Em meados do século XIX, ao mesmo tempo em que a sociedade burguesa estava tomando forma, a figura do artista moderno apareceu em cena. Ao contrário do artista do antigo regime, ligado aos ciclos simbólicos oficiais da Igreja ou da aristocracia, o novo artista tinha como palco o mercado anônimo ou a cidade cosmopolita. Diante de uma situação em que a arte se tornou mercadoria, o artista inventou uma nova religião, a arte pela arte, na qual ele era o sumo sacerdote. Numa sociedade em tumulto, governada pelo decoro burguês e abalada pela luta de classes, o artista se apresentou como especialista em liberdade e adotou a forma de dândi, boêmio, revolucionário ou avant-gardista. A chave do artista moderno, portanto, parece estar em seu confronto com as convenções da sociedade burguesa e com a própria burguesia como classe, mas isso contém um paradoxo profundo e uma aporia terrível, pois o inimigo burguês também é seu cliente, e a arte, por mais revolucionária que pareça, é uma das estrelas do mercado em artigos de luxo.

O Museu Nacional de Arte da Catalunha reabriu o primeiro andar do museu, dedicado à Arte Moderna, após um processo de renovação das coleções, galerias e museografia. A nova tela oferece uma nova narrativa crítica e complexa que evita a mera sucessão de estilos e nomes e inclui todas as produções artísticas do período: escultura e pintura, desenhos e gravuras, fotografia, pôsteres, cinema, arquitetura e artes decorativas. Agora, há uma presença maior de elementos que ajudarão você a entender o contexto social, histórico e artístico e que destacam as conexões internacionais de artistas e movimentos de Barcelona e Catalunha. A nova exibição vai pela primeira vez até a década de 1950, incluindo o movimento Dau al Set (o primeiro movimento artístico pós-Segunda Guerra Mundial na Catalunha).

A exposição permanente de Arte Moderna é dividida em quatro seções e um epílogo: A Ascensão do Artista Moderno, Modernismo (s), Noucentismo (s), Arte e Guerra Civil e O Avivamento do Renascimento dos Anos do Pós-Guerra.

Destaques

Estúdio, personagem e trabalho
Depois de meados do século XIX, a sociedade deixou de identificar a arte com as regras universais e os valores coletivos da instituição acadêmica, mas com aquele lugar secreto que é o estúdio do artista. Cheio de objetos feitos à mão, tapetes, tapeçarias e obras de arte em cuidadosa desordem, como o museu ideal, ou iluminado por pequenas luzes coloridas e pontilhado com os restos de um banquete interminável, como uma pura continuação da vida boêmia, o estúdio , como lugar privado, representa a expressão mais radical da individualidade subjetiva defendida pelo artista moderno. O estúdio, então, tem um ‘personagem’ idêntico ao do trabalho produzido lá.

Retratos e auto-retratos
Provavelmente em nenhum outro momento da história os artistas dedicaram tanta energia aos autorretratos quanto nos tempos modernos. Através de penteados ou roupas exibindo diferentes graus de excentricidade e logo se tornando lugares comuns, o artista moderno mostra seu individualismo rebelde à sociedade, às vezes como um dândi, às vezes como um boêmio. Mas o que é mais significativo nessas novas galerias é a profusão de retratos de figuras que compõem os círculos mais próximos do artista: poetas e escritores que, no exercício de sua nova missão como críticos de arte para periódicos e revistas, se tornariam um instrumento essencial para integrar arte moderna na sociedade de massa.

O aprendizado do artista. A Academia
Comparada com a suposta liberdade do estúdio, na qual se expressa a natureza individual do artista, a academia, desde o início da modernidade, tornou-se sinônimo de rigidez das regras artísticas que se tornaram tão antiquadas quanto hipócritas. O artista moderno respondeu à afetação abstrata da academia com sua sinceridade subjetiva e fez desse confronto um de seus princípios. No entanto, a formação acadêmica ainda era a base da aprendizagem do artista moderno e do nu, retirado da vida ou copiado de um novo meio. como a fotografia, o exercício básico desse aprendizado.

Realismos: modelo e nu
Uma das maneiras pelas quais o artista moderno defende sua independência das normas acadêmicas é através do realismo, entendido como uma descrição não-realizada do mundo. Sendo o nu o ponto culminante da aprendizagem acadêmica, não surpreende que também seja onde esse movimento contra a idealização se mostra mais. O corpo humano exibido em sua realidade mais material, portanto, foi contra os cânones abstratos da beleza representados no nu clássico. A objetividade inelutável da fotografia, um novo concorrente da arte em seu próprio terreno, deveria ter uma influência enorme nessa visão realista do corpo.

O artista em seu estúdio
O estúdio é identificado tanto com o “personagem” do artista moderno quanto com o “estilo” de seu trabalho. É um local de retirada, de inspiração e também o núcleo a partir do qual essa inspiração se espalha. As representações modernas do estúdio, seja na pintura ou na fotografia, incluem tanto o artista quanto o entusiasta do pensamento e o patife ou modelo desleixado e, muitas vezes, uma pintura da qual tudo o que vemos é a maca, como símbolo do mistério de o trabalho para sempre em andamento, uma prerrogativa do artista.

O artista boêmio
O artista moderno define a arte como uma religião – arte pelo bem da arte – e ele próprio como um não-conformista em oposição às convenções da sociedade burguesa, embora a verdade seja que a arte é uma parte essencial de um mercado de bens de luxo para o qual a burguesia é. os únicos clientes. Em marcante contradição, a vida do artista aparece como boêmia – em outras palavras, alguém que se identifica com os dedos da sociedade. O artista moderno aparece como um cigano (que de fato era o significado original da palavra “ boêmio ”), vagabundo ou ator em uma peça que mostra tolos, visionários ou loucos, seres aparentemente possuídos, como ele, por inspiração.

O retrato burguês
Embora o artista moderno defina sua liberdade em oposição às convenções da burguesia, permanece o fato de que o retrato burguês é sua principal fonte de renda. De bustos pomposos nos quais ele deve representar realisticamente todas as rendas e jóias, a retratos domésticos – às vezes os de sua própria família – que refletem a segurança de uma vida rica em todos os sentidos, incluindo retratos póstumos, o artista recorre para qualquer registro. Mas esse também é o terreno em que a competição pela fotografia fica mais difícil. Dois tipos de realismo são considerados aqui: a realidade ainda “transcendente” da arte e a agora agora “objetiva” realidade da fotografia.

O entusiasta no estúdio
Um velho mito sobre o prestígio do artista conta como Alexandre, o Grande, visitou Apelles em seu estúdio. Baudelaire, por sua vez, disse que a modernidade é uma era de heróis em sapatos de couro. Do mundo dos mitos, passamos para outro cotidiano burguês, que os artistas frequentemente retratam na retirada do entusiasta ou colecionador que vê gravuras no estúdio. Além disso, a impressão é um meio múltiplo, mais barato que a pintura ou a escultura, e permite ao artista moderno estender seu trabalho a estratos sociais que não se limitam mais aos da burguesia.

Orientalismo
O “Oriente” está presente na arte e na cultura burguesas da segunda metade do século XIX por duas razões. Primeiro, sua descoberta coincidiu com as campanhas imperialistas das potências européias, que reduziram violentamente os países do norte da África ao nível das colônias; segundo, para o imaginário europeu, um fantástico “Oriente” muito diferente do real tornou-se o lugar onde a paixão, agora perdida na vulgarização da metrópole, ainda era possível. O orientalismo, enfim, cheio de sonhos consoladores, tornou-se um dos assuntos mais comerciais dos novos mercados de arte.

Japonismo e outros exotismos
No final do século XIX, quando o Japão abriu suas portas para o comércio com o Ocidente, o interesse em sua cultura e arte se espalhou rapidamente pela sociedade européia. Em particular, as estampas populares do tipo conhecido como ukiyo-e se tornaram objetos de admiração, tanto para a burguesia quanto para os próprios artistas. Interiores burgueses cheios de ornamentos japoneses – roupas estampadas, telas, guarda-sóis, ventiladores … -, mas ao contrário do que aconteceu com outros exotismos superficialmente assimilados, o estilo dessas gravuras – a linha, as cores planas, o enquadramento e os formatos – era ser decisivo na estruturação da estética das vanguardas.

Pintura histórica versus assuntos atuais
Nas hierarquias da arte, a pintura histórica ocupou a posição mais alta. Tratava-se de trabalhos em grande formato, com muitos personagens, que deram ao artista seu maior reconhecimento. Mas em um mundo artístico que não era mais dominado pelo simbolismo do antigo regime, nem pela inconstância do mercado e pelo presente fugaz, não havia mais espaço para essas grandes ‘máquinas moralizadoras’. Impulsionado pelo advento do jornalismo e da fotografia e pela necessidade de preservar seu status diante dessas novas mídias, o artista moderno substituiu temas históricos por questões atuais: a guerra colonial, a luta de classes etc.

Paisagem 1: pintura ao ar livre e fotografia
Enquanto a paisagem ficou em segundo lugar sob as antigas hierarquias, na segunda metade do século XIX tornou-se o gênero mais importante da pintura. Por um lado, como sinônimo de realismo, e por outro, como a imagem da liberdade do artista que, tendo abandonado a vida fechada da academia, pintou sem restrições, ou seja, ao ar livre. Mas esse também é um terreno em que a competição pela fotografia se mostrou na repetição de assuntos e recursos formais … O pictorialismo, um movimento fotográfico que buscava “elevar” a fotografia à categoria de arte, encontrou seu principal assunto em paisagens cheias de nuvens e iluminação de fundo.

Paisagem 2: Impressionismos
A pintura em forma de esboço do pleinarista originou-se na técnica do estudo acadêmico, mas logo deixou de ser um passo intermediário em direção ao trabalho acabado para se tornar um trabalho por si só. Ao mesmo tempo, uma das características da pintura ao ar livre é a sua ligação com o momento fugaz, a mudança de luz, a impressão na retina. O impressionismo emergiu dessas duas circunstâncias e, através de múltiplas interpretações, tornou-se um estilo – tanto da pintura quanto da vida – que caracterizava o artista na era moderna, no sentido transcendental de liberdade e autonomia na arte, bem como na paródia e caricatura.

Museu Nacional de Arte da Catalunha
O Museu Nacional de Arte da Catalunha, também conhecido por sua sigla MNAC, é um museu de arte na cidade de Barcelona que reúne todas as artes cuja missão é preservar e exibir a coleção do mundo mais importante da arte catalã, mostrando tudo do românico até o presente. Seu atual diretor é Josep Serra.

O MNAC é um consórcio com personalidade jurídica própria, constituído pela Generalitat de Catalunya, pelo Conselho da Cidade de Barcelona e pela Administração Geral do Estado. Além das administrações públicas, indivíduos e entidades privadas que colaboram com a administração estão representados no conselho de administração do museu.

A sede principal está localizada no Palácio Nacional de Montjuïc, inaugurado em 1929 por ocasião da Exposição Internacional. Três outras instituições também fazem parte do museu como um todo: a Biblioteca do Museu Víctor Balaguer em Vilanova i la Geltrú, o Museu Garrotxa em Olot e o Museu Cau Ferrat em Sitges, cuja administração é independente e sua propriedade é baseada nos respectivos conselhos. .