La peinture baroque est la peinture associée au mouvement culturel baroque. Le mouvement est souvent identifié à l’absolutisme, à la contre-réforme et au renouveau catholique, mais l’existence d’un art et d’une architecture baroques importants dans les États non absolutistes et protestants de toute l’Europe occidentale souligne sa popularité généralisée. L’art baroque se caractérise par un réalisme superficiel, des couleurs riches et intenses, et une forte lumière et ombre.

La peinture baroque englobe un large éventail de styles, comme la peinture la plus importante et la plus importante de la période commençant vers 1600 et se poursuivant tout au long du XVIIe siècle, et jusqu’au début du XVIIIe siècle est aujourd’hui identifiée comme peinture baroque. Dans ses manifestations les plus typiques, l’art baroque se caractérise par un grand drame, des couleurs riches et profondes et des ombres claires et sombres intenses, mais le classicisme des peintres baroques français comme Poussin et des peintres de genre néerlandais comme Vermeer sont également couverts par le terme, à moins en anglais. Contrairement à l’art de la Renaissance, qui montrait généralement le moment précédant un événement, les artistes baroques ont choisi le point le plus dramatique, le moment où l’action se produisait: Michel-Ange, travaillant à la Haute Renaissance, montre son David composé et toujours avant qu’il ne se batte Goliath; Le baroque David du Bernin est pris en train de lancer la pierre sur le géant. L’art baroque était censé évoquer l’émotion et la passion au lieu de la rationalité calme qui avait été prisée pendant la Renaissance.

Parmi les plus grands peintres de la période baroque se trouvent Velázquez, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Poussin et Vermeer. Le Caravage est l’héritier de la peinture humaniste de la Haute Renaissance. Son approche réaliste de la figure humaine, peinte directement de la vie et dramatiquement éclairée sur un fond sombre, a choqué ses contemporains et a ouvert un nouveau chapitre dans l’histoire de la peinture. La peinture baroque dramatise souvent des scènes en utilisant des effets de lumière en clair-obscur; cela se voit dans les œuvres de Rembrandt, Vermeer, Le Nain et La Tour. Le peintre flamand Anthony van Dyck a développé un style de portrait gracieux mais imposant, très influent, notamment en Angleterre.

La prospérité de la Hollande du 17ème siècle a conduit à une énorme production d’art par un grand nombre de peintres qui étaient pour la plupart hautement spécialisés et qui ne peignaient que des scènes de genre, des paysages, des natures mortes, des portraits ou des peintures d’histoire. Les normes techniques étaient très élevées et la peinture hollandaise de l’âge d’or a établi un nouveau répertoire de sujets très influents jusqu’à l’arrivée du modernisme.

Aperçu
Grâce à leurs œuvres, architectes, sculpteurs et peintres deviennent les moyens nécessaires pour toucher efficacement l’âme des fidèles. L’art devient ainsi un moyen pour l’Église catholique triomphante de persuader les hérétiques, les sceptiques et d’endiguer la pression protestante sur les frontières française et italienne. Pour atteindre cet objectif ambitieux, l’art doit avoir la capacité de séduire, de bouger, de conquérir le goût, non plus à travers l’harmonie de la Renaissance, mais à travers l’expression d’émotions fortes.

Le charme viscéral du style baroque dérive d’une implication directe des sens. Dans la peinture baroque, il n’y avait aucune sollicitation de l’intellect et une subtilité raffinée comme dans le maniérisme, la nouvelle langue pointait directement vers les entrailles, vers les sentiments du spectateur. Une iconographie a été utilisée qui était aussi directe, simple, évidente, mais toujours théâtrale et engageante que possible. Jamais auparavant le spectateur, son point de vue et l’effet que la décoration pouvait avoir sur lui n’avaient été aussi importants.

Une sorte de parallèle est possible avec la sphère musicale, où le contrepoint s’empare de la polyphonie, et le ton orchestral et l’amalgame font de plus en plus leur apparition.

Le pontificat d’Urbain VIII Barberini a été le terreau fertile pour le développement du style baroque, destiné à célébrer la maison du pape et ses petits-enfants, dans une sorte d’anticipation de l’absolutisme.

Le terme « baroque » a été utilisé pour la première fois à la fin du XVIIIe siècle, comme complément négatif aux artistes qui s’étaient éloignés, avec leurs bizarreries, de la sobre norme classique. Pour les théoriciens néoclassiques, le baroque signifiait exubérance et excès d’ornementation: la définition de Francesco Milizia est restée célèbre, ce qui en 1781 a qualifié la production de cette époque de «plaie du goût». La redécouverte du baroque est une chose très tardive, qui n’a eu lieu pleinement qu’à la fin du 20e siècle, lorsque tant de manifestations importantes de ce goût avaient été irrémédiablement détruites ou compromises (pensez aux nombreuses restaurations néo-médiévales et néo-Renaissance de les édifices de culte, réalisés en éliminant les stratifications ultérieures et perpétués jusqu’à la deuxième période d’après-guerre). C’est précisément le caractère « anti-classique » et l’originalité indéniable qui ont conduit à la redécouverte du baroque et à sa mise en valeur, d’abord dans des études spécialisées puis, au travers d’expositions et de publications populaires, également auprès du grand public.

Caractéristiques
Contrairement à la peinture de la Renaissance qui montre généralement le moment précédant un événement important, les artistes baroques choisissent le point le plus dramatique, le moment où l’action se déroule. L’art baroque est réputé pour évoquer l’émotion et la passion et non la rationalité et le calme qui émergent de la peinture de la Renaissance

Au niveau de la composition picturale, la peinture baroque se caractérise tout d’abord par l’utilisation de nombreuses couleurs chaudes et lumineuses qui vont du rose au blanc en passant par le bleu. En revanche, les contrastes sont très présents, avec des jeux de lumière et d’ombre qui permettent notamment de mettre en valeur la masse musculaire de l’homme. Contrairement à l’approche typique de la Renaissance, qui a un éclairage de toile uniforme, l’éclairage de la toile baroque se fait par endroits. Cette technique attire l’attention sur certaines zones et en laisse d’autres dans le noir (utilisation du clair-obscur).

Toujours dans un esprit de contradiction avec la Renaissance, la toile baroque donne des expressions faciales aux personnages présents sur la toile pour transmettre des sentiments. Elle représente également principalement une asymétrie (l’action principale n’est pas nécessairement au centre). Les lignes de force de la toile ne sont plus seulement horizontales ou verticales mais également obliques ou courbes, ce qui a pour effet de donner une position instable aux personnages et une impression de mouvement. Cet effet de mouvement s’exprime par une profusion de vêtements soulevés ou agités par le vent; le choix des costumes fait souvent référence à l’antiquité. Les tissus sont également disposés comme des rideaux pour dramatiser la scène.

Le baroque s’oppose donc à la Renaissance de diverses manières: c’est une période de rupture qui veut représenter le changement. Les œuvres baroques se différencient par leur intérêt pour le changement, le mouvement, l’instabilité des choses.

«La lumière, passant à travers l’objectif et impressionnant l’émulsion sur le film, ne parvient qu’à reproduire un aspect du mouvement. Mais le mouvement est une série d’attitudes ininterrompue: le cinéma au ralenti l’a révélé. L’esprit de l’artiste baroque capture ces aspects successifs et les condense en une seule image »
– P. Charprentrat, L’art baroque, Vendôme, Imprimerie des presses universitaires de France, 1967.

Les peintres baroques abordent généralement des thèmes artistiques tirés de légendes et contes bibliques ou mythologiques. Cependant, bien que la peinture religieuse, la peinture de l’histoire, les allégories et les portraits soient considérés comme les sujets les plus nobles, les scènes de paysage et de genre sont également très répandues.

Histoire
Le Concile de Trente (1545-1563), dans lequel l’Église catholique romaine a répondu à de nombreuses questions de réforme interne soulevées par les protestants et par ceux qui étaient restés à l’intérieur de l’Église catholique, a abordé les arts de la représentation dans un passage court et quelque peu oblique dans son décrets. Cela a ensuite été interprété et expliqué par un certain nombre d’auteurs cléricaux comme Molanus, qui ont exigé que les peintures et les sculptures dans les contextes de l’église dépeignent leurs sujets clairement et puissamment, et avec décorum, sans les airs stylistiques du maniérisme. Ce retour vers une conception populiste de la fonction de l’art ecclésiastique est considéré par de nombreux historiens de l’art comme le moteur des innovations du Caravage et des frères Carracci, qui travaillaient tous (et se disputaient des commandes) à Rome vers 1600, bien que contrairement aux Carracci, Le Caravage a été constamment critiqué pour son manque de décorum dans son travail. Cependant, bien que la peinture religieuse, la peinture d’histoire, les allégories et les portraits soient toujours considérés comme les sujets les plus nobles, les scènes de paysage, de nature morte et de genre deviennent également plus courantes dans les pays catholiques et sont les principaux genres dans les pays protestants.

Le terme
Le terme « baroque » a été initialement utilisé avec un sens péjoratif, pour souligner les excès de son accent. D’autres le tirent du terme mnémonique « Baroco » désignant, dans la scolastique logique, une forme supposée de syllogisme. En particulier, le terme a été utilisé pour décrire sa redondance excentrique et son abondance bruyante de détails, qui contrastaient fortement avec la rationalité claire et sobre de la Renaissance. Il a d’abord été réhabilité par l’historien de l’art d’origine suisse, Heinrich Wölfflin (1864-1945) dans son ouvrage Renaissance und Barock (1888); Wölfflin a identifié le baroque comme un «mouvement importé en masse», un art antithétique à l’art de la Renaissance. Il n’a pas fait les distinctions entre le maniérisme et le baroque que les écrivains modernes font, et il a ignoré la phase ultérieure, le baroque académique qui a duré jusqu’au 18ème siècle. Les écrivains en français et en anglais n’ont commencé à traiter le baroque comme une étude respectable que lorsque l’influence de Wölfflin avait fait de la bourse allemande une priorité.

Précurseurs
À la fin du XVIe siècle, alors que le maniérisme s’éteignait dans des répliques de plus en plus conventionnelles et répétitives, le goût contre-réformé, sobre et simple, se répandait dans de nombreux centres italiens, pouvant être compris par toutes les classes. Si à Milan et à Florence la sobriété s’est parfois traduite par une certaine rigidité sévère, avec une simplification géométrique des compositions, d’autres centres ont développé des solutions différentes et plus riches. Venise en particulier offrait l’exemple de Véronèse et du Tintoret, avec leurs compositions audacieuses et leur incomparable sens de la couleur, tandis qu’à Parme après des décennies d’oubli, les solutions peu scrupuleuses de Correggio et Parmigianino ont été redécouvertes.

Cela s’est produit alors que l’Église, renforcée par la Contre-Réforme, avait des sommes importantes à réinvestir dans de nouvelles commandes artistiques, de plus en plus ambitieuses et progressivement plus tolérantes à la contamination à thèmes profanes. Le centre de ce processus était Rome, où tous les artistes italiens et non italiens se concentrent maintenant, à la recherche de nouveaux stimuli et d’une plus grande chance.

Les premiers à développer quelque chose de différent ont été les frères Carracci, qui ont triomphé entre 1598 et 1606-1607 dans la décoration de la galerie Farnese, qui a été suivie par une série d’Émiliens tels que Domenichino, Guido Reni et Guercino. Après la mort précoce d’Annibale Carracci (1609) et du Caravage (1610), le monde artistique semblait divisé en deux: il y avait les Caravaggeschi avec leur extrême vérité optique et sociale, et de l’autre côté les « classicistes », qui ont retravaillé le styles historiques offrant une lecture nouvelle et éclectique.

La maîtrise complète de la technique picturale, nécessaire pour les objectifs qui atteindront le baroque, était anticipée par l’activité de Rubens à Rome, qui montra ses compétences dans la décoration de l’abside de l’église de Santa Maria in Vallicella (1608), avec les trois grands retables de la Madonna della Vallicella et des saints latéraux, composés comme un ensemble unitaire étroitement lié à l’espace architectural et à la lumière naturelle présente. Dans la boîte centrale, une idée de l’ensemble prévaut par rapport aux figures individuelles, avec un sens de mouvement choral en rotation, accentué par la couleur des anges et des chérubins. La couleur est chaleureuse et vitale, comme l’a appris l’artiste à Venise, et le sens du pathos est fort et énergétique. À Rubens, il y a la puissance physique des figures de Michel-Ange Buonarroti, la grâce de Raffaello Sanzio, la couleur vénitienne, Titienne, et une charge énergétique nouvelle et prépondérante.

En 1621, Guercino arrive à Rome, à la suite du nouveau Grégoire XV, tous deux d’origine émilienne. En seulement un an de séjour, il a laissé des œuvres mémorables à Rome telles que Aurora dans le Casino Ludovisi, où les figures chevauchent l’espace architectural fusionnant avec lui et s’optimisant du point de vue du spectateur, contrairement à la presque contemporaine Aurora Pallavicini de la compatriote Guido Reni, où la représentation équivaut plutôt à une toile suspendue au plafond, clairement délimitée et sans vision « d’en bas ». Déjà à Guercino, l’œil du spectateur est invité à parcourir la scène sans relâche, attiré par la concaténation des éléments, au nom d’un effet de mouvement et d’instabilité souhaité, avec une lumière douce et la couleur diffusée par points. Ces effets ont été reproduits dans le San Crisogono in gloria (aujourd’hui à Londres, Lancaster House) et surtout dans le grand retable de la sépulture et de la gloire de sainte Pétronille (1623), destiné à la basilique de San Pietro et aujourd’hui aux musées du Capitole. Ces idées ont été essentielles à la naissance du nouveau style « baroque ».

Evolution du style
Guercino et Rubens ont donc été les précurseurs de la nouvelle saison qui aura une consécration définitive dans la troisième décennie, dans l’œuvre de Gian Lorenzo Bernini.

Mais en peinture, la première œuvre entièrement « baroque », dans laquelle se retrouvent toutes les caractéristiques de ce « troisième style » (entre caravagisme et classicisme), est la décoration de la coupole de Sant’Andrea della Valle par Giovanni Lanfranco (1625- 27), sans surprise un Parme, qui a repris et mis à jour la leçon des dômes de Correggio dans sa ville aux contributions les plus innovantes. Dans cette immense fresque, l’espace réel est mis en valeur par la création de cercles concentriques fluides et instables, dans lesquels les personnages se déplacent librement et, grâce à la lumière, créent un sens de rotation ascendante qui a son apogée au centre et simule une ouverture directe au paradis céleste.

La maturité de la peinture baroque a eu lieu avec les gigantesques réalisations décoratives de Pietro da Cortona, par exemple dans la voûte du salon du Palazzo Barberini (1633-39) à Rome. Sa technique prodigieuse et téméraire fut bientôt suivie par un bon nombre d’adeptes, et le cortonisme devint ainsi le langage de la peinture monumentale, un parfait moyen de propagande pour les commandes laïques et religieuses dans lesquelles l’apothéose grandiose est poussée les uns vers les autres par des effets d’éclairage et de perspective également. grâce à l’utilisation de la quadrature (pour créer les architectures il y avait en fait des spécialistes, appelés « quadraturistes »).

Les nouveautés de l’œuvre de Pietro da Cortona étaient évidentes chez les contemporains, en particulier en contrastant ce style des nombreuses figures en mouvement avec celle plus sobre et statique d’Andrea Sacchi (également active au Palazzo Barberini avec l’allégorie de la sagesse divine): théâtre le débat est celui de l’Accademia di San Luca, dont Pietro da Cortona fut prince de 1634 à 1638. Comparant la peinture à la littérature, pour Pietro da Cortona les figures composent un « poème épique », plein d’épisodes, tandis que pour Sacchi ils participent à un sorte de « tragédie », où l’unité et la simplicité sont des exigences fondamentales.

Propagé
Parmi les centres où Pietro da Cortona a travaillé, Florence se distingue, où il a longtemps travaillé pour les Médicis dans la décoration du palais Pitti et dans d’autres entreprises religieuses. L’impact de son style sur l’école locale, accru par la longue présence de son élève le plus fidèle Ciro Ferri, a été perturbateur, mais pas immédiatement apparent. Le premier artiste local qui s’est pleinement impliqué a été Volterrano.

Giovanni Lanfranco a longtemps travaillé à Naples, créant les conditions pour s’enraciner dans le goût baroque du sud de l’Italie, qui avait ses représentants les plus importants à Luca Giordano et Francesco Solimena. Le premier des deux a voyagé dans toute l’Italie et a été un extraordinaire diffuseur de nouvelles. À Florence, là où Pietro da Cortona avait le plus opéré en dehors de Rome, dans la galerie du Palazzo Medici-Riccardi, il a créé une immense fresque où, contrairement à Pietro da Cortona, aucune disposition architecturale est désormais absente, selon une liberté de composition qui annonce déjà la légèreté aérienne du XVIIIe siècle.

Cependant, le succès de Pietro da Cortona a poussé de nombreux artistes à se rapprocher de son style. Les élèves directs de la première heure étaient Giovan Francesco Romanelli (retiré du professeur parce qu’il s’était placé en rivalité avec lui déjà en 1637 et mis à la protection par Gianlorenzo Bernini), Giovanni Maria Bottalla et Ciro Ferri; la deuxième heure (après 1655) Lazzaro Baldi, Guglielmo et Giacomo Cortese, Paul Schor, Filippo Lauri. Romanelli a été appelé à Paris par le cardinal Francesco Barberini, et était un artiste fondamental à la cour du Roi Soleil.

Le passage de Rubens à Gênes, suivi de Van Dyck, avait également suscité un intérêt précoce pour le nouveau style en Ligurie. Gregorio de Ferrari a réalisé de grandes décorations scénographiques et exubérantes dans la capitale ligure. Juste un génois, le Baciccio, créera une autre œuvre clé du voyage baroque à Rome, la voûte de l’église du Gesù, appelée par Bernini lui-même. Toujours dans le cercle du Bernin, Ludovico Gemignani, un artiste de Pistoia qui a fait fortune sous le compatriote pape Clément IX Rospigliosi, et dont le père Giacinto avait été un autre élève direct de Pietro da Cortona.

Le rôle des jésuites dans la diffusion du style baroque est attesté par les importantes commissions réservées au confrère Andrea Pozzo, auteur d’extraordinaires illusions d’optique de voûtes ouvertes sur le ciel, d’abord à Rome puis dans d’autres centres, dont Vienne.

Dans le dernier quart du XVIIe siècle, les demandes de commandes artistiques dans les églises et les palais se multiplient et le style baroque est désormais une débauche d’interprétations éclectiques, diffusées par des artistes de milieux artistiques les plus variés. Parmi les noms de cette dernière phase se détachent Antonio et Filippo Gherardi, Domenico Maria Canuti, Enrico Haffner, Giovanni Coli, Giacinto Brandi. À la fin du siècle, la figure susmentionnée du Napolitain Luca Giordano se distingue avant tout, ce qui annonce des solutions plus ouvertes et plus vastes, anticipant la peinture rococo.

Variations nationales
Menés par l’Italie, les pays méditerranéens, lentement suivis par la majeure partie du Saint-Empire romain germanique et d’Europe centrale, ont généralement adopté une approche baroque pleine de sang.

Un art assez différent s’est développé à partir des traditions réalistes du Nord dans la peinture de l’âge d’or néerlandais du 17ème siècle, qui avait très peu d’art religieux et peu de peinture d’histoire, jouant plutôt un rôle crucial dans le développement de genres laïques tels que la nature morte, les peintures de genre des scènes de tous les jours, et la peinture de paysage. Alors que la nature baroque de l’art de Rembrandt est claire, l’étiquette est moins utilisée pour Vermeer et de nombreux autres artistes néerlandais. La plupart de l’art néerlandais n’a pas l’idéalisation et l’amour de la splendeur typiques de nombreuses œuvres baroques, y compris la peinture baroque flamande voisine qui partage une part des tendances néerlandaises, tout en continuant à produire les catégories traditionnelles dans un style baroque plus clair.

En France, un classicisme digne et gracieux a donné une saveur particulière à la peinture baroque, où la fin du XVIIe siècle est également considérée comme un âge d’or pour la peinture. Deux des artistes les plus importants, Nicolas Poussin et Claude Lorrain, sont restés basés à Rome, où leur travail, presque tous dans des peintures de chevalet, a été très apprécié par les mécènes italiens et français.

Peinture baroque en Italie
La peinture italienne de l’époque tente de rompre avec les formes du maniérisme, déjà mal vu. Les managers étaient deux factions bien différenciées; d’une part le peintre Caravage et d’autre part les frères Carracci (Ludovico, Agostino et Annibale).

Le naturalisme du Caravage qui est le meilleur représentant, traite des questions de la vie quotidienne, avec des images sinistres utilisant des effets de lumière. Les clair-obscur tentent de donner intensité et vivacité. Ils évitent les idéaux de beauté, montrant la réalité telle qu’elle est, sans artifice. Une bonne partie des peintres de l’époque cultivaient le caravagisme

D’autre part, les Carracci forment le soi-disant classicisme. Les thèmes à capturer sont inspirés de la culture gréco-latine, avec des êtres mythologiques. Les auteurs du XVIe siècle, comme Rafael et Miguel Ángel, sont de fortes influences. La couleur est douce, tout comme la lumière, et les fresques sont peintes au plafond.

Les deux tendances ont laissé une suite et ont servi à renouveler les décors picturaux. La présence de Rubens, un autre génie du baroque, à Gênes, se reflète dans les œuvres du lieu.

La peinture baroque en France
En France, le maniérisme est influencé par le baroque. La peinture est classique et sert à décorer les palais, avec un style sobre et équilibré. Des portraits sont peints et des sujets mythologiques sont traités.

Son auteur le plus connu est Nicolas Poussin, clairement influencé par les tendances italiennes, après sa visite à Rome. Il a cherché l’inspiration dans les cultures gréco-romaines. Côté caravagista, les artistes Georges de La Tour, Philippe de Champaigne et les frères Le Nain se sont démarqués.

Cependant, le baroque en France était plus qu’une simple influence, devenant plus tard rococo.

Peinture baroque en Flandre et aux Pays-Bas
En Flandre, la figure de Rubens domine la scène, développant une peinture aristocratique et religieuse, tandis qu’aux Pays-Bas, la peinture sera bourgeoise, dominant les thèmes du paysage, des portraits et de la vie quotidienne, avec la figure de Rembrandt comme son meilleur représentant.

Peinture baroque en Espagne
En Espagne, le baroque est le point culminant de l’activité picturale, mettant en avant le génie et la maîtrise de Diego Velázquez, Ribera, Bartolomé Esteban Murillo ou Francisco de Zurbarán sur un magnifique groupe de peintres. La période était connue comme l’âge d’or, comme un échantillon du grand nombre de personnalités importantes qui travaillaient, malgré la crise économique que traversait le pays.

Les peintres espagnols s’inspirent d’artistes italiens comme le Caravage et son ténébrisme. La peinture baroque flamande a une influence notable en Espagne, en raison du mandat qui s’exerce dans la région et de l’arrivée de Rubens dans le pays en tant que peintre de cour.

Les principales écoles d’art baroque seront celles de Madrid, Séville et Valence.

Le thème en Espagne, catholique et monarchique, est clairement religieux. La plupart des œuvres ont été commandées directement par l’église. D’autre part, de nombreuses peintures traitent des rois, des nobles et de leurs guerres, comme dans le célèbre tableau Las Lanzas, que Velázquez a peint en 1635 pour le Palacio del Buen Retiro de Madrid. La mythologie et les thèmes classiques seront également une constante. Mais c’est la religion chrétienne qui se répète le plus, sert d’exemple Le Martyre de Saint Philippe, grande œuvre de José de Ribera. Le réalisme des œuvres sera utilisé pour transmettre l’idée religieuse aux fidèles, le baroque était donc une arme pour l’église.

Les couleurs sont vives, avec des effets de plusieurs sources de lumière qui créent autant de zones d’ombres. Le ténébrisme italien se fera sentir chez tous les peintres espagnols. Les figures ne posent généralement pas, elles sont capturées avec un mouvement exagéré pour donner de la force à la scène. Les peintures à l’huile sont grandes et généralement complexes, avec des figures variées et des gestes expressifs.

Autres expériences seicentiste

Naturalisme
Parmi les composantes fondamentales de l’art du XVIIe siècle, il y a celle du naturalisme, qui a son point d’appui dans le soi-disant « Lombard XVIIe siècle ». Née de l’observation de la nature du Caravage et cultivée avec les indications de Carlo et Federico Borromeo, cette peinture, qui a sa force motrice à Milan, a utilisé un langage sévère et dramatique dans des scènes fortement narratives, dans des peintures qui sont toujours un mélange de béton , la réalité quotidienne et une vision mystique et transcendantale de l’humanité et de la foi. Des exemples de cette tendance sont Giovan Battista Crespi, Giulio Cesare Procaccini, Daniele Crespi et Pier Francesco Mazzucchelli dit Morazzone, qui composent le groupe des soi-disant peintres marteleurs milanais.

Contrairement aux peintres contre-réformés, les naturalistes mettent tous les éléments du monde sensible au même niveau, sans omettre les détails secondaires par rapport à un idéal de beauté et de décoration. Ces principes étaient également liés à des significations philosophiques et religieuses particulières, selon lesquelles chaque manifestation, en tant que reflet du Divin, mérite d’être représentée sous tous ses nombreux aspects.

Ce courant s’est répandu parmi les adeptes du Caravage, prenant racine notamment dans les pays de domination espagnole: de la Lombardie au royaume de Naples, de la Flandre (les caravagistes d’Utrecht) à la péninsule ibérique (Velàzquez, Zurbaràn, Ribera).

Le réalisme
Bien qu’il s’agisse d’un terme très récent, en référence à la peinture hollandaise de l’âge d’or, on peut parler de «réalisme» compris comme quelques sous-espèces du naturalisme.

L’indépendance des Provinces-Unies a mis en évidence l’Église calviniste, qui a rejeté les images sacrées, produisant initialement une suspension de la production artistique. Cependant, les artistes ont rapidement pu se consacrer à de nouveaux genres, dédiés à la décoration des maisons de la bourgeoisie florissante: pour la première fois en Europe est née une peinture « bourgeoise » où, sur des supports moyens-petits, certains genres jusqu’à présent niche, comme le paysage, la nature morte, les thèmes moraux, les portraits et les autoportraits, ont acquis la dignité de la meilleure production picturale. Les Néerlandais, sur les traces de leur tradition artistique, avaient un regard particulièrement vif sur les aspects «réels» des environnements, des personnages et des coutumes, dans lesquels les données objectives apparaissent filtrées par la sensibilité de l’artiste.

Classicisme
Dès la fin du XVIe siècle, la réaction au maniérisme et au naturalisme propage une théorie de la «beauté», selon laquelle les artistes, sans nier la vraisemblance, investissaient dans la capacité de sélectionner le parfait, l’ordre et la beauté par rapport à imperfection, chaos et déformation. Ainsi, le peintre, suivant les expériences de Raphaël à la Renaissance et le monde de l’art gréco-romain, pouvait atteindre la perfection maximale en filtrant les données réelles.

Les peintres émiliens (notamment Domenichino, Albani, Sassoferrato), qui ont inspiré les Français comme Nicolas Poussin et Claude Lorrain, ont rejoint cette tendance.

Bamboccianti
Le Néerlandais Pieter van Laer a été surnommé le « Bamboccio » à Rome pour ses difformités physiques. Le terme «bambocciante» a fini par désigner son groupe d’émulateurs et de disciples, non sans intention de moqueurs, qui ont réinterprété le naturalisme caravaggesque à la lumière du genre populaire typiquement hollandais. Comparés au Caravage, comme le soulignait déjà Bellori, cependant, ils pêchaient les sujets dans le monde des plus humbles, et tout en bénéficiant de la faveur de certains collectionneurs, ils étaient stigmatisés par les théoriciens de l’époque.