Mitte des 19. Jahrhunderts, zur gleichen Zeit, als die bürgerliche Gesellschaft Gestalt annahm, tauchte die Figur des modernen Künstlers auf. Im Gegensatz zu dem Künstler unter dem Ancien Régime, der an die offiziellen Symbolzyklen der Kirche oder der Aristokratie gebunden war, hatte der neue Künstler den anonymen Markt oder die kosmopolitische Stadt als Bühne. Angesichts einer Situation, in der Kunst zu Waren geworden war, erfand der Künstler eine neue Religion, Kunst um der Kunst willen, in der er der Hohepriester war. In einer Gesellschaft in Aufruhr, die von bürgerlichem Anstand regiert und vom Klassenkampf erschüttert wird, präsentierte sich der Künstler als Spezialist für Freiheit und nahm die Form des Dandy, des Bohemiens, des Revolutionärs oder des Avantgardisten an. Der Schlüssel zum modernen Künstler scheint also in seiner Konfrontation mit den Konventionen der bürgerlichen Gesellschaft und mit der Bourgeoisie selbst als Klasse zu liegen, aber dies beinhaltet ein tiefgreifendes Paradoxon und eine schreckliche Aporia, da der bürgerliche Feind auch sein Klient ist. und Kunst, so revolutionär sie auch erscheinen mag, ist einer der Stars des Marktes für Luxusgüter.

Das Nationale Kunstmuseum von Katalonien hat nach einer Renovierung der Sammlungen, der Galerien und der Museographie den ersten Stock des Museums für moderne Kunst wiedereröffnet. Das neue Display bietet eine neue kritische und komplexe Erzählung, die die bloße Abfolge von Stilen und Namen vermeidet und alle künstlerischen Produktionen dieser Zeit umfasst: Skulptur und Malerei, Zeichnungen und Drucke, Fotografie, Plakatarbeit, Kino, Architektur und dekorative Kunst. Jetzt gibt es eine größere Präsenz von Elementen, die Ihnen helfen, den sozialen, historischen und künstlerischen Kontext zu verstehen, und die die internationalen Verbindungen von Künstlern und Bewegungen in Barcelona und Katalonien hervorheben. Die neue Ausstellung reicht erstmals bis in die 1950er Jahre, einschließlich der Bewegung Dau al Set (die erste künstlerische Bewegung nach dem Zweiten Weltkrieg in Katalonien).

Die Dauerausstellung für moderne Kunst ist in vier Abschnitte und einen Epilog unterteilt: Der Aufstieg des modernen Künstlers, Modernismus (e), Noucentismus (e), Kunst und Bürgerkrieg und Die Avantgarde-Wiederbelebung der Nachkriegsjahre.

Höhepunkte

Studio, Charakter und Arbeit
Nach der Mitte des 19. Jahrhunderts identifizierte die Gesellschaft Kunst nicht mehr mit den universellen Regeln und kollektiven Werten der akademischen Institution, sondern mit dem geheimen Ort, der das Atelier des Künstlers ist. Gefüllt mit handgefertigten Gegenständen, Teppichen, Wandteppichen und Kunstwerken in vorsichtiger Unordnung, wie das ideale Museum, oder beleuchtet von kleinen bunten Lichtern und übersät mit den Überresten eines endlosen Festes, wie eine reine Fortsetzung des böhmischen Lebens, das Studio repräsentiert als privater Ort den radikalsten Ausdruck der subjektiven Individualität, die der moderne Künstler verteidigt. Das Studio hat also einen „Charakter“, der mit dem der dort produzierten Arbeit identisch ist.

Porträts und Selbstporträts
Wahrscheinlich haben Künstler zu keiner anderen Zeit in der Geschichte so viel Energie für Selbstporträts aufgewendet wie in der Neuzeit. Durch Frisuren oder Kleidung mit unterschiedlichem Grad an Exzentrizität und bald zu Gemeinplätzen zeigt der moderne Künstler seinen rebellischen Individualismus gegenüber der Gesellschaft, manchmal als Dandy, manchmal als Bohemian. Bedeutender in diesen neuen Galerien ist jedoch die Fülle von Porträts von Figuren, aus denen die engsten Kreise des Künstlers bestehen: Dichter und Schriftsteller, die in Ausübung ihrer neuen Mission als Kunstkritiker für Zeitschriften und Magazine ein wesentliches Instrument werden sollten Integration moderner Kunst in die Massengesellschaft.

Die Ausbildung des Künstlers. Die Akademie
Verglichen mit der vermeintlichen Freiheit des Ateliers, in der sich die individuelle Natur des Künstlers ausdrückt, wurde die Akademie von Beginn der Moderne an zum Inbegriff für die Stalinität künstlerischer Regeln, die ebenso veraltet wie scheinheilig geworden waren. Der moderne Künstler reagierte auf die abstrakte Beeinflussung der Akademie mit seiner subjektiven Aufrichtigkeit und machte diese Konfrontation zu einem seiner Prinzipien. Dennoch war die akademische Ausbildung immer noch die Grundlage für die Ausbildung des modernen Künstlers und den Akt, der aus dem Leben stammt oder aus einem neuen Medium kopiert wurde wie die Fotografie die Grundübung dieser Ausbildung.

Realismen: Modell und Akt
Eine Möglichkeit, wie der moderne Künstler seine Unabhängigkeit von akademischen Normen verteidigt, ist der Realismus, der als unidealisierte Beschreibung der Welt verstanden wird. Da der Akt der Höhepunkt der akademischen Ausbildung ist, ist es nicht verwunderlich, dass sich hier auch dieser Schritt gegen die Idealisierung am meisten zeigt. Der in seiner materiellsten Realität dargestellte menschliche Körper widersprach daher den abstrakten Kanonen der Schönheit, die im klassischen Akt dargestellt sind. Die unabdingbare Objektivität der Fotografie, eines neuen Konkurrenten der Kunst in ihrem eigenen Terrain, sollte einen enormen Einfluss auf diese realistische Sicht des Körpers haben.

Der Künstler in seinem Atelier
Das Studio wird sowohl mit dem „Charakter“ des modernen Künstlers als auch mit dem „Stil“ seiner Arbeit identifiziert. Es ist ein Ort des Rückzugs, der Inspiration und auch der Kern, von dem aus sich diese Inspiration nach außen ausbreitet. Moderne Darstellungen des Ateliers, ob in der Malerei oder in der Fotografie, umfassen sowohl den in Gedanken versunkenen Künstler oder Enthusiasten als auch den ungepflegten Schlingel oder das Modell und sehr oft ein Gemälde, von dem wir nur die Trage sehen, als Symbol für das Geheimnis von die Arbeit für immer im Gange, ein Vorrecht des Künstlers.

Der böhmische Künstler
Der moderne Künstler definiert Kunst als Religion – Kunst um der Kunst willen – und sich selbst als Nonkonformist gegen die Konventionen der bürgerlichen Gesellschaft, obwohl die Wahrheit ist, dass Kunst ein wesentlicher Bestandteil eines Marktes für Luxusgüter ist, für den die Bourgeoisie ist die einzigen Kunden. In deutlichem Widerspruch dazu wirkt das Leben des Künstlers böhmisch – mit anderen Worten, jemand, der sich mit den Fingern der Gesellschaft identifiziert. Der moderne Künstler wirkt wie ein Zigeuner (was eigentlich die ursprüngliche Bedeutung des Wortes „Bohemian“ war), Drifter oder Schauspieler in einem Stück mit Narren, Visionären oder Verrückten, Wesen, die scheinbar wie er von Inspiration besessen sind.

Das bürgerliche Porträt
Obwohl der moderne Künstler seine Freiheit im Gegensatz zu den Konventionen der Bourgeoisie definiert, bleibt die Tatsache bestehen, dass das bürgerliche Porträt seine Haupteinnahmequelle ist. Von pompösen Büsten, in denen er alle Spitzen und Juwelen realistisch darstellen soll, bis zu häuslichen Porträts – manchmal auch von denen seiner eigenen Familie -, die die Sicherheit eines in jeder Hinsicht reichen Lebens widerspiegeln, einschließlich posthumer Porträts, greift der Künstler zurück zu jedem Register. Dies ist aber auch das Terrain, in dem die Konkurrenz durch die Fotografie härter wird. Hier werden zwei Arten von Realismus betrachtet: die immer noch „transzendente“ Realität der Kunst und die jetzt „objektive“ Realität der Fotografie.

Der Enthusiast im Studio
Ein alter Mythos über das Prestige des Künstlers erzählt, wie Alexander der Große Apelles in seinem Atelier besuchte. Baudelaire seinerseits sagte, die Moderne sei ein Zeitalter der Helden in Lackschuhen. Aus der Welt des Mythos bewegen wir uns in eine andere Welt des bürgerlichen Alltags, die Künstler oft im Rückzug des Enthusiasten oder Sammlers darstellen, der Drucke im Studio betrachtet. Der Druck ist außerdem ein Mehrfachmedium, eines billiger als Malerei oder Skulptur, und lässt den modernen Künstler seine Arbeit auf soziale Schichten ausdehnen, die nicht mehr auf die der Bourgeoisie beschränkt sind.

Orientalismus
Der „Orient“ ist in der bürgerlichen Kunst und Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts aus zwei Gründen präsent. Erstens fiel seine Entdeckung mit den imperialistischen Feldzügen der europäischen Mächte zusammen, die die Länder Nordafrikas gewaltsam auf das Niveau von Kolonien reduzierten; zweitens wurde für die europäische Imaginäre ein fantastischer „Orient“, der sich sehr von der Realität unterschied, der Ort, an dem Leidenschaft, die jetzt in der Vulgarisierung der Metropole verloren ging, noch möglich war. Kurz gesagt, der Orientalismus, erfüllt von tröstenden Träumen, wurde zu einem der kommerziellsten Themen der neuen Kunstmärkte.

Japonismus und andere Exotik
Ende des 19. Jahrhunderts, als Japan seine Türen für den Handel mit dem Westen öffnete, verbreitete sich das Interesse an seiner Kultur und Kunst rasch in der europäischen Gesellschaft. Insbesondere die populären Drucke des als Ukiyo-e bekannten Typs wurden sowohl für die Bourgeoisie als auch für die Künstler selbst zu Bewunderungsobjekten. Das bürgerliche Interieur war mit japanischen Ornamenten gefüllt – bedruckte Tücher, Bildschirme, Sonnenschirme, Fächer … -, aber anders als bei anderen oberflächlich assimilierten Exotiken war der Stil dieser Drucke – die Linie, die flachen Farben, die Rahmung und die Formate – bei der Strukturierung der Ästhetik der Avantgarden entscheidend zu sein.

Historische Malerei versus aktuelle Angelegenheiten
In den Hierarchien der Kunst hat die historische Malerei die höchste Position eingenommen. Dies waren großformatige Werke mit vielen Charakteren, die dem Künstler seine größte Anerkennung einbrachten. Aber in einer künstlerischen Welt, die nicht mehr von der Symbolik des alten Regimes dominiert wurde, sondern vielmehr von der Unbeständigkeit des Marktes und der flüchtigen Gegenwart, gab es keinen Platz mehr für diese großen „Moralisierungsmaschinen“. Angetrieben vom Aufkommen des Journalismus und der Fotografie und der Notwendigkeit, seinen Status angesichts dieser neuen Medien zu bewahren, ersetzte der moderne Künstler historische Themen durch aktuelle Themen: den Kolonialkrieg, den Klassenkampf usw.

Landschaft 1: Open-Air-Malerei und Fotografie
Während die Landschaft unter den alten Hierarchien den zweiten Platz einnahm, wurde sie in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zum wichtigsten Genre der Malerei. Zum einen als Inbegriff für Realismus und zum anderen als Bild der Freiheit des Künstlers, der, nachdem er das geschlossene Leben der Akademie verlassen hatte, ungehindert im Freien gemalt hat, dh unter freiem Himmel. Dies ist aber auch ein Terrain, in dem sich die Konkurrenz durch die Fotografie in der Wiederholung von Themen und formalen Ressourcen zeigte … Der Pictorialismus, eine fotografische Bewegung, die die Fotografie zur Kategorie der Kunst „erheben“ wollte, fand ihr Hauptthema in wolkengefüllte Landschaften und Hintergrundbeleuchtung.

Landschaft 2: Impressionismen
Das skizzenhafte Gemälde des Pleinaristen entstand in der Technik des akademischen Studiums, war aber bald kein Zwischenschritt mehr zum fertigen Werk, um ein eigenständiges Werk zu werden. Gleichzeitig ist eine der Eigenschaften der Freilichtmalerei die Verbindung zum flüchtigen Moment, dem wechselnden Licht, dem Eindruck auf der Netzhaut. Der Impressionismus entstand aus diesen beiden Umständen und wurde durch mehrfache Interpretationen zu einem Stil – sowohl der Malerei als auch des Lebens -, der den Künstler in der Moderne, im transzendentalen Sinn für Freiheit und Autonomie in der Kunst sowie in Parodie und Karikatur charakterisierte.

Nationales Kunstmuseum von Katalonien
Das National Art Museum of Catalonia, auch bekannt unter dem Akronym MNAC, ist ein Kunstmuseum in der Stadt Barcelona, ​​das alle Künste zusammenbringt, deren Aufgabe es ist, die Sammlung der wichtigsten katalanischen Kunstwelt zu bewahren und auszustellen und alles zu zeigen von der Romanik bis zur Gegenwart. Ihr derzeitiger Direktor ist Josep Serra.

Das MNAC ist ein Konsortium mit eigener Rechtspersönlichkeit, das sich aus der Generalitat de Catalunya, dem Stadtrat von Barcelona und der General State Administration zusammensetzt. Neben den öffentlichen Verwaltungen sind Einzelpersonen und private Einrichtungen, die mit der Verwaltung zusammenarbeiten, im Kuratorium des Museums vertreten.

Der Hauptsitz befindet sich im Nationalpalast von Montjuïc, der 1929 anlässlich der Internationalen Ausstellung eröffnet wurde. Drei weitere Institutionen sind ebenfalls Teil des gesamten Museums: die Víctor Balaguer Museumsbibliothek in Vilanova i la Geltrú, das Garrotxa Museum in Olot und das Cau Ferrat Museum in Sitges, deren Verwaltung unabhängig ist und deren Eigentümer die jeweiligen Räte sind .