바로크 페인팅은 바로크 문화 운동과 관련된 페인팅입니다. 이 운동은 종종 절대주의, 반대 개혁 및 가톨릭 부흥으로 식별되지만 서유럽 전역의 비 절대 주의자 및 개신교 국가에서 중요한 바로크 양식의 예술과 건축물이 널리 퍼져 있음을 강조합니다. 바로크 예술은 얕은 사실감, 풍부하고 강렬한 색상, 강한 빛과 그림자가 특징입니다.
바로크 페인팅은 1600 년 무렵부터 17 세기 내내 계속되고 18 세기 초까지 오늘날 가장 중요한 주요 회화로 다양한 스타일을 포괄하며 오늘날 바로크 페인팅으로 알려져 있습니다. 가장 전형적인 표현에서 바로크 예술은 위대한 드라마, 풍부하고 깊은 색상 및 강렬한 빛과 어두운 그림자가 특징이지만 Poussin과 같은 프랑스 바로크 화가와 베르메르와 같은 네덜란드 장르 화가의 고전주의는 최소한 영어로 이벤트가 발생하기 직전의 순간을 보여준 르네상스 예술과는 달리 바로크 예술가들은 가장 극적인 시점을 선택했습니다. 미켈란젤로는 하이 르네상스에서 일하면서 그의 다윗이 전투를 시작하기 전에 작곡 한 것을 보여줍니다. 골리앗; 베르니니의 바로크 데이비드는 거인에게 돌을 던지는 행위에 빠졌다. 바로크 예술은 르네상스 시대에 상냥한 평온한 합리성 대신 감정과 열정을 불러 일으켰습니다.
바로크 시대의 가장 위대한 화가들 중에는 Velázquez, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Poussin 및 Vermeer가 있습니다. Caravaggio는 High Renaissance의 휴머니즘 회화의 상속자입니다. 인생에서 직접 그려지고 어두운 배경에 극적으로 드러난 인간의 모습에 대한 그의 현실적인 접근은 그의 동시대 사람들에게 충격을 주었고 그림의 역사에서 새로운 장을 열었습니다. 바로크 페인팅은 종종 키아로 스코로 조명 효과를 사용하여 장면을 극화합니다. 이것은 Rembrandt, Vermeer, Le Nain 및 La Tour의 작품에서 볼 수 있습니다. 플랑드르 화가 Anthony van Dyck는 특히 영국에서 매우 영향력있는 우아하면서도 인상적인 인물 스타일을 개발했습니다.
17 세기 네덜란드의 번영으로 대부분의 전문화되어 장르 장면, 풍경, 정물, 인물 사진 또는 역사 그림 만 그린 많은 화가들이 엄청난 예술 작품을 만들어 냈습니다. 기술 표준은 매우 높았으며, 네덜란드 황금 시대 회화는 모더니즘이 도착할 때까지 매우 영향력있는 주제의 새로운 레퍼토리를 확립했습니다.
개요
그들의 작품 덕분에 건축가, 조각가, 화가는 충실한 사람들의 영혼을 효과적으로 만질 수있는 수단이되었습니다. 따라서 예술은 승리의 가톨릭 교회가 이단자와 의심 자들을 설득하고 프랑스와 이탈리아 국경에 대한 개신교 압력을 막는 수단이된다. 이 야심 찬 목표를 달성하기 위해서는 예술은 더 이상 르네상스의 조화를 통해서가 아니라 강한 감정의 표현을 통해 맛을 유혹하고 움직이며 맛을 정복 할 수 있어야합니다.
바로크 스타일의 내장 매력은 감각의 직접적인 관여에서 비롯됩니다. 바로크 회화에서, 매너리즘에서와 같이, 새로운 언어는 창자, 관중의 감정을 직접적으로 지적하는 것처럼 지성과 세련미의 미묘함을 요구하지 않았습니다. 직접적이고 단순하며 명백하지만 여전히 연극적이고 가능한 매력적인 도상 법이 사용되었습니다. 시청자, 그의 견해, 장식이 그에게 미칠 수있는 영향이 그 어느 때보 다 중요했던 적이 없었습니다.
대위법이 대위법을 대신하여 유지되는 뮤지컬 구체와 비슷한 종류의 병렬이 가능하며 오케스트라 톤과 아말감은 점점 더 꾸준하게 나타납니다.
Urban VIII Barberini의 우위는 바로크 양식의 발전을위한 비옥 한 땅으로, 교황의 집과 손자를 축하하기 위해 일종의 절대주의에 대한 기대를 표명했습니다.
“바로크 (baroque)”라는 용어는 18 세기 후반에 처음으로 사용되었으며, 이상하게도 냉정한 고전 규범과 거리를 둔 예술가들에게 부정적인 보완 물로 사용되었습니다. 신고전주의 이론가들에게 바로크는 풍요와 과도한 장식을 의미했다. 프란체스코 밀리지 아의 정의는 1781 년에이 시대의 생산을 “미각의 전염병”이라고 불렀다. 바로크의 재발견은 매우 늦은 것인데,이 맛의 많은 중요한 표현이 돌이킬 수 없을 정도로 파괴되거나 훼손 된 20 세기 후반에만 완전히 일어난 것입니다 ( 이후의 성층화를 없애고 전쟁 후 2 차까지 습격 한 예배당). 바로 “고전적”성격과 부인할 수없는 독창성으로 바로크의 재발견과 전문 연구에서 처음으로 전시 및 대중 간행물을 통해 개선되었습니다.
풍모
중요한 행사 이전의 순간을 보여주는 르네상스 회화와 달리 바로크 예술가들은 가장 극적인 점, 즉 행동이 일어나는 순간을 선택합니다. 바로크 예술은 감정과 열정을 불러 일으키는 것으로 유명하며 르네상스 회화에서 나오는 합리성과 평온이 아닙니다.
그림 구성 수준에서 바로크 페인팅은 무엇보다도 분홍색에서 흰색, 파란색으로 진행되는 많은 따뜻하고 밝은 색상을 사용하는 것이 특징입니다. 다른 한편으로, 특히 사람의 근육 덩어리를 강조하기 위해 사용될 수있는 빛과 그늘의 연극과 대조가 매우 존재한다. 캔버스 조명이 균일 한 전형적인 르네상스 방식과 달리 바로크 캔버스의 조명은 반점에서 이루어집니다. 이 기술은 특정 영역에주의를 기울이고 다른 영역은 어두운 곳 (키아로 스코로 사용)에 남겨 둡니다.
항상 르네상스와 모순되는 분위기에서 바로크 식 캔버스는 캔버스에 존재하는 인물에게 감정을 전달하기 위해 표정을 제공합니다. 또한 주로 비대칭을 나타냅니다 (주요 동작이 반드시 중앙에있는 것은 아님). 캔버스의 힘의 선은 더 이상 수평 또는 수직 일뿐만 아니라 비스듬하거나 구부러져 서 캐릭터에 불안정한 위치를 제공하고 움직임의 느낌을줍니다. 이 운동 효과는 바람에 의해 들어 올려 지거나 흔들리는 옷의 풍부함으로 표현됩니다. 의상의 선택은 종종 고대를 의미합니다. 직물은 또한 커튼처럼 배열되어 장면을 극적으로 표현합니다.
바로크 양식은 다양한 방식으로 르네상스에 반대한다. 그것은 변화를 나타내는 파열의시기이다. 바로크 작품은 변화, 운동, 사물의 불안정성에 대한 관심으로 차별화됩니다.
“렌즈를 통과하고 필름에 유제를 감동시키는 빛은 움직임의 한 측면 만 재현 할 수 있습니다. 그러나 움직임은 끊임없는 일련의 태도입니다. 슬로우 모션 시네마가 그것을 드러 냈습니다. 바로크 예술가의 정신은 이러한 연속적인 측면을 포착하여 하나의 이미지로 압축합니다. ”
-P. Charprentrat, L’ art baroque, Vendôme, Imprimerie des presses Universitaires de France, 1967.
바로크 화가는 일반적으로 성경적 또는 신화 적 전설과 이야기에서 나온 예술적 주제에 접근합니다. 그러나 종교적 그림, 역사의 그림, 우화와 초상화가 가장 고귀한 주제로 여겨지지만 풍경과 장르 장면도 널리 퍼져 있습니다.
역사
로마 가톨릭 교회가 개신교와 가톨릭 교회 내부에 남아있는 사람들에 의해 제기 된 내부 개혁에 관한 많은 질문에 대답 한 트렌트 공의회 (1545-63)는 대표 예술을 짧고 다소 간결한 구절로 다루었 다. 법령. 이것은 교회의 맥락에서 그림과 조각이 매너리즘의 문체 적 분위기없이 그들의 주제를 명확하고 강력하고 장식 적으로 묘사해야한다고 요구 한 몰라 누스와 같은 많은 사무 저자들에 의해 해석되고 설명되었다. 교회 예술의 기능에 대한 대중 주의적 개념으로의 귀환은 많은 예술 역사가들에 의해 Caravaggio와 Carracci 형제의 혁신을 주도하는 것으로 여겨지며, Carracci와는 달리 1600 년경 로마에서 일하고 (위원회를 위해 경쟁하고있는) Caravaggio는 꾸준히 그의 작품에 장식이 부족하다는 비판을 받았다. 그러나 종교적 그림, 역사 그림, 우화, 초상화가 여전히 가장 고귀한 주제로 여겨지지만 가톨릭 국가에서는 풍경, 정물, 장르 장면이 점점 일반화되어 개신교의 주요 장르가되었습니다.
용어
“바로크 (Baroque)”라는 용어는 처음에는 그 강조의 과잉을 강조하기 위해 거만한 의미로 사용되었습니다. 다른 사람들은 논리적 인 스콜라 스티카 (Scholastica)에서 아마도 노동 형태의 실로 즘을 나타내는 “바로코 (Baroco)”라는 니모닉 용어에서 그것을 파생시켰다. 특히,이 용어는 편심 중복성과 시끄러운 디테일의 풍부함을 설명하는 데 사용되었으며 르네상스의 명확하고 냉정한 합리성을 크게 대조했습니다. 그것은 르네상스와 바락 (1888)에서 스위스 태생의 예술가 인 Heinrich Wölfflin (1864-1945)에 의해 처음으로 재활되었다. Wolllin은 바로크 양식을 르네상스 예술의 예술품 인 “대량으로 수입 된 운동”으로 식별했습니다. 그는 현대 작가들이하는 매너리즘과 바로크를 구별하지 않았으며, 18 세기까지 지속 된 학문 바로크 인 후기 단계를 무시했다. Wölfflin의 영향으로 독일 장학금이 두드러지게 될 때까지 프랑스어와 영어로 된 작가들은 바로크를 존경 할만한 연구로 취급하지 않았습니다.
선구자
16 세기 말, 매너리즘은 점점 더 전통적이고 반복적 인 복제품으로 사라지고 있었지만, 반혁명적인 맛은 냉정하고 단순하며 모든 이탈리아 인 센터에서 확산되어 모든 수업에서 이해할 수있었습니다. 밀라노와 플로렌스에서 음주가 작곡의 기하학적 단순화를 통해 특정 강도로 변하는 경우, 다른 센터에서 다른 솔루션이 개발되었습니다. 베네치아와 틴토레토는 베네치아와 틴토레토의 예를 보여 주었다.
이것은 반개혁에 의해 강화 된 교회가 새로운 예술적 임무에 재투자하기 위해 많은 액수를 가졌으며, 점점 더 야심적이고 세속적 인 주제에 의한 오염에 대해 점차 더 관대 해졌다. 이 과정의 중심은 로마였으며, 이탈리아와 이탈리아 이외의 모든 예술가들이 집중하고 새로운 자극과 더 큰 행운을 찾고 있습니다.
1598 년에서 1606-1607 년 사이에 Farnese Gallery의 장식에서 승리 한 Carracci 형제가 처음으로 다른 것을 개발 한 후 Domenichino, Guido Reni 및 Guercino와 같은 Emilian 시리즈가 이어졌습니다. Annibale Carracci (1609)와 Caravaggio (1610)의 초기 사망 이후, 예술 세계는 두 가지로 나뉘어져있는 것처럼 보였다. 극단적 인 광학적, 사회적 진실을 가진 Caravaggeschi가 있고 다른쪽에는 “고전 주의자들”이있다. 새롭고 절충적인 독서를 제공하는 역사적 스타일.
바로크에 도달 할 목표에 필요한 그림 기법의 완전 숙달은 로마의 루벤스 (Rubens)의 활동에 의해 예상되었으며 Vallicella (1608)에있는 산타 마리아 교회의 후진 장식에 그의 기술을 보여주었습니다. 마돈나 델라 발리 첼라 (Madonna della Vallicella)와 횡 성도 (Last Saints)의 3 개의 큰 제단은 건축 공간과 자연광과 밀접하게 연결된 단일 체계로 구성되어있다. 중앙 상자에는 천사와 천사의 색으로 강조되는 회전 합창 운동의 감각으로 개별 인물에 대한 전체 아이디어가 우선합니다. 베니스의 예술가가 배운 색은 따뜻하고 활력이 넘치며, 패소 감은 강하고 활력이 넘칩니다. 루벤스에는 미켈란젤로 부오나 로티의 인물, 라파엘로 산 치오의 은총, 베네치아, 티티 안 색상, 새롭고 우세한 에너지 요금이 있습니다.
1621 년 게르치 노는 로마에 도착하여 새로 선출 된 그레고리 XV에 이어 에밀리아 출신입니다. 1 년의 체류 기간 동안 그는 카지노 Ludovisi에있는 Aurora와 같은 로마에서 기억에 남는 작품을 남겼습니다. 그곳에서 인물은 건축 공간과 합쳐지고 시청자의 관점에서 자신을 최적화합니다. Guido의 거의 평범한 Aurora Pallavicini와는 다릅니다. Reni는 표현이 천장에서 매달려있는 캔버스와 동일하며 명확하게 구분되어 있으며 “아래에서”비전이 없습니다. 이미 Guercino에서 보는 사람의 눈은 부드러운 빛과 반점으로 퍼지는 색상으로 원하는 움직임과 불안정성의 효과라는 이름으로 요소의 연결에 매료되어 전체 장면을 끊임없이 여행하도록 초대되었습니다. 이러한 효과는 글로리아의 산 크리스토 고노 (오늘 런던, 랭커스터 하우스)와 산 페트로 트로 성당으로 예정된 오늘날의 생 페트로 닐라 (1623 년)의 큰 제단과 오늘날 카피 톨린 박물관에서 재현되었습니다. 이러한 아이디어는 새로운 “바로크”스타일의 탄생에 필수적이었습니다.
스타일 진화
그러므로 구에 치노와 루벤스는 지안 로렌조 베르니니 (Gian Lorenzo Bernini)의 연구에서 30 년 만에 결정적인 봉헌을받을 새 시즌의 선구자였다.
그러나 그림에서,이 “제 3의 스타일”의 모든 특성이 발견 된 최초의 “바로크”작품 (caravaggism과 classicism 사이)은 Giovanni Lanfranco의 Sant’Andrea della Valle의 돔 장식입니다 (1625- 27) 파르마가 아니더라도, 도시에서 코레 지오의 돔 교훈을 가장 혁신적인 공헌으로 받아들이고 업데이트했습니다. 이 거대한 프레스코에서, 공간이 유동적이고 불안정한 동심원을 생성함으로써 실제 공간이 향상됩니다. 여기서 캐릭터는 자유롭게 움직이며 빛 덕분에 중앙에 클라이맥스가있는 상승하는 회전 감을 생성하고 직접 개방을 시뮬레이션합니다 천국 천국으로
바로크 그림의 성숙은 예를 들어 로마의 Palazzo Barberini (1633-39) 살롱의 금고에서 Pietro da Cortona의 거대한 장식 성과로 이루어졌습니다. 그의 심오하고 무모한 기술은 곧 많은 수의 숙련 된 사람들이 뒤따 랐으며, 따라서 코토 니즘은 기념비적 회화의 언어가되었으며, 세속적, 종교적 사명을위한 완벽한 선전 수단으로서 조명 효과와 관점에 의해 웅장한 아포 시스가 서로에게 밀려났다. 구적법 (quadrature)의 사용 덕분에 (아키텍처를 생성하기 위해 사실상 “quadraturists”라고 불리는 전문가가있었습니다).
피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)의 작품의 참신함은 동시대 인들에게서 분명해졌으며, 특히 많은 움직이는 인물의이 스타일을 안드레아 사치 (Andrea Sacchi)의 더 냉정하고 정적 인 인물과 대조했습니다 (또한 Palazzo Barberini에서 신의 지혜의 우화와 함께 활동). 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)는 1634 년부터 1638 년까지의 왕자였던 아카데미아 디 산 루카 (Accademia di San Luca)에 대한 토론이 있습니다. 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)의 그림은 문학과 회화를 비교하면서 에피소드로 가득 찬 “서사시”를 구성하며, 사치 (Sacchi)는 통일성과 단순성이 기본 요구 사항 인 일종의 “비극”.
확산
피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)가 일했던 센터들 중에서 피렌체는 눈에 띄었습니다. 피티 궁전 장식과 다른 종교 기업에서 메디치 (Medic)를 위해 오랫동안 일했습니다. 그의 신실한 학생 Ciro Ferri의 오랜 존재로 인해 지역 학교에 대한 그의 스타일의 영향은 즉시 명백하지는 않았지만 파괴적이었습니다. 완전히 참여한 최초의 지역 예술가는 Volterrano였습니다.
Giovanni Lanfranco은 나폴리에서 오랫동안 일하면서 루카 지오다노와 프란체스코 솔리 메나에서 가장 중요한 지수를 가진 남부 이탈리아의 바로크 풍미에 뿌리를 내리는 조건을 만들었습니다. 두 사람 중 첫 번째 사람은 이탈리아 전역을 여행했으며이 소식의 특별한 유포자였습니다. 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)가 로마 밖에서 가장 많이 운영되었던 바로 피렌체 (Palazzo Medici-Riccardi) 갤러리에서 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)와는 달리 피에트로 다 코르토 나 (Pietro da Cortona)와는 달리, 이미 건축 학적 자유는 이미 가벼움을 전하는 구성의 자유에 따라 존재하지 않는 거대한 프레스코 화를 만들었습니다. 18 세기 공중.
그러나 Pietro da Cortona의 성공으로 많은 예술가들이 자신의 스타일에 접근하게했습니다. 첫 시간의 직접적인 학생들은 Giovan Francesco Romanelli (1637 년 이미 자신과 경쟁 관계를 맺고 Gianlorenzo Bernini의 보호를 받기 때문에 교사에서 제거됨), Giovanni Maria Bottalla 및 Ciro Ferri였습니다. 두 번째 시간 (1655 년 이후) Lazzaro Baldi, Guglielmo 및 Giacomo Cortese, Paul Schor, Filippo Lauri. Romanelli는 Francesco Barberini 추기경에 의해 파리로 불려 갔으며 Sun King의 법정에서 기본 예술가였습니다.
Van Dyck이 뒤를 이은 Rubens의 제노아로의 통과는 Liguria의 새로운 스타일에 대한 초기 관심을 불러 일으켰습니다. 그레고리오 데 페라리 (Gregorio de Ferrari)는 리구 리아의 수도에서 큰 규모로 활기차고 풍성한 장식을했습니다. 바코시오 (Bacciocio)라는 제노바 사람은 베르니니 (Bernini) 자신이 지명 한 게수 교회의 금고 인 로마의 바로크 여행의 또 다른 주요 작품을 만들 것입니다. 베르니니의 서클에는 여전히 Pistoia 출신의 예술가 Ludovico Gemignani가 있었는데, 그는 교황 Clement IX Rospigliosi에서 그의 재산을 얻었고 그의 아버지 Giacinto는 Pietro da Cortona의 또 다른 직접적인 학생이었습니다.
바로크 양식의 확산에서 예수회의 역할은 로마에서, 비엔나를 포함하여 다른 센터에서 하늘에 열린 금고의 환상적인 착시의 저자 인 안드레아 포초 (Anandre Pozzo)가 예약 한 중요한위원회에 의해 입증됩니다.
17 세기 마지막 분기에 교회와 궁전의 예술위원회에 대한 요청이 배가되었고 바로크 양식은 이제 다양한 예술적 배경을 가진 예술가들에 의해 퍼져있는 절충주의 해석의 폭동이었습니다. 이 마지막 단계의 이름 중에는 Antonio와 Filippo Gherardi, Domenico Maria Canuti, Enrico Haffner, Giovanni Coli, Giacinto Brandi가 있습니다. 세기 말에, 앞서 언급 한 나폴리 루카 지오다노의 인물은 로코코 그림을 기대하면서 더 개방적이고 광범위한 솔루션을 제시합니다.
국가 별 변형
이탈리아가 이끄는 지중해 국가들과 독일과 중부 유럽의 대부분의 신성 로마 제국이 서서히 전혈 바로크 방식을 채택했습니다.
종교 예술이 거의없고 역사 그림이 거의없는 17 세기 네덜란드 황금기 그림에서 북부 현실주의 전통에서 다소 다른 예술이 발전했다. 대신 정물, 일상 장면의 장르 그림과 같은 세속적 장르를 발전시키는 데 중요한 역할을한다. 그리고 풍경화. 렘브란트 예술의 바로크 양식은 분명하지만이 레이블은 베르메르와 다른 많은 네덜란드 예술가들에게는 덜 사용됩니다. 대부분의 네덜란드 예술은 네덜란드 트렌드에서 한 부분을 공유 한 이웃 한 플랑드르 바로크 양식의 그림을 포함하여 더 많은 바로크 양식으로 전통적인 카테고리를 계속 생산하는 등 많은 바로크 양식의 전형적인 화려함에 대한 이상과 사랑이 부족합니다.
프랑스에서는 품위 있고 우아한 고전주의가 바로크 양식의 회화에 독특한 풍미를 주었다. 17 세기 후반은 회화의 황금 시대로도 여겨진다. 가장 중요한 두 예술가 인 Nicolas Poussin과 Claude Lorrain은 로마에 기반을두고 있었으며 거의 모든 이젤 그림으로 된 작품은 이탈리아 인뿐만 아니라 프랑스 후원자에게도 높이 평가되었습니다.
이탈리아의 바로크 페인팅
이탈리아 시대의 그림은 이미 눈살을 찌푸리게했던 매너리즘의 형태와 충돌하려고합니다. 관리자는 잘 구분 된 두 파벌이었다. 한편으로는 화가 Caravaggio, 다른 한편으로는 Carracci 형제 (Ludovico, Agostino 및 Annibale).
최고의 대표자 인 카라바지오 (Caravaggio)의 자연주의는 일상 생활의 문제를 다루고 조명 효과를 사용한 어두운 이미지를 처리합니다. 키아 로스 쿠로스는 강도와 생기를 주려고합니다. 그들은 아름다움의 이상에서 부끄러워하지 않고 인공적인 현실을 그대로 보여줍니다. 시대의 화가들의 좋은 부분은 Caravaggism을 재배했습니다.
다른 한편으로, Carracci는 소위 고전주의를 형성합니다. 캡처 할 테마는 신화적인 존재와 함께 Greco-Latin 문화에서 영감을 받았습니다. Rafael와 Miguel Ángel과 같은 16 세기의 저자는 강력한 영향을 미칩니다. 색상은 부드럽고 빛과 마찬가지로 프레스코 화는 천장에 그려져 있습니다.
두 경향 모두 속편을 남기고 그림 설정을 갱신하는 데 사용되었습니다. 제노아에있는 바로크의 또 다른 천재 인 루벤스의 존재는 그 장소의 작품에 반영됩니다.
프랑스의 바로크 페인팅
프랑스에서는 매너리즘이 바로크의 영향을받습니다. 회화는 고전 주의자이며 냉정하고 균형 잡힌 스타일로 궁전을 장식하는 데 사용됩니다. 인물 사진이 그려지고 신화적인 주제가 다루어집니다.
가장 유명한 작가는 니콜라스 푸신 (Nicolas Poussin)으로 로마를 방문한 후 이탈리아의 트렌드에 영향을 받았다. 그는 그리스-로마 문화에서 영감을 찾았습니다. 카라 바지 스타 측면에서 예술가 Georges de La Tour, Philippe de Champaigne 및 Le Nain Brothers가 눈에 띄었습니다.
그러나 프랑스의 바로크는 단순한 영향 이상이었고 나중에 로코코가되었습니다.
플랑드르와 네덜란드의 바로크 페인팅
플랑드르에서는 루벤스의 모습이 장면을 지배하고 귀족적이고 종교적인 그림을 개발하는 반면, 네덜란드에서는 그림이 부르주아가되어 풍경, 초상화 및 일상 생활의 테마를 지배하며 렘브란트의 인물은 최고의 지수입니다.
스페인의 바로크 페인팅
스페인에서 바로크는 화보 활동의 절정의 순간으로 디에고 벨라스케스, 리베라, 바르톨로메 에스테반 뮤 릴로 또는 프란시스코 데 주 바란의 천재성과 숙달을 장대 한 화가들에게 강조합니다. 이시기는 국가가 겪고있는 경제 위기에도 불구하고 일했던 많은 중요한 인물의 표본으로 황금 시대라고 알려져 있습니다.
스페인 화가는 카라바지오 (Caravaggio)와 같은 이탈리아 예술가와 그의 테네시를 영감으로 사용합니다. 플랑드르 바로크 페인팅은 스페인에서 주목할만한 영향을 미쳤습니다.이 지역에서 시행 된 임무와 법원 화가 인 루벤스의 입국으로 인해 스페인에서 두드러졌습니다.
바로크 예술의 주요 학교는 마드리드, 세비야 및 발렌시아의 학교입니다.
카톨릭과 군주제 인 스페인의 주제는 분명히 종교적입니다. 대부분의 작업은 교회에서 직접 의뢰했습니다. 다른 한편으로, 많은 그림은 유명한 그림 Las Lanzas와 같이 왕, 귀족 및 그들의 전쟁을 다루고 있습니다 .Las Lanzas는 1635 년 마드리드의 Palacio del Buen Retiro를 위해 Veláquesque가 그렸습니다. 신화와 고전적인 테마도 일정 할 것입니다. 그러나 가장 많이 반복되는 것은 기독교 종교입니다. 예를 들어, 세인트 필립의 순교, 호세 데 리베라의 위대한 작품. 작품의 사실성은 종교적 아이디어를 신자들에게 전하는 데 사용될 것이므로 바로크는 교회의 무기였습니다.
여러 영역의 그림자를 만들어내는 여러 광원의 효과로 색상이 생생합니다. 이탈리아 화가는 모든 스페인 화가들에게 느껴질 것입니다. 인물은 일반적으로 포즈를 취하지 않으며 장면에 힘을주기 위해 과장된 움직임으로 포착됩니다. 유화는 크고 그림이 다양하며 표현력이 뛰어납니다.
다른 경험 seicentiste
자연주의
17 세기 예술의 기본 구성 요소 중에는 소위 “롬바르드 17 세기”에지지 점이있는 자연주의가 있습니다. Caravaggio의 특성을 관찰하고 Carlo와 Federico Borromeo의 표시로 자란이 그림은 밀라노에서 추진력을 가지고 있으며 강렬한 이야기 장면에서 항상 콘크리트가 혼합 된 그림에서 심각하고 극적인 언어를 사용했습니다. , 매일의 현실, 그리고 인류와 신앙에 대한 신비 롭고 초월적인 비전. 이 트렌드의 샘플은 Giovan Battista Crespi, Giulio Cesare Procaccini, Morazzone으로 알려진 Daniele Crespiand Pier Francesco Mazzucchelli이며, 이는 소위 밀라노의 두근 거리는 화가 그룹을 구성합니다.
반 변형 화가 들과는 달리, 자연 주의자들은 아름다움과 장식의 이상에 비해 이차적 인 세부 사항을 생략하지 않고 민감한 세계의 모든 요소를 같은 수준으로 놓았습니다. 이것들은 또한 원칙들이 특정한 철학적, 종교적 의미와 관련이 있으며, 그에 따라 신의 반영으로서의 모든 표현은 모든 측면에서 표현 될 가치가있다.
이 흐름은 특히 스페인 지배 국가 인 롬바르디아에서 나폴리 왕국, 플랑드르 (위트레흐트의 카라바 지스트)에서 이베리아 반도 (Velàquesque, Zurbaràn, Ribera)까지 카라바지오 추종자들에게 퍼져 나갔습니다.
실재론
그것은 황금기의 네덜란드 회화와 관련하여 매우 최근의 용어이지만, 자연주의의 일부 아종으로 이해되는 “현실주의”에 대해 말할 수 있습니다.
미국의 독립은 칼빈주의 교회를 앞장서 게했으며, 캘빈주의 교회는 신성한 이미지를 거부하고 처음에는 예술적 생산을 중단했습니다. 그러나 예술가들은 머지 않아 번성하는 부르주아지의 집 장식에 바쳐진 새로운 장르에 자신을 바칠 수있었습니다. 유럽에서 처음으로 “작은 부르주아”그림은 중소형 지지대에서 지금까지 일부 장르에서 태어났습니다. 풍경, 정물, 도덕 테마, 인물 사진 및 자화상과 같은 틈새 시장은 최고의 그림 제작의 존엄성을 얻었습니다. 예술적 전통의 발자취를 따라 네덜란드 인은 환경, 캐릭터 및 관습의 “실제”측면에 대해 특히 예리한 시선을 가졌으며, 여기서 객관적인 데이터는 예술가의 감도에 의해 필터링 된 것처럼 보입니다.
고전주의
16 세기 말부터 이미 매너리즘과 자연주의에 대한 반응은 “미 (美)”이론을 퍼뜨 렸는데, 그에 따라 예술가들은 가능성을 부인하지는 않지만 완벽하고 질서와 아름다움을 선택하는 능력에 투자했다. 불완전, 혼돈 및 변형. 따라서 르네상스와 그레코로만 예술의 세계에서 라파엘의 경험을 따르는 화가는 실제 데이터를 필터링함으로써 최대의 완성도에 도달 할 수있었습니다.
니콜라스 푸신 (Nicolas Poussin)과 클로드 로레인 (Claude Lorrain)으로 프랑스 인들에게 영감을 준 에밀리아 화가들 (특히도 메니 치노, 알바니, 사소 페라 토)은이 트렌드에 합류했습니다.
밤 보치 안티
Dutchman Pieter van Laer는 그의 신체적 기형으로 인해 로마의 “Bamboccio”라는 별명으로 불렸다. “밤보 치앙 테”라는 용어는 일반적으로 네덜란드의 인기있는 장르에 비추어 Caravaggesque 자연주의를 재 해석 한 조롱하려는 의도가 아닌 그의 에뮬레이터 및 추종자 그룹을 나타냅니다. 그러나 이미 Bellori가 강조한 Caravaggio와 비교했을 때, 그들은 가장 겸손한 세계에서 주제를 낚시질했으며 일부 수집가의 호의를 즐기면서 당시의 이론가들에 의해 낙인 찍혔습니다.