Pintura barroca

A pintura barroca é a pintura associada ao movimento cultural barroco. O movimento é frequentemente identificado com o Absolutismo, a Contra-Reforma e o Renascimento Católico, mas a existência de arte e arquitetura barrocas importantes em estados não absolutistas e protestantes em toda a Europa Ocidental ressalta sua popularidade generalizada. A arte barroca é caracterizada por realismo superficial, cores ricas e intensas e luz e sombra fortes.

A pintura barroca abrange uma grande variedade de estilos, como a pintura mais importante e importante durante o período que começa por volta de 1600 e continua ao longo do século XVII, e até o início do século XVIII é hoje identificada como pintura barroca. Em suas manifestações mais típicas, a arte barroca é caracterizada por grande drama, cores ricas e profundas e intensas sombras claras e escuras, mas o classicismo de pintores barrocos franceses como Poussin e pintores de gênero holandeses como Vermeer também é coberto pelo termo, em menos em inglês. Ao contrário da arte renascentista, que geralmente mostrava o momento anterior ao evento, os artistas barrocos escolheram o ponto mais dramático, o momento em que a ação estava ocorrendo: Michelangelo, trabalhando no Alto Renascimento, mostra seu David composto e ainda antes de batalhar. Golias; O David barroco de Bernini é pego no ato de atirar a pedra contra o gigante. A arte barroca pretendia evocar emoção e paixão, em vez da racionalidade calma que havia sido valorizada durante o Renascimento.

Entre os maiores pintores do período barroco estão Velázquez, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Poussin e Vermeer. Caravaggio é um herdeiro da pintura humanista do Alto Renascimento. Sua abordagem realista da figura humana, pintada diretamente da vida e dramaticamente iluminada contra um fundo escuro, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. A pintura barroca costuma dramatizar cenas usando efeitos de luz claro-escuro; isso pode ser visto nas obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain e La Tour. O pintor flamengo Anthony van Dyck desenvolveu um estilo de retrato gracioso, mas imponente, muito influente, especialmente na Inglaterra.

A prosperidade da Holanda do século XVII levou a uma enorme produção de arte por um grande número de pintores que eram altamente especializados e pintaram apenas cenas de gênero, paisagens, naturezas-mortas, retratos ou pinturas históricas. Os padrões técnicos eram muito altos, e a pintura holandesa da Era de Ouro estabeleceu um novo repertório de assuntos que foi muito influente até a chegada do modernismo.

Visão geral
Graças a suas obras, arquitetos, escultores e pintores tornam-se os meios necessários para tocar efetivamente a alma dos fiéis. Assim, a arte se torna um meio da Igreja Católica triunfante de convencer os hereges, os que duvidam e conter a pressão protestante nas fronteiras francesa e italiana. Para atingir esse objetivo ambicioso, a arte deve ter a capacidade de seduzir, mover-se, conquistar o gosto, não mais pela harmonia do Renascimento, mas pela expressão de emoções fortes.

O charme visceral do estilo barroco deriva de um envolvimento direto dos sentidos. Na pintura barroca, não havia solicitação do intelecto e sutileza refinada, como no maneirismo, a nova linguagem apontada diretamente para as entranhas, para os sentimentos do espectador. Foi utilizada uma iconografia o mais direta, simples, óbvia, mas ainda teatral e envolvente possível. Nunca antes o espectador, seu ponto de vista e o efeito que a decoração poderia ter sobre ele foram tão importantes.

É possível uma espécie de paralelo com a esfera musical, onde o contraponto substitui a polifonia, e o tom e a amálgama da orquestra aparecem cada vez mais insistentemente.

O pontificado de Urbano VIII Barberini foi o terreno fértil para o desenvolvimento do estilo barroco, destinado a celebrar a casa do papa e seus netos, numa espécie de antecipação ao absolutismo.

O termo “barroco” foi usado pela primeira vez no final do século XVIII, como um complemento negativo para os artistas que se distanciaram, com suas esquisitices, da norma clássica sóbria. Para os teóricos neoclássicos, barroco significava exuberância e excesso de ornamentação: a definição de Francesco Milizia permaneceu famosa, que em 1781 chamou a produção desta época de “praga do gosto”. A redescoberta do barroco é uma coisa muito tardia, que ocorreu totalmente apenas no final do século 20, quando tantas manifestações importantes desse gosto foram irreparavelmente destruídas ou comprometidas (pense nas muitas restaurações neo-medievais e neo-renascentistas da os edifícios de culto, realizados eliminando as estratificações subsequentes e perpetrados até o segundo período pós-guerra). Foi precisamente o caráter “anti-clássico” e a inegável originalidade que levaram à redescoberta do barroco e seu aprimoramento, primeiro em estudos especializados e depois em exposições e publicações populares, também entre o público em geral.

Recursos
Em contraste com a pintura renascentista, que geralmente mostra o momento antes de um evento importante, os artistas barrocos escolhem o ponto mais dramático, o momento em que a ação ocorre. A arte barroca é conhecida por evocar emoção e paixão, e não a racionalidade e a calma que emergem da pintura renascentista

No nível da composição pictórica, a pintura barroca é caracterizada, em primeiro lugar, pelo uso de muitas cores quentes e brilhantes que vão do rosa ao branco e ao azul. Por outro lado, os contrastes estão muito presentes, com peças de luz e sombra que podem ser usadas, em particular, para destacar a massa muscular do homem. Em contraste com a abordagem típica da Renascença, que possui uma iluminação de tela uniforme, a iluminação da tela barroca é feita em pontos. Essa técnica chama a atenção para certas áreas e deixa outras no escuro (uso de claro-escuro).

Sempre em espírito de contradição com o Renascimento, a tela barroca dá expressões faciais aos personagens presentes na tela para transmitir sentimentos. Também representa principalmente uma assimetria (a ação principal não está necessariamente no centro). As linhas de força da tela não são mais apenas horizontais ou verticais, mas também oblíquas ou curvas, o que resulta em dar uma posição instável aos personagens e uma impressão de movimento. Esse efeito de movimento é expresso por uma profusão de roupas levantadas ou agitadas pelo vento; a escolha de roupas geralmente se refere à antiguidade. Os tecidos também são organizados como cortinas para dramatizar a cena.

O barroco, portanto, se opõe ao Renascimento de várias maneiras: é um período de ruptura que quer representar a mudança. As obras barrocas se diferenciam por seu interesse em mudança, movimento, instabilidade das coisas.

“A luz, passando pelas lentes e imprimindo a emulsão no filme, consegue reproduzir apenas um aspecto do movimento. Mas o movimento é uma série ininterrupta de atitudes: o cinema em câmera lenta o revelou. O espírito do artista barroco captura esses aspectos sucessivos e os condensa em uma única imagem ”
– P. Charprentrat, L’art barroco, Vendôme, Imprimerie des presses Universitaires de France, 1967.

Os pintores barrocos geralmente abordam temas artísticos extraídos de lendas e contos bíblicos ou mitológicos. No entanto, embora a pintura religiosa, a pintura da história, as alegorias e os retratos sejam considerados os temas mais nobres, as cenas da paisagem e do gênero também são difundidas.

História
O Concílio de Trento (1545-1563), no qual a Igreja Católica Romana respondeu a muitas perguntas de reforma interna levantadas por protestantes e por aqueles que permaneceram dentro da Igreja Católica, abordou as artes representativas em uma passagem curta e um tanto oblíqua em sua decretos. Isso foi posteriormente interpretado e exposto por vários autores clericais como Molanus, que exigiram que pinturas e esculturas em contextos da igreja retratassem seus assuntos de forma clara e poderosa, e com decoro, sem os ares estilísticos do maneirismo. Esse retorno à concepção populista da função da arte eclesiástica é visto por muitos historiadores da arte como impulsionador das inovações de Caravaggio e dos irmãos Carracci, todos trabalhando (e competindo por comissões) em Roma por volta de 1600, embora diferentemente dos Carracci, Caravaggio foi persistentemente criticado por falta de decoro em seu trabalho. No entanto, embora a pintura religiosa, a história, as alegorias e os retratos ainda fossem considerados os temas mais nobres, as paisagens, a natureza morta e as cenas de gênero também estavam se tornando mais comuns nos países católicos, e eram os principais gêneros nos protestantes.

O termo
O termo “barroco” foi usado inicialmente com um significado depreciativo, para sublinhar os excessos de sua ênfase. Outros o derivam do termo mnemônico “Baroco”, que denota, na lógica escolástica, uma forma de silogismo supostamente trabalhada. Em particular, o termo foi usado para descrever sua redundância excêntrica e barulhenta abundância de detalhes, o que contrastava fortemente com a racionalidade clara e sóbria do Renascimento. Foi reabilitado pela primeira vez pelo historiador de arte nascido na Suíça, Heinrich Wölfflin (1864-1945) em Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificou o barroco como “movimento importado para a massa”, uma arte antitética à arte renascentista. Ele não fez as distinções entre maneirismo e barroco que os escritores modernos fazem, e ignorou a fase posterior, o barroco acadêmico que durou até o século XVIII. Escritores em francês e inglês não começaram a tratar o barroco como um estudo respeitável até que a influência de Wölfflin tornou a bolsa de estudos alemã eminente.

Precursores
No final do século XVI, enquanto o maneirismo desaparecia em réplicas cada vez mais convencionais e repetitivas, o gosto contra-reformado, sóbrio e simples, estava se espalhando em muitos centros italianos, capazes de serem compreendidos por todas as classes. Se em Milão e Florença às vezes a sobriedade se traduzia em certa rigidez severa, com uma simplificação geométrica das composições, outros centros desenvolviam soluções diferentes e mais ricas. Veneza, em particular, ofereceu o exemplo de Veronese e Tintoretto, com suas composições ousadas e o incomparável senso de cor, enquanto em Parma, após décadas de esquecimento, foram redescobertas as soluções sem escrúpulos de Correggio e Parmigianino.

Isso aconteceu enquanto a Igreja, fortalecida pela Contra-Reforma, tinha grandes somas para reinvestir em novas comissões artísticas, cada vez mais ambiciosas e gradualmente mais tolerantes à contaminação por temas seculares. O centro desse processo foi Roma, onde todos os artistas italianos e não italianos agora se concentram, procurando novos estímulos e mais sorte.

Os primeiros a desenvolver algo diferente foram os irmãos Carracci, que entre 1598 e 1606-1607 triunfaram na decoração da Galeria Farnese, seguida por uma série de emilianos como Domenichino, Guido Reni e Guercino. Após as primeiras mortes de Annibale Carracci (1609) e Caravaggio (1610), o mundo artístico parecia se dividir em dois: havia os Caravaggeschi com sua extrema verdade óptica e social, e do outro lado os “classicistas”, que retrabalhavam os estilos históricos, proporcionando uma leitura nova e eclética.

O pleno domínio da técnica pictórica, necessária para os objetivos que atingirão o barroco, foi antecipado pela atividade de Rubens em Roma, que demonstrou suas habilidades na decoração da abside da igreja de Santa Maria in Vallicella (1608), com os três grandes retábulos da Madonna della Vallicella e dos santos laterais, compostos como um esquema unitário intimamente ligado ao espaço arquitetônico e à luz natural presente. Na caixa central, prevalece uma idéia do todo em relação às figuras individuais, com um senso de movimento coral rotacional, acentuado pela cor dos anjos e querubins. A cor é quente e vital, como aprendida pelo artista em Veneza, e a sensação de pathos é forte e energia. Em Rubens, há o poder físico das figuras de Michelangelo Buonarroti, a graça de Raffaello Sanzio, a cor veneziana, titiana e uma carga energética nova e preponderante.

Em 1621, Guercino chegou a Roma, seguindo o recém-eleito Gregório XV, ambos de origem emiliana. Em apenas um ano de permanência, ele deixou obras memoráveis ​​em Roma, como Aurora, no Casino Ludovisi, onde as figuras se sobrepõem ao espaço arquitetônico que se funde com ele e se otimizam do ponto de vista do espectador, ao contrário da quase coval Aurora Pallavicini do compatriota Guido Reni, onde a representação é equivalente a uma tela pendurada no teto, claramente delimitada e sem uma visão “de baixo”. Já em Guercino, o olhar de quem vê é convidado a percorrer toda a cena incansavelmente, atraído pela concatenação dos elementos, em nome de um efeito desejado de movimento e instabilidade, com uma luz suave e a cor espalhada em pontos. Esses efeitos foram replicados no San Crisogono in gloria (hoje em Londres, Lancaster House) e especialmente no grande retábulo do Enterro e na glória de São Petronilla (1623), destinado à basílica de San Pietro e hoje nos Museus Capitolinos. Essas idéias foram essenciais para o nascimento do novo estilo “barroco”.

Evolução do estilo
Guercino e Rubens, portanto, foram os precursores da nova temporada, que terão uma consagração definitiva na terceira década, na obra de Gian Lorenzo Bernini.

Mas na pintura, a primeira obra totalmente “barroca”, na qual todas as características desse “terceiro estilo” são encontradas (entre caravaggismo e classicismo), é a decoração da cúpula de Sant’Andrea della Valle de Giovanni Lanfranco (1625- 27), não surpreendentemente, um Parma, que assumiu e atualizou a lição das cúpulas de Correggio em sua cidade para as contribuições mais inovadoras. Nesse imenso afresco, o espaço real é realçado pela criação de círculos concêntricos fluidos e instáveis, nos quais os personagens se movem livremente e, graças à luz, criam uma sensação de rotação ascendente que tem seu clímax no centro e simula uma abertura direta para o paraíso celestial.

A maturidade da pintura barroca ocorreu com as gigantescas realizações decorativas de Pietro da Cortona, por exemplo, no cofre do salão do Palazzo Barberini (1633-39) em Roma. Sua técnica prodigiosa e imprudente foi logo seguida por um bom número de adeptos, e o cortonismo tornou-se assim a linguagem da pintura monumental, um meio perfeito de propaganda para comissões seculares e religiosas nas quais a grandiosa apoteose é empurrada uma para a outra por efeitos de iluminação e perspectiva também graças ao uso da quadratura (para criar as arquiteturas, de fato havia especialistas, chamados “quadraturistas”).

As novidades do trabalho de Pietro da Cortona foram evidentes nos contemporâneos, em particular ao contrastar esse estilo das muitas figuras em movimento com o mais sóbrio e estático de Andrea Sacchi (também ativa no Palazzo Barberini com a Alegoria da Divina Sabedoria): debate é a Accademia di San Luca, da qual Pietro da Cortona foi príncipe de 1634 a 1638. Comparando a pintura com a literatura, para Pietro da Cortona as figuras compõem um “poema épico”, cheio de episódios, enquanto que para Sacchi eles participam de um tipo de “tragédia”, onde a unidade e a simplicidade são requisitos fundamentais.

Propagação
Entre os centros onde Pietro da Cortona trabalha, destaca-se Florence, onde trabalhou por muito tempo para os Medici na decoração do palácio Pitti e em outros empreendimentos religiosos. O impacto de seu estilo na escola local, aumentado pela longa presença de seu aluno mais fiel, Ciro Ferri, foi perturbador, embora não imediatamente aparente. O primeiro artista local que se envolveu totalmente foi Volterrano.

Giovanni Lanfranco trabalhou por um longo período em Nápoles, criando as condições para criar raízes no sabor barroco no sul da Itália, que teve seus expoentes mais significativos em Luca Giordano e Francesco Solimena. O primeiro dos dois viajou pela Itália e foi um extraordinário divulgador das notícias. Em Florença, exatamente onde Pietro da Cortona havia operado mais fora de Roma, na galeria do Palazzo Medici-Riccardi, ele criou um enorme afresco onde, ao contrário de Pietro da Cortona, qualquer layout arquitetônico está ausente, de acordo com uma liberdade de composição que já anuncia a leveza antena do século XVIII.

No entanto, o sucesso de Pietro da Cortona levou muitos artistas a abordar seu estilo. Os alunos diretos da primeira hora foram Giovan Francesco Romanelli (afastado do professor porque já havia se colocado em rivalidade com ele em 1637 e levado a proteção por Gianlorenzo Bernini), Giovanni Maria Bottalla e Ciro Ferri; a segunda hora (depois de 1655) Lazzaro Baldi, Guglielmo e Giacomo Cortese, Paul Schor, Filippo Lauri. Romanelli foi chamado a Paris pelo cardeal Francesco Barberini e era um artista fundamental na corte do rei do sol.

A passagem de Rubens para Gênova, seguida por Van Dyck, também despertou um interesse precoce pelo novo estilo na Ligúria. Gregorio de Ferrari fez grandes decorações cenográficas e exuberantes na capital da Ligúria. Apenas um genovês, o Baciccio, criará outra obra-chave da jornada barroca em Roma, a abóbada da igreja dos Gesù, chamada pelo próprio Bernini. Ainda no círculo de Bernini estava Ludovico Gemignani, um artista de Pistoia que fez fortuna sob o compatriota Papa Clemente IX Rospigliosi, e cujo pai Giacinto ele fora outro aluno direto de Pietro da Cortona.

O papel dos jesuítas na difusão do estilo barroco é testemunhado pelas importantes comissões reservadas à confrade Andrea Pozzo, autora de extraordinárias ilusões ópticas de abóbadas abertas no céu, primeiro em Roma e depois em outros centros, incluindo Viena.

No último quartel do século XVII, os pedidos de comissões artísticas nas igrejas e palácios se multiplicaram e o estilo barroco era agora um motim de interpretações ecléticas, espalhadas por artistas das mais variadas origens artísticas. Entre os nomes desta última fase, destacam-se Antonio e Filippo Gherardi, Domenico Maria Canuti, Enrico Haffner, Giovanni Coli, Giacinto Brandi. No final do século, destaca-se acima de tudo a figura do napolitano Luca Giordano, que anuncia soluções mais amplas e abertas, antecipando a pintura rococó.

Variações nacionais
Liderados pela Itália, os países do Mediterrâneo, seguidos lentamente pela maior parte do Sacro Império Romano na Alemanha e na Europa Central, geralmente adotavam uma abordagem barroca de sangue total.

Uma arte bastante diferente desenvolvida a partir das tradições realistas do norte na pintura da Idade de Ouro holandesa do século XVII, que tinha muito pouca arte religiosa e pouca pintura de história, desempenhando um papel crucial no desenvolvimento de gêneros seculares, como natureza morta, pinturas de gênero de cenas cotidianas, e pintura de paisagem. Embora a natureza barroca da arte de Rembrandt seja clara, o rótulo é menos usado para Vermeer e muitos outros artistas holandeses. A maioria da arte holandesa não tem a idealização e o amor ao esplendor típico de muitas obras barrocas, incluindo a pintura barroca flamenga vizinha, que participou da tendência holandesa, enquanto continua a produzir as categorias tradicionais em um estilo barroco mais claro.

Na França, um classicismo digno e gracioso deu um sabor distinto à pintura barroca, onde o final do século XVII também é considerado uma época de ouro para a pintura. Dois dos artistas mais importantes, Nicolas Poussin e Claude Lorrain, permaneceram em Roma, onde seu trabalho, quase todo em pinturas de cavalete, foi muito apreciado pelos clientes italianos e franceses.

Pintura barroca na Itália
A pintura italiana da época tenta romper com as formas de maneirismo, já desaprovadas. Os gerentes eram duas facções bem diferenciadas; por um lado, o pintor Caravaggio e, por outro, os irmãos Carracci (Ludovico, Agostino e Annibale).

O naturalismo de Caravaggio, que é o melhor representante, lida com questões da vida cotidiana, com imagens sombrias usando efeitos de luz. Os chiaroscuros tentam dar intensidade e vivacidade. Eles evitam os ideais de beleza, mostrando a realidade como ela é, sem artifícios. Boa parte dos pintores da época cultivava o caravaggismo

Por outro lado, os Carracci formam o chamado classicismo. Os temas a serem capturados são inspirados na cultura greco-latina, com seres mitológicos. Os autores do século XVI, como Rafael e Miguel Ángel, são fortes influências. A cor é suave, assim como a luz, e os afrescos são pintados no teto.

Ambas as tendências deixaram uma sequência e serviram para renovar as configurações pictóricas. A presença de Rubens, outro gênio do barroco, em Gênova, reflete-se nas obras do local.

Pintura barroca na França
Na França, o maneirismo é influenciado pelo barroco. A pintura é clássica e é usada para decorar palácios, com um estilo sóbrio e equilibrado. Retratos são pintados e assuntos mitológicos são tratados.

Seu autor mais proeminente é Nicolas Poussin, que foi claramente influenciado pelas tendências italianas, após sua visita a Roma. Ele procurou inspiração nas culturas greco-romanas. No lado caravaggista, destacaram-se os artistas Georges de La Tour, Philippe de Champaigne e Le Nain Brothers.

No entanto, o barroco na França foi mais do que apenas uma influência, tornando-se mais tarde rococó.

Pintura barroca na Flandres e na Holanda
Na Flandres, a figura de Rubens domina a cena, desenvolvendo uma pintura aristocrática e religiosa, enquanto na Holanda a pintura é burguesa, dominando os temas da paisagem, retratos e vida cotidiana, com a figura de Rembrandt como seu melhor expoente.

Pintura barroca na Espanha
Na Espanha, o barroco é o momento culminante da atividade pictórica, destacando a genialidade e maestria de Diego Velázquez, Ribera, Bartolomé Esteban Murillo ou Francisco de Zurbarán em um magnífico grupo de pintores. O período ficou conhecido como Era de Ouro, como uma amostra do grande número de figuras importantes que trabalharam, apesar da crise econômica que o país estava sofrendo.

Pintores espanhóis usam artistas italianos como Caravaggio e seu tenebrismo como inspiração. A pintura barroca flamenga tem uma influência notável na Espanha, devido ao mandato exercido na região e à chegada de Rubens ao país como pintor da corte.

As principais escolas de arte barroca serão as de Madri, Sevilha e Valência.

O tema na Espanha, católico e monárquico, é claramente religioso. A maioria das obras foi encomendada diretamente pela igreja. Por outro lado, muitas pinturas tratam de reis, nobres e suas guerras, como na famosa pintura Las Lanzas, que Velázquez pintou em 1635 para o Palácio do Buen Retiro, em Madri. A mitologia e os temas clássicos também serão constantes. Mas é a religião cristã que mais se repete, serve como exemplo O Martírio de São Filipe, grande obra de José de Ribera. O realismo das obras será usado para transmitir a ideia religiosa aos fiéis, de modo que o barroco era uma arma para a igreja.

As cores são vivas, com efeitos de várias fontes de luz que criam tantas áreas de sombras. O tenebrismo italiano será sentido em todos os pintores espanhóis. As figuras geralmente não representam, elas são capturadas com um movimento exagerado para dar força à cena. As pinturas a óleo são grandes e geralmente complexas, com várias figuras e gestos expressivos.

Outras experiências seicentiste

Naturalismo
Entre os componentes fundamentais da arte do século XVII, está o naturalismo, que tem seu ponto de apoio no chamado “século XVII da Lombard”. Nascida da observação da natureza de Caravaggio e crescida com as indicações de Carlo e Federico Borromeo, esta pintura, que tem sua força motriz em Milão, usou linguagem severa e dramática em cenas fortemente narrativas, em pinturas que são sempre uma mistura de concreto , realidade diária e uma visão mística e transcendental da humanidade e da fé. Amostras dessa tendência são Giovan Battista Crespi, Giulio Cesare Procaccini, Daniele Crespiand Pier Francesco Mazzucchelli, conhecido como Morazzone, que compõem o grupo dos chamados pintores milaneses.

Ao contrário dos pintores contra-reformados, os naturalistas colocam todos os elementos do mundo sensível no mesmo nível, sem omitir detalhes secundários em comparação com um ideal de beleza e decoração. Esses eram princípios também vinculados a significados filosóficos e religiosos particulares, segundo os quais cada manifestação, como reflexo do Divino, merece ser representada em todos os seus muitos aspectos.

Essa corrente se espalhou pelos seguidores de Caravaggio, criando raízes especialmente nos países de domínio espanhol: da Lombardia ao Reino de Nápoles, da Flandres (os caravaggistas de Utrecht) à península Ibérica (Velàzquez, Zurbaràn, Ribera).

Realismo
Embora seja um termo muito recente, com referência à pintura holandesa da Idade do Ouro, pode-se falar de “realismo” entendido como algumas subespécies do naturalismo.

A independência das Províncias Unidas trouxe à tona a Igreja Calvinista, que rejeitava imagens sagradas, produzindo inicialmente uma suspensão da produção artística. No entanto, os artistas logo puderam se dedicar a novos gêneros, dedicados à decoração das casas da burguesia florescente: pela primeira vez na Europa nasceu uma pintura “burguesa”, onde, em suportes médios e pequenos, alguns gêneros até então nichos como paisagem, natureza-morta, temas morais, retratos e autorretratos, adquiriram a dignidade da melhor produção pictórica. Os holandeses, seguindo os passos de sua tradição artística, observavam particularmente os aspectos “reais” de ambientes, personagens e costumes, nos quais os dados objetivos parecem filtrados pela sensibilidade do artista.

Classicismo
Já a partir do final do século XVI, a reação ao maneirismo e ao naturalismo difunde uma teoria da “beleza”, segundo a qual os artistas, embora sem negar a probabilidade, investiram na capacidade de selecionar o perfeito, a ordem e a beleza em relação à beleza. imperfeição, caos e deformidade. Assim, o pintor, seguindo as experiências de Rafael no Renascimento e no mundo da arte greco-romana, poderia alcançar a máxima perfeição filtrando os dados reais.

Os pintores emilianos (especialmente Domenichino, Albani, Sassoferrato), que inspiraram os franceses como Nicolas Poussin e Claude Lorrain, aderiram a essa tendência.

Bamboccianti
O holandês Pieter van Laer foi apelidado de “Bamboccio” em Roma por suas deformidades físicas. O termo “bambocciante” acabou indicando seu grupo de emuladores e seguidores, não sem intenção de zombadores, que reinterpretaram o naturalismo caravaggesco à luz do gênero popular tipicamente holandês. Comparados a Caravaggio, como já destacado por Bellori, eles pescavam os assuntos dos mais humildes do mundo e, enquanto desfrutavam do favor de alguns colecionadores, eram estigmatizados pelos teóricos da época.