巴洛克绘画

巴洛克绘画(Baroque painting)是与巴洛克文化运动有关的绘画。该运动常被认为是专制主义,反改革和天主教复兴,但整个西欧非专制国家和新教国家都存在重要的巴洛克艺术和建筑,这突出了该运动的广泛普及。巴洛克艺术的特征是浅薄的现实主义,丰富而强烈的色彩以及强烈的光影。

巴洛克绘画包含多种风格,从1600年左右开始一直延续到整个17世纪,直到18世纪初,最重要和主要的绘画在今天被称为巴洛克绘画。在其最典型的表现形式中,巴洛克艺术的特征是戏剧性强,色彩丰富,色彩浓烈,阴影浓淡,但法国巴洛克画家(如普桑)和荷兰流派画家(如维米尔)的古典主义也包含在“(起码在英语语境的理解中)与通常在事件发生之前显示的文艺复兴时期艺术相反,巴洛克式的艺术家选择了动作发生的那一刻是最具戏剧性的一点:米开朗基罗在高文艺复兴时期工作时,展示了他的大卫构图,而且还在战斗之前歌利亚贝尔尼尼(Bernini)的巴洛克戴维(Baroque David)陷入了向巨人投掷石头的行为。巴洛克艺术的目的是唤起人们的情感和激情,而不是文艺复兴时期珍贵的平静理性。

巴洛克时期最伟大的画家有Velázquez,Caravaggio,伦勃朗,Rubens,Poussin和Vermeer。卡拉瓦乔(Caravaggio)是高文艺复兴时期人文主义绘画的继承人。他直接从生活中绘画并在黑暗的背景下得到极大的关注,从而对人的形象采取了逼真的方法,震惊了他的同时代人,并开启了绘画历史的新篇章。巴洛克绘画经常使用明暗对比灯光效果来戏剧化场景。伦勃朗,威猛(Vermeer),勒纳恩(La Nain)和拉图尔(La Tour)的作品中可以看到这一点。佛兰德画家安东尼·范·戴克(Anthony van Dyck)提出了一种优美但气势磅portrait的肖像风格,非常有影响力,尤其是在英国。

17世纪荷兰的繁荣导致大量画家的艺术作品大量涌现,这些画家大多高度专业化,只绘画流派场景,风景,静物,肖像或历史绘画。技术水平很高,荷兰的黄金时代画作建立了一个新的题材,在现代主义到来之前一直很有影响力。

总览
多亏了他们的作品,建筑师,雕塑家和画家成为有效打动信徒灵魂的必要手段。因此,艺术成为胜利的天主教会说服异教徒,怀疑者并减轻新教徒对法国和意大利边界施加压力的一种手段。为了实现这个宏伟的目标,艺术必须具有勾引,移动,征服品味的能力,而不再是通过文艺复兴时期的和谐,而是通过表达强烈的情感。

巴洛克风格的内脏魅力源自感官的直接参与。在巴洛克风格的绘画中,没有像在矫饰主义中那样寻求智慧和精致的微妙,新的语言直接指向肠子,观众的感觉。使用的影像学尽可能直接,简单,明显,但仍具有戏剧性和吸引力。观众,他的观点以及装饰对他的影响从未如此重要。

音乐领域可能有某种相似之处,对立点取代了复音,而管弦乐队的音调和汞齐使它的外观越来越坚持。

巴贝里尼八世城市的崇高地位是巴洛克风格发展的沃土,旨在庆祝教皇的房子和他的孙子们,这是对绝对主义的一种期待。

“巴洛克式”一词在18世纪后期首次使用,作为对那些与清醒的古典规范相距甚远的艺术家的负面补充。对于新古典主义理论家来说,巴洛克意味着繁荣和过度装饰:弗朗切斯科·米利齐亚(Francesco Milizia)的定义仍然很著名,在1781年将这一时期的生产称为“品味瘟疫”。巴洛克式的重新发现是很晚的事情,仅在20世纪后期才完全发生,当时这种味的许多重要表现已被不可挽回的破坏或破坏(例如,许多新中世纪和新文艺复兴时期的修复)教堂,通过消除随后的分层而进行,并一直延续到战后第二个时期。正是“反古典”的性格和不可否认的独创性导致了巴洛克式的重新发现及其增强,首先是在专门研究中,然后是在展览和大众出版物中,也在公众中。

特征
与通常显示重要事件发生前的文艺复兴时期绘画相反,巴洛克艺术家选择了最具戏剧性的一点,即动作发生的那一刻。巴洛克艺术以唤起情感和热情而著称,而不是文艺复兴时期绘画所表现出的理性和平静。

在绘画构图的层次上,巴洛克绘画的特征首先是使用了许多暖和明亮的颜色,从粉红色到白色再到蓝色。另一方面,对比非常明显,明暗的变化尤其可以用来突出男人的肌肉质量。与具有统一的画布照明的典型的文艺复兴时期方法相反,巴洛克式画布的照明是在局部进行的。此技术将注意力吸引到某些区域,而将其他区域置于黑暗中(使用明暗对比)。

巴洛克式的画布始终与文艺复兴时期保持矛盾的精神,为画布上的人物赋予面部表情以传达情感。它还主要表示不对称(主要作用不一定在中心)。画布的力线不仅是水平或垂直的,而且是倾斜的或弯曲的,其作用是使角色的位置不稳定并给人留下动感的印象。这种运动效果通过风吹起或搅动的大量衣物来表现;服装的选择通常是指古代。织物也像窗帘一样排列,以使场景生动。

巴洛克因此以各种方式反对文艺复兴:这是一个破裂的时期,希望代表变化。巴洛克式的作品因对变化,运动和事物的不稳定性而感兴趣。

“光线穿过镜头,将乳胶压在胶片上,只能再现机芯的一个方面。但是运动是不间断的一系列态度:慢动作电影院已经揭示了这一点。巴洛克艺术家的精神捕捉到了这些连续的方面,并将它们凝聚成一个单一的图像”
-P. Charprentrat,L’art巴洛克风格艺术博物馆,旺多姆,法国出版社,1967年。

巴洛克画家通常采用从圣经或神话传说和故事中汲取的艺术主题。但是,尽管宗教绘画,历史绘画,寓言和肖像被认为是最崇高的主题,但风景和流派场景也很普遍。

历史
特伦特议会(1545-63),罗马天主教会回答了新教徒和留在天主教堂内部的人提出的许多内部改革问题,在其简短而又有些斜率的段落中谈到了代表艺术。法令。随后由莫拉努斯(Molanus)等许多文书作者解释和阐述了这些观点,他们要求在教堂环境中绘画和雕塑作品应清晰,有力地描绘主题,并带有礼节,而没有风格主义的气息。许多艺术史学家认为,这种回归到教会主义艺术功能的民粹主义观念推动了卡拉瓦乔(Caravaggio)和卡拉奇(Carracci)兄弟的创新,他们全都在1600年左右在罗马工作(并争夺佣金),尽管与卡拉奇不同,卡拉瓦乔一直因他的作品缺乏礼节而受到批评。但是,尽管宗教绘画,历史绘画,寓言和肖像仍然被认为是最崇高的题材,但风景,静物和流派场景在天主教国家中也变得越来越普遍,并且是新教徒的主要流派。

术语
最初使用“巴洛克”一词具有贬义,以强调其重点。其他人则是从助记符“ Baroco”派生出来的,该词在逻辑学上表示三段论的一种假定的工作形式。特别是,该术语用于描述其怪异的冗余和嘈杂的细节,这与文艺复兴时期清晰而清醒的理性形成鲜明对比。瑞士出生的艺术史学家海因里希·沃尔夫林(HeinrichWölfflin,1864-1945年)在其文艺复兴与巴洛克(Renaissance und Barock,1888年)中首次对其进行了修复。沃尔夫林认为巴洛克是“融入大众的运动”,是一种与文艺复兴时期艺术相对的艺术。他没有像现代作家那样区分风俗主义和巴洛克风格,并且他忽略了后来的阶段,即持续到18世纪的学术巴洛克风格。直到沃尔夫林的影响力使德国的学术盛行之前,法语和英语的作家才开始将巴洛克式艺术视为一项值得尊敬的研究。

前体
到了16世纪末,礼节主义逐渐消失在越来越传统和重复的复制品中,经过反改革的品味清醒和简单,在许多意大利中心传播开来,所有阶层都可以理解。如果在米兰和佛罗伦萨,清醒有时会转化为某种程度的僵硬,并简化了构图,那么其他中心则提出了不同,更丰富的解决方案。威尼斯尤其以Veronese和Tintoretto为例,它们具有大胆的成分和无与伦比的色彩感,而在帕尔马经过数十年的遗忘之后,重新发现了Correggio和Parmigianino的不道德的解决方案。

发生这种情况的时候,教会在反改革的支持下投入了大量资金,重新投资于新的艺术委员会,这些委员会越来越雄心勃勃,并且逐渐容忍世俗主题的污染。这个过程的中心是罗马,现在所有意大利和非意大利艺术家都集中在那里,寻找新的刺激和更大的运气。

最早发展出与众不同的是卡拉奇兄弟,他们于1598年至1606-1607年间在Farnese画廊的装饰中大获成功,随后出现了一系列艾米利亚人,如Domenichino,Guido Reni和Guercino。在Annibale Carracci(1609)和Caravaggio(1610)早逝之后,艺术世界似乎被分为两部分:卡拉瓦奇(Caravaggeschi)有着极端的光学和社会真理,而另一面是“古典主义者”,他们重新设计了历史风格提供新的折衷主义读物。

鲁本斯在罗马的活动预示了达到巴洛克式目标所必需的绘画技术的完全精通,这表明他在瓦利切拉(1608)的圣玛丽亚教堂的后殿装饰中的技巧,圣母玛利亚(Madonna della Vallicella)和圣人的三个大型祭坛,构成一个整体方案,与建筑空间和自然光紧密相连。在中央的盒子里,相对于单个人物,整体思想占上风,伴随着天使和天使的颜色,旋转的合唱运动感更加突出。这位画家在威尼斯了解到,这种颜色温暖而又充满生命力,而悲伤的感觉既浓烈又充满活力。在鲁本斯(Rubens),有米开朗基罗·布奥纳罗蒂(Michelangelo Buonarroti)的人物的身体力量,拉斐尔·圣齐奥(Raffaello Sanzio)的优雅气息,威尼斯,提香的色彩以及充满活力的新能量。

1621年,古西诺(Guercino)跟随新当选的埃米利亚人格里高利十五世到达罗马。在短短的一年内,他在罗马留下了令人难忘的作品,例如卢多维西赌场(Casino Ludovisi)中的奥罗拉(Aurora),那里的人物与建筑空间交叠并从观看者的角度进行了优化,这与乡下人圭多(Guido)几乎是中世纪的奥罗拉(Aurora Pallavicini)不同雷尼(Reni)的图示等同于悬挂在天花板上的画布,并且清楚地定界并且没有“从下面”的视野。已经在Guercino中,情人的眼睛被邀请不停地在整个场景中旅行,以元素的串联所吸引,以期望的运动和不稳定性的名义,柔和的灯光和散布在斑点上的颜色。这些影响已在格洛里亚的圣克里斯索诺(今天在伦敦兰开斯特宫)再现,尤其是在圣彼得罗尼拉葬礼和荣耀的大型祭坛(1623)中复制,这些圣坛被送往圣彼得罗大教堂,今天在卡皮托林博​​物馆中。这些想法对于新的“巴洛克式”风格的诞生至关重要。

风格演变
因此,Guercino和Rubens是新赛季的先驱,在吉安·洛伦佐·贝尼尼(Gian Lorenzo Bernini)的努力下,将在第三个十年中彻底奉献。

但是在绘画中,第一个完全“巴洛克式”的作品是在乔瓦尼·兰弗兰科(Giovanni Lanfranco,1625年-的圣安德里亚·德拉瓦勒(Sant’Andrea della Valle)圆顶的装饰中发现了这种“第三种风格”的所有特征。 27),毫不奇怪,帕尔马(Parma)学习并更新了科雷焦在他所在城市的圆顶的课程,以做出最具创新性的贡献。在这个巨大的壁画中,通过创建流畅且不稳定的同心圆来增强真实空间,在其中,角色可以自由移动,并且由于光线的作用,产生了一种上升旋转感,其中心处于高潮并模拟了直接打开天堂般的天堂

巴洛克绘画的成熟与皮耶特罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona)的巨大装饰成就一起发生,例如在罗马的巴贝里尼宫(Palazzo Barberini)(1633-39)的沙龙中。他的鲁and和鲁technique的技巧很快被大量的专家所采用,而tontonism成为了纪念性绘画的语言,是世俗和宗教委员会宣传的完美手段,在其中,宏伟的神化也通过照明效果和视角相互推向感谢使用正交(实际上,要创建体系结构,就有专家,称为“正交专家”)。

皮耶特罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona)的作品具有新颖性,可从同时代人那里看出来,尤其是通过将许多动人的人物风格与安德里亚·萨基(Andrea Sacchi)(也活跃于巴贝里尼宫,并凭借《神的寓言》活跃起来)进行对比:争论的焦点是圣卢卡学院(Accademia di San Luca),彼得罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona)在1634年至1638年间曾是王子。绘画与文学相比,对于彼得罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona),这些人物组成了一首“史诗”,充满情节,而对于萨基,他们参加了一场诗集。一种“悲剧”,其中团结和简单是基本要求。

传播
在彼得罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona)工作的中心中,佛罗伦萨出类拔萃,他在美第奇公司(Medici)的皮蒂(Pitti)宫殿和其他宗教企业的装饰工作了很长时间。他最忠实的学生西罗·费里(Ciro Ferri)的长期存在增加了他的风格对当地学校的影响,尽管没有立即显现出来,但却具有破坏性。最早参与其中的当地艺术家是Volterrano。

乔瓦尼·兰弗兰科(Giovanni Lanfranco)在那不勒斯(Naples)工作了很长时间,为扎根意大利南部的巴洛克风格创造了条件,而巴洛克风格在卢卡·佐丹奴(Luca Giordano)和弗朗切斯科·索利米娜(Francesco Solimena)最为重要。两者中的第一个遍及整个意大利,是新闻的非凡传播者。在佛罗伦萨,皮耶特罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona)在罗马以外活动最多的地方,在美第奇·里卡迪宫(Palazzo Medici-Riccardi)的画廊里,他创造了一个巨大的壁画,与皮耶特罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona)不同,根据已经预示着轻盈的构图自由,现在没有任何建筑布局十八世纪的天线。

然而,彼得罗·达·科尔托纳(Pietro da Cortona)的成功推动了许多艺术家追求他的风格。头一个小时的直接学生是乔凡·弗朗切斯科·罗曼内利(Giovan Francesco Romanelli)(因他早在1637年就已经与他抗衡,并由吉安洛伦佐·贝尼尼(Gianlorenzo Bernini)保护起来而从教师中撤职),乔凡尼·玛丽亚·博塔拉(Giovanni Maria Bottalla)和西罗·费里(Ciro Ferri);第二个小时(1655年之后)是Lazzaro Baldi,Guglielmo和Giacomo Cortese,Paul Schor,Filippo Lauri。罗曼内利被红衣主教弗朗切斯科·巴贝里尼(Francesco Barberini)召唤到巴黎,并且是太阳王宫廷中的基础画家。

鲁本斯到热那亚的通道,随后是范·戴克(Van Dyck),也引起了人们对利古里亚新风格的早期兴趣。格雷戈里奥·德·法拉利(Gregorio de Ferrari)在利古里亚首都制造了大型场景装饰和旺盛的装饰品。只有热那亚人(Baciccio)才能创造出罗马巴洛克之旅的另一项重要作品,即贝尼尼本人所称的Gesù教堂的穹顶。仍在贝尔尼尼圈子中的是来自皮斯托亚的艺术家卢多维科·吉米尼亚尼,他在乡下人罗马教皇克莱门特·IX·罗斯皮格里西(Pope Clement IX Rospigliosi)的帮助下发了大财,他的父亲贾辛托(Giacinto)也是彼得罗·达·科托纳(Pietro da Cortona)的另一个直接学生。

耶稣会士在巴洛克风格的传播中的作用得到了重要委员会的认可,该委员会由安德里亚·波佐(Andrea Pozzo)担任,他是在天空中打开穹顶的非凡光学幻觉的作者,首先是在罗马,然后在包括维也纳在内的其他中心。

在十七世纪的最后一个季度,对教堂和宫殿进行艺术委托的请求成倍增加,如今,巴洛克风格的折衷主义演说纷至rio来,其艺术背景各不相同。在最后阶段的名字中,有安东尼奥(Antonio)和菲利波·盖拉尔迪(Filippo Gherardi),多梅尼科·玛丽亚·卡努蒂(Domenico Maria Canuti),恩里科·哈夫纳(Enrico Haffner),乔瓦尼·科利(Giovanni Coli),贾辛托·布兰迪(Giacinto Brandi)。在本世纪末,上述那不勒斯的卢卡·佐丹奴(Luca Giordano)的身影脱颖而出,这预示着更为开放和广泛的解决方案,并期待着洛可可绘画。

国家差异
在意大利的带领下,地中海国家随后在德国和中欧的大部分神圣罗马帝国中紧随其后,普遍采用了巴洛克式的做法。

在17世纪荷兰黄金时代的绘画中,一种完全不同的艺术是从北方现实主义传统中发展而来的,该绘画几乎没有宗教艺术,也没有历史绘画,而是在发展世俗风格(例如静物画,日常场景的风格画),和山水画。尽管伦勃朗的艺术具有巴洛克风格,但该商标很少用于威猛(Vermeer)和许多其他荷兰艺术家。大多数荷兰艺术都缺乏对许多巴洛克式作品典型的理想化和热爱,包括邻近的佛兰德巴洛克式绘画在荷兰的流行趋势中占有一席之地,同时也继续以更清晰的巴洛克式风格产生传统类别。

在法国,端庄典雅的古典主义给巴洛克绘画带来了独特的风味,在17世纪后期,巴洛克绘画也被视为绘画的黄金时代。两位最重要的艺术家,尼古拉斯·普桑(Nicolas Poussin)和克劳德·洛兰(Claude Lorrain)仍留在罗马,在那里,他们的作品几乎全都在画架上绘画,受到了意大利人和法国人的赞赏。

意大利的巴洛克绘画
当时的意大利绘画试图打破已经皱眉的举止形式。管理者是两个完全不同的派系。一方面是画家卡拉瓦乔(Caravaggio),另一方面是卡拉奇(Carracci)兄弟(卢多维科,阿戈斯蒂诺和安妮巴莱)。

卡拉瓦乔的自然主义是最有代表性的代表,它利用光线效果处理残酷的图像,处理日常生活中的问题。 Chiaroscuros尝试赋予强度和活力。他们回避美的理想,不加技巧地展现现实。当时很多画家都养成卡拉瓦格主义

另一方面,卡拉奇形成了所谓的古典主义。捕捉主题的灵感来自希腊拉丁文化以及神话人物。像拉斐尔(Rafael)和米格尔·安格尔(MiguelÁngel)这样的16世纪作家都深受其影响。颜色柔和,光线柔和,壁画涂在天花板上。

两种趋势都留下了续集,并用于续订图片设置。热那亚的巴洛克式天才鲁本斯的存在反映在该地方的作品中。

法国的巴洛克绘画
在法国,举止受到巴洛克风格的影响。这幅画是古典主义的,被用来装饰宫殿,具有清醒和平衡的风格。肖像画和神话人物的治疗。

其最著名的作家是尼古拉斯·普桑(Nicolas Poussin),他在访问罗马后显然受到了意大利潮流的影响。他在希腊罗马文化中寻找灵感。在caravaggista方面,艺术家Georges de La Tour,Philippe de Champaigne和Le Nain Brothers脱颖而出。

但是,法国的巴洛克不仅仅是一种影响,后来成为洛可可。

法兰德斯和荷兰的巴洛克绘画
在法兰德斯(Flanders),鲁本斯(Rubens)人物在场景中占主导地位,发展出贵族和宗教绘画;而在荷兰,这幅画将是资产阶级,在风景,肖像和日常生活主题中占主导地位,伦勃朗(Rembrandt)人物是最佳代表。

西班牙的巴洛克绘画
在西班牙,巴洛克式的绘画是绘画活动的高潮时刻,它彰显了迭戈·韦拉兹克斯,里贝拉,埃斯特万·穆里略巴托洛梅·洛里索或弗朗西斯科·德·祖巴兰的天才和精湛技艺。这一时期被称为黄金时代,尽管该国正遭受经济危机,但仍是许多重要人物的样本。

西班牙画家以卡拉瓦乔(Caravaggio)和他的族群主义等意大利艺术家为灵感。佛兰芒的巴洛克式绘画在西班牙具有显着的影响力,这是由于该地区的任务授权以及鲁本斯(Rubens)作为法院画家来到该国所致。

巴洛克艺术的主要流派将是马德里,塞维利亚和巴伦西亚的流派。

西班牙的天主教和君主制主题显然是宗教性的。大部分作品是直接由教会委托的。另一方面,许多画作都与国王,贵族及其战争打交道,例如著名画作《 Las Lanzas》,维拉兹克斯(Velázquez)在1635年为马德里的Palacio del Buen Retiro画了这幅画。神话和经典主题也将保持不变。但是,重复最多的是基督教,例如何塞·德·里贝拉(Joséde Ribera)的伟大著作圣菲利普难。这些作品的真实性将被用来将宗教思想传达给信徒,因此巴洛克风格是教堂的武器。

颜色鲜艳生动,具有多种光源的效果,可创建尽可能多的阴影区域。所有西班牙画家都会感受到意大利民族主义。这些人物通常不会摆姿势,他们会以夸张的动作捕捉它们,以增强场景的力量。这些油画很大,通常很复杂,有各种各样的人物和富有表现力的手势。

其他经验

自然主义
自然主义是17世纪艺术的基本组成部分,而自然主义则以所谓的“伦巴第17世纪”为支点。这幅画源于对卡拉瓦乔本质的观察,并以卡洛(Carlo)和费德里科·博罗梅欧(Federico Borromeo)的身影生长,在米兰具有驱动力,在强烈叙事场景中使用了严谨而戏剧性的语言,这些绘画总是混合了混凝土,日常现实以及对人类和信仰的神秘而超越的视野。这种趋势的样本包括乔瓦·巴蒂斯塔·克雷斯皮(Giovan Battista Crespi),朱利奥·塞萨尔·普罗卡西尼(Giulio Cesare Procaccini),丹尼尔·克雷斯皮(Daniele Crespi)和皮埃尔·弗朗切斯科·马佐丘切利(Pier Francesco Mazzucchelli)称为莫拉佐尼(Morazzone),他们组成了所谓的米兰磅画家。

与经过改良的画家不同,博物学家将敏感世界的每个元素都置于同一水平上,与理想的装饰美感相比,它没有遗漏任何次要细节。这些原则也与特定的哲学和宗教含义相关联,根据这些原则,每种表现形式(作为对神的反映)都值得在各个方面进行体现。

这一潮流在整个卡拉瓦乔的追随者中蔓延,尤其是在西班牙统治的国家中扎根:从伦巴第到那不勒斯王国,从法兰德斯(乌得勒支的卡拉瓦格主义者)到伊比利亚半岛(维拉克斯奎兹,祖巴兰,里贝拉)。

现实主义
尽管这是一个非常新的名词,但在谈到黄金时代的荷兰绘画时,人们可以说“现实主义”被理解为自然主义的某些亚种。

联合省的独立性使加尔文主义教会脱颖而出,该教会拒绝了神圣的意象,最初导致了艺术创作的中断。然而,这些艺术家很快便能够致力于新的类型,致力于繁荣的资产阶级房屋的装饰:在欧洲,这是第一次出现了“资产阶级”绘画,该绘画在中小型的支持下迄今仍属于某些类型诸如风景,静物,道德主题,肖像和自画像之类的利基市场获得了最佳绘画作品的尊严。荷兰人跟随其艺术传统的脚步,对环境,人物和风俗的“真实”方面尤为敏锐,他们的客观数据似乎被艺术家的敏感性过滤掉了。

古典主义
早在16世纪末,对风格主义和自然主义的反应就传播了一种“美”的理论,根据这一理论,艺术家们在不否认可能性的情况下,投入了选择完美,秩序和美感的能力。不完美,混乱和畸形。因此,画家根据拉斐尔(Raphael)在文艺复兴时期和希腊罗马艺术界的经验,可以通过过滤真实数据来达到最大的完美。

Emilian画家(尤其是Domenichino,Albani,Sassoferrato)启发了法国人Nicolas Poussin和Claude Lorrain,加入了这一趋势。

Bamboccianti
荷兰人彼得·范·拉尔(Pieter van Laer)因身体畸形而在罗马被昵称为“竹子”。 “ bambocciante”一词最终表示他的仿真者和追随者群体,并非无意于嘲笑者,他们根据典型的荷兰流行风格重新诠释了卡拉瓦格式的自然主义。与贝拉里(Bellori)已经强调的卡拉瓦乔(Caravaggio)相比,他们钓鱼的对象是世界上最不起眼的,而在受到一些收藏家的青睐的同时,他们被当时的理论家所鄙视。