Die Barockmalerei ist das Gemälde der barocken Kulturbewegung. Die Bewegung wird oft mit Absolutismus, Gegenreformation und katholischer Wiederbelebung identifiziert, aber die Existenz wichtiger barocker Kunst und Architektur in nicht absolutistischen und protestantischen Staaten in ganz Westeuropa unterstreicht ihre weit verbreitete Popularität. Die Barockkunst zeichnet sich durch flachen Realismus, satte und intensive Farben sowie starkes Licht und Schatten aus.

Die Barockmalerei umfasst eine breite Palette von Stilen, da die wichtigste und bedeutendste Malerei in der Zeit um 1600 bis zum 17. Jahrhundert andauerte und bis ins frühe 18. Jahrhundert als Barockmalerei bezeichnet wird. In ihren typischsten Erscheinungsformen zeichnet sich die Barockkunst durch ein großes Drama, reiche, tiefe Farben und intensive helle und dunkle Schatten aus, aber der Klassizismus französischer Barockmaler wie Poussin und niederländischer Genremaler wie Vermeer wird ebenfalls unter dem Begriff at behandelt am wenigsten auf Englisch. Im Gegensatz zur Kunst der Renaissance, die normalerweise den Moment vor einem Ereignis zeigte, wählten die Barockkünstler den dramatischsten Punkt, den Moment, an dem die Handlung stattfand: Michelangelo, der in der Hochrenaissance arbeitet, zeigt seinen David komponiert und noch bevor er kämpft Goliath; Berninis Barock David wird dabei erwischt, wie er den Stein auf den Riesen schleudert. Die Barockkunst sollte Emotionen und Leidenschaft hervorrufen, anstatt die ruhige Rationalität, die während der Renaissance geschätzt wurde.

Zu den größten Malern des Barock zählen Velázquez, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Poussin und Vermeer. Caravaggio ist ein Erbe der humanistischen Malerei der Hochrenaissance. Seine realistische Herangehensweise an die menschliche Figur, die direkt aus dem Leben gemalt und vor einem dunklen Hintergrund dramatisch beleuchtet wurde, schockierte seine Zeitgenossen und schlug ein neues Kapitel in der Geschichte der Malerei auf. Die Barockmalerei dramatisiert häufig Szenen mit Hell-Dunkel-Lichteffekten. Dies zeigt sich in Werken von Rembrandt, Vermeer, Le Nain und La Tour. Der flämische Maler Anthony van Dyck entwickelte einen anmutigen, aber imposanten Porträtstil, der besonders in England sehr einflussreich war.

Der Wohlstand des holländischen 17. Jahrhunderts führte zu einer enormen Kunstproduktion einer großen Anzahl von Malern, die größtenteils hoch spezialisiert waren und nur Genreszenen, Landschaften, Stillleben, Porträts oder historische Gemälde malten. Der technische Standard war sehr hoch, und die niederländische Malerei des Goldenen Zeitalters etablierte ein neues Themenrepertoire, das bis zur Ankunft der Moderne einen großen Einfluss hatte.

Überblick
Dank ihrer Arbeiten werden Architekten, Bildhauer und Maler zu den notwendigen Mitteln, um die Seele der Gläubigen effektiv zu berühren. So wird Kunst ein Mittel der triumphierenden katholischen Kirche, um Ketzer und Zweifler zu überzeugen und den protestantischen Druck auf die französische und italienische Grenze einzudämmen. Um dieses ehrgeizige Ziel zu erreichen, muss Kunst die Fähigkeit haben, den Geschmack zu verführen, zu bewegen und zu erobern, nicht mehr durch die Harmonie der Renaissance, sondern durch den Ausdruck starker Emotionen.

Der viszerale Charme des Barockstils beruht auf einer direkten Einbeziehung der Sinne. In der Barockmalerei gab es keine Aufforderung zum Verstand und keine raffinierte Subtilität wie im Manierismus, die neue Sprache zeigte direkt auf den Darm, auf die Gefühle des Zuschauers. Es wurde eine Ikonographie verwendet, die so direkt, einfach, offensichtlich, aber dennoch theatralisch und einnehmend wie möglich war. Nie zuvor war der Betrachter, sein Standpunkt und die Wirkung, die Dekoration auf ihn haben könnte, so wichtig gewesen.

Eine Art Parallele ist mit der musikalischen Sphäre möglich, in der der Kontrapunkt die Polyphonie ersetzt und der Orchesterton und das Amalgam immer eindringlicher erscheinen.

Das Pontifikat von Urban VIII Barberini war der fruchtbare Boden für die Entwicklung des Barockstils, der darauf abzielte, das Haus des Papstes und seine Enkelkinder in einer Art Vorwegnahme des Absolutismus zu feiern.

Der Begriff „Barock“ wurde zum ersten Mal im späten 18. Jahrhundert als negative Ergänzung zu jenen Künstlern verwendet, die sich mit ihren Kuriositäten von der nüchternen klassischen Norm distanziert hatten. Für neoklassische Theoretiker bedeutete Barock Überschwang und übermäßige Verzierung: Die Definition von Francesco Milizia blieb berühmt, die 1781 die Produktion dieser Ära als „Plage des Geschmacks“ bezeichnete. Die Wiederentdeckung des Barock ist eine sehr späte Sache, die erst im späten 20. Jahrhundert vollständig stattfand, als so viele wichtige Manifestationen dieses Geschmacks irreparabel zerstört oder kompromittiert worden waren (denken Sie an die vielen Restaurierungen des Neomittelalters und der Neorenaissance in) die Kultgebäude, die durch Beseitigung der nachfolgenden Schichtungen errichtet und bis zur zweiten Nachkriegszeit verübt wurden). Es war genau der „antiklassische“ Charakter und die unbestreitbare Originalität, die zur Wiederentdeckung des Barock und seiner Verbesserung führte, zuerst in Fachstudien und dann durch Ausstellungen und populäre Veröffentlichungen, auch in der Öffentlichkeit.

Eigenschaften
Im Gegensatz zur Renaissance-Malerei, die normalerweise den Moment vor einem wichtigen Ereignis zeigt, wählen Barockkünstler den dramatischsten Punkt, den Moment, in dem die Handlung stattfindet. Die Barockkunst ist dafür bekannt, Emotionen und Leidenschaft hervorzurufen, und nicht für die Rationalität und Ruhe, die sich aus der Malerei der Renaissance ergibt

Auf der Ebene der Bildkomposition zeichnet sich das Barockgemälde vor allem durch die Verwendung vieler warmer und heller Farben aus, die von rosa über weiß bis blau reichen. Auf der anderen Seite sind Kontraste sehr präsent, mit Licht- und Schattenspielen, die insbesondere dazu verwendet werden können, die Muskelmasse des Mannes hervorzuheben. Im Gegensatz zum typischen Renaissance-Ansatz, der eine einheitliche Leinwandbeleuchtung aufweist, erfolgt die Beleuchtung der barocken Leinwand punktuell. Diese Technik lenkt die Aufmerksamkeit auf bestimmte Bereiche und lässt andere im Dunkeln (Verwendung von Helldunkel).

Immer im Geiste des Widerspruchs zur Renaissance verleiht die barocke Leinwand den auf der Leinwand vorhandenen Figuren Mimik, um Gefühle zu vermitteln. Es stellt auch hauptsächlich eine Asymmetrie dar (die Hauptaktion ist nicht unbedingt in der Mitte). Die Kraftlinien der Leinwand sind nicht mehr nur horizontal oder vertikal, sondern auch schräg oder gekrümmt, was den Figuren eine instabile Position und einen Eindruck von Bewegung verleiht. Dieser Bewegungseffekt drückt sich in einer Fülle von Kleidungsstücken aus, die vom Wind angehoben oder bewegt werden. Die Wahl der Kostüme bezieht sich oft auf die Antike. Stoffe sind auch wie Vorhänge angeordnet, um die Szene zu dramatisieren.

Der Barock widersetzt sich daher der Renaissance auf verschiedene Weise: Es ist eine Bruchperiode, die Veränderung darstellen will. Barockwerke zeichnen sich durch ihr Interesse an Veränderung, Bewegung, Instabilität der Dinge aus.

„Das Licht, das durch die Linse fällt und die Emulsion auf den Film drückt, schafft es nur, einen Aspekt der Bewegung zu reproduzieren. Aber die Bewegung ist eine ununterbrochene Reihe von Einstellungen: Das Zeitlupenkino hat es offenbart. Der Geist des Barockkünstlers fängt diese aufeinanderfolgenden Aspekte ein und verdichtet sie zu einem einzigen Bild. “
– P. Charprentrat, L’art Barock, Vendôme, Imprimerie des presses Universitaires de France, 1967.

Barockmaler nähern sich im Allgemeinen künstlerischen Themen, die aus biblischen oder mythologischen Legenden und Erzählungen stammen. Obwohl religiöse Malerei, Malerei der Geschichte, Allegorien und Porträts als die edelsten Themen gelten, sind auch die Landschafts- und Genreszenen weit verbreitet.

Geschichte
Das Konzil von Trient (1545–63), in dem die römisch-katholische Kirche viele Fragen der internen Reform beantwortete, die sowohl von Protestanten als auch von denen, die in der katholischen Kirche geblieben waren, aufgeworfen wurden, befasste sich in einer kurzen und etwas schrägen Passage mit den gegenständlichen Künsten Dekrete. Dies wurde später von einer Reihe von Geistlichen wie Molanus interpretiert und dargelegt, die forderten, dass Gemälde und Skulpturen in kirchlichen Kontexten ihre Themen klar und kraftvoll und mit Anstand ohne die stilistische Ausstrahlung des Manierismus darstellen sollten. Diese Rückkehr zu einer populistischen Konzeption der Funktion der kirchlichen Kunst wird von vielen Kunsthistorikern als Antrieb für die Innovationen von Caravaggio und den Carracci-Brüdern angesehen, die alle um 1600 in Rom arbeiteten (und um Aufträge konkurrierten), obwohl sie sich von den Carracci unterschieden. Caravaggio wurde beharrlich wegen mangelnden Anstands in seiner Arbeit kritisiert. Obwohl religiöse Malerei, Geschichtsmalerei, Allegorien und Porträts immer noch als die edelsten Themen angesehen wurden, wurden Landschafts-, Stillleben- und Genreszenen auch in katholischen Ländern immer häufiger und waren die Hauptgenres in protestantischen Ländern.

Der Begriff
Der Begriff „Barock“ wurde ursprünglich mit einer abfälligen Bedeutung verwendet, um die Exzesse seiner Betonung zu unterstreichen. Andere leiten es vom mnemonischen Begriff „Baroco“ ab, der in der logischen Scholastica eine angeblich mühsame Form des Syllogismus bezeichnet. Insbesondere wurde der Begriff verwendet, um seine exzentrische Redundanz und laute Fülle von Details zu beschreiben, die die klare und nüchterne Rationalität der Renaissance scharf kontrastierten. Es wurde erstmals vom in der Schweiz geborenen Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin (1864–1945) in seiner Renaissance und Barock (1888) rehabilitiert; Wölfflin identifizierte den Barock als „in die Masse importierte Bewegung“, eine Kunst, die der Kunst der Renaissance widerspricht. Er machte nicht die Unterscheidung zwischen Manierismus und Barock, die moderne Schriftsteller machen, und ignorierte die spätere Phase, den akademischen Barock, der bis ins 18. Jahrhundert andauerte. Schriftsteller in Französisch und Englisch begannen, den Barock nicht als eine respektable Studie zu betrachten, bis Wölfflins Einfluss die deutsche Wissenschaft in den Vordergrund gestellt hatte.

Vorläufer
Am Ende des 16. Jahrhunderts, als der Manierismus in zunehmend konventionellen und sich wiederholenden Nachbildungen ausstarb, verbreitete sich der nüchterne und einfache gegenreformierte Geschmack in vielen italienischen Zentren, die von allen Klassen verstanden werden konnten. Wenn in Mailand und Florenz die Nüchternheit manchmal zu einer gewissen Starrheit mit einer geometrischen Vereinfachung der Kompositionen führte, entwickelten andere Zentren andere, reichhaltigere Lösungen. Insbesondere Venedig bot das Beispiel von Veronese und Tintoretto mit ihren kühnen Kompositionen und dem unvergleichlichen Sinn für Farbe, während in Parma nach Jahrzehnten des Vergessens die skrupellosen Lösungen von Correggio und Parmigianino wiederentdeckt wurden.

Dies geschah, während die durch die Gegenreformation gestärkte Kirche große Summen hatte, um in neue künstlerische Aufträge zu investieren, die immer ehrgeiziger und allmählich toleranter gegenüber Kontaminationen mit weltlichen Themen wurden. Das Zentrum dieses Prozesses war Rom, wo sich jetzt alle italienischen und nicht-italienischen Künstler konzentrieren, um nach neuen Impulsen und größerem Glück zu suchen.

Die ersten, die etwas anderes entwickelten, waren die Brüder Carracci, die zwischen 1598 und 1606-1607 die Dekoration der Farnese-Galerie triumphierten, gefolgt von einer Reihe von Emilianern wie Domenichino, Guido Reni und Guercino. Nach dem frühen Tod von Annibale Carracci (1609) und Caravaggio (1610) schien die künstlerische Welt in zwei Teile geteilt zu sein: Es gab die Caravaggeschi mit ihrer extremen optischen und sozialen Wahrheit und auf der anderen Seite die „Klassiker“, die die überarbeiteten historische Stile bieten eine neue und vielseitige Lesart.

Die volle Beherrschung der Bildtechnik, die für die Ziele des Barock notwendig ist, wurde von Rubens ‚Tätigkeit in Rom vorweggenommen, die seine Fähigkeiten bei der Dekoration der Apsis der Kirche Santa Maria in Vallicella (1608) mit zeigte die drei großen Altarbilder der Madonna della Vallicella und der seitlichen Heiligen, die als einheitliches Schema komponiert sind, das eng mit dem architektonischen Raum und dem vorhandenen natürlichen Licht verbunden ist. In der zentralen Box herrscht eine Vorstellung vom Ganzen in Bezug auf die einzelnen Figuren vor, mit einem Gefühl der rotierenden Chorbewegung, das durch die Farbe von Engeln und Engeln akzentuiert wird. Die Farbe ist warm und vital, wie der Künstler in Venedig gelernt hat, und der Sinn für Pathos ist stark und energisch. In Rubens gibt es die physische Kraft der Figuren von Michelangelo Buonarroti, die Gnade von Raffaello Sanzio, die venezianische, tizianische Farbe und eine neue und vorherrschende energetische Ladung.

1621 kam Guercino nach dem neu gewählten Gregor XV., Beide emilischer Herkunft, nach Rom. In nur einem Jahr Aufenthalt hinterließ er denkwürdige Werke in Rom wie Aurora im Casino Ludovisi, wo die Figuren den architektonischen Raum überlappen, der mit ihm verschmilzt und sich aus Sicht des Betrachters optimiert, im Gegensatz zu der fast zeitgleichen Aurora Pallavicini des Landsmanns Guido Reni, wo die Darstellung stattdessen einer von der Decke hängenden Leinwand entspricht, klar abgegrenzt und ohne Vision „von unten“. Bereits in Guercino ist das Auge des Betrachters eingeladen, die gesamte Szene unermüdlich zu bereisen, angezogen von der Verkettung der Elemente im Namen eines gewünschten Effekts von Bewegung und Instabilität, mit einem weichen Licht und der in Flecken verteilten Farbe. Diese Effekte wurden im San Crisogono in Gloria (heute in London, Lancaster House) und insbesondere im großen Altarbild des Begräbnisses und der Herrlichkeit der Heiligen Petronilla (1623) wiederholt, das für die Basilika San Pietro und heute in den Kapitolinischen Museen bestimmt ist. Diese Ideen waren wesentlich für die Geburt des neuen „Barock“ -Stils.

Stilentwicklung
Guercino und Rubens waren daher die Vorläufer der neuen Saison, die im dritten Jahrzehnt in der Arbeit von Gian Lorenzo Bernini endgültig geweiht werden wird.

In der Malerei ist das erste vollständig „barocke“ Werk, in dem alle Merkmale dieses „dritten Stils“ (zwischen Karawaggismus und Klassizismus) zu finden sind, die Dekoration der Kuppel von Sant’Andrea della Valle durch Giovanni Lanfranco (1625-) 27), nicht überraschend ein Parma, der die Lektion von Correggios Kuppeln in seiner Stadt aufgegriffen und auf die innovativsten Beiträge aktualisiert hat. In diesem riesigen Fresko wird der reale Raum durch die Schaffung flüssiger und instabiler konzentrischer Kreise aufgewertet, in denen sich die Figuren frei bewegen und dank des Lichts ein Gefühl aufsteigender Rotation erzeugen, das seinen Höhepunkt in der Mitte hat und eine direkte Öffnung simuliert ins himmlische Paradies.

Die Reife der Barockmalerei fand mit den gigantischen dekorativen Leistungen von Pietro da Cortona statt, zum Beispiel im Gewölbe des Salons des Palazzo Barberini (1633-39) in Rom. Seiner erstaunlichen und rücksichtslosen Technik folgten bald eine ganze Reihe von Adepten, und so wurde der Kortonismus zur Sprache der monumentalen Malerei, ein perfektes Propagandamittel für weltliche und religiöse Aufträge, bei denen grandiose Apotheosen auch durch Lichteffekte und Perspektiven aufeinander zugetrieben werden Dank der Verwendung von Quadratur (um die Architekturen zu erstellen, gab es tatsächlich Spezialisten, sogenannte „Quadraturisten“).

Die Neuheiten von Pietro da Cortonas Werk wurden von den Zeitgenossen deutlich, insbesondere indem sie diesen Stil der vielen sich bewegenden Figuren dem nüchterneren und statischeren von Andrea Sacchi (ebenfalls im Palazzo Barberini mit der Allegorie der göttlichen Weisheit aktiv) gegenüberstellten: Theater der Debatte ist die Accademia di San Luca, deren Fürst Pietro da Cortona von 1634 bis 1638 war. Wenn man Malerei mit Literatur vergleicht, komponieren die Figuren für Pietro da Cortona ein „episches Gedicht“ voller Episoden, während sie für Sacchi an einem teilnehmen eine Art „Tragödie“, in der Einheit und Einfachheit grundlegende Anforderungen sind.

Ausbreitung
Unter den Zentren, in denen Pietro da Cortona arbeitete, sticht Florence hervor, wo er lange Zeit für die Medici bei der Dekoration des Pitti-Palastes und in anderen religiösen Unternehmen gearbeitet hat. Der Einfluss seines Stils auf die örtliche Schule, der durch die lange Anwesenheit seines treuesten Schülers Ciro Ferri verstärkt wurde, war störend, wenn auch nicht sofort ersichtlich. Der erste lokale Künstler, der sich voll engagierte, war Volterrano.

Giovanni Lanfranco arbeitete lange Zeit in Neapel und schuf die Voraussetzungen, um im Barockgeschmack Süditaliens Fuß zu fassen, der seine bedeutendsten Vertreter in Luca Giordano und Francesco Solimena hatte. Der erste der beiden reiste durch Italien und war ein außerordentlicher Verbreiter der Nachrichten. In Florenz, genau dort, wo Pietro da Cortona außerhalb Roms am meisten operiert hatte, schuf er in der Galerie des Palazzo Medici-Riccardi ein riesiges Fresko, in dem im Gegensatz zu Pietro da Cortona nach einer kompositorischen Freiheit, die bereits Leichtigkeit ankündigt, keine architektonische Gestaltung mehr vorhanden ist Antenne aus dem 18. Jahrhundert.

Der Erfolg von Pietro da Cortona veranlasste jedoch viele Künstler, sich seinem Stil anzunähern. Direkte Schüler der ersten Stunde waren Giovan Francesco Romanelli (vom Lehrer entfernt, weil er sich bereits 1637 mit ihm in Rivalität gestellt und von Gianlorenzo Bernini beschützt hatte), Giovanni Maria Bottalla und Ciro Ferri; die zweite Stunde (nach 1655) Lazzaro Baldi, Guglielmo und Giacomo Cortese, Paul Schor, Filippo Lauri. Romanelli wurde von Kardinal Francesco Barberini nach Paris berufen und war ein grundlegender Künstler am Hof ​​des Sonnenkönigs.

Rubens ‚Reise nach Genua, gefolgt von Van Dyck, hatte auch schon früh Interesse an dem neuen Stil in Ligurien geweckt. Gregorio de Ferrari fertigte in der ligurischen Hauptstadt große szenografische und üppige Dekorationen an. Nur ein Genueser, der Baciccio, wird ein weiteres Schlüsselwerk der Barockreise in Rom schaffen, das von Bernini selbst genannte Gewölbe der Kirche des Gesù. Noch in Berninis Kreis war Ludovico Gemignani, ein Künstler aus Pistoia, der sein Vermögen unter dem Landsmann Papst Clemens IX. Rospigliosi machte und dessen Vater Giacinto er ein weiterer direkter Schüler von Pietro da Cortona gewesen war.

Die Rolle der Jesuiten bei der Verbreitung des Barockstils wird durch die wichtigen Aufträge bestätigt, die dem Mitbruder Andrea Pozzo vorbehalten sind, Autor außergewöhnlicher optischer Täuschungen von Gewölben, die zuerst in Rom und dann in anderen Zentren, einschließlich Wien, am Himmel geöffnet wurden.

Im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts vervielfachten sich die Anfragen nach künstlerischen Aufträgen in Kirchen und Palästen, und der Barockstil war nun ein Aufruhr eklektischer Interpretationen, die von Künstlern unterschiedlichster künstlerischer Herkunft verbreitet wurden. Zu den Namen dieser letzten Phase zählen Antonio und Filippo Gherardi, Domenico Maria Canuti, Enrico Haffner, Giovanni Coli und Giacinto Brandi. Am Ende des Jahrhunderts sticht vor allem die erwähnte Figur des neapolitanischen Luca Giordano hervor, die offenere und umfassendere Lösungen ankündigt und die Rokoko-Malerei vorwegnimmt.

Nationale Variationen
Unter der Führung Italiens verfolgten die Mittelmeerländer, gefolgt vom größten Teil des Heiligen Römischen Reiches in Deutschland und Mitteleuropa, im Allgemeinen einen vollblütigen Barockansatz.

Eine etwas andere Kunst entwickelte sich aus den realistischen Traditionen des Nordens in der niederländischen Malerei des Goldenen Zeitalters des 17. Jahrhunderts, die nur sehr wenig religiöse Kunst und wenig historische Malerei aufwies und stattdessen eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung weltlicher Genres wie Stillleben, Genrebilder alltäglicher Szenen spielte. und Landschaftsmalerei. Während der barocke Charakter von Rembrandts Kunst klar ist, wird das Etikett für Vermeer und viele andere niederländische Künstler weniger verwendet. Der meisten niederländischen Kunst fehlt die für viele Barockarbeiten typische Idealisierung und Liebe zur Pracht, einschließlich des benachbarten flämischen Barockgemäldes, das Teil der niederländischen Trends war, während die traditionellen Kategorien weiterhin in einem klareren Barockstil produziert werden.

In Frankreich verlieh ein würdiger und anmutiger Klassizismus der Barockmalerei einen unverwechselbaren Charakter, wo das spätere 17. Jahrhundert auch als goldenes Zeitalter der Malerei gilt. Zwei der wichtigsten Künstler, Nicolas Poussin und Claude Lorrain, blieben in Rom ansässig, wo ihre Arbeiten, fast alle in Staffelei-Gemälden, sowohl von italienischen als auch von französischen Gönnern sehr geschätzt wurden.

Barockmalerei in Italien
Das italienische Gemälde der Zeit versucht, mit den bereits verpönten Formen des Manierismus zu brechen. Die Manager waren zwei gut differenzierte Fraktionen; einerseits der Maler Caravaggio und andererseits die Brüder Carracci (Ludovico, Agostino und Annibale).

Der Naturalismus von Caravaggio, der der beste Vertreter ist, befasst sich mit Fragen des Alltags, mit grimmigen Bildern unter Verwendung von Lichteffekten. Die Helldunkel versuchen, Intensität und Lebendigkeit zu verleihen. Sie scheuen Schönheitsideale und zeigen die Realität so, wie sie ist, ohne Kunstfertigkeit. Ein großer Teil der damaligen Maler pflegte den Karawaggismus

Andererseits bilden die Carracci den sogenannten Klassizismus. Die zu erfassenden Themen sind von der griechisch-lateinischen Kultur mit mythologischen Wesen inspiriert. Die Autoren des 16. Jahrhunderts wie Rafael und Miguel Ángel sind starke Einflüsse. Die Farbe ist weich, ebenso wie das Licht, und die Decken sind mit Fresken bemalt.

Beide Trends hinterließen eine Fortsetzung und dienten dazu, die Bildeinstellungen zu erneuern. Die Anwesenheit von Rubens, einem anderen Genie des Barock, in Genua spiegelt sich in den Werken des Ortes wider.

Barockmalerei in Frankreich
In Frankreich wird der Manierismus vom Barock beeinflusst. Das Gemälde ist klassizistisch und wird verwendet, um Paläste mit einem nüchternen und ausgewogenen Stil zu dekorieren. Porträts werden gemalt und mythologische Motive behandelt.

Sein bekanntester Autor ist Nicolas Poussin, der nach seinem Besuch in Rom eindeutig von italienischen Trends beeinflusst wurde. Er suchte Inspiration in den griechisch-römischen Kulturen. Auf der Caravaggista-Seite stachen die Künstler Georges de La Tour, Philippe de Champaigne und die Brüder Le Nain heraus.

Der Barock in Frankreich war jedoch mehr als nur ein Einfluss und wurde später zum Rokoko.

Barockmalerei in Flandern und den Niederlanden
In Flandern dominiert die Figur von Rubens die Szene und entwickelt ein aristokratisches und religiöses Gemälde. In den Niederlanden wird das Gemälde bürgerlich sein und die Themen Landschaft, Porträts und Alltag dominieren, wobei die Figur von Rembrandt der beste Vertreter ist.

Barockmalerei in Spanien
In Spanien ist der Barock der Höhepunkt der Bildtätigkeit und unterstreicht das Genie und die Meisterschaft von Diego Velázquez, Ribera, Bartolomé Esteban Murillo oder Francisco de Zurbarán auf einer großartigen Gruppe von Malern. Die Zeit wurde als Goldenes Zeitalter bezeichnet, als Beispiel für die große Anzahl wichtiger Persönlichkeiten, die trotz der Wirtschaftskrise, unter der das Land litt, arbeiteten.

Spanische Maler lassen sich von italienischen Künstlern wie Caravaggio und seinem Tenebrismus inspirieren. Die flämische Barockmalerei hat in Spanien aufgrund des in der Region ausgeübten Mandats und der Ankunft von Rubens als Hofmaler einen bemerkenswerten Einfluss.

Die Hauptschulen für Barockkunst werden die von Madrid, Sevilla und Valencia sein.

Das Thema in Spanien, katholisch und monarchisch, ist eindeutig religiös. Die meisten Arbeiten wurden direkt von der Kirche in Auftrag gegeben. Auf der anderen Seite beschäftigen sich viele Gemälde mit Königen, Adligen und ihren Kriegen, wie im berühmten Gemälde Las Lanzas, das Velázquez 1635 für den Palacio del Buen Retiro in Madrid malte. Mythologie und klassische Themen werden ebenfalls eine Konstante sein. Aber es ist die christliche Religion, die sich am meisten wiederholt und als Beispiel dient. Das Martyrium des Heiligen Philippus, ein großartiges Werk von José de Ribera. Der Realismus der Werke wird genutzt, um den Gläubigen die religiöse Idee zu vermitteln, so dass der Barock eine Waffe für die Kirche war.

Die Farben sind lebendig, mit Effekten mehrerer Lichtquellen, die so viele Schattenbereiche erzeugen. Italienischer Tenebrismus wird bei allen spanischen Malern zu spüren sein. Die Figuren posieren normalerweise nicht, sie werden mit einer übertriebenen Bewegung aufgenommen, um der Szene Kraft zu verleihen. Die Ölgemälde sind groß und meist komplex, mit verschiedenen Figuren und ausdrucksstarken Gesten.

Andere Erfahrungen seicentiste

Naturalismus
Zu den grundlegenden Bestandteilen der Kunst des 17. Jahrhunderts gehört der Naturalismus, der seinen Dreh- und Angelpunkt im sogenannten „lombardischen 17. Jahrhundert“ hat. Geboren aus der Beobachtung der Natur von Caravaggio und gewachsen mit den Angaben von Carlo und Federico Borromeo, verwendete dieses Gemälde, das seine treibende Kraft in Mailand hat, eine strenge und dramatische Sprache in stark erzählenden Szenen, in Gemälden, die immer eine Mischung aus Beton sind , tägliche Realität und eine mystische und transzendentale Vision von Menschlichkeit und Glauben. Beispiele für diesen Trend sind Giovan Battista Crespi, Giulio Cesare Procaccini, Daniele Crespi und Pier Francesco Mazzucchelli, bekannt als Morazzone, die die Gruppe der sogenannten Mailänder Stampfer bilden.

Im Gegensatz zu gegenreformierten Malern stellen Naturforscher jedes Element der sensiblen Welt auf die gleiche Ebene, ohne sekundäre Details im Vergleich zu einem Ideal von Schönheit und Dekoration auszulassen. Dies waren Prinzipien, die auch mit bestimmten philosophischen und religiösen Bedeutungen verbunden waren, nach denen jede Manifestation als Spiegelbild des Göttlichen es wert ist, in all ihren vielen Aspekten dargestellt zu werden.

Diese Strömung breitete sich unter den Anhängern von Caravaggio aus und wurzelte vor allem in den Ländern der spanischen Herrschaft: von der Lombardei bis zum Königreich Neapel, von Flandern (den Karawaggisten von Utrecht) bis zur iberischen Halbinsel (Velàzquez, Zurbaràn, Ribera).

Realismus
Obwohl es sich um einen sehr neuen Begriff handelt, kann man in Bezug auf die niederländische Malerei des Goldenen Zeitalters von „Realismus“ sprechen, der als eine Unterart des Naturalismus verstanden wird.

Die Unabhängigkeit der Vereinigten Provinzen brachte die kalvinistische Kirche in den Vordergrund, die heilige Bilder ablehnte und zunächst die künstlerische Produktion einstellte. Die Künstler konnten sich jedoch bald neuen Genres widmen, die der Dekoration der Häuser der blühenden Bourgeoisie gewidmet waren: Zum ersten Mal in Europa wurde ein „bürgerliches“ Gemälde geboren, auf dem auf mittelgroßen Trägern bisher einige Genres standen Nischen wie Landschaft, Stillleben, moralische Themen, Porträts und Selbstporträts erlangten die Würde der besten Bildproduktion. Die Niederländer, die in die Fußstapfen ihrer künstlerischen Tradition getreten waren, hatten einen besonders scharfen Blick auf die „realen“ Aspekte von Umgebungen, Charakteren und Bräuchen, in denen die objektiven Daten durch die Sensibilität des Künstlers gefiltert erscheinen.

Klassizismus
Bereits ab dem Ende des 16. Jahrhunderts verbreitet die Reaktion auf Manierismus und Naturalismus eine Theorie der „Schönheit“, nach der die Künstler, obwohl ohne die Wahrscheinlichkeit zu leugnen, in die Fähigkeit investierten, das Perfekte, die Ordnung und die Schönheit in Bezug auf auszuwählen Unvollkommenheit, Chaos und Deformität. So konnte der Maler nach den Erfahrungen Raffaels in der Renaissance und der Welt der griechisch-römischen Kunst durch Filterung der realen Daten maximale Perfektion erreichen.

Die emilianischen Maler (insbesondere Domenichino, Albani, Sassoferrato), die die Franzosen als Nicolas Poussin und Claude Lorrain inspirierten, schlossen sich diesem Trend an.

Bamboccianti
Der Niederländer Pieter van Laer wurde in Rom wegen seiner körperlichen Missbildungen als „Bamboccio“ bezeichnet. Der Begriff „Bambocciante“ bezeichnete schließlich seine Gruppe von Emulatoren und Anhängern, nicht ohne die Absicht von Spöttern, die den caravaggesken Naturalismus im Lichte des typisch niederländischen populären Genres neu interpretierten. Im Vergleich zu Caravaggio, wie bereits von Bellori hervorgehoben, fischten sie jedoch die Themen in der Welt der Bescheidensten, und obwohl sie die Gunst einiger Sammler genossen, wurden sie von den damaligen Theoretikern stigmatisiert.