Dekorative Künste

Die dekorativen Künste sind Künste oder Handwerke, die mit dem Design und der Herstellung von schönen Gegenständen beschäftigt sind, die auch funktionell sind. Es umfasst Innenarchitektur, aber nicht normalerweise Architektur. Die dekorativen Künste sind eine Reihe figurativer künstlerischer Disziplinen, die traditionell mit der Schaffung und Dekoration von Gebrauchsgegenständen verbunden sind, im Gegensatz zu den bildenden Künsten (Malerei, Skulptur, Zeichnung, Gravur, Fotografie und Mosaik), die Artefakte schaffen sollen, deren einziger Zweck es ist stattdessen ästhetische Kontemplation. Dieser Bereich umfasst alle Handwerkskünste der Innenarchitektur und Innenarchitektur, wie Möbel und Einrichtungsgegenstände.

Dekorative Künste werden oft durch Medium oder Technik katalogisiert. Unter ihnen können wir die Goldschmiedekunst, die Toreutik, die Glyptik, die Keramikkunst, die Miniatur, die Herstellung von Buntglas und anderen Glasgegenständen, Emaille, Schnitzerei, Intarsien, Schreinerei, Prägung von Münzen und Medaillen, Weberei und Stickerei erwähnen , Industriedesign, Dekoration im Allgemeinen. Häufig sind auch Graphik (Kupferstich) und Miniatur, sowie einige Werke der Architektur, Malerei und Skulptur, die zum Ornament bestimmt sind und in Serien konzipiert sind, nicht als Einzelwerke.

Die Unterscheidung zwischen dekorativer Kunst und schöner Kunst basiert vor allem auf der Funktionalität, den Intentionen, der Bedeutung, dem Status einzelner Arbeiten oder der Produktion eines einzelnen Künstlers. Kunsthandwerksprodukte oder Einrichtungsgegenstände können mobil (z. B. Lampen) oder stationär (z. B. Tapeten) sein.

Die dekorativen Künste sind in allen Perioden der Kunstgeschichte im allgemeinen mehr oder weniger gegenwärtig, entweder allein oder in Verbindung mit anderen Künsten, besonders der Architektur. In vielen Fällen haben sie eine bestimmte historische Periode, wie die byzantinische, islamische oder gotische Kunst, so gekennzeichnet, dass sie ohne die Anwesenheit dieser Art von Arbeit nicht angemessen bewertet werden könnte. In anderen Fällen, besonders in den nomadischen Kulturen, ist es die einzige Art künstlerischer Leistung, die von diesen Völkern ausgeübt wird, wie es bei den Skythen oder den germanischen Völkern der Fall ist, die in das Römische Reich eingefallen sind. In vielen Kulturen hatten die dekorativen Künste einen ähnlichen Status wie die übrigen Künste, wie etwa die griechische Keramik oder der chinesische Lack. Bemerkenswert ist auch die enge Beziehung zwischen der dekorativen Kunst und der Populärkultur, die in diesem Medium oft das wichtigste Ausdrucksmittel war.

Dekorative Künste sind all jene Aktivitäten, die mit Kunst oder Kunsthandwerk in Verbindung stehen, die entworfen wurden, um Objekte mit einem Zweck, der sowohl nützlich als auch dekorativ ist, herzustellen. Sie sind normalerweise Arbeiten, die mit einer industriellen oder handwerklichen Produktion gemacht werden, aber einem bestimmten ästhetischen Zweck dienen. Das Konzept ist gleichbedeutend mit den sogenannten angewandten Künsten oder industriellen Künsten, manchmal auch als kleinere Künste im Gegensatz zu den großen Künsten oder schönen Künsten bezeichnet. In gewissem Sinne ist die dekorative Kunst ein Begriff, der vorzugsweise auf die industrielle Kunst, aber auch auf Malerei und Bildhauerei angewandt wird, wenn sie nicht ein einzigartiges und differenziertes Werk hervorbringen soll, sondern vielmehr einen dekorativen und ornamentalen Zweck verfolgt eine allgemeine Serienproduktion.

Die Unterscheidung zwischen den dekorativen und den schönen Künsten ist im wesentlichen aus der Kunst der Nach-Renaissance-Kunst des Westens entstanden, wo die Unterscheidung zum größten Teil bedeutungsvoll ist. Diese Unterscheidung ist viel weniger sinnvoll, wenn man die Kunst anderer Kulturen und Epochen betrachtet, in denen die am meisten beachteten Werke – oder sogar alle Werke – jene in dekorativen Medien umfassen. Zum Beispiel besteht die islamische Kunst in vielen Epochen und Orten ausschließlich aus den dekorativen Künsten, die oft geometrische und pflanzliche Formen verwenden, wie auch die Kunst vieler traditioneller Kulturen. Die Unterscheidung zwischen dekorativen und schönen Künsten ist nicht sehr nützlich für die Wertschätzung der chinesischen Kunst, und auch nicht für das Verständnis der frühmittelalterlichen Kunst in Europa. Zu dieser Zeit gab es in Europa schöne Künste wie Manuskriptmalerei und monumentale Skulpturen, aber die berühmtesten Werke waren Goldschmiedekunst, Metallguss wie Bronze oder andere Techniken wie die Elfenbeinschnitzerei. Großflächige Wandmalereien wurden viel weniger beachtet, grob ausgeführt und in zeitgenössischen Quellen selten erwähnt. Sie wurden wahrscheinlich als ein minderwertiger Ersatz für Mosaik betrachtet, das für diese Periode als eine schöne Kunst betrachtet werden muss, obwohl Mosaiken in den letzten Jahrhunderten eher als dekorativ angesehen wurden. Der Begriff “ars sacra” (“heilige Künste”) wird manchmal für mittelalterliche christliche Kunst verwendet, die aus Metall, Elfenbein, Textilien und anderen hochwertigen Materialien besteht, aber nicht für seltenere weltliche Werke aus dieser Zeit.

Konzept:
Die Technik der dekorativen Künste fällt unter den Begriff der Kunst (τέχνη téchnē), eine schöpferische Manifestation des Menschen, die allgemein als jede Aktivität oder jedes Produkt verstanden wird, die mit einem ästhetischen und kommunikativen Zweck ausgeführt wird, durch den Ideen, Emotionen oder allgemein eine Vision von Die Welt wird durch verschiedene Ressourcen und Materialien ausgedrückt. Die Kunst ist ein Bestandteil der Kultur, der in ihrer Konzeption die ökonomischen und sozialen Substrate ebenso reflektiert wie die Übertragung von Ideen und Werten, die jeder menschlichen Kultur in Raum und Zeit innewohnen.

Die Einordnung der Kunst hat eine Parallele zum Begriff der Kunst selbst gehabt: in der klassischen Antike galt die Kunst als Handfertigkeit und Geschicklichkeit aller Art, als rationale und den Regeln unterworfene Kunst, so daß die gegenwärtigen bildenden Künste in diese Bezeichnung eingingen Als Handwerk und Wissenschaften Im zweiten Jahrhundert teilte Galen Kunst in liberale Künste und vulgäre Künste, je nachdem, ob sie einen intellektuellen oder manuellen Ursprung hatten. In der Renaissance wurden Architektur, Malerei und Bildhauerei als Tätigkeiten betrachtet, die nicht nur Handwerk und Können erforderten, sondern auch eine Art intellektuelle Konzeption, die sie anderen Handwerksarten überlegen machte. Im Jahr 1746 gründete Charles Batteux die Bildende Kunst ein einziges Prinzip die aktuelle Vorstellung der schönen Künste, wo es Malerei, Skulptur, Musik, Poesie und Tanz, während die Bezeichnung “mechanische Kunst” für den Rest der künstlerischen Aktivitäten beibehalten, und notiert als Aktivitäten zwischen beiden Kategorien der Architektur. Im Laufe der Zeit hat diese Liste an Variationen gelitten und ist bis heute nicht vollständig geschlossen, aber im Allgemeinen hat sie eine allgemein akzeptierte Grundlage geschaffen.

Die Begriffe «dekorative Künste», «angewandte Künste», «industrielle Künste» oder «kleine Künste» entstanden im Gegensatz zu «schönen Künsten» oder «großen Künsten», obwohl oft die Grenze nicht ganz klar ist. In den plastischen Künsten wird die dekorative Funktion als zweitrangig betrachtet: wenn also das Gemälde an sich selbst eine Autonomie als Kunstwerk hat, verliert es in seiner Anwendung auf ein Objekt diese Singularität, um eine untergeordnete Funktion zu erfüllen, nämlich dieses Objekt zu verschönern. Wenn Malerei in der konzeptuellen Freiheit des Künstlers eine Vision der Welt darstellen kann, bewegt sich die dekorative Malerei in einem geschlossenen Kreis von Themen und Motiven.

Wahrscheinlich war die Trennung zwischen den großen und den kleinen Künsten die Unterscheidung der “schönen” und der “nützlichen” Kunstkritik: Ersteren wurde eine höhere Kategorie zuerkannt, da sie direkter auf den Intellekt und / oder oder der Geist, während letzterer einen praktischen und weltlichen Zweck hatte. Diese Unterscheidung hörte nicht auf, subjektiv zu sein, da eine Tätigkeit wie Architektur, die in den großen Künsten enthalten ist, sicherlich nützlich ist, während viele kleinere Künste, obwohl nützlich, schön sein können.

Obwohl die dekorativen Künste als Nebenkunst betrachtet wurden, gewannen sie ab dem 18. Jahrhundert eine gewisse Autonomie, und seither begannen sie, ihren ästhetischen und nicht den utilitaristischen Aspekt zu schätzen, und viele ihrer Produktionen wurden als Kunstwerke mit ihrer eigenen Einzigartigkeit bewertet . Die dekorativen Künste, die auf die Industrie angewandt wurden – besser gesagt, heute “industrielle Künste” genannt – waren jedoch von diesem Konzept getrennt, da bei dieser Art von Gegenständen die Dekoration gewöhnlich zweitrangig ist; so neigte die funktionalistische Ästhetik dazu, Objekte mehr für ihre Nützlichkeit zu bewerten, indem sie eine oft überlagerte Dekoration ablehnte.

Der Begriff “dekorative Kunst” wurde im dritten Jahrhundert des neunzehnten Jahrhunderts als Ersatz für den Begriff der “kleinen Künste” niedergeschrieben, der abwertend war. In der Entstehung der dekorativen oder industriellen Künste sind Zweckmäßigkeit und Ästhetik untrennbar miteinander verbunden. Daher muss die Herstellung von Objekten, die in diesem Begriff enthalten sind, den Zweck des Produkts (Geräte, Kleidung, Utensilien, Möbel) sowie seine formale Erscheinung berücksichtigen. So würde ein Gebrauchsgegenstand, der nachträglich dekoriert wird, oder ein anderer, der einen künstlerischen Aspekt hat, der keine praktische Funktion erfüllt, nicht in diese Kategorie fallen, obwohl dekorative Künste oft als Produkte mit einer einfachen ornamentalen Funktion betrachtet wurden, aber in Serie produziert, die sich vom Konzept des einzigartigen Kunstwerks mit Großbuchstaben entfernen würde.

Ausschlaggebend für das neue Bewußtsein der dekorativen Künste war die Veröffentlichung des Buches von Gottfried Semper in den Jahren 1860 bis 1863, in dem er den dekorativen Künsten in der Geschichte der Kunst eine besondere Aufmerksamkeit schenkte die Kunst. Diese Arbeit beeinflusste den formalistischen Historiker Alois Riegl, der in seiner Analyse der Kunstgeschichte als Funktion des Stils auch die dekorativen Künste mit einschloss. Für Riegl, Kurator des Kunstgewerbemuseums in Wien, waren die Techniken der künstlerischen Produktion die Evolution künstlerischer Formen.

Kunstgenres:
Zu den mit der Dekoration verbundenen Künsten wurden im Laufe der Geschichte viele Begriffe mehr oder weniger synonym verwendet, während sie einige Unterschiede in der allgemeinen Nuance haben können, die dasselbe Konzept ausdrücken:

Dekorative Künste: Der Ausdruck betrifft den dekorativen Zweck dieser Art von Kunst, da sein Zweck darin besteht, einen bestimmten Raum zu schmücken, weshalb sie als besonders mit der Architektur verbunden betrachtet werden. Im Allgemeinen gilt es als der am besten geeignete Begriff und verleiht ihm eine größere Würde. Dies ist der Beweis dafür, dass die meisten Museen, die dieser Art von Werken gewidmet sind, gewöhnlich Museen für dekorative Künste genannt werden.

Kleinkunst: entstand in Konfrontation mit der Idee der großen Künste oder bildenden Künste (Architektur, Bildhauerei und Malerei), obwohl sie abwertend ist und einige Grenzen markiert, die nicht real sind, da Malerei und Skulptur in bestimmten Fällen als dekorative Künste betrachtet werden können

Nützliche oder utilitaristische Künste: Dieser Begriff betont den praktischen Aspekt dieser Art von Realisierungen, der seine ästhetische Komponente unterschätzt, während es fraglich wäre, ob der Nutzen einiger schöner Künste wie der Architektur sie auf dieses Niveau reduzieren würde.

Funktionskünste: Analog zum vorhergehenden wird der funktionale Aspekt dieser Arbeiten beeinflusst, was zu einer ähnlichen Debatte führt, die hinzugefügt werden kann, wenn die großen Künste keine Funktion haben.

Angewandte Kunst: Dieser Begriff stammt aus der Beziehung zwischen dieser Art von künstlerischen Disziplinen und ihrer Produktion von handwerklichen oder industriellen Art, da sie in der Regel durch verschiedene spezialisierte Techniken und Verfahren, die professionelle oder semi-professionelle Ausbildung benötigen, erstellt werden. Daher werden die meisten Schulen, in denen diese Berufe erlernt werden, oft als Schulen für angewandte Kunst (oder Kunstgewerbe) bezeichnet.

Hilfskünste: Der sekundäre Aspekt dieser Art von Disziplinen wird hier hervorgehoben, da ihre Produktionen dazu bestimmt sind, “große” Werke, vorzugsweise architektonische Räume, zu dekorieren. Wiederum ist es ein abwertender Ausdruck und das schließt nicht alle diese Realisierungen ein, die in vielen Fällen selbst eine Autonomie haben können.

Handwerk, Kunsthandwerk: In diesem Sinne wird der Produktionsaspekt dieser Werke in Bezug auf die Professionalität ihrer Handwerker, in der Betrachtung von handgefertigten Objekten, ohne einen mechanischen Herstellungsprozess beeinflusst. Ein Großteil dieses Konzepts stammt aus der Arts and Crafts Bewegung, die im Vereinigten Königreich im 19. Jahrhundert entstand.

Manuelle Künste: Ein Begriff, der selten im Allgemeinen verwendet wird, beeinflusst die Handwerkskunst dieser Art von Arbeit, die in vielen Fällen seine mechanische Produktion ausschließt.

Industrielle Kunst: Im Gegensatz zur vorherigen Kunst drückt sich der Prozess der Mechanisierung und industriellen Produktion vieler dieser Werke besonders seit der Industriellen Revolution aus. Man könnte hier argumentieren, ob diese Art der Herstellung zu Lasten des kreativen Prozesses des Künstlers geht oder einfach ein Werkzeug ist, das bei der Realisierung hilft. Vielleicht gilt es nur für jene Werke, die in Serie produziert werden.

Sumptuary Arts: Der Begriff “Sumptuary” bedeutet “Zugehörigkeit zu oder in Verbindung mit Luxus”, so dass es vorzugsweise für jene dekorativen Künste verwendet wird, die mit wertvollen Materialien (Gold, Silber, Schmuck) hergestellt werden.

Einflussfaktoren:
Art der Arbeiten: Ein erster zu berücksichtigender Faktor ist die Funktion und das Schicksal der Arbeit, sei es religiös oder weltlich, kultiviert oder populär, sei es für eine Adresse, eine Firma, einen Palast oder einen anderen Zweck.

Techniken und Materialien: Jede künstlerische Disziplin hat bestimmte Techniken und Materialien zur Vorbereitung, die je nach dem zu erstellenden Objekt für das Endergebnis berücksichtigt werden müssen. Viele dieser Elemente sind Determinanten einer bestimmten Zeit oder eines bestimmten Stils, so dass sie bei ihrer Untersuchung und Klassifizierung helfen.

Das moderne Verständnis der Kunst vieler Kulturen wird tendenziell durch die moderne Privilegierung von Kunstmedien über andere sowie die sehr unterschiedlichen Überlebensraten von Werken in verschiedenen Medien verzerrt. Metallarbeiten, vor allem Edelmetalle, werden, sobald sie aus der Mode kommen, “recycelt” und oft von den Eigentümern als Verwahrungsorte für Reichtum genutzt, um geschmolzen zu werden, wenn zusätzliches Geld benötigt wird. Illuminierte Manuskripte haben eine viel höhere Überlebensrate, besonders in den Händen der Kirche, da das Material wenig wert war und sie leicht zu lagern waren.

Form: Die Form markiert den Rhythmus der Volumen und Proportionen eines bestimmten Raumes, besonders in freigestellten Stücken. Auf der anderen Seite drückt die Form die Funktion des Objekts und seine zeitlichen Eigenschaften aus, so dass es den Stil und den historischen und sozialen Rahmen widerspiegelt, in dem es entstanden ist.

Dekoratives System: legt die Art des ornamentalen Motivs eines Stücks und die Art und Weise fest, in der dieses Motiv in die Komposition des Motivs passt. Die drei wichtigsten ornamentalen Motive sind: geometrisch, epigrafisch und naturalistisch (Pflanze, Tier, Mensch oder Landschaft), die entweder isoliert oder kombiniert werden können. Abhängig von seiner Zusammensetzung werden verschiedene Ausdruckssprachen erzeugt, wie der Naturforscher, wenn er von der Realität der sichtbaren Natur inspiriert ist; oder die stilisierte, wenn es eine subjektive Neuinterpretation der Realität macht. Auch innerhalb der Zusammensetzung sollte berücksichtigt werden, ob die Verzierung auf einen bestimmten Bereich der Arbeit beschränkt ist oder diesen vollständig abdeckt (der sogenannte Horror Vacui). In diesem Raum können ornamentale Motive durch Wiederholung, Wechsel, Symmetrie oder Inversion erzeugt werden.

Geometrische Motive: unter den wichtigsten sind der Punkt, die Linie, der Zickzack, das gebrochene Band, die Lanze, der Mäander, das Quadrat, das Losange, das Karierte, das Dreieck, das Sechseck, das Achteck, die Sinuskurve, die Spirale der Kreis und der Halbkreis, die Ellipse usw.

Architektonische Gründe: Kabel, Leste, Stier, Bocel, Schottland, Gallone, Cartela, etc.

Naturalistische Motive: kommen hauptsächlich aus Flora, Fauna, Menschen, fantastischen und mythologischen Wesen, astronomischen Elementen, Landschaften und Objekten aller Art.

Komplexe Motive: Sie sind im Grunde die Schrift und die Symbole, sowie die heraldischen Motive.

Farbe und Licht: Im ästhetischen und formalen Aspekt der Arbeit der dekorativen Kunst sind Farbe und Licht ausschlaggebend, die die Form des Objekts, des Materials und verschiedene Qualitäten wie Festigkeit, Brechung, Transparenz oder Opazität, die Reflexion, das Licht beeinflussen Textur, das Relief oder die Spiele von Licht und Schatten. Abgesehen von ihren physischen Qualitäten können sie auch eine bestimmte Symbolik ausdrücken, da Farben oft mit bestimmten religiösen oder kulturellen Konzepten assoziiert werden, während Licht oft mit Göttlichkeit und Offenbarung assoziiert wird.

Rhythmus und Balance: Dekorative Kunst hat den Zweck, einen Raum zu dekorieren, was normalerweise durch die Verbindung verschiedener Elemente erreicht wird. Daher ist ein Faktor, der berücksichtigt werden muss, die Harmonie zwischen allen Teilen eines gegebenen Raumes, der Gesamtbalance und dem räumlichen Rhythmus, in dem sie umschrieben sind. Diese Harmonisierung der Elemente drückt andererseits Begriffe aus, die einer bestimmten Zeit innewohnen, wie Mode oder Stil, Bräuche oder das Denken einer Gesellschaft.

Räumliche Beziehung: Die meisten dekorativen Kunstwerke (ausgenommen freigestellte) sind für einen bestimmten Raum konzipiert, der ihre Konzeption und Realisierung beeinflusst. Bei der Bewertung dieser Art von Arbeiten muss berücksichtigt werden, ob sie sich an ihrem ursprünglichen Standort befinden oder nicht; Eine dieser in einem Museum ausgestellten Werke kann wegen ihrer innewohnenden Eigenschaften geschätzt werden, doch verliert ihre ursprüngliche Funktion etwas an Bedeutung.

Wirtschaft, Gesellschaft und Mode: Jedes Kunstwerk ist Ausdruck eines bestimmten historischen und sozialen Moments, der für seine produktive Entstehung bestimmend ist. Bei der Ausarbeitung dieser Objekte können die wirtschaftlichen Faktoren, die ihre Produktivität bestimmen, die sozialen Faktoren, die ihre Funktion bestimmen, und die Aspekte von Mode und Stil, die ihre Form und Erscheinung bedingen, entscheidend sein. Diese äußeren Bedingungen sind mit anderen internen Faktoren wie der Technik verknüpft, um den Produktionsprozess dieser Realisierungen zu bestimmen.

Einflüsse zwischen den Künsten: Die verschiedenen künstlerischen Modalitäten – Dur und Moll – beeinflussen sich gegenseitig, genau wie Künstler. Diese Einflüsse werden auch in der Zeit übertragen, die in der Abfolge von Perioden des ausgeprägten klassizistischen Akzents mit anderen des barocken Geschmacks bezeichnet wird. In der Regel wurde der Einfluss der großen Künste auf die Minderjährigen wahrgenommen, aber manchmal geschah es auch im Gegenteil, als der Einfluss der islamischen dekorativen Künste in der spanischen romanischen Skulptur, der Gravur in der Malerei des Barock oder von die Rokoko-Dekoration in der Architektur des 18. Jahrhunderts in Frankreich und Deutschland.

Klassifizierung und Techniken:

Mosaik und Inlay
Das Mosaik ist die Technik, Bilder zu machen, indem harte Steine ​​entweder im Boden oder an der Wand eingebettet werden. Wenn es als Pflaster gelegt wird, erhält es den griechischen Ausdruck litostroton: die Beschichtung wird auf Kalk, Sand oder anderen Materialien wie Steinen, Kieselsteinen, Marmorplatten usw. angewendet. Es gibt verschiedene Arten: Opus Lapilli, kleine Kiesel natürlicher Farben , die selbst die Zeichnung bilden; opus tessellatum, gebildet von tesserae, Stücke von quadratischer Form von zwei Zentimetern, mit denen die Zusammensetzung ausgearbeitet wird, im Allgemeinen vom geometrischen Typ; opus vermiculatum, ebenfalls mit Kacheln, jedoch mit unterschiedlichen Konturen, wodurch verschiedene Wege möglich sind; opus sectile, gebildet durch unregelmäßig geformte Marmorplatten. Das Mosaik selbst, auch opus musivum genannt, ist die gleiche Technik, wird aber für die Wanddekoration verwendet: Es wird mit Glaspastenfliesen hergestellt, die mit mehreren Mörtelschichten auf die Wand aufgetragen werden, wodurch Figuren und Zeichnungen entstehen. Die Einlage ist eine Technik ähnlich der vorherigen, es kann gepflastert oder parietal sein, oder es kann sogar auf Möbel oder andere Objekte angewendet werden. Es besteht aus der Einbettung von dünnen Stein- und Marmorplatten, die geschnitten und eingebettet sind und verschiedene Bilder oder Kompositionen auf einer kompakten Oberfläche bilden. Es kann auch in Holz (Intarsien) gemacht werden, eine häufige Technik in der Kunsttischlerei. In Carpi entstand im 17. Jahrhundert auch eine Gipseinlage. Eine andere Variante ist die Wurst aus harten Steinen.

Glasarbeit
Glasarbeiten werden an Kristallen aus Holz, Gips, Gold oder Blei ausgeführt, die mit Bleiblechen versehen sind, die mit einer Schicht Kitt (weißer Maler mit Leinöl) verzinnt werden. Die alten Buntglasfenster haben Grisailles, flüssiges Eisenoxyd, aufgetragen, um kleine Details genau zu zeichnen; Um 1340 wurde es durch Silberoxyd ersetzt, und von hier aus wurden farbige Kristalle nicht mehr hergestellt, sondern auf weißem Glas gefärbt. Der Herstellungsprozess erfolgt in Phasen: Ausarbeitung einer Skizze in Karton, Schneiden der Gläser, Bemalen derselben, Kochen und Vereinigung mit Blei.

Es gibt verschiedene Arten von Glas: “Natriumglas” (das einfachste aus Siliciumdioxid), Glas (Siliciumdioxid und Bleioxid oder Kalium), “Chalcedonglas” (Siliciumdioxid und Metalloxide) und “Milchglas” (Siliciumdioxid, Mangandioxid und Zinnoxid). Die Haupttechnik, um es zu bearbeiten, ist weht, wo es jede Form und Dicke gegeben werden kann. Was die Dekoration betrifft, kann es bemalt, mit Graffiti, mit Schnitzereien, mit Clips, Filigran geschmückt werden. Das Email ist eine Glaspaste (Kieselerde, Kalk, Kali, Blei und Minium), auf Metallträger, bearbeitet nach verschiedenen Techniken: Cloisonné kleine Gold- oder Kupferfäden, mit denen die Figur auf den Träger gezeichnet ist, Trenne das Email in Trennwände; Champlevé, das durch Absenken der Stütze in Alveolen und Aushöhlen des Materials in mit Emaille gefüllten Konkavitäten hergestellt wird; ajouré, eine goldene Oberfläche, wo die Formen mit Sägen oder Feilen geschnitten werden und den entfernten Teil mit Emaille ausfüllen.

Azulejería
Die Azulejería ist eine glasierte Keramikfliese, die als Boden- und Wandbelag verwendet wird. Wie die emaillierten Ziegel hat es seinen Ursprung im Nahen Osten. In Spanien, im fünfzehnten Jahrhundert, entstand die Variante der Fliesen mit drei Arten: trockenes Seil, Becken oder Grat. Im gleichen Jahrhundert begann in Italien die Produktion von Majolikaplatten, vor allem in Neapel und Faenza, deren Bildkompositionen später in Spanien und Portugal sowie in Mexiko und Peru sehr erfolgreich waren.

Azulejería ist eine fossile Substanz, eine Vielzahl von Braunkohle, schwarz und glänzend Oberfläche. Im Allgemeinen handelt es sich um kleine Stücke, die mit Feilen und Winde, in Relief oder Schnitzerei, mit einer abschließenden Phase des Polierens arbeiten. Sie sind oft mit anderen Werken der Bildhauerei oder Goldschmiedekunst verbunden, wobei sie häufig in Kunstgalerien vorkommen.

Stuck und Stuck
Der Stuck wird mit Kalkpaste (oder weißem Gips), Marmorpuder, gewaschenem Sand und Kasein in verschiedenen Verhältnissen je nach Zeit und Ort hergestellt. Seine zwei Hauptanwendungen sind als Beschichtung oder als Dekoration, mit verschiedenen Dicken, im Allgemeinen kompakter für den ersten Fall und dünner und formbar für den zweiten. Der Gips ist seinerseits ein schwefelsaurer Kalkhydrat, der sich mit Wasser vermischt und eine weiße Paste bildet, die sowohl für den Bau als auch für Skulpturen und Reliefs verwendet werden kann. Der Hauptunterschied zwischen den beiden ist, dass der Putz, der keinen Marmorstaub hat, zerbrechlicher und von geringerer Qualität ist, obwohl sein dekorativer Wert ähnlich ist.

Zimmerei und Tischlerei
Die Holzkunst wird sowohl als Verkleidung in der Architektur (Kassettendecken, Türen, Fenster, Balkone, Balustraden) verwendet – einschließlich provisorischer Architekturen wie Capeldarnten und Retabeln – als auch in transportablen Elementen (Möbeln). Die zwei Haupttechniken sind das Schnitzen und Drehen: das erste wird mit scharfen Instrumenten wie dem Burin -in hoch, mittel, niedrig oder huelrelrelieve-, oder in eingeschnittenen Verzierungen gemacht; die zweite beinhaltet einen komplizierteren mechanischen Manipulationsprozess. Bei der Verzierung gibt es mehrere Verfahren: Intarsien, ähnlich wie Inlays, aber in Holz; Inkrustation (oder Marketerie), eine ähnliche Art von Inlay, aber mehr oberflächlich, mit Klebstoff (in diesen Fällen die Stücke hinzugefügt werden können aus einer anderen Art von Holz oder anderen Materialien, überwiegend Elfenbein, Knochen, Perlmutt oder Metall); Plattierung, bestehend aus einer Basis aus grobem Holz und einer Überlagerung mit einer feineren Schicht von höherer Qualität; lackiert, Anwendung der Lacktechnik auf Holz; polychromatisch, Überlagerung von Hölzern verschiedener Farben, um chromatische Effekte zu erzeugen; Gold, Kombination aus Holz und Blattgold; Sgraffito, Kombination aus Gold und Polychrom; Brandmalerei, bestehend aus Verbrennen des Holzes mit einem glühenden Metall; Gruppiert, mit Leder ausgekleidet; und geprobt, mit Stoff ausgekleidet.

Metallbearbeitung
Metall (Eisen, Kupfer, Bronze) kann allein oder auf Holz furniert werden, normalerweise in Verschlusselementen wie Türen, Riegeln und Toren. Die Bronze wird normalerweise geschmolzen und in Formen gegossen. Die Arbeit mit Eisen (Limonit, Pyrit oder Magnetit) wird Schmiede genannt: Sie wird mit Wärme reduziert, aus der eine rötliche Paste entsteht, mit der Ingots hergestellt werden. Es gibt drei Klassen: Gusseisen, mit viel Kohlenstoff, Siliziumdioxid, Schwefel und Mangan, es wird nicht zum Schmieden verwendet, nur um in der Form zu schmelzen; süsses oder geschmiedetes Eisen, mit weniger Kohlenstoff, es ist geschmeidiger und geschmeidiger, es kann geschmiedet werden, aber es ist weich und stumpf; und Stahl, mit Mangan, Wolfram, Kobalt und Wolfram, ist härter, zum Schneiden von Instrumenten. Die Modellierung erfolgt ohne Hinzufügen oder Entfernen von Material, aber es gibt mehrere alternative Techniken: Strecken, Vergrößern, Teilen, Biegen, Hervorheben usw. Gold- und polychrome Effekte können ebenfalls angegeben werden.47

Textilkunst
Sie manifestieren sich hauptsächlich in Stoffen und Stickereien. Ein Gewebe ist eine Webarbeit, die aus mehreren in Kette und Schuss angeordneten Fäden besteht. Die Webstühle können mobil (oder “Taille”) oder fest (vertikal oder horizontal) sein. In Abhängigkeit von der Vielzahl oder Verflechtung der Garne werden verschiedene Arten von Stoffen erhalten, wie Taft, Twill, Satin, Seide, Samt usw. Diese Stoffe können natürlich oder bedruckt sein, wobei Farbstoffe auf den Stoff aufgebracht werden. Was die Typologien anbelangt, werden Teppiche und Wandteppiche und in geringerem Maße Spitzenstoffe in der dekorativen Kunst verwendet. Die Stickereien sind geprägte Arbeiten, die mit Nadel auf bereits hergestellten Stoffen ausgeführt wurden.

Chorioplastie
Lederarbeiten haben zwei Hauptmodalitäten: Cordovan, Ziegenleder oder gegerbte Ziege, die in Cordoba in andalusischer Zeit als Ergänzung zu Möbeln verwendet wurden; und die Guadamecí, Haut von gegerbten und geschnitzten Widder, und später Policromada, vergoldet oder Silber, verwendet wie Ornament von Altarbildern, Baldachinen und Altären oder wie Beschichtung von Wänden, Vorhängen oder Möbeln, manchmal sogar wie Teppiche. Es gibt verschiedene Techniken für Lederarbeiten: Gravieren, Prägen, Abnehmen, Meißeln, Schnitzen, Stanzen, Bügeln, Trimmen usw. Auf dem Leder können Stickereien, Gold-, Silber- oder Zinnfolien oder Hardware- oder Nagelanwendungen angebracht werden mit mineralischen (Kali) oder chemischen (Anilin) ​​-Produkten oder mit Öl- oder Tempera-Farbe polychromiert werden.49 Andere Modalitäten sind das tafilete, polierte Ziegenleder, das feiner ist als das Cordovan, das vorzugsweise zum Binden verwendet wird; und das marokkanische Schaffell, das hauptsächlich in Möbelbezügen verwendet wird.

Miniatur
Miniatur ist eine Art von Malerei von kleinen Dimensionen auf Papier, Pergament oder Pergament, obwohl es auf anderen Trägern sein kann. Die geläufigste Technik ist Gouache, in Gummiwasser gelöste Pigmente oder andere Bindemittel (Gummi arabicum, Eiweiß, Honig). Die häufigste Unterstützung findet sich in Büchern, meist Illustrationen, die den geschriebenen Text begleiten.

Gravur
Gravieren ist ein Stempel, der mittels eines Eisens oder einer Matrix erhalten wird. Es gibt verschiedene Techniken:
Chalkographie: Kupferstich auf Kupfer in Hohlform, in verschiedenen Techniken: Ätzen, Ätztechnik, bestehend aus der Behandlung der Teile der Metallplatte nicht durch einen Lack mit «starkem Wasser» (Salpetersäure in Wasser verdünnt) geschützt; Aquatinta, Technik von einer mit Harz überzogenen Metallplatte, die einmal erhitzt auf der Oberfläche der Platte haftet, und dann auf dieser Oberfläche mit einer speziellen Art von Tinte, genannt Aquatinta; Stichgravur, ist auf Kupferplatte gemacht, mit einem Stichel, mit dem die Zeichnung skizziert ist, die Rillen mit Tinte füllen; Gravur mit Kaltnadel, bei dieser Technik wird die Platte direkt mit einer Spitze aus Stahl, Diamant oder Rubin bearbeitet, ohne auf Lacke oder Säuren zurückzugreifen, mit denen man grobe Linien, “Grat” genannt, erhält, je nach Druck und Schnittwinkel, was im Gegensatz zum Stichel das Metall nicht schneidet, sondern es zerkratzt; graviert mit halber Tinte (Mezzotinto), wird die Platte mit einem mehrzackigen Schaber (Wippe oder Berceau) bearbeitet, wodurch eine einheitliche Maserung durch Kreuzen von Linien erhalten wird, mit denen klare und dunkle Töne unterschieden werden.
Holzschnitt: Holzschnitt (in der Regel Kirsche oder Buchsbaum), auf einer skizzierten Zeichnung auf dem Holzbrett gemacht und mit einem Messer, einer Kehle, einem Meißel oder einem Meißel geschnitzt, das Weiß des Holzes entleert und die schwarzen Reliefs zurückgelassen; Es wird dann mit einer Walze eingefärbt und entweder von Hand oder mit der Presse gestanzt.
Linolschnitt: Prägung ähnlich Holzschnitt, jedoch mit Linoleum anstelle von Holz.
Lithographie: Es handelt sich um eine Gravur auf Kalkstein, bei der die Oberfläche mit einem Fettstift behandelt wird, um die Zeichnung zu begrenzen und die Gravur nach zwei Verfahren auszuführen: Baden mit Säure, Korrodieren des nicht entfetteten Teils und Belassen der Zeichnung in Relief; oder zwei Arten von wässriger Tinte und Fett auftragen, das erste im Hintergrund fixieren und das zweite die mit Bleistift gezeichneten Linien abdecken. Es wurde 1796 von Aloys Senefelder erfunden.
Siebdruck: Technik, mit der Drucke durch Filtern der Farben durch ein Seidenmuster – oder zur Zeit Nylon – erhalten werden, wobei die Teile, die nicht gefiltert werden sollten, um sie wasserdicht zu machen, mit Klebstoff beschichtet werden. Es wurde in China erfunden.

Goldarbeit
Goldwork ist die Kunst der Herstellung von dekorativen Objekten mit Edelmetallen oder Edelsteinen wie Gold, Silber, Diamant, Perle, Bernstein, Koralle usw. Es gibt verschiedene Techniken und Modalitäten:
Cameo: ist das Schnitzen von Relieffiguren auf geschichteten harten Steinen, wie Achat, Sardon, Koralle und Muschel, die normalerweise Schichten verschiedener Farben haben, die intensive chromatische Kontraste bieten.

Keramik
Keramik wird mit Ton in vier Klassen hergestellt: poröser rot-gelblicher gebrannter Ton (Keramik, Terrakotta, Biskuitkuchen); weißer poröser gebackener Ton (Geschirr); grauer, brauner oder brauner nicht poröser gebrannter Ton (Steingut); kompakter weißer porenfreier gebrannter Ton (Porzellan). Andere Varianten sind die Majolika und die Fayence, beides Zinnwaren: Der erste Begriff wird hauptsächlich in Italien und der zweite im Rest von Europa verwendet. Es kann manuell oder maschinell mit einer Drehmaschine hergestellt werden, dann wird es im Ofen gebacken – bei Temperaturen zwischen 400º und 1300º, je nach Art – und es wird mit Email oder Farbe dekoriert.55 Die Dekoration kann sein: Excisa Anwendungen in Relief mit Schlamm; Incisa, eine Zeichnung, die auf dem immer noch zarten Schlamm gezeichnet ist; mit Formen, auf der weichen Oberfläche des Tons aufgetragen; Polieren, auf dem gebrannten Ton gemacht; Sgraffito, Auftragen verschiedener Farben, die dann entsprechend der gewünschten Wirkung gerissen werden; und marmoriert, mehrere Farbstoffe mit einem Fett mischend, Venen in der Keramik bildend.

Lack
Lack ist ein glänzender, dicker und fester Lack, der aus mineralischen oder pflanzlichen Harzen gewonnen wird und aus dem Fernen Osten kommt. Dieser Lack wird auf Gegenstände verschiedener Materialien aufgetragen: Holz, Metall, Keramik, Papier oder Leder. Die Lacktechnik beginnt mit einem ersten Auftrag eines groben Lackes, der mit mehreren Schichten feinen Lackes bedeckt ist, von denen der letzte den gewünschten Farbton hat; dann wird eine Dekoration gemacht, die mit einem Pinsel, durch Schnitzen oder Schneiden, mit Inkrustation anderer Materialien oder durch Sprühen von Gold oder Silber gemalt werden kann; Schließlich wird ein abschließender Lack mit mehreren Schichten des lichtdurchlässigen Lacks gebildet.

Eborarien
Eboraria ist das Werk von Elfenbein, das aus den Elefantenhörnern gewonnen wird. Sie kann in Intarsienholz und als Einzelarbeit in geschnitzten, gezeichneten und bemalten Elfenbeinplatten verwendet werden. Die Schnitzerei beginnt mit dem Schneiden des Stoßzahns in Stücke oder “Boote”, mit denen das Objekt geformt und anschließend verziert und manchmal polychromiert wird. Der Entwurf ähnelt dem vorherigen, mit einer verfeinerten Technik, die die Größe des Laubholzes imitiert. Die bemalten waren früher Elfenbeinplatten auf einem Holzrahmen, auf denen Pigmente mit Pinsel aufgetragen wurden.

Plumeria
Federn sind keratinöse Strukturen der Haut von Vögeln. In der Regel werden sie mit anderen, meist gewebten, Trägern durch Nähen, Kleben oder Zusammenfügen verbunden. Sein Haupteinsatzgebiet war im präkolumbischen Amerika.

Korbwaren
Die Korbflechterei ist eines der ältesten Handwerksbetriebe der Welt, das sind Behälter aus Pflanzenfasern, die miteinander verbunden sind. Die älteste Technik ist das Korbflechten in Spiralen, die aus Schilf, Strohhalmen oder gezwirnten Fasern in Form von Seilen bestehen und spiralförmig gewickelt sind, um ihnen die gewünschte Form zu geben, im Allgemeinen kugelförmig oder ovoidal. Eine andere Technik ist das Flechten, das durch Wickeln langer, mit Fasern genähter Falten erfolgt. Drittens wird das Verflechten durch Weben der Fasern auf einem geflochtenen Rahmen erreicht.

Ventilator
Dieses Instrument zur Luftzufuhr war oft Gegenstand der Dekoration und zeitweise wurde es als dekoratives Objekt in Häusern platziert. Sie können starr sein, aber die meisten sind zusammenklappbar. Sie bestehen gewöhnlich aus einer Faltfläche (Land) aus Stoff, Papier, Gaze, Spitze oder Kid, mit Stäben (Führern) aus Holz, Elfenbein, Perlmutt, Lack oder Muschel; die beiden Endstäbe werden Schaufeln genannt. Der freiliegende Teil der Stäbe (Quellen) kann mit durchbrochenen, vergoldeten oder anderen Techniken verziert werden.

Glíptica
Glíptica ist die Kunst, Edelsteine ​​oder Halbedelsteine ​​für die Herstellung von Briefmarken, Münzen oder Medaillen zu schnitzen. Es wird normalerweise in der Kamee oder im Schnitzen gemacht, und manchmal in einer runden Form, normalerweise in kleinen Stücken. Die Arbeit dieser Stücke wird mit Schleifmitteln und Schleifmaschinen mit stumpfen oder scharfen Köpfen durchgeführt.

Bindung
Binding ist die Deckblätter eines Buches haben die Hauptfunktion der Erhaltung ihres Inhalts von externen Agenten, obwohl sie oft Gegenstand der Verzierung gewesen sind. Das Zusammenfügen der Falten kann mit Nähen, Kleben oder anderen Verfahren erfolgen. Die Hüllen können aus Papyrus, Holz, Leder, Leder (Gold, gemeißelt oder geprägt), Pappe oder anderen Materialien, manchmal mit Emaille-, Goldschmiede- oder Eboraria-Applikationen bestehen.

Uhrmacherei
Die Uhrmacherei ist ein Instrument zur Zeitmessung, das oft Gegenstand von Ornamenten war und sich im Laufe der Zeit sowohl technologisch als auch stilistisch weiterentwickelt hat. Es gibt viele Arten von Uhren: Sonne, Wasser (Clepsydra), Sand, Ring, Klammer, Poster, Großvater, Banjo, Hochkasten, Schwimmer, Ballon, Laterne, Sockel, Skelett, Parlamentarier, Regler usw.

Spielzeugladen
Die Spielzeuge erfüllen in erster Linie die praktische Funktion, für die sie geschaffen wurden, die Spiele der Kinder, aber gelegentlich wurden sie als dekorative Objekte in der Innenausstattung verwendet. In zahlreichen Arten und Materialien gebaut, war seine Zweckfunktion bei vielen Gelegenheiten für seine Erhaltung lästig, weshalb es auch schwierig ist, eine historische Entwicklung zu etablieren. Einige der am häufigsten verwendeten Modalitäten in der Dekoration waren Puppen und Puppenhäuser, Automaten, Puppen und Puppen, Bleisoldaten, Schaukelpferde, Drachen, Reproduktionen von Waffen, Zügen und Autos usw.

Kunst und Handwerk Bewegung:
Der niedrigere Stellenwert von Werken der dekorativen Kunst im Gegensatz zur schönen Kunst wurde durch den Aufstieg der Arts and Crafts-Bewegung eingeschränkt. Diese ästhetische Bewegung der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde in England geboren und von William Morris und John Ruskin inspiriert. Die Bewegung stellte den Beginn einer größeren Wertschätzung der dekorativen Künste in ganz Europa dar. Die Anziehungskraft der Arts and Crafts Bewegung auf eine neue Generation veranlasste den englischen Architekten und Designer Arthur H. Mackmurdo 1882, die Century Guild für Handwerker zu organisieren und sich dafür einzusetzen, dass zwischen der schönen und der dekorativen Kunst kein bedeutender Unterschied bestehe. Viele Konvertiten, sowohl aus professionellen Künstlerkreisen als auch aus der intellektuellen Klasse als Ganzes, trugen dazu bei, die Ideen der Bewegung zu verbreiten.

Arts & Crafts Bewegung Umwertung der Handwerksarbeit und befürwortete die Rückkehr zu traditionellen Formen der Herstellung, mit der Vorgabe, dass Kunst so nützlich wie schön sein sollte. Nach den Ansätzen von Ruskin und Morris war Charles Robert Ashbee der Hauptorganisator der Bewegung. 1888 gründete er in der Toynbee Hall (London) die Guild and School of Handicraft, wo er Möbel, Silberwaren und Metallarbeiten in einem dem Modernismus nahestehenden Stil entwarf.

In den Vereinigten Staaten wurde diese Bewegung – genannt American Craftsman – von Gustav Stickley, Designer einer einfachen und funktionalen Art von Möbeln, ohne Ornamente, die er begann in Serie zu bauen, im Hinblick auf eine stärkere Vermarktung seiner Produkte vertreten. Im Allgemeinen haben diese Künstler den neugotischen Stil für einen einfacheren, leichteren und eleganteren Stil aufgegeben, der teilweise vom Reina Ana Stil inspiriert wurde. In den 1890er Jahren wurde modernistischen Einfluss erhalten.

Der Einfluss der Arts and Crafts-Bewegung führte dazu, dass die dekorativen Künste in der Gesellschaft eine größere Wertschätzung und einen höheren Stellenwert erhielten und dies wurde bald durch Gesetzesänderungen widergespiegelt. Bis zum Erlass des Urheberrechtsgesetzes 1911 waren nur Werke der bildenden Kunst vor unerlaubtem Kopieren geschützt. Das Gesetz von 1911 erweiterte die Definition eines “künstlerischen Werkes” um Werke des “künstlerischen Handwerks”.