La pittura barocca è la pittura associata al movimento culturale barocco. Il movimento è spesso identificato con Absolutism, Counter Reformation e Catholic Revival, ma l’esistenza di importanti opere d’arte e architettura barocche in stati non assolutisti e protestanti in tutta l’Europa occidentale sottolinea la sua diffusa popolarità. L’arte barocca è caratterizzata da un realismo superficiale, colori ricchi e intensi e forti luci e ombre.

La pittura barocca comprende una vasta gamma di stili, come la pittura più importante e importante durante il periodo che inizia intorno al 1600 e continua per tutto il 17 ° secolo, e all’inizio del 18 ° secolo è oggi identificata come pittura barocca. Nelle sue manifestazioni più tipiche, l’arte barocca è caratterizzata da un grande dramma, colori ricchi e profondi e intense luci e ombre scure, ma il termine classico di pittori barocchi francesi come Poussin e pittori di genere olandesi come Vermeer sono anche coperti dal termine almeno in inglese. A differenza dell’arte rinascimentale, che di solito mostrava il momento prima che avvenisse un evento, gli artisti barocchi hanno scelto il punto più drammatico, il momento in cui si stava verificando l’azione: Michelangelo, lavorando nel Rinascimento, mostra il suo David composto e ancora prima delle sue battaglie Golia; Il David barocco del Bernini viene catturato nell’atto di scagliare la pietra contro il gigante. L’arte barocca doveva evocare emozioni e passione invece della calma razionalità che era stata apprezzata durante il Rinascimento.

Tra i più grandi pittori del periodo barocco vi sono Velázquez, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Poussin e Vermeer. Caravaggio è un erede della pittura umanistica del Rinascimento. Il suo approccio realistico alla figura umana, dipinto direttamente dalla vita e drammaticamente illuminato su uno sfondo scuro, ha scioccato i suoi contemporanei e ha aperto un nuovo capitolo nella storia della pittura. La pittura barocca spesso drammatizza le scene usando effetti di chiaroscuro; questo può essere visto nelle opere di Rembrandt, Vermeer, Le Nain e La Tour. Il pittore fiammingo Anthony van Dyck sviluppò uno stile grazioso ma imponente, molto influente, specialmente in Inghilterra.

La prosperità dell’Olanda del 17 ° secolo portò a un’enorme produzione d’arte da parte di un gran numero di pittori che erano per lo più altamente specializzati e dipingevano solo scene di genere, paesaggi, nature morte, ritratti o dipinti di storia. Gli standard tecnici erano molto alti e la pittura olandese dell’età dell’oro stabilì un nuovo repertorio di soggetti che fu molto influente fino all’arrivo del modernismo.

Panoramica
Grazie alle loro opere, architetti, scultori e pittori diventano i mezzi necessari per toccare efficacemente l’anima dei fedeli. Così l’arte diventa un mezzo della trionfante chiesa cattolica per persuadere gli eretici, i dubbiosi e arginare la pressione protestante sui confini francese e italiano. Per raggiungere questo ambizioso obiettivo, l’arte deve avere la capacità di sedurre, muoversi, conquistare il gusto, non più attraverso l’armonia del Rinascimento, ma attraverso l’espressione di forti emozioni.

Il fascino viscerale dello stile barocco deriva da un coinvolgimento diretto dei sensi. Nella pittura barocca non vi era sollecitazione dell’intelletto e raffinata sottigliezza come nel Manierismo, il nuovo linguaggio indicava direttamente le viscere, i sentimenti dello spettatore. È stata usata un’iconografia diretta, semplice, ovvia, ma comunque teatrale e coinvolgente possibile. Mai prima d’ora lo spettatore, il suo punto di vista e l’effetto che la decorazione avrebbe potuto avere su di lui erano stati così importanti.

Una sorta di parallelo è possibile con la sfera musicale, in cui il contrappunto prende il posto in sostituzione della polifonia, e il tono orchestrale e l’amalgama fanno la sua comparsa sempre più insistentemente.

Il pontificato di Urbano VIII Barberini fu il terreno fertile per lo sviluppo dello stile barocco, volto a celebrare la casa del papa e i suoi nipoti, in una sorta di anticipazione dell’assolutismo.

Il termine “barocco” fu usato per la prima volta alla fine del XVIII secolo, come complemento negativo di quegli artisti che si erano allontanati, con le loro stranezze, dalla sobria norma classica. Per i teorici neoclassici, il barocco significava esuberanza e ornamenti in eccesso: la definizione di Francesco Milizia rimase famosa, che nel 1781 definì la produzione di questa era la “piaga del gusto”. La riscoperta del barocco è una cosa molto tardiva, che ebbe luogo solo alla fine del 20 ° secolo, quando così tante importanti manifestazioni di questo gusto erano state irrimediabilmente distrutte o compromesse (si pensi ai numerosi restauri neo-medievali e neo-rinascimentali in gli edifici di culto, realizzati eliminando le successive stratificazioni e perpetrati fino al secondo dopoguerra). Fu proprio il carattere “anticlassico” e l’innegabile originalità che portarono alla riscoperta del barocco e alla sua valorizzazione, prima in studi specialistici e poi, attraverso mostre e pubblicazioni popolari, anche tra il grande pubblico.

Caratteristiche
Contrariamente alla pittura rinascimentale che di solito mostra il momento prima di un evento importante, gli artisti barocchi scelgono il punto più drammatico, il momento in cui si svolge l’azione. L’arte barocca è rinomata per evocare emozioni e passione e non per la razionalità e la calma che emerge dalla pittura rinascimentale

A livello della composizione pittorica, la pittura barocca è caratterizzata innanzitutto dall’uso di molti colori caldi e luminosi che vanno dal rosa al bianco al blu. D’altra parte, i contrasti sono molto presenti, con giochi di luci e ombre che possono in particolare essere utilizzati per evidenziare la massa muscolare dell’uomo. Contrariamente al tipico approccio rinascimentale, che ha un’illuminazione uniforme della tela, l’illuminazione della tela barocca è fatta in punti. Questa tecnica attira l’attenzione su alcune aree e ne lascia altre al buio (uso del chiaroscuro).

Sempre in uno spirito di contraddizione con il Rinascimento, la tela barocca dà espressioni facciali ai personaggi presenti sulla tela per trasmettere sensazioni. Inoltre rappresenta principalmente un’asimmetria (l’azione principale non è necessariamente al centro). Le linee di forza della tela non sono più solo orizzontali o verticali ma anche oblique o curve, il che ha l’effetto di dare una posizione instabile ai personaggi e un’impressione di movimento. Questo effetto di movimento è espresso da una profusione di abiti sollevati o agitati dal vento; la scelta dei costumi si riferisce spesso all’antichità. I tessuti sono anche disposti come tende per drammatizzare la scena.

Il barocco si oppone quindi al Rinascimento in vari modi: è un periodo di rottura che vuole rappresentare il cambiamento. Le opere barocche si differenziano per il loro interesse per il cambiamento, il movimento, l’instabilità delle cose.

“La luce, passando attraverso l’obiettivo e impressionando l’emulsione sul film, riesce solo a riprodurre un aspetto del movimento. Ma il movimento è una serie ininterrotta di atteggiamenti: il cinema al rallentatore lo ha rivelato. Lo spirito dell’artista barocco cattura questi aspetti successivi e li condensa in un’unica immagine ”
– P. Charprentrat, L’art baroque, Vendôme, Imprimerie des presses Universitaires de France, 1967.

I pittori barocchi generalmente affrontano temi artistici tratti da leggende e racconti biblici o mitologici. Tuttavia, sebbene la pittura religiosa, la pittura della storia, le allegorie e i ritratti siano considerati i soggetti più nobili, anche le scene di paesaggio e genere sono molto diffuse.

Storia
Il Concilio di Trento (1545-1563), in cui la Chiesa cattolica romana rispose a molte domande di riforma interna sollevate da entrambi i protestanti e da coloro che erano rimasti all’interno della Chiesa cattolica, affrontò le arti della rappresentazione in un breve e in qualche modo obliquo decreti. Ciò è stato successivamente interpretato ed esposto da un numero di autori clericali come Molanus, che ha richiesto che dipinti e sculture in contesti ecclesiali dovessero rappresentare i loro soggetti in modo chiaro e potente, e con decoro, senza le arie stilistiche del Manierismo. Questo ritorno verso una concezione populista della funzione dell’arte ecclesiastica è visto da molti storici dell’arte come guida delle innovazioni di Caravaggio e dei fratelli Carracci, che lavoravano (e gareggiavano per commissioni) a Roma intorno al 1600, sebbene a differenza dei Carracci, Caravaggio è stato costantemente criticato per la mancanza di decoro nel suo lavoro. Tuttavia, anche se la pittura religiosa, la storia, le allegorie e i ritratti erano ancora considerati i soggetti più nobili, i paesaggi, le nature morte e le scene di genere stavano diventando sempre più comuni nei paesi cattolici, ed erano i generi principali in quelli protestanti.

Il termine
Il termine “barocco” è stato inizialmente utilizzato con un significato dispregiativo, per sottolineare gli eccessi della sua enfasi. Altri derivano dal termine mnemonico “Baroco” che indica, nella Scolastica logica, una forma di sillogismo apparentemente laboriosa. In particolare, il termine è stato usato per descrivere la sua eccentrica ridondanza e la rumorosa abbondanza di dettagli, che contrasta nettamente con la chiara e sobria razionalità del Rinascimento. Fu riabilitato per la prima volta dallo storico dell’arte svizzero Heinrich Wölfflin (1864-1945) nel suo Rinascimento e Barock (1888); Wölfflin identificò il barocco come “movimento importato in massa”, un’arte antitetica all’arte rinascimentale. Non ha fatto le distinzioni tra manierismo e barocco che fanno gli scrittori moderni, e ha ignorato la fase successiva, il barocco accademico che è durato nel 18 ° secolo. Gli scrittori in francese e in inglese non iniziarono a trattare il barocco come uno studio rispettabile fino a quando l’influenza di Wölfflin non rese preminente la borsa di studio tedesca.

precursori
Alla fine del XVI secolo, mentre il manierismo si estinse in repliche sempre più convenzionali e ripetitive, il gusto controriformato, sobrio e semplice, si stava diffondendo in molti centri italiani, in grado di essere compreso da tutte le classi. Se a Milano e Firenze la sobrietà a volte si traduce in una certa rigidità severa, con una semplificazione geometrica delle composizioni, altri centri sviluppano soluzioni diverse e più ricche. Venezia in particolare offrì l’esempio del Veronese e del Tintoretto, con le loro composizioni audaci e l’incomparabile senso del colore, mentre a Parma, dopo decenni di oblio, furono riscoperte le soluzioni senza scrupoli di Correggio e Parmigianino.

Ciò è accaduto mentre la Chiesa, rafforzata dalla Controriforma, aveva ingenti somme da reinvestire in nuove commissioni artistiche, sempre più ambiziose e gradualmente più tolleranti alla contaminazione con temi secolari. Il centro di questo processo era Roma, dove ora si concentrano tutti gli artisti italiani e non italiani, alla ricerca di nuovi stimoli e maggiore fortuna.

I primi a sviluppare qualcosa di diverso furono i fratelli Carracci, che tra il 1598 e il 1606-1607 trionfarono nella decorazione della Galleria Farnese, a cui seguirono una serie di emiliani come Domenichino, Guido Reni e Guercino. Dopo le prime morti di Annibale Carracci (1609) e Caravaggio (1610) il mondo artistico sembrava essere diviso in due: c’erano i Caravaggeschi con la loro estrema verità ottica e sociale, e dall’altra parte i “classicisti”, che rielaborarono il stili storici che forniscono una lettura nuova ed eclettica.

La piena padronanza della tecnica pittorica, necessaria per gli obiettivi che raggiungeranno il Barocco, è stata anticipata dall’attività di Rubens a Roma, che ha mostrato le sue abilità nella decorazione dell’abside della chiesa di Santa Maria in Vallicella (1608), con le tre grandi pale d’altare della Madonna della Vallicella e dei santi laterali, composte come uno schema unitario strettamente connesso allo spazio architettonico e alla luce naturale presente. Nel riquadro centrale prevale un’idea del tutto rispetto alle singole figure, con un senso di movimento corale rotazionale, accentuato dal colore degli angeli e dei cherubini. Il colore è caldo e vitale, come appreso dall’artista a Venezia, e il senso del pathos è forte ed energia. In Rubens c’è il potere fisico delle figure di Michelangelo Buonarroti, la grazia di Raffaello Sanzio, il colore veneziano, Tiziano, e una carica energetica nuova e preponderante.

Nel 1621 Guercino arrivò a Roma, in seguito al neo eletto Gregorio XV, entrambi di origine emiliana. In un solo anno di permanenza lasciò opere memorabili a Roma come Aurora nel Casinò Ludovisi, dove le figure si sovrappongono allo spazio architettonico fondendosi con esso e ottimizzandosi dal punto di vista dello spettatore, a differenza della quasi coeva Aurora Pallavicini del connazionale Guido Reni, dove la rappresentazione è invece equivalente a una tela appesa al soffitto, chiaramente delimitata e senza una visione “dal basso”. Già a Guercino, l’occhio di chi guarda è invitato a percorrere incessantemente l’intera scena, attratto dalla concatenazione degli elementi, nel nome di un effetto desiderato di movimento e instabilità, con una luce morbida e il colore diffuso in punti. Questi effetti furono replicati nel San Crisogono in gloria (oggi a Londra, Lancaster House) e in particolare nella grande pala d’altare della sepoltura e della gloria di Santa Petronilla (1623), destinata alla basilica di San Pietro e oggi ai Musei Capitolini. Queste idee erano essenziali per la nascita del nuovo stile “barocco”.

Evoluzione dello stile
Guercino e Rubens, quindi, furono i precursori della nuova stagione che avrà una consacrazione definitiva nel terzo decennio, nell’opera di Gian Lorenzo Bernini.

Ma nella pittura, la prima opera completamente “barocca”, in cui si trovano tutte le caratteristiche di questo “terzo stile” (tra caravaggismo e classicismo), è la decorazione della cupola di Sant’Andrea della Valle di Giovanni Lanfranco (1625- 27), non a caso un parmense, che ha ripreso e aggiornato la lezione delle cupole di Correggio nella sua città con i contributi più innovativi. In questo enorme affresco lo spazio reale è arricchito dalla creazione di cerchi concentrici fluidi e instabili, in cui i personaggi si muovono liberamente e, grazie alla luce, creano un senso di rotazione ascendente che ha il suo climax al centro e simula un’apertura diretta nel paradiso celeste.

La maturità della pittura barocca ebbe luogo con le gigantesche realizzazioni decorative di Pietro da Cortona, ad esempio nella volta del salone di Palazzo Barberini (1633-39) a Roma. La sua tecnica prodigiosa e spericolata fu presto seguita da un buon numero di adepti, e il cortonismo divenne così il linguaggio della pittura monumentale, un perfetto mezzo di propaganda per commissioni secolari e religiose in cui grandiose apoteosi sono spinte l’una verso l’altra da effetti di luce e prospettiva anche grazie all’uso della quadratura (per creare le architetture c’erano infatti specialisti, chiamati “quadraturisti”).

Le novità dell’opera di Pietro da Cortona erano evidenti dai contemporanei, in particolare contrastando questo stile delle molte figure in movimento con quello più sobrio e statico di Andrea Sacchi (attivo anche a Palazzo Barberini con l’Allegoria della Divina Saggezza): il teatro dibattito è l’Accademia di San Luca, di cui Pietro da Cortona fu principe dal 1634 al 1638. Confrontando la pittura con la letteratura, per Pietro da Cortona le figure compongono un “poema epico”, pieno di episodi, mentre per Sacchi partecipano a un una sorta di “tragedia”, in cui unità e semplicità sono requisiti fondamentali.

Diffusione
Tra i centri in cui Pietro da Cortona lavorava, spicca Firenze, dove ha lavorato a lungo per i Medici nella decorazione di Palazzo Pitti e in altre imprese religiose. L’impatto del suo stile sulla scuola locale, aumentato dalla lunga presenza del suo allievo più fedele Ciro Ferri, fu dirompente, sebbene non immediatamente evidente. Il primo artista locale che fu coinvolto a pieno titolo fu Volterrano.

Giovanni Lanfranco lavorò a lungo a Napoli, creando le condizioni per attecchire nel gusto barocco nell’Italia meridionale, che ebbe i suoi esponenti più significativi in ​​Luca Giordano e Francesco Solimena. Il primo dei due ha viaggiato in tutta Italia ed è stato uno straordinario divulgatore della notizia. A Firenze, proprio dove Pietro da Cortona aveva operato maggiormente al di fuori di Roma, nella galleria di Palazzo Medici-Riccardi realizzò un grande affresco dove, a differenza di Pietro da Cortona, ora è assente qualsiasi disposizione architettonica, secondo una libertà compositiva che già preannuncia leggerezza antenna settecentesca.

Tuttavia, il successo di Pietro da Cortona ha spinto molti artisti ad avvicinarsi al suo stile. Allievi diretti della prima ora furono Giovan Francesco Romanelli (rimosso dall’insegnante perché si era messo in concorrenza con lui già nel 1637 e portato in protezione da Gianlorenzo Bernini), Giovanni Maria Bottalla e Ciro Ferri; la seconda ora (dopo il 1655) Lazzaro Baldi, Guglielmo e Giacomo Cortese, Paul Schor, Filippo Lauri. Romanelli fu chiamato a Parigi dal cardinale Francesco Barberini ed era un artista fondamentale nella corte del Re Sole.

Il passaggio di Rubens a Genova, seguito da Van Dyck, aveva suscitato anche un primo interesse per il nuovo stile in Liguria. Gregorio de Ferrari realizzò grandi decorazioni scenografiche ed esuberanti nella capitale ligure. Solo un genovese, il Baciccio, creerà un’altra opera chiave del viaggio barocco a Roma, la volta della chiesa del Gesù, chiamata dallo stesso Bernini. Sempre nella cerchia del Bernini c’era Ludovico Gemignani, un artista pistoiese che fece fortuna con il connazionale Papa Clemente IX Rospigliosi, e il cui padre Giacinto era stato un altro allievo diretto di Pietro da Cortona.

Il ruolo dei gesuiti nella diffusione dello stile barocco è testimoniato dalle importanti commissioni riservate al confratello Andrea Pozzo, autore di straordinarie illusioni ottiche di volte aperte sul cielo, prima a Roma e poi in altri centri, tra cui Vienna.

Nell’ultimo quarto del diciassettesimo secolo, le richieste di commissioni artistiche in chiese e palazzi si moltiplicarono e lo stile barocco era ora un tripudio di interpretazioni eclettiche, diffuse da artisti con i più svariati contesti artistici. Tra i nomi di quest’ultima fase spiccano Antonio e Filippo Gherardi, Domenico Maria Canuti, Enrico Haffner, Giovanni Coli, Giacinto Brandi. Alla fine del secolo spicca soprattutto la figura sopracitata del napoletano Luca Giordano, che annuncia soluzioni più aperte e vaste, anticipando la pittura rococò.

Variazioni nazionali
Guidati dall’Italia, i paesi del Mediterraneo, seguiti lentamente dalla maggior parte del Sacro Romano Impero in Germania e in Europa centrale, adottarono generalmente un approccio barocco a tutto sangue.

Un’arte piuttosto diversa si è sviluppata dalle tradizioni realiste del nord nella pittura olandese del XVII secolo dell’età d’oro, che aveva pochissima arte religiosa e poca pittura di storia, svolgendo invece un ruolo cruciale nello sviluppo di generi secolari come nature morte, dipinti di genere di scene di tutti i giorni, e pittura di paesaggio. Mentre la natura barocca dell’arte di Rembrandt è chiara, l’etichetta è meno utilizzata per Vermeer e molti altri artisti olandesi. La maggior parte dell’arte olandese manca dell’idealizzazione e dell’amore per lo splendore tipici di molte opere barocche, tra cui la vicina pittura barocca fiamminga che ha condiviso una parte delle tendenze olandesi, pur continuando a produrre le categorie tradizionali in uno stile più chiaramente barocco.

In Francia un classicismo dignitoso e grazioso ha dato un sapore distintivo alla pittura barocca, dove il tardo 17 ° secolo è anche considerato un periodo d’oro per la pittura. Due dei più importanti artisti, Nicolas Poussin e Claude Lorrain, rimasero a Roma, dove il loro lavoro, quasi tutti in dipinti a cavalletto, fu molto apprezzato dagli avventori italiani e francesi.

Pittura barocca in Italia
La pittura italiana dell’epoca cerca di rompere con le forme di manierismo, già disapprovato. I gestori erano due fazioni ben differenziate; da un lato il pittore Caravaggio e dall’altro i fratelli Carracci (Ludovico, Agostino e Annibale).

Il naturalismo di Caravaggio, che è il miglior rappresentante, affronta i problemi della vita quotidiana, con immagini cupe che usano effetti di luce. I chiaroscuri cercano di dare intensità e vivacità. Evitano gli ideali di bellezza, mostrando la realtà così com’è, senza artificio. Una buona parte dei pittori dell’epoca coltivava il caravaggismo

D’altra parte, i Carracci formano il cosiddetto classicismo. I temi da catturare sono ispirati alla cultura greco-latina, con esseri mitologici. Gli autori del XVI secolo, come Rafael e Miguel Ángel, hanno forti influenze. Il colore è morbido, così come la luce, e gli affreschi sono dipinti sui soffitti.

Entrambe le tendenze hanno lasciato un seguito e sono servite a rinnovare le impostazioni pittoriche. La presenza di Rubens, un altro genio del barocco, a Genova, si riflette nelle opere del luogo.

Pittura barocca in Francia
In Francia, il manierismo è influenzato dal barocco. Il dipinto è classicista e viene utilizzato per decorare palazzi, con uno stile sobrio ed equilibrato. I ritratti sono dipinti e i soggetti mitologici sono trattati.

Il suo autore più importante è Nicolas Poussin, che è stato chiaramente influenzato dalle tendenze italiane, dopo la sua visita a Roma. Ha cercato ispirazione nelle culture greco-romane. Sul lato caravaggista, spiccano gli artisti Georges de La Tour, Philippe de Champaigne e I Nain Brothers.

Tuttavia, il barocco in Francia non fu solo un’influenza, divenendo in seguito rococò.

Pittura barocca nelle Fiandre e nei Paesi Bassi
Nelle Fiandre, la figura di Rubens domina la scena, sviluppando una pittura aristocratica e religiosa, mentre nei Paesi Bassi la pittura sarà borghese, dominando i temi del paesaggio, dei ritratti e della vita quotidiana, con la figura di Rembrandt come miglior esponente.

Pittura barocca in Spagna
In Spagna, il barocco è il momento culminante dell’attività pittorica, mettendo in luce il genio e la maestria di Diego Velázquez, Ribera, Bartolomé Esteban Murillo o Francisco de Zurbarán su un magnifico gruppo di pittori. Il periodo era noto come l’Età dell’Oro, come esempio del gran numero di figure importanti che hanno lavorato, nonostante la crisi economica che il paese stava soffrendo.

Pittori spagnoli usano artisti italiani come Caravaggio e il suo tenebrismo come ispirazione. La pittura barocca fiamminga ha una notevole influenza in Spagna, a causa del mandato esercitato nell’area e dell’arrivo di Rubens nel paese come pittore di corte.

Le principali scuole di arte barocca saranno quelle di Madrid, Siviglia e Valencia.

Il tema in Spagna, cattolica e monarchica, è chiaramente religioso. La maggior parte delle opere furono commissionate direttamente dalla chiesa. D’altra parte, molti dipinti trattano di re, nobili e loro guerre, come nel famoso dipinto Las Lanzas, che Velázquez dipinse nel 1635 per il Palacio del Buen Retiro di Madrid. Anche la mitologia e i temi classici saranno una costante. Ma è la religione cristiana che si ripete di più, serve da esempio Il martirio di San Filippo, grande opera di José de Ribera. Il realismo delle opere sarà utilizzato per trasmettere l’idea religiosa ai fedeli, quindi il barocco era un’arma per la chiesa.

I colori sono vividi, con effetti di più sorgenti luminose che creano altrettante aree di ombre. Il tenebrismo italiano si farà sentire in tutti i pittori spagnoli. Le figure di solito non posano, sono catturate con un movimento esagerato per dare forza alla scena. I dipinti ad olio sono grandi e generalmente complessi, con varie figure e gesti espressivi.

Altre esperienze seicentiste

Naturalismo
Tra le componenti fondamentali dell’arte seicentesca c’è quella del naturalismo, che ha il suo fulcro nel cosiddetto “diciassettesimo lombardo”. Nato dall’osservazione della natura del Caravaggio e cresciuto con le indicazioni di Carlo e Federico Borromeo, questo dipinto, che ha la sua forza trainante a Milano, ha usato un linguaggio severo e drammatico in scene fortemente narrative, in dipinti che sono sempre una miscela di cemento , realtà quotidiana e una visione mistica e trascendentale dell’umanità e della fede. Esempi di questa tendenza sono Giovan Battista Crespi, Giulio Cesare Procaccini, Daniele Crespiand Pier Francesco Mazzucchelli detto Morazzone, che compongono il gruppo dei cosiddetti pittori martellanti milanesi.

A differenza dei pittori controriformi, i naturalisti mettono tutti gli elementi del mondo sensibile allo stesso livello, senza tralasciare i dettagli secondari rispetto a un ideale di bellezza e decorazione. Questi erano anche principi legati a particolari significati filosofici e religiosi, secondo i quali ogni manifestazione, come riflesso del Divino, è degna di essere rappresentata in tutti i suoi molteplici aspetti.

Questa corrente si diffuse tra i seguaci di Caravaggio, attecchendo soprattutto nei paesi della dominazione spagnola: dalla Lombardia al Regno di Napoli, dalle Fiandre (i caravaggisti di Utrecht) alla penisola iberica (Velàzquez, Zurbaràn, Ribera).

Realismo
Sebbene sia un termine molto recente, con riferimento alla pittura olandese dell’età dell’oro, si può parlare di “realismo” inteso come alcune sottospecie di naturalismo.

L’indipendenza delle Province Unite ha portato alla ribalta la Chiesa calvinista, che ha respinto le immagini sacre, producendo inizialmente una sospensione della produzione artistica. Tuttavia, gli artisti furono presto in grado di dedicarsi a nuovi generi, dedicati alla decorazione delle case della fiorente borghesia: per la prima volta in Europa nacque un dipinto “borghese” dove, su supporti medio-piccoli, alcuni generi finora la nicchia, come il paesaggio, la natura morta, i temi morali, i ritratti e gli autoritratti, ha acquisito la dignità della migliore produzione pittorica. Gli olandesi, seguendo le orme della loro tradizione artistica, avevano uno sguardo particolarmente attento agli aspetti “reali” di ambienti, personaggi e costumi, in cui i dati oggettivi apparivano filtrati dalla sensibilità dell’artista.

Classicismo
Già dalla fine del XVI secolo, la reazione al Manierismo e al Naturalismo diffonde una teoria della “bellezza”, secondo la quale gli artisti, sebbene senza negare la probabilità, investirono nella capacità di selezionare il perfetto, l’ordine e la bellezza rispetto a imperfezione, caos e deformità. Quindi il pittore, seguendo le esperienze di Raffaello nel Rinascimento e il mondo dell’arte greco-romana, poteva raggiungere la massima perfezione filtrando i dati reali.

I pittori emiliani (in particolare Domenichino, Albani, Sassoferrato), che ispirarono i francesi come Nicolas Poussin e Claude Lorrain, aderirono a questa tendenza.

bamboccianti
L’olandese Pieter van Laer è stato soprannominato il “Bamboccio” a Roma per le sue deformità fisiche. Il termine “bambocciante” finì per indicare il suo gruppo di emulatori e seguaci, non senza l’intenzione dei beffardi, che reinterpretarono il naturalismo caravaggesco alla luce del genere popolare tipicamente olandese. Rispetto al Caravaggio, come già sottolineato da Bellori, tuttavia, pescarono i soggetti nel mondo dei più umili e, godendo del favore di alcuni collezionisti, furono stigmatizzati dai teorici dell’epoca.