Arte balinés
El arte balinés es un arte de origen hindú-javanés que surgió del trabajo de los artesanos del Reino Majapahit, con su expansión a Bali a fines del siglo XIV. Desde el siglo XVI hasta el siglo XX, el pueblo de Kamasan, Klungkung (este de Bali), fue el centro del arte balinés clásico. Durante la primera parte del siglo XX, se desarrollaron nuevas variedades de arte balinés. Desde finales del siglo XX, Ubud y sus pueblos vecinos establecieron una reputación como el centro del arte balinés.
Ubud y Batuan son conocidos por sus pinturas, Mas por sus tallados en madera, Celuk por los herreros de oro y plata, y Batubulan por sus tallas en piedra. Covarrubias describe el arte balinés como «… un arte popular barroco muy desarrollado, aunque informal, que combina la vivacidad campesina con el refinamiento del clasicismo de Java hindú, pero libre del prejuicio conservador y con una nueva vitalidad disparada por la exuberancia del espíritu demoníaco del primitivo tropical «. Eiseman señaló correctamente que el arte balinés en realidad está tallado, pintado, tejido y preparado en objetos destinados para el uso diario en lugar de objetos de arte.
Historia reciente
Antes de la década de 1920, las pinturas tradicionales balinesas se limitaban a lo que ahora se conoce como el estilo Kamasan o Wayang. Es una narración visual de epopeyas hindú-javanesas: el Ramayana y el Mahabharata, así como una serie de historias indígenas, como la narrativa de Panji.
Estos dibujos bidimensionales se dibujan tradicionalmente en papel de tela o corteza (papel Ulantaga) con tintes naturales. La coloración está limitada a los colorantes naturales disponibles: rojo, ocre, negro, etc. Además, la representación de las figuras y ornamentaciones debe seguir las reglas estrictamente prescritas, ya que se producen principalmente para artículos religiosos y colgaduras de templos. Estas pinturas se producen en colaboración y, por lo tanto, en su mayoría de forma anónima.
Hubo muchos experimentos con nuevos tipos de arte por parte de los balineses desde finales del siglo XIX en adelante. Estos experimentos fueron estimulados por el acceso a nuevos materiales (papel occidental y tintas y pinturas importadas), y en la década de 1930, los nuevos mercados turísticos estimularon a muchos jóvenes balineses a involucrarse en nuevos tipos de arte.
En la década de 1920, con la llegada de muchos artistas occidentales, Bali se convirtió en un enclave artístico (como Tahiti fue para Paul Gauguin) para artistas de vanguardia como Walter Spies (alemán), Rudolf Bonnet (holandés), Adrien-Jean Le Mayeur ( Belga), Arie Smit (holandés) y Donald Friend (australiano) en años más recientes. La mayoría de estos artistas occidentales tuvieron muy poca influencia en los balineses hasta el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos relatos enfatizan en exceso la presencia occidental a expensas de reconocer la creatividad balinesa.
En su primera visita a Bali en 1930, el artista mexicano Miguel Covarrubias notó que las pinturas locales servían principalmente funciones religiosas o ceremoniales. Se usaban como paños decorativos para colgar en templos y casas importantes, o como calendarios para determinar los horóscopos de los niños. Sin embargo, en unos pocos años, descubrió que la forma de arte había sufrido una «revolución liberadora». Donde antes habían sido severamente restringidos por el tema (principalmente episodios de la mitología hindú) y el estilo, los artistas balineses comenzaron a producir escenas de la vida rural. Estos pintores habían desarrollado individualidad creciente.
Este innovador período de creatividad alcanzó su punto máximo a fines de la década de 1930. Una corriente de visitantes famosos, incluidos Charlie Chaplin y los antropólogos Gregory Bateson y Margaret Mead, animó a los talentosos lugareños a crear obras muy originales. Durante su estancia en Bali a mediados de la década de 1930, Bateson y Mead recogieron más de 2000 pinturas, predominantemente de la aldea de Batuan, pero también de la aldea costera de Sanur. Entre los artistas occidentales, a menudo se atribuye a Spies y Bonnet la modernización de las pinturas balinesas tradicionales. Desde la década de 1950 en adelante, los artistas de Baliese incorporaron aspectos de la perspectiva y la anatomía de estos artistas. Más importante aún, actuaron como agentes de cambio al fomentar la experimentación y promovieron desvíos de la tradición. El resultado fue una explosión de expresión individual que aumentó la tasa de cambio en el arte balinés. Los estilos de la década de 1930 se consolidaron en la década de 1950, y en años más recientes se les ha dado el título confuso de «pintura balinesa tradicional moderna». Los pintores de Ubud, aunque una minoría entre los artistas que trabajaron en la década de 1930, se convirtieron en los representantes del nuevo estilo gracias a la presencia del gran artista Gusti Nyoman Lempad en ese pueblo, y al mecenazgo de los gobernantes tradicionales de Ubud. Los puntos clave del estilo de Ubud incluyeron una concentración en la representación de la vida cotidiana y el drama de Bali; el cambio del patrón de estos artistas de los templos religiosos y las casas reales a los turistas / coleccionistas occidentales; desplazando la composición de la imagen de enfoque múltiple a único. A pesar de la adopción de las tradiciones modernas de la pintura occidental por muchos pintores balineses e indonesios, la «pintura balinesa tradicional moderna» todavía prospera y continúa por los descendientes / estudiantes de los artistas de la era modernista de antes de la guerra (1928-1942). Las escuelas de pintura balinesa tradicional moderna incluyen: Ubud, Batuan, Sanur, Artista Joven y las escuelas de pintura Keliki.
Pintura tradicional moderna
La modernización de arte balinés anterior a la guerra emanaba de tres pueblos: Ubud, donde se establecieron los espías, Sanur en la costa sur, y Batuan, un centro tradicional de músicos, bailarines, talladores y pintores. Los artistas pintaron sobre todo en papel, aunque también se usaron lienzos y tablas. A menudo, las obras presentaban grupos repetitivos de follaje estilizado u ondas que transmitían una sensación de textura, incluso de perspectiva. Cada aldea desarrolló un estilo propio. Los artistas de Ubud hicieron un mayor uso de los espacios abiertos y enfatizaron las figuras humanas. Las pinturas de Sanur a menudo presentaban escenas eróticas y animales, y el trabajo de Batuan era menos colorido pero tendía a estar más ocupado.
Pintura de Ubud
Ubud ha sido el centro del arte durante siglos, con las casas reales y los templos circundantes como principales clientes. Antes de la década de 1920, las pinturas de estilo tradicional wayang dominaban los temas, aunque Jean Couteau cree que las pinturas temáticas seculares y religiosas han coexistido durante mucho tiempo en la forma de la expresión de la unidad de los opuestos (Rwabhinneda en el sistema de creencias balinesas).
Bajo el patrocinio de la familia real de Ubud, especialmente Tjokorda Gde Agung Sukawati, y con Rudolf Bonnet como asesor en jefe, el Pitamaha Art Guild se fundó en 1936 como una forma de profesionalizar la pintura balinesa. Su misión era preservar la calidad del arte balinés en las prisas del turismo en Bali. Los miembros de la junta directiva de Pitamaha se reunieron regularmente para seleccionar las pinturas presentadas por sus miembros, y para realizar exhibiciones en Indonesia y en el extranjero. Pitamaha estuvo activo hasta el comienzo de la segunda guerra mundial en 1942. Los temas pasaron de la narración religiosa a la vida cotidiana balinesa. Los artistas de Ubud que eran miembros de Pitamaha vinieron de Ubud y sus pueblos circundantes; Pengosekan, Peliatan y Tebasaya. Entre ellos se encontraban: Ida Bagus Made Kembeng del pueblo de Tebesaya y sus tres hijos Ida Bagus Wiri, Ida Bagus Made e Ida Bagus Belawa; Tjokorda Oka de la casa real de Peliatan; Anak Agung Gde Sobrat, Anak Agung Gde Meregeg, I Dewa Putu Bedil, I Dewa Nyoman Leper, Anak Agung Dana de Padangtegal; I Gusti Ketut Kobot, I Gusti Made Baret, I Wayan Gedot, Dewa Putu Mokoh de Pengosekan; y yo Gusti Nyoman Lempad. También participaron artistas de otras áreas, incluyendo Pan Seken de Kamasan, I Gusti Made Deblog de Denpasar y algunos de los artistas de Sanur.
Pitamaha ha sido por los descendientes de los artistas de Ubud, y ahora ha llegado a ser identificado con el período de la década de 1930. Importantes artistas de Ubudian son Ida Bagus Sena (sobrino de Ida Bagus Made Poleng), AA Gde Anom Sukawati (hijo de AA Raka Pudja), I Ketut Budiana, I Nyoman Kayun y I Nyoman Meja. Budiana es el artista con la trayectoria más impresionante de Solo-exhibition. Sus pinturas son coleccionadas por el Museo de Artes de Fukuoka, Bentara Budaya Jakarta, el Museo Puri Lukisan, el Museo Neka y el Museo Arma. Ida Bagus Sena también ha desarrollado un estilo único y tiene una profunda comprensión de la filosofía balinesa en sus pinturas. Anom Sukawati es el colorista más exitoso de Bali. I Nyoman Meja desarrolló un estilo que es muy copiado por varios de sus alumnos. I Nyoman Kayun recibió un premio de Bali Bangkit en 2008.
Pintura de Batuan
La escuela de pintura Batuan es practicada por artistas en la aldea de Batuan, que está situada a 10 kilómetros (6.2 millas) al sur de Ubud. Los artesanos de Batuan son talentosos bailarines, escultores y pintores. Los principales artistas de la década de 1930 incluyen I Nyoman Ngendon y varios miembros de las principales familias brahman, incluida Ida Bagus Made Togog. Otros artistas Batuan importantes de la era premoderna incluyen I Dewa Nyoman Mura (1877-1950) y I Dewa Putu Kebes (1874-1962), que eran conocidos como sanging; pintores tradicionales de Wayang para los textiles ceremoniales de los templos.
La influencia occidental en Batuan no alcanzó la intensidad que tuvo en Ubud. Según Claire Holt, las pinturas de Batuan eran a menudo oscuras, representaciones atestadas de escenas o temas legendarios de la vida cotidiana, pero retrataban sobre todo los temidos momentos nocturnos cuando los espectros grotescos, los monstruos monstruosos de los animales y las brujas abordaban a la gente. Esto es particularmente cierto para pinturas coleccionadas por Margaret Mead y Gregory Bateson durante sus estudios de campo en Bali en 1936 a 1939. Gradaciones de tinta negra a blanca cubren la mayor parte de la superficie, a fin de crear una atmósfera de oscuridad y oscuridad. En los últimos años, los diseños cubrieron todo el espacio, lo que a menudo contribuyó a la naturaleza abarrotada de estas pinturas.
Entre los primeros artistas de Batuán, I Ngendon (1903-1946) fue considerado el pintor más innovador de la Escuela Batuan. Ngendon no solo era un buen pintor, sino un astuto hombre de negocios y un activista político. Animó y movilizó a sus vecinos y amigos para pintar para el consumo turístico. Su habilidad en el retrato desempeñaba un papel importante en la enseñanza de sus compañeros aldeanos en Batuan más que Spies y Bonnet. Los artistas principales de Batuan de este período fueron: I Patera (1900-1935), I Tombos (nacido en 1917), Ida Bagus Togog (1913-1989), Ida Bagus Made Jatasura (1917-1946), Ida Bagus Ketut Diding (1914) -1990), I Made Djata (1920-2001) e Ida Bagus Widja (1912-1992). El espíritu del período de Pitamaha sigue siendo fuerte y continúa por artistas Batuan contemporáneos como I Made Budi, I Wayan Bendi (nacido en 1950), I Ketut Murtika (nacido en 1952), I Made Sujendra (nacido en 1964) y muchos otros. otros. Las pinturas de I Made Budi y I Wayan Bendi capturan la influencia del turismo en la vida moderna en Bali. Colocan a los turistas con su cámara, en una motocicleta o surfeando en medio de las actividades tradicionales de la aldea balinesa. La dicotomía de la vida balinesa moderna y tradicional se contrasta crudamente en armonía. I Ketut Murtika (sigue pintando la historia tradicional de Mahabharata y Ramayana con minuciosos detalles y colores tenues. Su pintura de la Rueda de la vida, vista desde el sistema de creencias balinesas, muestra su dominio de las leyendas locales y su minuciosa atención a los detalles.
Pintura Sanur
A diferencia de Ubud y Batuan, que se encuentran en el interior de Bali, Sanur es un complejo de playa. Sanur era el hogar del conocido artista belga Le Mayeur de Mepres, que vivía con una esposa balinesa (Ni Polok) y tenía una casa en la playa de Sanur.
Los turistas en la década de 1930 llegaron a Bali en los cruceros atracados en Sanur e hicieron viajes laterales a Ubud y sitios turísticos vecinos. Su ubicación privilegiada proporcionó al artista Sanur acceso inmediato a los turistas occidentales que frecuentaban la tienda de los Hermanos Neuhaus que vendían recuerdos balineses y peces tropicales. Los hermanos Neuhaus se convirtieron en el principal marchante de pinturas de Sanur. La playa alrededor de Sanur, llena de estabilizadores y horizonte abierto, proporcionó a los artistas locales un entorno visual diferente al de Ubud y Batuan, que se encuentran en el interior. El ambiente lúdico impregna las pinturas de Sanur y no está dictado por la iconografía religiosa. Es más ligero y ventilado que los de Batuan y Ubud con criaturas marinas, paisajes eróticos y animales salvajes dibujados en patrones rítmicos; a menudo de una manera Escher. La mayoría de las primeras obras eran de tinta en blanco y negro sobre papel, pero a pedido de Neuhaus, las últimas obras se adornaban con colores pastel claros, a menudo añadidos por otros artistas especializados en colorear dibujos en blanco y negro. Su código de nombre a menudo se encuentra en el margen.
La escuela de pintura Sanur es la más estilizada y decorativa de todo el arte balinés moderno. Los principales artistas de Sanur son I Rundu, Ida Bagus Nyoman Rai, I Soekaria, I Poegoeg, I Rudin y muchos otros. I Rudin, que comenzó a pintar a mediados de la década de 1930, dibuja bailarines balineses simples a la manera de los dibujos de Miguel Covarrubias.
Joven artista pintura
El desarrollo de la Escuela de pintura de artistas jóvenes se atribuye al artista holandés Arie Smit, un soldado holandés que sirvió durante la Segunda Guerra Mundial y decidió quedarse en Bali. En la década de 1960, se encontró con niños en la aldea de Penestanan cerca de Tjampuhan dibujando en la arena. Animó a estos niños a pintar dándoles papel y pinturas.
Sus pinturas se caracterizan por dibujos «infantiles» que carecen de detalles y colores brillantes dibujados con pintura al óleo sobre lienzo. En la década de 1970, atrajo a unos trescientos pintores campesinos para producir pinturas para turistas. En 1983, la National Gallery of Malaysia celebró una gran exposición sobre las pinturas de Young Artist de la colección de Datuk Lim Chong Kit.
La pintura de I Wayan Pugur (1945) que se muestra aquí, se ejecutó cuando tenía 13 años y se expuso en el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1964, como parte de una exposición itinerante en los Estados Unidos en 1964-1965. . Este dibujo temprano, ejecutado en papel, exhibe el uso de colores brillantes y una composición equilibrada. El espacio de dibujo se divide en tres áreas de color sólido: azul oscuro, amarillo brillante y magenta en el medio que muestra la influencia de la tradición de la pintura Wayang. Las hojas del gran árbol con las serpientes muestran la yuxtaposición de colores complementarios. Las caras de las figuras fueron dibujadas sin detalles, sin embargo, las serpientes tienen ojos y largas lenguas.
Los principales artistas de la Young Artist School son I Wayan Pugur, I Ketut Soki, I Ngurah KK, I Nyoman Londo, I Ketut Tagen, MD Djaga, I Nyoman Cakra, Ni Ketut Gampil, I Nyoman Mundik, I Wayan Regug y muchos otros.
Pintura en miniatura Keliki
En la década de 1970, surgieron pinturas en miniatura de Keliki, un pequeño pueblo al norte de Ubud, dirigido por un agricultor local I Ketut Sana. Los tamaños van desde tan pequeños como 2 x 3 pulgadas hasta 10 x 15 pulgadas. I Ketut Sana aprendió a pintar de I Gusti Nyoman Sudara Lempad de Ubud y de I Wayan Rajin de Batuan. Combinó el dibujo de Lempad y los detalles de la escuela Batuan. Cada centímetro del espacio está cubierto con detalles minuciosos de la vida de la aldea balinesa y leyendas dibujadas en tinta y coloreadas con acuarela. El resultado es un matrimonio entre la juventud de la escuela de Ubud y los detalles de la Escuela Batuan. Los artistas de Keliki se enorgullecen con su paciencia por pintar detalles minuciosos de todos los objetos meticulosamente que ocupan el espacio de dibujo.
Ilustrado a la izquierda es un dibujo de I Lunga (c. 1995) que representa la historia de Rajapala. Rajapala a menudo se conoce como el primer voyeur balinés o «Tom asomándose». Según la historia, Rajapala ve un grupo de ninfas celestiales bañándose en una piscina. Se acerca cautelosamente, y sin su conocimiento, roba la falda (kamben) de la más bella, Sulaish. Como su ropa contiene poderes mágicos que le permiten volar, la ninfa no puede regresar a casa. Rajapala le ofrece casarse con ella. Ella acepta con la condición de que regrese al cielo después del nacimiento de un niño. Con el tiempo, ella y Rajapala tienen un hijo joven y saludable. Pasan los años y, un día, Sulaish descubre accidentalmente su ropa escondida en la cocina. Comprendiendo que ha sido engañada, se despide de su esposo e hijo y regresa a su morada celestial.
Los principales artistas de la Keliki Artist School son Sang Ketut Mandera (Dolit), I Ketut Sana, I Wayan Surana, I Lunga, I Wayan Nengah, I Made Ocen, Gong Juna, I Made Widi, I Wayan Lanus, I Wayan Lodra, Ida Bagus Putra, Gusti Ngurah Putra Riong y muchos otros.
Otras escuelas de pintura
Pintura de huellas digitales
Un balinés de ascendencia real, I Gusti Ngurah Gede Pemecutan hace sus pinturas con huellas dactilares. Si utilizamos la técnica de pincel, podemos cepillarlo si es necesario, pero la técnica de huellas digitales debe colocar cada punto con precisión. Sus pinturas con huellas dactilares no tienen firma, pero tienen muchas de sus huellas dactilares. La técnica de pintura de huellas digitales se considera parte de la técnica de pintura de puntillismo (con el pincel).
Talla de madera
Al igual que la pintura balinesa, el tallado en madera balinesa experimentó una transformación similar durante los años treinta y cuarenta. El estallido creativo surgido durante este período de transición a menudo se atribuye a las influencias occidentales. En 2006, una exposición en el Museo Nusantara, Delft, Países Bajos, Leidelmeijer remontó la influencia Art Deco en el tallado en madera balinesa. Leidelmeijer conjeturó además que la influencia Art Deco continuó hasta la década de 1970.
Durante los años de transición, el Gremio de Artistas de Pitamaha fue el motor principal no solo para las pinturas balinesas, sino también para el desarrollo de tallas de madera balinesas modernas. I Tagelan (1902-1935) realizó una talla alargada de una mujer balinesa a partir de una larga pieza de madera que le dio Walter Spies, quien originalmente le pidió que produjera dos estatuas. Este grabado está en la colección del Museo Puri Lukisan en Ubud.
Otros maestros del tallado en madera modernista de Bali fueron: Ida Bagus Nyana, Tjokot (1886-1971) e Ida Bagus Tilem. Ida Bagus Nyana era conocida por experimentar con la masa en la escultura. Al tallar personajes humanos, acortó algunas partes del cuerpo y alargó otras, lo que le dio una calidad misteriosa y surrealista a su trabajo. Al mismo tiempo, no sobrecargaba la madera y adoptaba temas simples e ingenuos de la vida cotidiana. Así evitó la trampa «barroca», a diferencia de muchos talladores de su época.
Tjokot ganó una reputación por explotar la calidad expresiva inherente en la madera. Iba al bosque a buscar troncos y ramas de formas extrañas y, cambiándolos lo menos posible, transformándolos en espeluznantes espectros y figuras demoníacas.
Ida Bagus Tilem, el hijo de Nyana, promovió las innovaciones de Nyana y Tjokot tanto en su trabajo de la madera como en su elección de temas. A diferencia de los escultores de la generación anterior, fue lo suficientemente atrevido como para alterar las proporciones de los personajes representados en su talla. Permitió que las deformaciones naturales en la madera guiaran la forma de su talla, usando troncos retorcidos muy adecuados para representar cuerpos humanos retorcidos. Vio cada tronco o rama deformada como un medio para expresar los sentimientos humanos. En lugar de representar mitos o escenas de la vida cotidiana, Tilem adoptó temas «abstractos» con contenido filosófico o psicológico: el uso de piezas de madera distorsionadas que están dotadas de fuertes poderes expresivos. Ida Bagus Tilem, sin embargo, no era solo un artista, sino también un maestro. Entrenó a docenas de jóvenes escultores del área alrededor del pueblo de Mas. Les enseñó cómo seleccionar la madera por su poder expresivo y cómo establecer un diálogo entre la madera y el hombre que se ha convertido en la corriente principal de la talla de madera balinesa actual.
Museos con una importante colección de pintura balinesa
Hay muchos museos en todo el mundo que poseen una importante colección de pinturas balinesas.
Europa: en los Países Bajos, Tropenmuseum en Amsterdam y Ethnographic Museum en Leiden, Museum Nusantara en Delft tiene una gran cantidad de pinturas del período de Wayang (antes de los años 1920) y de la preguerra (1920-1950). Cabe destacar que el Museo Etnográfico de Leiden alberga la colección Rudolf Bonnet y Paul Spies. En Suiza, el Museo Etnográfico de Basilea tiene las pinturas de Batuan y Sanur anteriores a la guerra, recogidas por Schlager y el artista Theo Meier. A finales de 2010, el Museo Etnográfico de Viena (Austria) redescubrió las pinturas balinesas anteriores a la guerra recogidas por Potjewyd a mediados de la década de 1930.
Asia: en Japón, el Museo de Arte Asiático en Fukuoka posee una excelente colección balinesa después de la Segunda Guerra Mundial. El Museo Nacional de Arte de Singapur tiene una importante colección de pinturas balinesas anteriores y posteriores a la guerra.
Australia: el Museo Australiano, en Sydney, tiene una gran colección de Kamasan y otras pinturas tradicionales ensambladas por el antropólogo Anthony Forge. La National Gallery of Australia en Sydney tiene algunas obras balinesas.
Indonesia: el Museo Sana Budaya en Yogyakarta y el Museo Bentara Budaya en Yakarta. En Bali, los dibujos balineses anteriores a la guerra se encuentran en las colecciones del Museo de Bali en Denpasar y el Centro de documentación de la cultura balinesa en Denpasar. Además, hay cuatro museos principales en Ubud, Bali, con importantes colecciones: el Museo Puri Lukisan, el Museo de Arte Agung Rai, el Museo de Arte Neka y el Museo Rudana.
América: Museo de la Universidad de Duke en Durham, Museo Americano de Historia Natural en Nueva York, Naciones Unidas en Nueva York.