La pintura barroca es la pintura asociada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a menudo se identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico, pero la existencia de importantes obras de arte y arquitectura barrocas en estados no absolutistas y protestantes en toda Europa occidental subraya su gran popularidad. El arte barroco se caracteriza por un realismo superficial, colores ricos e intensos, y luces y sombras fuertes.

La pintura barroca abarca una gran variedad de estilos, como la pintura más importante y más importante durante el período que comienza alrededor de 1600 y que continúa durante todo el siglo XVII, y hasta principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca. En sus manifestaciones más típicas, el arte barroco se caracteriza por un gran drama, colores intensos y profundos y sombras claras y oscuras intensas, pero el clasicismo de pintores barrocos franceses como Poussin y pintores de género holandés como Vermeer también están cubiertos por el término, en menos en inglés. A diferencia del arte renacentista, que generalmente mostraba el momento antes de que ocurriera un evento, los artistas barrocos eligieron el punto más dramático, el momento en que ocurría la acción: Miguel Ángel, trabajando en el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y aún antes de luchar. Goliat; El David barroco de Bernini está atrapado en el acto de arrojar la piedra al gigante. El arte barroco estaba destinado a evocar emoción y pasión en lugar de la racionalidad tranquila que había sido apreciada durante el Renacimiento.

Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Velázquez, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Poussin y Vermeer. Caravaggio es un heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintado directamente de la vida y dramáticamente iluminado sobre un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza escenas con efectos de luz de claroscuro; Esto se puede ver en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Anthony van Dyck desarrolló un estilo de retrato elegante pero imponente que fue muy influyente, especialmente en Inglaterra.

La prosperidad de la Holanda del siglo XVII condujo a una enorme producción de arte por un gran número de pintores que en su mayoría eran altamente especializados y pintaron solo escenas de género, paisajes, bodegones, retratos o pinturas de historia. Los estándares técnicos eran muy altos, y la pintura holandesa de la Edad de Oro estableció un nuevo repertorio de temas que fue muy influyente hasta la llegada del Modernismo.

Visión general
Gracias a sus obras, arquitectos, escultores y pintores se convierten en los medios necesarios para tocar efectivamente el alma de los fieles. Así, el arte se convierte en un medio de la triunfante Iglesia Católica para persuadir a los herejes, los escépticos, y frenar la presión protestante en las fronteras francesa e italiana. Para lograr este ambicioso objetivo, el arte debe tener la capacidad de seducir, mover, conquistar el gusto, ya no a través de la armonía del Renacimiento, sino a través de la expresión de emociones fuertes.

El encanto visceral del estilo barroco deriva de una implicación directa de los sentidos. En la pintura barroca no se solicitaba el intelecto y la sutileza refinada como en el manierismo, el nuevo lenguaje apuntaba directamente a las entrañas, a los sentimientos del espectador. Se utilizó una iconografía que fue lo más directa, simple, obvia, pero aún teatral y atractiva posible. Nunca antes había sido tan importante el espectador, su punto de vista y el efecto que la decoración podría haber tenido en él.

Es posible una especie de paralelismo con la esfera musical, donde el contrapunto se afianza reemplazando la polifonía, y el tono orquestal y la amalgama hacen su aparición cada vez más insistente.

El pontificado de Urban VIII Barberini fue el terreno fértil para el desarrollo del estilo barroco, destinado a celebrar la casa del papa y sus nietos, en una especie de anticipación del absolutismo.

El término «barroco» se utilizó por primera vez a fines del siglo XVIII, como complemento negativo de aquellos artistas que se habían distanciado, con sus rarezas, de la sobria norma clásica. Para los teóricos neoclásicos, el Barroco significaba exuberancia y ornamentación excesiva: la definición de Francesco Milizia siguió siendo famosa, lo que en 1781 llamó a la producción de esta época la «plaga del gusto». El redescubrimiento del barroco es algo muy tardío, que tuvo lugar completamente a fines del siglo XX, cuando tantas manifestaciones importantes de este gusto habían sido irreparablemente destruidas o comprometidas (piense en las muchas restauraciones neomedievales y neorrenacentistas en los edificios de culto, realizados mediante la eliminación de las estratificaciones posteriores y perpetrados hasta el segundo período de posguerra). Fue precisamente el carácter «anticlásico» y la innegable originalidad lo que condujo al redescubrimiento del barroco y su mejora, primero en estudios especializados y luego, a través de exposiciones y publicaciones populares, también entre el público en general.

Caracteristicas
A diferencia de la pintura renacentista que generalmente muestra el momento anterior a un evento importante, los artistas barrocos eligen el punto más dramático, el momento en que tiene lugar la acción. El arte barroco es famoso por evocar emoción y pasión y no por la racionalidad y la calma que emerge de la pintura renacentista.

A nivel de la composición pictórica, la pintura barroca se caracteriza en primer lugar por el uso de muchos colores cálidos y brillantes que van del rosa al blanco pasando por el azul. Por otro lado, los contrastes están muy presentes, con juegos de luces y sombras que pueden usarse en particular para resaltar la masa muscular del hombre. En contraste con el enfoque típico del Renacimiento, que tiene una iluminación de lienzo uniforme, la iluminación del lienzo barroco se realiza en puntos. Esta técnica llama la atención sobre ciertas áreas y deja otras en la oscuridad (uso del claroscuro).

Siempre en un espíritu de contradicción con el Renacimiento, el lienzo barroco da expresiones faciales a los personajes presentes en el lienzo para transmitir sentimientos. También representa principalmente una asimetría (la acción principal no está necesariamente en el centro). Las líneas de fuerza del lienzo ya no son solo horizontales o verticales, sino también oblicuas o curvas, lo que tiene el efecto de dar una posición inestable a los personajes y una impresión de movimiento. Este efecto de movimiento se expresa por una profusión de ropa levantada o agitada por el viento; La elección del vestuario a menudo se refiere a la antigüedad. Las telas también están dispuestas como cortinas para dramatizar la escena.

Por lo tanto, el barroco se opone al Renacimiento de varias maneras: es un período de ruptura que quiere representar el cambio. Las obras barrocas se diferencian por su interés en el cambio, el movimiento, la inestabilidad de las cosas.

“La luz, que pasa a través de la lente e impresiona la emulsión en la película, solo logra reproducir un aspecto del movimiento. Pero el movimiento es una serie ininterrumpida de actitudes: el cine en cámara lenta lo ha revelado. El espíritu del artista barroco captura estos aspectos sucesivos y los condensa en una sola imagen ”
– P. Charprentrat, L’art barroco, Vendôme, Imprimerie des presses Universitaires de France, 1967.

Los pintores barrocos generalmente abordan temas artísticos extraídos de leyendas y cuentos bíblicos o mitológicos. Sin embargo, aunque la pintura religiosa, la pintura de la historia, las alegorías y los retratos se consideran los temas más nobles, el paisaje y las escenas de género también están muy extendidas.

Historia
El Concilio de Trento (1545-1563), en el cual la Iglesia Católica Romana respondió muchas preguntas de reforma interna planteadas tanto por los protestantes como por aquellos que habían permanecido dentro de la Iglesia Católica, abordó las artes de la representación en un pasaje corto y algo oblicuo en su decretos Posteriormente, varios autores clericales, como Molanus, interpretaron y expusieron esto, y exigieron que las pinturas y esculturas en contextos eclesiásticos representaran sus temas de manera clara y poderosa, y con decoro, sin los aires estilísticos del manierismo. Muchos historiadores del arte consideran que este retorno hacia una concepción populista de la función del arte eclesiástico impulsa las innovaciones de Caravaggio y los hermanos Carracci, todos los cuales trabajaban (y competían por comisiones) en Roma alrededor de 1600, aunque a diferencia de los Carracci, Caravaggio fue criticado persistentemente por la falta de decoro en su trabajo. Sin embargo, aunque la pintura religiosa, la pintura de historia, las alegorías y los retratos todavía se consideraban los temas más nobles, el paisaje, la naturaleza muerta y las escenas de género también se estaban volviendo más comunes en los países católicos, y eran los géneros principales en los protestantes.

El termino
El término «barroco» se utilizó inicialmente con un significado despectivo, para subrayar los excesos de su énfasis. Otros lo derivan del término mnemónico «Baroco» que denota, en la escolástica lógica, una forma supuestamente laboriosa de silogismo. En particular, el término se usó para describir su redundancia excéntrica y su ruidosa abundancia de detalles, que contrastaban claramente la racionalidad clara y sobria del Renacimiento. Primero fue rehabilitado por el historiador de arte nacido en Suiza, Heinrich Wölfflin (1864–1945) en su Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificó el barroco como «movimiento importado en masa», un arte antitético al arte renacentista. No hizo las distinciones entre manierismo y barroco que hacen los escritores modernos, e ignoró la fase posterior, el barroco académico que duró hasta el siglo XVIII. Los escritores en francés e inglés no comenzaron a tratar al barroco como un estudio respetable hasta que la influencia de Wölfflin hizo que la beca alemana fuera preeminente.

Precursores
A finales del siglo XVI, mientras el manierismo se estaba desvaneciendo en réplicas cada vez más convencionales y repetitivas, el gusto contrarreformado, sobrio y simple, se estaba extendiendo en muchos centros italianos, capaces de ser entendidos por todas las clases. Si en Milán y Florencia la sobriedad a veces se traduce en una cierta rigidez severa, con una simplificación geométrica de las composiciones, otros centros desarrollaron soluciones diferentes y más ricas. En particular, Venecia ofreció el ejemplo de Veronese y Tintoretto, con sus audaces composiciones y el incomparable sentido del color, mientras que en Parma, después de décadas de olvido, se redescubrieron las soluciones sin escrúpulos de Correggio y Parmigianino.

Esto sucedió mientras la Iglesia, fortalecida por la Contrarreforma, tenía grandes sumas para reinvertir en nuevas comisiones artísticas, cada vez más ambiciosas y gradualmente más tolerantes a la contaminación con temas seculares. El centro de este proceso fue Roma, donde ahora se concentran todos los artistas italianos y no italianos, en busca de nuevos estímulos y mayor suerte.

Los primeros en desarrollar algo diferente fueron los hermanos Carracci, que entre 1598 y 1606-1607 triunfaron en la decoración de la Galería Farnese, seguida de una serie de emilianos como Domenichino, Guido Reni y Guercino. Después de las primeras muertes de Annibale Carracci (1609) y Caravaggio (1610), el mundo artístico parecía dividido en dos: estaban los Caravaggeschi con su extrema verdad óptica y social, y por otro lado los «clasicistas», que reelaboraron el estilos históricos que proporcionan una lectura nueva y ecléctica.

El dominio completo de la técnica pictórica, necesaria para los objetivos que alcanzarán el barroco, fue anticipado por la actividad de Rubens en Roma, que mostró sus habilidades en la decoración del ábside de la iglesia de Santa María en Vallicella (1608), con Los tres grandes retablos de la Madonna della Vallicella y de los santos laterales, compuestos como un esquema unitario estrechamente relacionado con el espacio arquitectónico y la luz natural presente. En la caja central prevalece una idea del conjunto con respecto a las figuras individuales, con una sensación de movimiento coral giratorio, acentuado por el color de los ángeles y los querubines. El color es cálido y vital, como lo aprendió el artista en Venecia, y el sentido del patetismo es fuerte y energético. En Rubens existe el poder físico de las figuras de Miguel Ángel Buonarroti, la gracia de Raffaello Sanzio, el color veneciano, tiziano y una carga energética nueva y preponderante.

En 1621 Guercino llegó a Roma, siguiendo al recién elegido Gregorio XV, ambos de origen emiliano. En solo un año de estadía, dejó obras memorables en Roma como Aurora en el Casino Ludovisi, donde las figuras se superponen al espacio arquitectónico fusionándose con él y optimizándose desde el punto de vista del espectador, a diferencia de la casi coeval Aurora Pallavicini del paisano Guido Reni, donde la representación es equivalente a un lienzo que cuelga del techo, claramente delimitado y sin una visión «desde abajo». Ya en Guercino, el ojo del espectador está invitado a recorrer toda la escena implacablemente, atraído por la concatenación de los elementos, en nombre de un efecto deseado de movimiento e inestabilidad, con una luz suave y el color extendido en puntos. Estos efectos se replicaron en el San Crisogono in gloria (hoy en Londres, Lancaster House) y especialmente en el gran retablo del Entierro y la gloria de Santa Petronilla (1623), destinado a la basílica de San Pietro y hoy en los Museos Capitolinos. Estas ideas fueron esenciales para el nacimiento del nuevo estilo «barroco».

Evolución de estilo
Guercino y Rubens, por lo tanto, fueron los precursores de la nueva temporada que tendrá una consagración definitiva en la tercera década, en el trabajo de Gian Lorenzo Bernini.

Pero en pintura, la primera obra totalmente «barroca», en la que se encuentran todas las características de este «tercer estilo» (entre caravaggismo y clasicismo), es la decoración de la cúpula de Sant’Andrea della Valle por Giovanni Lanfranco (1625- 27), no sorprendentemente un Parma, que tomó y actualizó la lección de las cúpulas de Correggio en su ciudad a las contribuciones más innovadoras. En este gran fresco, el espacio real se ve reforzado por la creación de círculos concéntricos fluidos e inestables, en los que los personajes se mueven libremente y, gracias a la luz, crean una sensación de rotación ascendente que tiene su clímax en el centro y simula una apertura directa al paraíso celestial

La madurez de la pintura barroca tuvo lugar con los gigantescos logros decorativos de Pietro da Cortona, por ejemplo, en la bóveda del salón del Palazzo Barberini (1633-39) en Roma. Su técnica prodigiosa y temeraria fue seguida pronto por un buen número de adeptos, y el cortonismo se convirtió así en el lenguaje de la pintura monumental, un medio perfecto de propaganda para las comisiones seculares y religiosas en las que las apoteosis grandiosas se empujan entre sí por efectos de luz y perspectiva gracias al uso de la cuadratura (para crear las arquitecturas, de hecho, había especialistas, llamados «cuadraturistas»).

Las novedades de la obra de Pietro da Cortona fueron evidentes en los contemporáneos, en particular al contrastar este estilo de las muchas figuras conmovedoras con la más sobria y estática de Andrea Sacchi (también activa en el Palazzo Barberini con la Alegoría de la Sabiduría Divina): el teatro el debate es la Accademia di San Luca, de la cual Pietro da Cortona fue príncipe de 1634 a 1638. Comparando pintura con literatura, para Pietro da Cortona las figuras componen un «poema épico», lleno de episodios, mientras que para Sacchi participan en un tipo de «tragedia», donde la unidad y la simplicidad son requisitos fundamentales.

Propagar
Entre los centros donde trabajaba Pietro da Cortona, se destaca Florencia, donde trabajó durante mucho tiempo para los Medici en la decoración del palacio Pitti y en otras empresas religiosas. El impacto de su estilo en la escuela local, incrementado por la larga presencia de su alumno más fiel, Ciro Ferri, fue perturbador, aunque no inmediatamente evidente. El primer artista local que se involucró completamente fue Volterrano.

Giovanni Lanfranco trabajó durante mucho tiempo en Nápoles, creando las condiciones para echar raíces en el gusto barroco en el sur de Italia, que tuvo sus exponentes más significativos en Luca Giordano y Francesco Solimena. El primero de los dos viajó por toda Italia y fue un extraordinario difusor de las noticias. En Florencia, justo donde Pietro da Cortona había operado más fuera de Roma, en la galería del Palazzo Medici-Riccardi creó un gran fresco donde, a diferencia de Pietro da Cortona, cualquier diseño arquitectónico ahora está ausente, según una libertad compositiva que ya anuncia la ligereza. antena del siglo XVIII.

Sin embargo, el éxito de Pietro da Cortona empujó a muchos artistas a acercarse a su estilo. Los alumnos directos de la primera hora fueron Giovan Francesco Romanelli (retirado del profesor porque ya se había puesto en rivalidad con él en 1637 y llevado a la protección por Gianlorenzo Bernini), Giovanni Maria Bottalla y Ciro Ferri; la segunda hora (después de 1655) Lazzaro Baldi, Guglielmo y Giacomo Cortese, Paul Schor, Filippo Lauri. Romanelli fue llamado a París por el cardenal Francesco Barberini, y fue un artista fundamental en la corte del Rey Sol.

El paso de Rubens a Génova, seguido de Van Dyck, también había despertado un temprano interés en el nuevo estilo en Liguria. Gregorio de Ferrari realizó grandes decoraciones escenográficas y exuberantes en la capital de Liguria. Solo un genovés, el Baciccio, creará otra obra clave del viaje barroco en Roma, la bóveda de la iglesia del Gesù, llamada por el propio Bernini. Todavía en el círculo de Bernini estaba Ludovico Gemignani, un artista de Pistoia que hizo fortuna con el compatriota Papa Clemente IX Rospigliosi, y cuyo padre Giacinto había sido otro alumno directo de Pietro da Cortona.

El papel de los jesuitas en la difusión del estilo barroco lo atestiguan las importantes comisiones reservadas al cohermano Andrea Pozzo, autor de ilusiones ópticas extraordinarias de bóvedas abiertas en el cielo, primero en Roma y luego en otros centros, incluido Viena.

En el último cuarto del siglo XVII, las solicitudes de encargos artísticos en iglesias y palacios se multiplicaron y el estilo barroco ahora era un motín de interpretaciones eclécticas, difundidas por artistas de los más variados orígenes artísticos. Entre los nombres de esta última fase destacan Antonio y Filippo Gherardi, Domenico Maria Canuti, Enrico Haffner, Giovanni Coli, Giacinto Brandi. A finales de siglo, la figura antes mencionada del napolitano Luca Giordano se destaca sobre todo, lo que anuncia soluciones más abiertas y vastas, anticipando la pintura rococó.

Variaciones nacionales
Liderados por Italia, los países mediterráneos, seguidos lentamente por la mayor parte del Sacro Imperio Romano en Alemania y Europa Central, generalmente adoptaron un enfoque barroco de pura sangre.

Un arte bastante diferente se desarrolló a partir de las tradiciones realistas del norte en la pintura holandesa de la Edad de Oro del siglo XVII, que tenía muy poco arte religioso y poca pintura de historia, en lugar de jugar un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares como la naturaleza muerta, pinturas de género de escenas cotidianas, y pintura de paisajes. Si bien la naturaleza barroca del arte de Rembrandt es clara, la etiqueta se usa menos para Vermeer y muchos otros artistas holandeses. La mayoría del arte holandés carece de la idealización y el amor al esplendor típicos de gran parte del trabajo barroco, incluida la pintura barroca flamenca vecina que compartió una parte en las tendencias holandesas, mientras que continúa produciendo las categorías tradicionales en un estilo más claramente barroco.

En Francia, un clasicismo digno y elegante le dio un sabor distintivo a la pintura barroca, donde el siglo XVII posterior también se considera una época dorada para la pintura. Dos de los artistas más importantes, Nicolas Poussin y Claude Lorrain, permanecieron en Roma, donde su trabajo, casi todos en pinturas de caballete, fue muy apreciado por los mecenas italianos y franceses.

Pintura barroca en Italia
La pintura italiana de la época trata de romper con las formas del manierismo, ya mal visto. Los gerentes eran dos facciones bien diferenciadas; por un lado, el pintor Caravaggio y, por otro lado, los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).

El naturalismo de Caravaggio, que es el mejor representante, trata temas de la vida cotidiana, con imágenes sombrías que utilizan efectos de luz. Los claroscuros intentan dar intensidad y vivacidad. Rehuyen los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es, sin artificios. Una buena parte de los pintores de la época cultivaba el caravagismo.

Por otro lado, los Carracci forman el llamado clasicismo. Los temas a capturar están inspirados en la cultura greco-latina, con seres mitológicos. Los autores del siglo XVI, como Rafael y Miguel Ángel, son fuertes influencias. El color es suave, al igual que la luz, y los frescos están pintados en techos.

Ambas tendencias dejaron una secuela y sirvieron para renovar la configuración pictórica. La presencia de Rubens, otro genio del barroco, en Génova, se refleja en las obras del lugar.

Pintura barroca en Francia
En Francia, el manierismo está influenciado por el barroco. La pintura es clasicista y se utiliza para decorar palacios, con un estilo sobrio y equilibrado. Se pintan retratos y se tratan temas mitológicos.

Su autor más destacado es Nicolas Poussin, quien fue claramente influenciado por las tendencias italianas, después de su visita a Roma. Buscó inspiración en las culturas grecorromanas. En el lado caravaggista, destacaron los artistas Georges de La Tour, Philippe de Champaigne y los hermanos Le Nain.

Sin embargo, el barroco en Francia fue más que una simple influencia, luego se convirtió en rococó.

Pintura barroca en Flandes y Holanda.
En Flandes, la figura de Rubens domina la escena, desarrollando una pintura aristocrática y religiosa, mientras que en los Países Bajos, la pintura será burguesa, dominando los temas del paisaje, los retratos y la vida cotidiana, con la figura de Rembrandt como su mejor exponente.

Pintura barroca en españa
En España, el barroco es el momento culminante de la actividad pictórica, destacando el genio y el dominio de Diego Velázquez, Ribera, Bartolomé Esteban Murillo o Francisco de Zurbarán sobre un magnífico grupo de pintores. El período se conoció como la Edad de Oro, como una muestra de la gran cantidad de figuras importantes que trabajaron, a pesar de la crisis económica que sufría el país.

Los pintores españoles utilizan artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo como inspiración. La pintura barroca flamenca tiene una notable influencia en España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte.

Las principales escuelas de arte barroco serán las de Madrid, Sevilla y Valencia.

El tema en España, católico y monárquico, es claramente religioso. La mayoría de las obras fueron encargadas directamente por la iglesia. Por otro lado, muchas pinturas tratan de reyes, nobles y sus guerras, como en la famosa pintura Las Lanzas, que Velázquez pintó en 1635 para el Palacio del Buen Retiro de Madrid. La mitología y los temas clásicos también serán una constante. Pero es la religión cristiana la que más se repite, sirve como ejemplo El martirio de san Felipe, gran obra de José de Ribera. El realismo de las obras se utilizará para transmitir la idea religiosa a los fieles, por lo que el barroco era un arma para la iglesia.

Los colores son vívidos, con efectos de múltiples fuentes de luz que crean tantas áreas de sombras. El tenebrismo italiano se sentirá en todos los pintores españoles. Las figuras no suelen posar, se capturan con un movimiento exagerado para dar fuerza a la escena. Las pinturas al óleo son grandes y generalmente complejas, con varias figuras y gestos expresivos.

Otras experiencias seicentiste

Naturalismo
Entre los componentes fundamentales del arte del siglo XVII está el naturalismo, que tiene su punto de apoyo en el llamado «siglo lombardo del siglo XVII». Nacida de la observación de la naturaleza de Caravaggio y crecida con las indicaciones de Carlo y Federico Borromeo, esta pintura, que tiene su fuerza impulsora en Milán, utilizó un lenguaje severo y dramático en escenas fuertemente narrativas, en pinturas que siempre son una mezcla de concreto , realidad cotidiana y una visión mística y trascendental de la humanidad y la fe. Muestras de esta tendencia son Giovan Battista Crespi, Giulio Cesare Procaccini, Daniele Crespiand Pier Francesco Mazzucchelli, conocido como Morazzone, quienes conforman el grupo de los llamados pintores de milanes.

A diferencia de los pintores contrarreformados, los naturalistas ponen todos los elementos del mundo sensible al mismo nivel, sin omitir detalles secundarios en comparación con un ideal de belleza y decoración. Estos principios también estaban vinculados a significados filosóficos y religiosos particulares, según los cuales cada manifestación, como reflejo de lo Divino, es digna de ser representada en todos sus muchos aspectos.

Esta corriente se extendió entre los seguidores de Caravaggio, arraigándose especialmente en los países de dominación española: desde Lombardía hasta el Reino de Nápoles, desde Flandes (los caravaggistas de Utrecht) hasta la península ibérica (Velázquez, Zurbarán, Ribera).

Realismo
Aunque es un término muy reciente, con referencia a la pintura holandesa de la Edad de Oro, se puede hablar de «realismo» entendido como una subespecie del naturalismo.

La independencia de las Provincias Unidas puso de manifiesto la Iglesia Calvinista, que rechazó las imágenes sagradas, produciendo inicialmente una suspensión de la producción artística. Sin embargo, los artistas pronto pudieron dedicarse a nuevos géneros, dedicados a la decoración de las casas de la floreciente burguesía: por primera vez en Europa nació una pintura «burguesa» donde, en soportes medianos y pequeños, algunos géneros hasta ahora nicho, como el paisaje, naturaleza muerta, temas morales, retratos y autorretratos, adquirió la dignidad de la mejor producción pictórica. Los holandeses, siguiendo los pasos de su tradición artística, tenían una mirada particularmente aguda hacia los aspectos «reales» de los entornos, personajes y costumbres, en los que los datos objetivos aparecen filtrados por la sensibilidad del artista.

Clasicismo
Ya desde finales del siglo XVI, la reacción al Manierismo y al Naturalismo difunde una teoría de la «belleza», según la cual los artistas, aunque sin negar la probabilidad, invirtieron en la capacidad de seleccionar lo perfecto, el orden y la belleza con respecto a imperfección, caos y deformidad. Entonces, el pintor, siguiendo las experiencias de Rafael en el Renacimiento y el mundo del arte grecorromano, podría alcanzar la máxima perfección al filtrar los datos reales.

Los pintores emilianos (especialmente Domenichino, Albani, Sassoferrato), que inspiraron a los franceses como Nicolas Poussin y Claude Lorrain, se unieron a esta tendencia.

Bamboccianti
El holandés Pieter van Laer fue apodado el «Bamboccio» en Roma por sus deformidades físicas. El término «bambocciante» terminó indicando a su grupo de emuladores y seguidores, no sin intención de burlarse, quienes reinterpretaron el naturalismo caravaggesco a la luz del género popular típicamente holandés. Sin embargo, en comparación con Caravaggio, como ya lo destacó Bellori, pescaron los temas del mundo de los más humildes y, mientras disfrutaban del favor de algunos coleccionistas, los teóricos de la época los estigmatizaron.