アウトサイダー芸術（Outsider art）は、独学や芸術的な芸術家による芸術です。典型的には、アウトサイダー芸術家としてラベル付けされたものは、主流の芸術界や美術館とほとんどまたは全く接触していない。多くの場合、彼らの仕事は死後にしか発見されません。しばしば、外部の芸術は、極端な精神状態、独創的でないアイデア、または精巧なファンタジーの世界を示している。
アウトサイダー芸術という用語は、1972年にアート評論家のロジャー・カルディナルによって、フランスの芸術家Jean Dubuffetが公的文化の境界の外で作った芸術を表現するために作ったレーベルである。ダーファッフェは、精神医学の病院の患者や子供の例として、確立されたアートシーンの外にいる人々によるアートに特に焦点を合わせました。
アート・ブリュットは、画家Jean Dubuffetが芸術文化のない人々の作品を指す言葉です。彼はこれらの作品のいくつかをローザンヌのコレクション・オブ・アート・ブリュットに集めました。 1945年8月28日、ダーバッフェは数年間収集した芸術である「アート・ブラッツ」にバプテスマを施し、同時に愚か者の芸術とあらゆる種類の疎外された人々、囚人ミルク、ダンキン、マルティン・ルザルディ-1995、 “私たちは、この日だけで愚か者の芸術への関心を減らすことはできません。
ドゥバッフェの言葉はきわめて特異的ですが、英語の用語「アウトサイダー芸術」は、しばしば制度化されていない独学者や独創的でない芸術家を含むように、より広範に適用されます。通常、アウトサイダー芸術家としてラベル付けされた者は、世界や美術館多くの場合、彼らの仕事は死後にしか発見されないことが多い。外部の芸術は、極端な精神状態、独創的でないアイデア、精巧なファンタジーの世界
アウトサイダーアートは、成功したアートマーケティング部門として浮上してきた。 1993年以来、ニューヨークでは毎年開催されているアウトサイダーアートフェアが開催されており、定期的に出版された2つ以上の定期刊行物があります。この用語は、状況や仕事の内容にかかわらず、主流の「アートワールド」や「アートギャラリーシステム」の外にいる人々によって作られたアートのキャッチオールマーケティングラベルとして誤って適用されることがあります。
精神病の芸術
精神病の芸術への関心は、子どもたちや「農民の芸術」のメーカーと同様、ワシリー・カンディンスキー、オーギュスト・マッケ、フランツ・マーク、アレクセ・ヤウレンスキーなど、「デ・ブレイク・ライター」グループによって最初に実証されました。芸術家がこれらのグループの仕事で知覚したことは、洗練されていないと感じられる表現力でした。この例は、1912年に出版されたDer Blaue Reiter Almanacの最初の唯一の号で再現されました。第一次世界大戦中、マッケは1914年にシャンパーニュで殺され、マルクは1916年にベルンで殺されました。これらの死によって残された隙間は、ある程度、これらの「プリミティブ」からインスピレーションを引き出したPaul Kleeによって満たされていた。
1920年代には、精神病院の被収容者の芸術への関心が高まっていた。 Walter Morgenthaler博士は、1921年に精神病患者であるAdolfWölfliについて、彼の著書Ein Geisteskranker alsKünstler（A Psychiatric Patient as Artist）を出版しました。 Wölfliは自発的に描くようになり、この活動は彼を落ち着かせるように見えた。彼の最も傑出した作品は、彼自身の想像上の人生の物語を語る45冊の絵本であった。 25,000ページ、1,600枚のイラストレーション、1,500本のコラージュがあり、それは記念碑的な作品です。 Wölfliはまた、多数の小さな作品を制作し、その中には売り物や贈り物として与えられた作品もあります。彼の作品はベルン美術館のアドルフ・ヴェルフリ財団に展示されています。
1922年にHans Prinzhorn博士によってBildnerei der Geisteskranken（精神病の芸術）が出版されました。これは、ヨーロッパの機関の数千の例を集めたもので、精神科の研究の最初の正式な研究であった。 Paul Klee、Max Ernst、Jean Dubuffetなど、当時のアヴァンギャルドなアーティストから多くの注目を集めた本やアート・コレクション。
正式な芸術的な訓練を受けている人や、よく確立された芸術家は、精神病から免れられず、制度化されているかもしれません。例えば、彼の芸術生活の仕事のためにカナダの勲章を授与されたウィリアム・クレーレクは、若い男性として、マウズレー精神病院に入院し、精神分裂症治療を受けました。病院で彼はペイントして、迷惑な若者の暗い描写である「迷路」を作りました。 1953年11月から1955年1月まで、MaudsleyからNetherne病院に移り、Adamson Collectionの創始者であるEdward Adamson（1911-1996）と協力しました。
すでに確立されている芸術形態を超えたアートは、アルシンンボルド、ゴヤ、ヒエロニムス・ボッシュの作品や、ボマルゾのヴィラ・オルシーニのパルコ・デイ・モストリの彫刻にも作られています。
関連する形式は多様である。アート・ブリュットのタイプは、毎日のオブジェクト、ゴミや破片、貝の形のオブジェクト、彫刻、装飾品、土地のアートの例です。フランツ・グセルマンとジャルディーノ・デイ・テロッチの世界の機械です。可能性のあるもう一つの可能な特徴は、Messie症候群の実装、すべての大騒ぎとリサイクル、アートワークへの実装のように、全体の描画領域または空間全体が満たされていることに従うことである。
ジャン・ダーファッフェ、アート・ブリュット
ダーファッフェは、主流の文化である「文化」は、芸術におけるすべての新しい発展を吸収することができたと主張し、そうすることによってどのような力を取り除いたのだろうと主張した。結果は本物の表現を窒息させることでした。アート・ブリュットは、この問題に対する彼の解決策でした。アーティスト自身は文化の影響を受けず、吸収され同化されることはありませんでした。なぜなら、アーティスト自身は同意できないか、同化できなかったからです。
Dubuffetは、一般に、人気のあるアート、素朴なアート、子供のドローイングから区別するために、最初に彼のコレクションに「Neuve Invention」を作成し、「風景の住人」と「芸術家」という独特のアートジャンルを取り入れ、パリの近代美術館で1978年に開催された展覧会に集まりました。しばしば言い換えられ、歪んでさえ、これらの定義は混乱を引き起こした。
その最初の定義は1949年に与えられています：
「これは、芸術文化を持たない人が行うことを意味します。したがって、知識人の間で起こることとは違って、模倣は分け前がほとんどないため、著者はすべてを描くようになります（主題、使用される材料の選択、転置の手段、リズム、作文の仕方など）、古典芸術やファッショナブルな芸術のクリシェではなく、純粋で生のものであり、作家自身のインパルスだけから、従って、発明の唯一の機能が現れ、カメレオンとサルの文化芸術において一定しているものではない」と述べた。
1963年の第2回では、DubuffetはArt brutの定義を広げました：
「絵画、絵画、刺繍、模範または彫刻された図形など、すべての種類の作品は、慣習的な芸術および文化的条件の可能な限りの債務者ではなく、プロの芸術的ではないか不明瞭な人物サークル。 ”
三度目には、それは依然としてアートの問題に特定されています。
“著作者は外部の知的サークルの人々であり、最も頻繁にはすべての芸術教育がなく、発明が実施される作品であり、自発性を変えることに何の影響も与えない。”
文化的背景
20世紀の芸術家や批評家の「アウトサイダー」慣行への関心は、モダニズムの芸術環境における確立された価値の拒絶をより重視していると見なすことができる。 20世紀の初期の段階では、キュービズムとダダ、コンストラクティスト、未来派の芸術の動きが起こり、そのすべてが過去の文化的形態から劇的な動きを辿っていました。たとえば、ダダニストのマルセル・デュシャンは、チャンスオペレーションが彼の作品の形式を決定する役割を果たしたり、単に既存の「レディメイド」オブジェクトをアートとして再コンテキスト化するための「絵画的な」技法を放棄した。パブロ・ピカソをはじめ、中世の芸術家たちは、「原始的な」社会の遺物、未教師の子供のアートワーク、そして下品な広告グラフィックからインスピレーションを得て、高い文化の伝統の外を見ました。ドゥブッフェットは、社会の辺境にある狂気の人たちや他の人たちの勇敢な芸術を擁護していますが、確立された文化的価値観に挑戦するアヴァンギャルドアートのもう一つの例です。
用語
多くの用語は、公的文化の「外側」と大まかに理解されている芸術を表現するために使用されています。これらの用語の定義は異なり、重複する。私たちが論争の価値についてどのような意見を持っていても、合意した語彙によって創造的な議論を続けることが重要です。アウトサイダー・アートは、アート・ブリュットとほぼ同義であり、その名前を知らない人々によって生み出された芸術の希少性と、精神と意味の両方である。
Art Brut：文字通りフランス語から翻訳されたものは「生の芸術」を意味する。アートスクール、ギャラリー、博物館の世界である「料理」のプロセスを経ていないという点で、「未加工」です。もともと文化や社会の外に存在していた精神病者の芸術。厳密に言えば、コレクションデl’art brutにしか言及していない。
民族芸術：民族芸術はもともと、ヨーロッパの農民コミュニティに関連した工芸品や装飾技術を提案しましたが、それはおそらくどのような先住民族の文化にも適用できます。チェーンソーの動物からハブキャップの建物まで、実用的な職人技と装飾技術の製品が含まれています。フォークアートとアウトサイダーアートの重要な違いは、民俗芸術は通常、アウトサイダー芸術が社会の主流とある程度の関係にある伝統的な形態と社会的価値を体現していることです。
直感的なアート/未来のアート：Raw Vision Magazineの外部の芸術のための一般的な用語。それは彼らを意図的な傘の用語として説明しています。しかし、ビジョナリー・アートは他の定義とは異なり、ここでは霊的または宗教的な性質のイメージを含む作品の主題を指すことが多い。直感的な芸術はおそらく最も一般的な用語です。 Intuit：シカゴに拠点を置くIntuitive and Outsider Artのためのセンターは、直感的で外部的なアートの研究と展覧会に専念する博物館を運営しています。メリーランド州ボルチモアにあるアメリカのビジョナリー美術館は、先見性のある美術の収集と展示に専念しています。
限界的な芸術/芸術の単体：本質的にNeuve発明と同じ;アート界の縁辺のアーティストを指します。
ナイーブアート：通常の芸術的地位を目指す訓練を受けていない芸術家に一般的に適用される別の用語です。つまり、芸術家の世界よりもはるかに意識的な交流が外部のアーティストにはありません。
Neuve発明：主流であるにもかかわらず、主流の文化とある程度の交流を持つアーティストを表現するために使用される。彼らは例えばアルバイトをパートタイムで行っているかもしれません。その表現はDubuffetによっても造語されました。厳密に言えば、コレクションデl’art brutの特別な部分のみを指しています。
幻想的な環境：幻想的な芸術家によって建てられた建物や彫刻公園は、装飾された住宅から密接に関連したテーマの多数の個々の彫刻を取り入れた広いエリアに及ぶ。例としては、Simon RodiaのWatts Towers、Bunleua SulilatのBuddha ParkとSala Keoku、Ferdinand ChevalのThe Palais Idealなどがあります。