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Anime

Anime es un término japonés para dibujar a mano o animación por computadora. La palabra es la pronunciación abreviada de «animación» en japonés, donde este término hace referencia a toda la animación. Fuera de Japón, el anime se utiliza para referirse específicamente a la animación de Japón o como un estilo de animación de difusión japonesa a menudo caracterizado por coloridos gráficos, personajes vibrantes y temas fantásticos. Podría decirse que el enfoque culturalmente abstracto del significado de la palabra puede abrir la posibilidad de anime producido en países distintos de Japón. Para simplificar, muchos occidentales ven estrictamente el anime como un producto de animación japonés. Algunos estudiosos sugieren que definir el anime como específicamente o quintaesencialmente japonés puede estar relacionado con una nueva forma de orientalismo.

La animación japonesa comercial más antigua data de 1917, y desde entonces la producción japonesa de anime ha seguido aumentando constantemente. El estilo artístico característico del anime surgió en la década de 1960 con los trabajos de Osamu Tezuka y se extendió internacionalmente a fines del siglo XX, desarrollando una gran audiencia nacional e internacional. Anime se distribuye teatralmente, a través de transmisiones de televisión, directamente a los medios hogareños y a través de Internet. Se clasifica en numerosos géneros dirigidos a públicos diversos y nichos diversos.

El anime es una forma de arte diversa con métodos de producción y técnicas distintivos que se han adaptado con el tiempo en respuesta a las tecnologías emergentes. Consiste en un mecanismo ideal para contar historias, que combina arte gráfico, caracterización, cinematografía y otras formas de técnicas imaginativas e individualistas. La producción de anime se centra menos en la animación del movimiento y más en el realismo de la configuración, así como en el uso de los efectos de la cámara, que incluyen panoramización, zoom y ángulos. Al ser dibujado a mano, el anime está separado de la realidad por una brecha crucial de ficción que proporciona un camino ideal para el escapismo en el que las audiencias pueden sumergirse con relativa facilidad. Se utilizan diversos estilos de arte y las proporciones y características de los personajes pueden ser bastante variadas, incluidos los ojos característicamente grandes emotivos o de tamaño realista.

Los anime a menudo se clasifican por grupos demográficos objetivo, incluidos kodomo (para niños), shōjo (para niñas), shōnen (para niños) y una amplia gama de géneros destinados a un público adulto. A veces, el anime de Shoujo y Shounen contiene elementos populares entre los niños de ambos sexos, en un intento por atraer el atractivo del cruce. El anime para adultos puede tener un ritmo más lento o una mayor complejidad de trama que las audiencias más jóvenes suelen encontrar poco atractivas.

La clasificación de género de Anime es diferente de otros tipos de animación y no se presta a una identidad simple. Gilles Poitras comparó el etiquetado Gundam 0080 y su descripción compleja de la guerra como un anime de «robot gigante» similar a simplemente etiquetar War and Peace como una «novela de guerra». La ciencia ficción es un género de anime importante e incluye importantes trabajos históricos como Astro Boy de Tezuka y Tetsujin 28-go de Yokoyama. Un subgénero importante de la ciencia ficción es mecha, con las metaseries de Gundam siendo icónicas.

Anime difiere mucho de otras formas de animación por sus diversos estilos de arte, métodos de animación, su producción y su proceso. Visualmente, el anime es una forma de arte diversa que contiene una amplia variedad de estilos de arte, que difieren de un creador, artista y estudio. Si bien no hay un solo estilo de arte que predomine en el anime como un todo, sí comparten algunos atributos similares en términos de técnica de animación y diseño de personajes.

Anime sigue la producción típica de animación, que incluye storyboard, actuación de voz, diseño de personajes y producción de celdas (Shirobako, una serie en sí misma, destaca muchos de los aspectos involucrados en la producción de anime). Desde la década de 1990, los animadores han utilizado cada vez más la animación por computadora para mejorar la eficiencia del proceso de producción. Artistas como Noburō Ōfuji fueron pioneros en las primeras obras de anime, que eran experimentales y consistían en imágenes dibujadas en pizarras, animación stop motion de recortes de papel y animación de silueta. La animación de Cel creció en popularidad hasta que llegó a dominar el medio. En el siglo 21, el uso de otras técnicas de animación se limita principalmente a cortometrajes independientes.

Antes de la era digital, el anime se producía con métodos de animación tradicionales utilizando un enfoque de pose a pose. La mayoría del anime convencional utiliza menos marcos clave expresivos y más animación intermedia.

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Los estudios de animación japoneses fueron pioneros de muchas técnicas de animación limitadas, y le han dado al anime un conjunto distinto de convenciones. A diferencia de la animación de Disney, donde el énfasis está en el movimiento, el animé enfatiza la calidad del arte y permite que las técnicas de animación limitadas compensen la falta de tiempo dedicado al movimiento. Tales técnicas a menudo se utilizan no solo para cumplir con los plazos sino también como dispositivos artísticos. Las escenas de anime ponen énfasis en lograr vistas tridimensionales, y los fondos son fundamentales para crear la atmósfera del trabajo. Los fondos no siempre se inventan y, en ocasiones, se basan en ubicaciones reales, como se ejemplifica en Howl’s Moving Castle y The Melancholy of Haruhi Suzumiya. Oppliger afirmó que el anime es uno de los medios raros donde armar un reparto de estrellas generalmente sale «tremendamente impresionante».

Las proporciones corporales de los personajes del anime humano tienden a reflejar con precisión las proporciones del cuerpo humano en la realidad. La altura de la cabeza es considerada por el artista como la unidad base de proporción. La altura de la cabeza puede variar, pero la mayoría de los personajes de anime tienen entre siete y ocho cabezas de altura. Los artistas de anime ocasionalmente hacen modificaciones deliberadas a las proporciones del cuerpo para producir personajes súper deformados que presentan un cuerpo desproporcionadamente pequeño en comparación con la cabeza; muchos personajes súper deformados tienen de dos a cuatro cabezas de altura. Algunos animé como Crayon Shin-chan ignoran por completo estas proporciones, de modo que se parecen a las caricaturas occidentales.

Una convención de diseño de personajes de anime común es el tamaño del ojo exagerado. La animación de los personajes con grandes ojos en el anime se remonta a Osamu Tezuka, quien estuvo profundamente influenciado por personajes de animación tan temprana como Betty Boop, quien se dibujó con ojos desproporcionadamente grandes. Tezuka es una figura central en la historia del manga y el anime, cuyo estilo de arte icónico y diseños de personajes permitieron representar toda la gama de emociones humanas a través de los ojos. El artista agrega sombreado de color variable a los ojos y particularmente a la córnea para darles una mayor profundidad. En general, se usa una mezcla de un tono claro, el tono de color y un tono oscuro. El antropólogo cultural Matt Thorn sostiene que los animadores y el público japoneses no perciben esos ojos estilizados como intrínsecamente más o menos ajenos. Sin embargo, no todos los anime tienen ojos grandes. Por ejemplo, las obras de Hayao Miyazaki son conocidas por tener ojos de proporciones realistas, así como colores de cabello realistas en sus personajes.

El cabello en anime a menudo es artificialmente animado y colorido o tiene un estilo único. El movimiento del cabello en el anime es exagerado y la «acción del cabello» se usa para enfatizar la acción y las emociones de los personajes para un efecto visual adicional. Poitras traza el color del peinado para cubrir las ilustraciones en manga, donde las obras de arte llamativas y los tonos coloridos son atractivos para el manga infantil. A pesar de producirse para un mercado nacional, el anime presenta personajes cuya raza o nacionalidad no siempre se define, y esta es a menudo una decisión deliberada, como en la serie animada Pokémon.

Los artistas de anime y manga suelen recurrir a un canon común de ilustraciones de expresiones faciales icónicas para denotar estados de ánimo y pensamientos particulares. Estas técnicas son a menudo diferentes en forma que sus contrapartes en la animación occidental, e incluyen una iconografía fija que se utiliza como forma abreviada de ciertas emociones y estados de ánimo. Se emplea una variedad de símbolos visuales, que incluyen gotas de sudor para representar el nerviosismo, sonrojarse visiblemente por vergüenza o ojos brillantes por un intenso resplandor.

Uno de los puntos clave que hizo anime diferente de la animación occidental popular es el contenido emocional. Una vez que se deja de lado la expectativa de que los aspectos de intriga visual o animación sean solo para niños, el público puede darse cuenta de que muchas emociones como el sufrimiento, la muerte, el dolor, la lucha y la alegría pueden ser elementos narrativos utilizados tanto en el anime como en otros tipos de medios. Sin embargo, como el anime en sí mismo se hizo cada vez más popular, el estilo anime ha sido inevitablemente tema de sátira y producciones creativas serias.

Las secuencias de apertura y créditos de la mayoría de los episodios de televisión de anime van acompañadas de canciones japonesas de pop o rock, a menudo por bandas de renombre. Pueden escribirse teniendo en cuenta la serie, pero también están destinados al mercado general de la música y, por lo tanto, a menudo solo aluden vagamente o no a los temas o la trama de la serie. Las canciones pop y rock también se usan a veces como música incidental («insertar canciones») en un episodio, a menudo para resaltar escenas particularmente importantes.

El anime se ha vuelto comercialmente rentable en los países occidentales, como lo demostraron las primeras adaptaciones de anime occidentales comercialmente exitosas, como Astro Boy y Speed Racer. Las primeras adaptaciones estadounidenses en la década de 1960 hicieron que Japón se expandiera al mercado europeo continental, primero con producciones dirigidas a niños europeos y japoneses, como Heidi, Vicky the Viking y Barbapapa, que se emitió en varios países. Particularmente Italia, España y Francia se interesaron en la producción de Japón, debido a su precio de venta barato y producción productiva. De hecho, Italia importó la mayor cantidad de anime fuera de Japón. Estas importaciones masivas influyeron en la popularidad del anime en los mercados sudamericanos, árabes y alemanes.

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