El arte forastero es el arte de creadores de arte autodidactas o ingenuos. Típicamente, aquellos etiquetados como artistas externos tienen poco o ningún contacto con el mundo del arte convencional o las instituciones de arte. En muchos casos, su trabajo se descubre solo después de su muerte. A menudo, el arte forastero ilustra estados mentales extremos, ideas no convencionales o mundos de fantasía elaborados.
El término arte forastero fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 como sinónimo inglés de art brut, una etiqueta creada por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial; Dubuffet se centró particularmente en el arte por parte de aquellos que se encontraban fuera de la escena artística establecida, utilizando como ejemplos pacientes y niños de hospitales psiquiátricos.
Art brut es el término por el cual el pintor Jean Dubuffet se refiere a las producciones de personas sin cultura artística. Él ha agrupado algunas de estas producciones en una colección, la Colección de Arte Bruto en Lausana. El término art brut viene de Jean Dubuffet: «28 de agosto de 1945, Dubuffet bautiza» arte brut «un arte que colecciona desde hace varios años, arte que incluye al mismo tiempo el arte de los tontos y que margina a todo tipo de personas: prisioneros , reclusos, místicos, anarquistas o rebeldes – Laurent Danchin – Martine Lusardy -1995, «no podemos reducir su interés en el arte de los tontos solo en esta fecha.
Mientras que el término de Dubuffet es bastante específico, el término inglés «outsider art» se aplica con más amplitud, para incluir a ciertos creadores de arte autodidactas o ingenuos que nunca fueron institucionalizados. Típicamente, aquellos etiquetados como artistas externos tienen poco o ningún contacto con el arte convencional instituciones del mundo o del arte En muchos casos, su trabajo se descubre solo después de su muerte. A menudo, el arte externo ilustra estados mentales extremos, ideas no convencionales o mundos de fantasía elaborados.
Outsider art se ha convertido en una exitosa categoría de mercadotecnia de arte; desde 1993 se celebra una feria anual de arte callejero en Nueva York, y hay al menos dos publicaciones periódicas periódicas dedicadas al tema. El término a veces se aplica erróneamente como una etiqueta de marketing general para el arte creado por personas que están fuera del «mundo del arte» o «galería de arte» principal, independientemente de sus circunstancias o el contenido de su trabajo.
Arte de los enfermos mentales
El interés en el arte de los enfermos mentales, junto con el de los niños y los creadores del «arte campesino», fue demostrado por primera vez por el grupo «Der Blaue Reiter»: Wassily Kandinsky, Auguste Macke, Franz Marc, Alexej Jawlensky y otros. Lo que los artistas percibieron en el trabajo de estos grupos fue un poder expresivo nacido de su percepción de falta de sofisticación. Ejemplos de esto se reprodujeron en 1912 en el primer y único número de su publicación, Der Blaue Reiter Almanac. Durante la Primera Guerra Mundial, Macke fue asesinado en Champagne en 1914 y Marc fue asesinado en Verdun en 1916; la brecha que dejaron estas muertes fue llenada en cierta medida por Paul Klee, quien continuó inspirándose en estos «primitivos».
El interés en el arte de los internos de asilo demente continuó creciendo en la década de 1920. En 1921, el Dr. Walter Morgenthaler publicó su libro Ein Geisteskranker als Künstler (Un paciente psiquiátrico como artista) sobre Adolf Wölfli, un paciente mental psicótico a su cargo. Wölfli había comenzado espontáneamente a dibujar, y esta actividad pareció calmarlo. Su obra más destacada fue una épica ilustrada de 45 volúmenes en la que narraba su propia historia de vida imaginaria. Con 25,000 páginas, 1,600 ilustraciones y 1,500 collages, es una obra monumental. Wölfli también produjo una gran cantidad de obras más pequeñas, algunas de las cuales se vendieron o se regalaron. Su obra se exhibe en la Fundación Adolf Wölfli en el Museo de Bellas Artes de Berna.
Un momento decisivo fue la publicación de Bildnerei der Geisteskranken (Arte de los enfermos mentales) en 1922, por el Dr. Hans Prinzhorn. Este fue el primer estudio formal de trabajos psiquiátricos, basado en una compilación de miles de ejemplos de instituciones europeas. El libro y la colección de arte ganaron mucha atención de los artistas de vanguardia de la época, incluidos Paul Klee, Max Ernst y Jean Dubuffet.
Las personas con cierta formación artística formal, así como los artistas bien establecidos no son inmunes a las enfermedades mentales, y también pueden ser institucionalizados. Por ejemplo, William Kurelek, más tarde galardonado con la Orden de Canadá por su trabajo de vida artístico, cuando era un joven ingresó en el Hospital Psiquiátrico Maudsley, donde fue tratado por esquizofrenia. En el hospital pintó, produciendo The Maze, una representación oscura de su juventud torturada. Fue trasladado del Maudsley al Hospital Netherne de noviembre de 1953 a enero de 1955, para trabajar con Edward Adamson (1911-1996), un pionero de la terapia artística y creador de la Colección Adamson.
El arte más allá de las formas de arte establecidas ya fue creado en las obras de Arcimboldo, Goya, Hieronymus Bosch y en las esculturas en el Parco dei Mostri de Villa Orsini en Bomarzo.
Las formas de arte relacionadas son diversas. Un tipo de Art Brut son obras de arte de objetos cotidianos, desperdicios y fragmentos, objetos en forma de concha, esculturas, ornamentos y ejemplos de Land Art. Son la máquina del mundo de Franz Gsellmann y el Giardino dei Tarocchi. Otro posible sello distintivo es el horror vacui, obedeciendo a que es toda el área de dibujo o todo el espacio ocupado, como lo fue la implementación del síndrome de Messie, de todo alboroto y reciclaje, para las obras de arte.
Jean Dubuffet y art brut
Dubuffet argumentó que la «cultura», que es la cultura dominante, logró asimilar cada nuevo desarrollo en el arte, y al hacerlo le quitó todo el poder que podría haber tenido. El resultado fue asfixiar la expresión genuina. Art brut fue su solución a este problema: solo el arte brut era inmune a las influencias de la cultura, inmune a ser absorbido y asimilado, porque los artistas mismos no estaban dispuestos o no podían ser asimilados.
Dubuffet a menudo redefinió el arte brut, buscando al principio distinguirlo del arte popular, arte ingenuo, dibujos infantiles, y luego crear la «Nueva invención» en su colección, a la que también incorpora el género de arte singular donde «habitantes del paisaje» y » naive «se mezclan, se reunieron en una exposición en 1978 en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París. A menudo parafraseadas, incluso distorsionadas, estas definiciones dieron lugar a confusión.
Su primera definición se da en 1949:
«Con esto nos referimos a obras ejecutadas por personas sin cultura artística, en las que la mímica, a diferencia de lo que sucede entre intelectuales, tiene poca o ninguna participación, por lo que sus autores dibujan todo (temas, elección de materiales utilizados, medios de transposición, ritmos) , formas de escribir, etc.) de su propio fondo y no los clichés del arte clásico o el arte de moda. Asistimos a la operación artística, pura, cruda, reinventada en todas sus fases por su autor, a partir de sus propios impulsos. por lo tanto, en el que la única función de la invención es manifiesta, y no la constante en el arte cultural, del camaleón y el mono «.
En una segunda vez, en 1963, Dubuffet amplía la definición de Art brut:
«Producciones de todo tipo: dibujos, pinturas, bordados, figuras modeladas o talladas, etc. que tienen un carácter espontáneo y altamente inventivo, lo mínimo posible deudores del arte consuetudinario y de los clichés culturales, y cuyos autores son personas desconocidas o ajenas a los artistas profesionales círculos «.
En una tercera vez, todavía se especifica en el tema del arte brut:
«Obras cuyos autores son personas de círculos intelectuales externos, en la mayoría de los casos libres de toda formación artística, y en quienes se ejerce la invención, sin impacto alguno para alterar su espontaneidad».
Contexto cultural
El interés en las prácticas «externas» entre los artistas y críticos del siglo XX se puede ver como parte de un mayor énfasis en el rechazo de los valores establecidos en el medio artístico moderno. La primera parte del siglo XX dio lugar al cubismo y al Dada, el constructivismo y los movimientos futuristas en el arte, todo lo cual implicó un dramático alejamiento de las formas culturales del pasado. El dadaísta Marcel Duchamp, por ejemplo, abandonó la técnica «pictórica» para permitir que las operaciones casuales desempeñaran un papel en la determinación de la forma de sus obras, o simplemente para recontextualizar los objetos existentes «listos» como arte. Los artistas de mediados de siglo, incluyendo a Pablo Picasso, buscaron inspiración en las tradiciones de la alta cultura, a partir de los artefactos de las sociedades «primitivas», las obras de arte no escolarizadas de los niños y los gráficos publicitarios vulgares. La defensa de Dubuffet del arte brut – de los locos y otros en los márgenes de la sociedad – es otro ejemplo más del arte de vanguardia desafiando los valores culturales establecidos.
Terminología
Se utilizan varios términos para describir el arte que se entiende vagamente como «fuera» de la cultura oficial. Las definiciones de estos términos varían y se superponen. Independientemente de las opiniones que tengamos sobre el valor de la controversia en sí misma, es importante mantener la discusión creativa a través de un vocabulario acordado «. En consecuencia, lamentan el uso del» artista externo «para referirse a casi cualquier artista no entrenado. Outsider Art es virtualmente sinónimo de Art Brut, tanto en espíritu como en significado, a la rareza del arte producido por aquellos que no conocen su nombre «.
Art Brut: literalmente traducido del francés significa «arte crudo»; ‘Raw’ en cuanto a que no ha pasado por el proceso de ‘cocina’: el mundo de las escuelas de arte, galerías, museos. Originalmente arte de individuos psicóticos que existían casi por completo fuera de la cultura y la sociedad. Estrictamente hablando, se refiere solo a la Collection de l’art brut.
Arte popular: El arte popular originalmente sugería artesanías y habilidades decorativas asociadas con comunidades campesinas en Europa, aunque presumiblemente podría aplicarse igualmente a cualquier cultura indígena. Se ha ampliado para incluir cualquier producto de artesanía práctica y destreza decorativa, desde animales de motosierras hasta edificios con tapacubos. Una distinción clave entre el arte folk y outsider es que el arte popular generalmente incorpora formas tradicionales y valores sociales, donde el arte ajeno se encuentra en alguna relación marginal con la corriente principal de la sociedad.
Arte intuitivo / arte visionario: los términos generales preferidos de Raw Vision Magazine para el arte del forastero. Los describe como términos paraguas deliberados. Sin embargo, el Arte Visionario a diferencia de otras definiciones aquí a menudo puede referirse al tema de las obras, que incluye imágenes de naturaleza espiritual o religiosa. El arte intuitivo es probablemente el término más general disponible. Intuit: el Centro para Arte Intuitivo y Outsider ubicado en Chicago opera un museo dedicado al estudio y exhibición de arte intuitivo y ajeno. El American Visionary Art Museum en Baltimore, Maryland, está dedicado a la colección y exhibición de arte visionario.
Marginal art / Art singulier: Esencialmente lo mismo que Neuve Invention; se refiere a artistas en los márgenes del mundo del arte.
Arte ingenuo: otro término comúnmente aplicado a artistas no entrenados que aspiran a un estatus artístico «normal», es decir, tienen una interacción mucho más consciente con el mundo del arte convencional que los artistas externos.
Nueva invención: utilizada para describir artistas que, aunque marginales, tienen cierta interacción con la cultura dominante. Pueden estar haciendo arte a tiempo parcial, por ejemplo. La expresión fue acuñada por Dubuffet también; estrictamente hablando, se refiere solo a una parte especial de la Collection de l’art brut.
Ambientes visionarios: Edificios y parques de esculturas construidos por artistas visionarios: desde casas decoradas hasta grandes áreas que incorporan una gran cantidad de esculturas individuales con un tema estrechamente asociado. Los ejemplos incluyen Watts Towers por Simon Rodia, Buddha Park y Sala Keoku por Bunleua Sulilat, y The Palais Ideal por Ferdinand Cheval.