eccellenza dell’arte moderna. Tutti gli effetti dell’industrializzazione, della tecnizzazione, del mercato dei beni di lusso e dei nuovi mercati di massa nel consumismo, della moda e dell’intrattenimento, dell’esaltazione dell’immagine e della violenza iconoclasta, della costruzione e della distruzione, della libertà e della repressione. si trovano lì. L’artista moderno, nella sua duplice capacità di dandy e bohémien, pensa di poter frequentare tutti i suoi strati, dai salotti della borghesia, i suoi clienti, alla taverna, al bordello, alla sala della musica o alla strada, dove identifica la sua libertà bohémien con quella degli emarginati e dei down and out. In città, le arti tradizionali trovano il loro posto tra le arti e l’artigianato e i nuovi media – fotografia, illustrazione, film – per creare gli stili del XX secolo. Il modernismo era l’equivalente a Barcellona di movimenti come Art Nouveau, Sezession, Jugendstil o Liberty, nomi in cui sono presenti i concetti di novità, rottura e giovinezza. Come in questi casi, il Modernismo abbracciava non solo l’arte ma tutti i campi della cultura, della vita sociale e della politica, e doveva essere decisivo nella produzione simbolica del nazionalismo catalano del volgere del secolo.

Il Museo Nazionale d’Arte della Catalogna ha riaperto il primo piano del museo, dedicato all’arte moderna, dopo un processo di rinnovamento delle collezioni, delle gallerie e della museografia. Il nuovo display offre una nuova narrativa critica e complessa che evita la semplice successione di stili e nomi e comprende tutte le produzioni artistiche del periodo: scultura e pittura, disegni e stampe, fotografia, poster, cinema, architettura e arti decorative. Ora c’è una maggiore presenza di elementi che ti aiuteranno a comprendere il contesto sociale, storico e artistico e che evidenziano i collegamenti internazionali di artisti e movimenti di Barcellona e della Catalogna. Il nuovo display arriva per la prima volta fino agli anni ’50, incluso il movimento Dau al Set (il primo movimento artistico post-Seconda Guerra Mondiale in Catalogna).

La mostra permanente di arte moderna è divisa in quattro sezioni e un epilogo: The Rise of the Modern Artist, Modernisme (s), Noucentisme (s), Art and Civil War e The Avant-garde Revival of the Post-War Years.

Punti salienti

Art nouveau a Parigi
Durante gli anni della svolta del secolo, Parigi era la capitale della modernità. Un centro indiscusso per la moda e il mercato dei beni di lusso, era anche il centro del mercato di massa e del popolare mercato del tempo libero e dei nuovi media: pubblicità, cartellonistica, ecc. Parigi offriva le giuste condizioni per un’arte indipendente: influente critici, pubblicazioni abbondanti, incontri intellettuali di ogni genere, galleristi e clienti interessati all’avanguardia. Ogni artista moderno ha dovuto tentare la fortuna qui e il fatto è che molti di loro, provenienti da tutto il mondo, hanno prodotto il loro miglior lavoro in quei brevi anni di Parigi, sotto lo shock della città del divertimento.

Art nouveau a Barcellona
Se c’era un posto a Barcellona che rappresentava la modernità con radici parigine, questa era la taverna Els Quatre Gats (1897-1903), fondata da un gruppo di artisti che avevano vissuto a Parigi – Casas, Rusiñol, Utrillo – e gestito da Pere Romeu, una delle figure centrali della Barcellona bohémien. Oltre a promuovere riviste e altre pubblicazioni, ha raccolto appassionati e artisti di età diverse, tra cui, come è noto, il giovane Picasso. Come i luoghi di Montmartre che lo hanno ispirato, ospitava mostre, concerti e spettacoli di marionette, in coincidenza con l’invenzione del cinema, di cui Barcellona doveva diventare un importante centro di produzione.

Il pittore della vita moderna
In The Painter of Modern Life, un saggio pubblicato nel 1863, Baudelaire identificava l’arte con ciò che è fugace e circostanziale, l’inconveniente che caratterizza la modernità, e l’artista con il flâneur, il “passeggino” curioso e infastidito che sfuma nella folla. Il teatro e la sala da musica, il viale e il parco, la notte, la moda, il trucco femminile … sono i luoghi e gli oggetti di questa vita moderna, inseparabili dal ritmo della città delle masse, che è diventata un spettacolo in sé. Intorno al 1900, a Parigi oa Barcellona, ​​come in tante città europee, gli artisti sembravano culminare nel ruolo assegnato loro da Baudelaire.

La casa dei “modernisti”
Durante la seconda metà del XIX secolo, come reazione alla produzione ornamentale industrializzata e prodotta in serie, i commerci tradizionali videro un risveglio in tutta Europa. Artisti e architetti hanno progettato di tutto, dalle teche di vetro alla pavimentazione, e artigiani di ogni genere – produttori di cabine, tappezzieri, orafi, ferrieri, vasai, vetri, ecc. – hanno trovato una casa comune in un’architettura che sognava di condurre una nuova armonia nel arti e mestieri tanto quanto desiderava la sintesi di arte e vita. Di fronte a una città devastata dalla violenza e dalla lotta di classe – a quel tempo Barcellona aveva un fiorente movimento operaio in quei giorni ed era conosciuta in tutto il mondo come la Rosa del Fuoco -, la casa divenne il rifugio ideale per quell’utopia borghese.

Antoni Gaudí e Josep Maria Jujol
Gaudí è il nome più noto del Modernismo ed è di gran lunga la sua figura più eccezionale. Ma invece di considerarlo un genio isolato, come è accaduto così spesso, dovremmo collocarlo nel ricco contesto di Barcellona all’inizio del secolo. Il suo lavoro non è nato dalla sua immaginazione solitaria, ma ha portato le aspirazioni che caratterizzano il Modernismo all’estremo più radicale, in particolare quelle della sua architettura: raggiungere la sintesi delle arti e dei mestieri, dell’arte e della vita, sotto la guida del architetto. Nonostante tutto, e in vista del suo radicalismo, Gaudí aveva pochi alunni. Jujol, che lavorò con Gaudí intorno al 1906, era l’unica persona in grado di preservare la tensione del maestro nel suo lavoro, usando un approccio che alla fine convergeva con le tecniche delle avanguardie: collage, assemblaggio, ecc.

“Modernisti” conservatori
Ci sono innumerevoli lati della produzione simbolica della modernità e molti di loro sono, paradossalmente, conservatori. Sia la Chiesa che le istituzioni della borghesia hanno sviluppato un’arte pubblica monumentale – architettura, scultura, pittura murale, ecc. – che, attraverso le tecniche della modernità, ha trasmesso un messaggio tradizionale di potere e gerarchia. Gli stessi artisti, hanno trovato i modi adatti sui circuiti convenzionali del mercato – gallerie, mostre o saloni – per soddisfare la coscienza colpevole della borghesia: povertà, vecchiaia, difficoltà umane, carità o sentimentalismo religioso sono diventati soggetti artistici di successo.

Simbolismi 1
Alla fine del 19 ° secolo, ci furono una serie di reazioni contro il realismo e il naturalismo che presero il nome generale di simbolismo. Nel campo dell’arte, questa reazione è stata anche contro la mancanza di trascendenza nell’impressionismo e ciò che è stato proposto era l’idealismo dominato da valori poetici e spirituali. Ma il simbolismo, che si esprimeva anche in fotografia, illustrazione e poster, era di molti tipi diversi: dal più mite, con collegamenti al sentimentalismo religioso o al mondo delle fiabe, al più inquietante, legato all’erotismo, al male e al paure individuali e collettive del tempo.

Boemia, miserabilismo e pittura nera
Il pensiero bohémien porta l’artista a interessarsi al lato più oscuro e primitivo della società in cui vive. Ciò può accadere come reazione alla pittoricità ufficiale o al sentimentalismo religioso o come identificazione inquietante con le infamie di difficoltà e “degenerazione”. Il caso di Nonell e dei suoi ritratti di mendicanti, cretini o, soprattutto, donne zingare – sempre diversi ma sempre uguali – era uno dei punti forti dell’ideologia bohémien.

Simbolismi 2
I valori poetici e spirituali sostenuti dal simbolismo e dal suo desiderio di trascendenza contro l’antidealismo del realismo e dell’impressionismo si riflettevano anche nei formati dei loro dipinti o fotografie, che a volte cercavano di evocare quelli dell’arte religiosa. In opposizione al semplice dipinto a cavalletto che è una caratteristica della modernità, il simbolismo ha proposto la complessità del ciclo o il retablo – trittico o polittico – e ha esteso il lavoro dall’interno del dipinto al design della cornice.

Museo Nazionale d’Arte della Catalogna
Il Museo Nazionale d’Arte della Catalogna, noto anche con il suo acronimo MNAC, è un museo d’arte nella città di Barcellona che riunisce tutte le arti la cui missione è preservare ed esibire la collezione del mondo più importante dell’arte catalana, mostrando tutto dal romanico ad oggi. Il suo attuale direttore è Josep Serra.

Il MNAC è un consorzio con una propria personalità giuridica costituita dalla Generalitat de Catalunya, dal Consiglio comunale di Barcellona e dall’Amministrazione statale generale. Oltre alle pubbliche amministrazioni, gli individui e gli enti privati ​​che collaborano con l’amministrazione sono rappresentati nel consiglio di fondazione del museo.

La sede principale si trova nel Palazzo Nazionale di Montjuïc, inaugurato nel 1929 in occasione dell’Esposizione Internazionale. Altre tre istituzioni fanno parte del museo nel suo insieme: la Biblioteca del Museo Víctor Balaguer a Vilanova i la Geltrú, il Museo Garrotxa di Olot e il Museo Cau Ferrat di Sitges, la cui gestione è indipendente e la cui proprietà si basa sui rispettivi consigli .