Les arts décoratifs sont des arts ou des métiers concernés par la conception et la fabrication de beaux objets qui sont également fonctionnels. Il comprend le design d’intérieur, mais pas généralement l’architecture. Les arts décoratifs sont une série de disciplines artistiques figuratives traditionnellement liées à la création et la décoration d’objets d’usage, par opposition aux beaux-arts (peinture, sculpture, dessin, gravure, photographie et mosaïque) destinés à créer des artefacts dont le seul but est au lieu de la contemplation esthétique. Ce domaine comprend tous les métiers de l’aménagement intérieur et du design d’intérieur, tels que le mobilier et l’ameublement.

Les arts décoratifs sont souvent catalogués par médium ou technique. Parmi eux on peut citer l’orfèvrerie, les toréeutiques, la glyptique, l’art céramique, la miniature, la création de vitraux et autres objets en verre, les émaux, la sculpture, l’incrustation, l’ébénisterie, la frappe de pièces et médailles, le tissage et la broderie , design industriel, décoration en général. Il comprend aussi souvent des arts graphiques (gravure) et des miniatures, ainsi que quelques œuvres d’architecture, de peinture et de sculpture destinées à l’ornementation et conçues en série, et non pas en tant qu’œuvres individuelles.

La distinction entre l’art décoratif et le bel art repose avant tout sur la fonctionnalité, les intentions, l’importance, le statut de l’œuvre unique ou de la production liée à un seul artiste. Les produits d’arts décoratifs ou d’ameublement peuvent être mobiles (par exemple, des lampes) ou fixes (par exemple des papiers peints).

Les arts décoratifs ont été plus ou moins présents dans toutes les périodes de l’histoire de l’art en général, que ce soit en solitaire ou en liaison avec d’autres arts, notamment l’architecture. Dans de nombreux cas, ils ont marqué une certaine période historique, comme l’art byzantin, islamique ou gothique, de telle manière qu’il ne serait pas possible de l’évaluer adéquatement sans la présence de ce type de travail. Dans d’autres cas, en particulier celui des cultures nomades, c’est le seul type de réalisation artistique réalisé par ces peuples, comme c’est le cas des Scythes ou des peuples germaniques qui ont envahi l’Empire romain. Dans de nombreuses cultures, les arts décoratifs ont eu un statut similaire au reste des arts, comme c’est le cas de la céramique grecque ou de la laque chinoise. Il convient également de noter la relation étroite entre les arts décoratifs et la culture populaire, qui a souvent été le principal moyen d’expression dans ce milieu.

Les arts décoratifs sont toutes les activités liées à l’art ou à l’artisanat conçues pour produire des objets à la fois utilitaires et ornementaux. Ce sont généralement des œuvres réalisées avec une production industrielle ou artisanale mais poursuivant un certain but esthétique. Le concept est synonyme de ce que l’on appelle les arts appliqués ou les arts industriels, parfois aussi appelés arts mineurs par opposition aux arts majeurs ou aux beaux-arts. Dans un certain sens, les arts décoratifs sont un terme appliqué de préférence aux arts industriels, ainsi qu’à la peinture et à la sculpture, lorsque son objectif n’est pas de produire une œuvre unique et différenciée, mais plutôt un but décoratif et ornemental. une production généralement en série.

La distinction entre les arts décoratifs et les beaux-arts provient essentiellement de l’art post-Renaissance de l’Occident, où la distinction est pour la plupart significative. Cette distinction est beaucoup moins significative lorsque l’on considère l’art des autres cultures et des périodes, où les œuvres les plus considérées – ou même toutes les œuvres – comprennent celles des médias décoratifs. Par exemple, l’art islamique dans de nombreuses périodes et de nombreux lieux est entièrement constitué d’arts décoratifs, utilisant souvent des formes géométriques et végétales, comme le fait l’art de nombreuses cultures traditionnelles. La distinction entre les arts décoratifs et les beaux-arts n’est pas très utile pour apprécier l’art chinois, et elle ne l’est pas non plus pour comprendre l’art médiéval précoce en Europe. À cette époque en Europe, les beaux-arts tels que l’enluminure et la sculpture monumentale existaient, mais les œuvres les plus prestigieuses avaient tendance à être dans l’orfèvrerie, dans les métaux coulés tels que le bronze ou dans d’autres techniques telles que la sculpture en ivoire. Les peintures murales à grande échelle étaient beaucoup moins regardées, grossièrement exécutées, et rarement mentionnées dans les sources contemporaines. Ils ont probablement été considérés comme un substitut inférieur de la mosaïque, qui pour cette période doit être considérée comme un art, bien que dans les derniers siècles, les mosaïques ont tendance à être considérés comme décoratifs. Le terme « ars sacra » (« arts sacrés ») est parfois utilisé pour l’art chrétien médiéval dans le métal, l’ivoire, les textiles et d’autres matériaux de grande valeur, mais pas pour les œuvres laïques plus rares de cette période.

Concept:
La technique des arts décoratifs relève de la notion d’art (τέχνη téchnē), manifestation créative de l’être humain, généralement entendue comme toute activité ou produit réalisé dans un but esthétique et communicatif, par lequel des idées, des émotions ou, en général, le monde s’exprime à travers diverses ressources et matériaux. L’art est une composante de la culture, qui reflète dans sa conception les substrats économiques et sociaux, ainsi que la transmission des idées et des valeurs inhérentes à toute culture humaine dans l’espace et le temps.

La classification de l’art a évolué parallèlement au concept de l’art lui-même: pendant l’antiquité classique, l’art était considéré comme tout type d’habileté manuelle et de dextérité, de type rationnel et soumis à des règles, de sorte que les beaux-arts actuels comme artisanat et sciences Au deuxième siècle Galien a divisé l’art en arts libéraux et arts vulgaires, selon qu’ils avaient une origine intellectuelle ou manuelle. À la Renaissance, l’architecture, la peinture et la sculpture étaient considérées comme des activités qui nécessitaient non seulement un savoir-faire mais aussi un type de conception intellectuelle qui les rendaient supérieurs aux autres types d’artisanat. un seul principe la conception actuelle des beaux-arts, où il comprenait la peinture, sculpture, musique, poésie et danse, tout en conservant le terme « arts mécaniques » pour le reste des activités artistiques, et noté comme activités entre les deux catégories l’architecture. Au fil du temps cette liste a subi des variations et, à ce jour, elle n’est pas complètement fermée, mais en général, elle a établi une base communément acceptée.

Les termes «arts décoratifs», «arts appliqués», «arts industriels» ou «arts mineurs» se sont opposés aux «beaux-arts» ou aux «grands arts», bien que souvent la frontière ne soit pas entièrement claire. dans les arts plastiques, la fonction décorative est considérée comme secondaire: ainsi, si la peinture a par elle-même une autonomie comme œuvre d’art, elle perd cette singularité pour remplir une fonction subalterne, celle d’embellir cet objet. Si la peinture peut représenter une vision du monde dans la liberté conceptuelle de l’artiste, la peinture décorative évoluera dans un cercle fermé de thèmes et de motifs.

Probablement la séparation entre les arts majeurs et mineurs provient de la distinction de la critique d’art du «beau» et du «utile»: le premier a reçu une catégorie supérieure, puisqu’il semblait être dirigé plus directement vers l’intellect et / ou l’esprit, alors que ce dernier avait un but plus pratique et plus banal. Cette distinction n’a pas cessé d’être subjective, puisqu’une activité telle que l’architecture, englobée dans les arts majeurs, est certainement utile, tandis que de nombreux arts mineurs, bien qu’utiles, peuvent être beaux.

Bien que les arts décoratifs aient été considérés comme un art mineur, ils ont acquis une certaine autonomie à partir du XVIIIe siècle et, depuis lors, ils ont commencé à valoriser leur aspect esthétique plutôt que l’aspect utilitaire et plusieurs de leurs productions ont été valorisées comme œuvres d’art. . Cependant, les arts décoratifs appliqués à l’industrie – plus communément appelés aujourd’hui «arts industriels» – ont été séparés de ce concept, puisque dans ce type d’objets la décoration est généralement secondaire; ainsi, l’esthétique fonctionnaliste tendait à valoriser davantage les objets pour leur utilité, en rejetant une décoration souvent superposée.

Le terme «arts décoratifs» a été branché au tiers du XIXe siècle, principalement comme un substitut au terme «arts mineurs», qui était péjoratif. Dans la genèse des arts décoratifs ou industriels, la praticité et l’esthétique sont inextricablement liées. Ainsi, la production d’objets englobés dans ce terme doit tenir compte de la finalité du produit (appareils, vêtements, ustensiles, meubles) ainsi que de son aspect formel. Ainsi, un objet utilitaire décoré par la suite ou, au contraire, un objet ayant un aspect artistique ne remplissant pas une fonction pratique ne tomberait pas dans cette catégorie, bien que les arts décoratifs aient souvent été considérés comme des produits ayant une simple fonction ornementale, mais produit en série, qui s’éloignerait du concept de l’œuvre d’art unique avec des lettres majuscules.

La publication entre 1860 et 1863 du livre Der Stil in den technischen und tectonischen künsten der praktische Aestetik, de Gottfried Semper, fut un facteur décisif dans la nouvelle prise de conscience des arts décoratifs, où il accorda une attention particulière aux arts décoratifs dans l’histoire de L’art. Ce travail a influencé l’historien formaliste Alois Riegl, qui dans son analyse de l’histoire de l’art en fonction du style a également inclus les arts décoratifs. Pour Riegl, conservateur du Musée des Arts décoratifs de Vienne, les techniques de production artistique marquent l’évolution des formes artistiques.

Genres d’art:
Aux arts liés à la décoration ont été appliqués à travers l’histoire de nombreux termes plus ou moins synonymes, alors qu’ils peuvent avoir quelques différences dans la nuance générale exprimée le même concept:

Arts décoratifs: le terme affecte le but décoratif de ce type d’arts, parce que son but est d’orner un espace spécifique, raison pour laquelle ils sont considérés spécialement liés à l’architecture. En général, il est considéré comme le terme le plus approprié et qu’il accorde une plus grande dignité, preuve en est que la majorité des musées consacrés à ce type d’œuvres sont généralement appelés Musées des Arts Décoratifs.

Arts mineurs: surgi en confrontation avec l’idée des arts majeurs ou des beaux-arts (architecture, sculpture et peinture), bien que péjoratif et marque certaines limites qui ne sont pas réelles, puisque la peinture et la sculpture peuvent être considérées comme des arts décoratifs

Arts utiles ou utilitaires: ce terme met l’accent sur l’aspect pratique de ce type de réalisations, qui sous-estime sa composante esthétique, alors qu’il serait discutable que l’utilité de certains beaux-arts tels que l’architecture les réduise à ce niveau.

Arts fonctionnels: analogue à la précédente, l’aspect fonctionnel de ces œuvres est influencé, ce qui donne lieu à un débat similaire, qui peut être ajouté si les arts majeurs n’ont pas de fonction.

Arts appliqués: ce terme vient de la relation entre ce type de disciplines artistiques et leur production de type artisanal ou industriel, car elles sont généralement créées par diverses techniques et procédures spécialisées nécessitant une formation professionnelle ou semi-professionnelle. Ainsi, la majorité des écoles où ces métiers sont appris sont souvent appelées écoles d’arts appliqués (ou métiers d’art).

Arts auxiliaires: l’aspect secondaire de ce type de disciplines est souligné ici, puisque leurs productions sont destinées à décorer des œuvres «majeures», de préférence des espaces architecturaux. Encore une fois, c’est un terme péjoratif qui n’inclut pas toutes ces réalisations, qui dans de nombreux cas peuvent avoir une autonomie par elles-mêmes.

Artisanat, artisanat d’art: en ce sens, l’aspect production de ces œuvres est affecté en termes de professionnalisme de leurs artisans, dans la considération d’être des objets faits à la main, sans processus de fabrication mécanique. Une grande partie de ce concept provient du mouvement Arts and Crafts, qui a émergé au Royaume-Uni au XIXe siècle.

Arts manuels: un terme rarement utilisé en général, affecte l’artisanat de ce type de travail, ce qui exclut sa production mécanique dans de nombreux cas.

Arts industriels: contrairement à la précédente, le processus de mécanisation et de production industrielle de nombre de ces œuvres s’exprime ici, notamment depuis la révolution industrielle. On pourrait argumenter ici si ce type de fabrication est fait au détriment du processus créatif de l’artiste ou est simplement un outil qui aide à sa réalisation. Peut-être n’est-il applicable qu’à ces œuvres produites en série.

Arts somptuaires: le terme somptuaire signifie «appartenir ou se rapporter au luxe», de sorte qu’il s’applique de préférence à ces arts décoratifs réalisés avec des matériaux précieux (or, argent, bijoux).

Facteurs d’influence:
Type de travaux: un premier facteur à prendre en compte est la fonction et le destin de l’œuvre, qu’elle soit religieuse ou laïque, cultivée ou populaire, que ce soit pour une adresse, une entreprise, un palais ou tout autre but.

Techniques et matériaux: chaque discipline artistique possède certaines techniques et matériels de préparation, qui doivent être considérés pour le résultat final en fonction de l’objet que vous souhaitez créer. Beaucoup de ces éléments sont des déterminants d’un certain temps ou style, alors ils aident dans leur étude et leur classification.

La compréhension moderne de l’art de nombreuses cultures tend à être faussée par le privilège moderne des médias d’art sur les autres, ainsi que par les taux de survie très différents des œuvres dans différents médias. Les ouvrages en métal, surtout en métaux précieux, sont susceptibles d’être «recyclés» dès qu’ils tombent dans la mode et sont souvent utilisés par les propriétaires comme dépositaires de richesses, pour être fondus lorsque des fonds supplémentaires sont nécessaires. Les manuscrits enluminés ont un taux de survie beaucoup plus élevé, surtout entre les mains de l’église, car les matériaux étaient peu utiles et faciles à entreposer.

Forme: la forme marque le rythme des volumes et des proportions d’un certain espace, en particulier dans les pièces exemptées. D’autre part, la forme exprime la fonction de l’objet et ses caractéristiques temporelles, c’est donc un reflet du style et du cadre historique et social dans lequel il a été créé.

Système décoratif: établit le type de motif ornemental d’une pièce et la façon dont ce motif s’inscrit dans la composition de la même chose. Les trois principaux motifs ornementaux sont: géométriques, épigraphiques et naturalistes (végétaux, animaux, humains ou paysagers), qui peuvent être isolés ou combinés. Selon sa composition, divers langages expressifs sont générés, comme le naturaliste, s’il s’inspire de la réalité de la nature visible; ou le stylisé, s’il fait une réinterprétation subjective de la réalité. Aussi dans la composition devrait être pris en compte si l’ornementation est limitée à une zone spécifique de l’œuvre ou couvre complètement (le soi-disant horror vacui). Dans cet espace, les motifs ornementaux peuvent être réalisés par répétition, alternance, symétrie ou inversion.

Motifs géométriques: parmi les principaux sont le point, la ligne, le zigzag, la bande brisée, la lance, le méandre, le carré, le losange, le damier, le triangle, l’hexagone, l’octogone, la sinusoïde, la spirale , le cercle et le demi-cercle, l’ellipse, etc.

Raisons architecturales: corde, listel, taureau, bocel, écosse, gallon, cartela, etc.

Les motifs naturalistes: proviennent principalement de la flore, de la faune, des êtres humains, des êtres fantastiques et mythologiques, des éléments astronomiques, du paysage et des objets de toutes sortes.

Motifs complexes: ils sont fondamentalement l’écriture et les symboles, ainsi que les motifs héraldiques.

Couleur et lumière: dans l’aspect esthétique et formel du travail de l’art décoratif, la couleur et la lumière sont déterminantes, influençant la forme de l’objet, le matériau et diverses qualités telles que la solidité, la réfraction, la transparence ou l’opacité. la texture, le relief ou les jeux de lumières et d’ombres. Aussi, en dehors de leurs qualités physiques, ils peuvent exprimer un certain symbolisme, puisque les couleurs sont souvent associées à certains concepts religieux ou culturels, alors que la lumière est souvent associée à la divinité et à la révélation.

Rythme et équilibre: les arts décoratifs ont pour but de décorer un espace, ce qui est généralement réalisé avec la conjonction de divers éléments. Un facteur à prendre en compte est donc l’harmonie entre toutes les pièces d’un espace donné, l’équilibre global et le rythme spatial dans lequel elles sont circonscrites. Cette harmonisation des éléments exprime, d’autre part, des concepts inhérents à une certaine période, tels que la mode ou le style, les coutumes ou la pensée d’une société.

Relation spatiale: la plupart des œuvres d’art décoratives (à l’exception de celles qui sont exemptées) sont conçues pour un espace spécifique, qui influence leur conception et leur réalisation. Dans l’évaluation de ce type de travaux, il faut considérer s’ils sont dans leur emplacement d’origine ou non; Une de ces œuvres exposées dans un musée peut être appréciée pour ses qualités intrinsèques, mais perdre sa fonction d’origine perd une partie de sa signification.

Economie, société et mode: toute œuvre d’art est le reflet d’un moment historique et social déterminé, qui suppose un facteur déterminant dans sa genèse productive. Dans l’élaboration de ces objets, les facteurs économiques qui marquent leur productivité, les facteurs de conditionnement social qui déterminent leur fonction et les aspects de la mode et du style qui conditionnent leur forme et leur apparence peuvent être déterminants. Ces conditions externes sont liées à d’autres facteurs internes, tels que la technique, pour déterminer le processus de production de ces réalisations.

Influences entre les arts: les différentes modalités artistiques – majeures et mineures – s’influencent mutuellement, tout comme les artistes. Ces influences se transmettent également dans le temps, ce qui se traduit par la succession de périodes d’accent classiciste marqué avec d’autres de goût baroque. On a généralement perçu l’influence des grands arts sur les plus petits, mais parfois aussi au contraire, comme l’influence des arts décoratifs islamiques dans la sculpture romane espagnole, de la gravure dans la peinture baroque ou de la décoration rococo dans l’architecture du XVIIIe siècle en France et en Allemagne.

Classification et techniques:

Mosaïque et incrustation
La mosaïque est la technique de fabrication d’images en incrustant des pierres dures, soit dans le sol, soit sur le mur. Quand il est placé comme pavé, il reçoit le terme grec lithostroton: le revêtement est appliqué sur chaux, sable ou autres matériaux tels que pierres, galets, plaques de marbre, etc. Il en existe plusieurs types: opus lapilli, petits cailloux de couleurs naturelles qui, à eux seuls, composent le dessin; opus tessellatum, formé par des tesselles, des morceaux de forme carrée de deux centimètres, avec lesquels la composition est élaborée, généralement de type géométrique; opus vermiculatum, également en carreaux, mais de contours différents, pouvant ainsi former des chemins différents; opus sectile, formé par des plaques de marbre de forme irrégulière. La mosaïque elle-même, appelée aussi opus musivum, est la même technique mais appliquée à la décoration murale: elle est faite de carreaux de pâte de verre, appliquée sur le mur préparé avec plusieurs couches de mortier, en faisant des figures et des dessins. L’incrustation est une technique similaire aux précédentes, elle peut être pavée ou pariétale, ou peut même être appliquée sur des meubles ou d’autres objets. Il consiste à incruster de fines plaques de pierre et de marbre de couleur, découpées et incrustées formant des images ou des compositions diverses sur une surface compacte. Il peut également être fait en bois (intarsia), étant une technique fréquente en ébénisterie. À Carpi, au XVIIe siècle, une incrustation de plâtre est également apparue. Une autre variante est la saucisse de pierres dures.

Verre
La verrerie est faite sur des cristaux en bois, en plâtre, en or ou en plomb, qui sont munis de feuilles de plomb, en les étamant, avec une couche de mastic (peintre blanc à l’huile de lin). Les anciens vitraux ont des grisailles, de l’oxyde de fer liquide, appliqués pour dessiner avec précision de petits détails; en 1340, il a été remplacé par de l’oxyde d’argent et, à partir de là, les cristaux colorés ne sont plus fabriqués, mais colorés sur du verre blanc. Le processus de fabrication se fait par phases: élaboration d’un croquis en carton, découpage des verres, peinture du même, cuisson et union par plomb.

On distingue plusieurs types de verre: le «verre de sodium» (le plus basique en silice), le verre (silice et oxyde de plomb ou potassium), le «verre de calcédoine» (silice et oxydes métalliques) et le «verre de lait» (silice, dioxyde de manganèse et oxyde d’étain). La principale technique de travail est le soufflage, où il peut être donné n’importe quelle forme et épaisseur. Quant à la décoration, elle peut être peinte, graffiti, sculptée, avec des clips, filigrane, etc. L’émail est une pâte de verre (silice, chaux, potasse, plomb et minium), sur support métallique, travaillé selon diverses techniques: cloisonné , petits filaments d’or ou de cuivre, avec lesquels la figure est dessinée sur le support, Séparer l’émail en cloisons; Champlevé, qui est fait en abaissant le support dans les alvéoles et en creusant le matériau dans des concavités, remplis d’émail; ajouré, une surface dorée où les formes sont découpées avec des scies ou des limes, en remplissant la partie enlevée d’émail.

Azulejería
L’Azulejería est un carreau de céramique émaillée utilisé comme revêtement de sol et de mur. Comme les briques émaillées, elle a son origine au Proche-Orient. En Espagne, au XVe siècle, la variante du carrelage est apparue, avec trois types: corde sèche, bassin ou crête. Ce même siècle, en Italie, a commencé la production de plaques de majolique, en particulier à Naples et à Faenza, dont les compositions picturales ont connu plus tard un grand succès en Espagne et au Portugal, ainsi qu’au Mexique et au Pérou.

Azulejería est une substance fossile, une variété de lignite, surface noire et brillante. Généralement ce sont de petites pièces, qui fonctionnent avec un lime et un treuil, en relief ou en sculpture, avec une phase finale de polissage. Ils sont souvent liés à d’autres œuvres de sculpture ou d’orfèvrerie, étant assez fréquents dans les arts somptuaires.

Stuc et plâtre
Le stuc est fait de pâte de chaux (ou de plâtre blanc), de poudre de marbre, de sable lavé et de caséine, dans des proportions différentes selon l’heure et le lieu. Ses deux applications principales sont un revêtement ou une décoration, avec des épaisseurs différentes, généralement plus compactes pour le premier cas et plus fines et malléables pour le second. Pour sa part, le gypse est un sulfate de chaux hydratée, qui mélangé à de l’eau forme une pâte blanche, qui peut être utilisée à la fois pour la construction et la sculpture et les reliefs. La principale différence entre les deux est que le plâtre, dépourvu de poussière de marbre, est plus fragile et de qualité inférieure, bien que sa valeur décorative soit similaire.

Menuiserie et menuiserie
Les arts du bois sont utilisés à la fois comme revêtement dans l’architecture (plafonds à caissons, portes, fenêtres, balcons, balustres) – y compris les architectures provisoires telles que capelardentes et retablos – comme dans les éléments transportables (meubles). Les deux principales techniques sont la sculpture et le tournage: la première est faite avec des instruments tranchants tels que le burin – en haut, moyen, bas ou huerelrelieve -, ou en ornementation incisée; la seconde implique un processus de manipulation mécanique plus élaboré. En ce qui concerne l’ornementation, il existe plusieurs procédures: intarsia, semblable à l’incrustation mais dans le bois; incrustation (ou marqueterie), un type similaire d’incrustation mais plus superficielle, faite avec de la colle (dans ces cas les pièces ajoutées peuvent être d’un autre type de bois ou d’autres matériaux, principalement ivoire, os, nacre ou métal); plaquage, consistant à utiliser une base de bois grossier et à en superposer une autre plus fine et de meilleure qualité; laqué, application de la technique de la laque au bois; polychromatique, superposition de bois de différentes couleurs pour créer des effets chromatiques; or, combinaison de bois et de feuilles d’or; sgraffito, combinaison d’or et de polychrome; la pyrogravure consistant à brûler le bois avec un métal incandescent; Groupé, bois doublé de cuir; et répété, bois doublé de tissu.

Travail des métaux
Le métal (fer, cuivre, bronze) peut être utilisé seul ou plaqué sur du bois, généralement dans des éléments de fermeture tels que des portes, des barres et des portes. Le bronze est généralement fondu et versé dans des moules. Le travail avec le fer (limonite, pyrite ou magnétite) est appelé forge: il est réduit à la chaleur, à partir de laquelle une pâte rougeâtre avec laquelle les lingots sont fabriqués. Il existe trois classes: la fonte, avec beaucoup de carbone, de silice, de soufre et de manganèse, elle n’est pas utilisée pour forger, seulement pour fondre dans la moisissure; fer doux ou forgé, avec moins de carbone, il est plus malléable et ductile, il peut être forgé, mais il est mou et terne; et l’acier, avec du manganèse, du tungstène, du cobalt et du tungstène, est plus dur pour couper des instruments. La modélisation est faite sans ajouter ou enlever de matériel, mais il existe plusieurs techniques alternatives: étirer, agrandir, diviser, plier, accentuer, etc. Les effets de l’or et de la polychromie peuvent également être donnés.

Arts textiles
Ils se manifestent principalement dans les tissus et la broderie. Un tissu est un travail de métier composé de plusieurs fils disposés en chaîne et en trame. Les métiers peuvent être mobiles (ou «taille») ou fixes (verticales ou horizontales). Selon la multiplicité ou l’entrelacement des fils, on obtient différents types de tissus, tels que le taffetas, le sergé, le satin, la soie, le velours, etc. Ces tissus peuvent être naturels ou imprimés, en appliquant des colorants sur le tissu. Quant aux typologies, les plus utilisées dans les arts décoratifs sont les tapis et les tapisseries et, dans une moindre mesure, la dentelle. Les broderies sont réalisées en relief avec une aiguille sur des tissus déjà faits.

Chorioplastie
Le travail du cuir a deux modalités principales: le cordovan, le cuir de chèvre ou la chèvre tannée, apparu à Cordoue à l’époque andalouse, utilisé comme complément du mobilier; et le guadamecí, peau de bélier tanné et sculpté, et plus tard policromada, doré ou argent, utilisé comme ornement de retables, auvents et autels ou comme revêtement de murs, de rideaux ou de meubles, parfois même comme des tapis. Il existe différentes techniques pour le travail du cuir: gravure, gaufrage, dégarnissage, ciselage, ciselage, estampage, repassage, etc. Il est possible d’ajouter des broderies, des feuilles d’or, d’argent ou d’étain ou des applications de clous sur le cuir. être polychrome avec des produits minéraux (potasse) ou chimiques (aniline), ou avec de la peinture à l’huile ou à la détrempe49. D’autres modalités sont le tafilete, peau de chèvre brunie plus fine que le cordovan, utilisé de préférence dans la reliure; et le marocain, la peau de mouton utilisée principalement dans la tapisserie d’ameublement de meubles.

Miniature
La miniature est un type de peinture de petites dimensions faite sur papier, parchemin ou vélin, bien qu’elle puisse être sur d’autres supports. La technique la plus courante est la gouache, les pigments dissous dans l’eau de gomme ou d’autres liants (gomme arabique, blanc d’œuf, miel). Son soutien le plus commun est dans les livres, généralement des illustrations qui accompagnent le texte écrit.

Gravure
La gravure est un tampon obtenu au moyen d’un fer ou d’une matrice. Il y a différentes techniques:
Chalcographie: gravure sur cuivre réalisée en creux, dans différentes techniques: gravure, technique de gravure consistant à traiter les parties de la plaque métallique non protégées par un vernis à «eau forte» (acide nitrique dilué dans l’eau); aquatinte, technique à partir d’une plaque de métal recouverte de résine, qui une fois chauffée adhère à la surface de la plaque, puis dessiner sur cette surface avec un type spécial d’encre, appelée aquatinte; la gravure au burin se fait sur une plaque de cuivre avec un burin avec lequel le dessin est tracé, remplissant les rainures d’encre; gravé avec pointe sèche, dans cette technique la plaque est travaillée directement avec une pointe d’acier, diamant ou rubis, sans avoir recours à des vernis ou des acides, avec lesquels vous obtenez des lignes rugueuses appelées « bavures », différentes selon la pression et l’angle d’incision, qui contrairement au burin ne coupe pas le métal, mais le gratte; gravée à demi d’encre (mezzotinto), la plaque est travaillée avec un grattoir à dents multiples (rocker ou berceau), obtenant un grainage uniforme par croisement de lignes, avec lequel on distingue les tons clairs et sombres.
Gravure sur bois: gravure sur bois (généralement en cerisier ou en buis), réalisée sur un dessin dessiné sur la planche de bois et sculptée au couteau, à la gouge, au ciseau ou au ciseau, vider les blancs de bois et laisser les noirs en relief; Il est ensuite encré avec un rouleau et estampillé, à la main ou avec la presse.
Linogravure: technique de gaufrage similaire à la gravure sur bois, mais utilisant du linoléum au lieu du bois.
Lithographie: c’est une gravure sur calcaire, qui se fait en traitant la surface avec un crayon gras pour délimiter le dessin et réaliser la gravure selon deux procédés: bain à l’acide, pour corroder la partie non graissée et laisser le dessin en relief; ou en appliquant deux sortes d’encre et de graisse aqueuses, en fixant la première en arrière-plan et en couvrant la seconde les lignes tracées au crayon. Il a été inventé par Aloys Senefelder en 1796.
Sérigraphie: technique par laquelle les impressions sont obtenues en filtrant les couleurs par un motif en soie – ou, actuellement, en nylon -, en enduisant de colle les parties qui ne doivent pas être filtrées pour les imperméabiliser. Il a été inventé en Chine.

Or
Orfèvrerie est l’art de fabriquer des objets décoratifs avec des métaux précieux ou des pierres précieuses, comme l’or, l’argent, le diamant, la perle, l’ambre, le corail, etc. Il existe différentes techniques et modalités:
Camée: est la sculpture de figures en relief sur des pierres dures stratifiées, telles que l’agate, sardonique, corail et coquille, qui ont généralement des couches de couleurs différentes, ce qui fournit des contrastes chromatiques intenses.

Céramique
Céramique est faite avec de l’argile, en quatre classes: argile poreuse rouge-jaunâtre cuite (poterie, terre cuite, génoise); argile blanche poreuse cuite (vaisselle); argile cuite grise, brune ou brune non poreuse (grès); argile cuite blanche compacte non poreuse (porcelaine). D’autres variantes sont la faïence et la faïence, toutes deux en stannous: le premier terme est utilisé principalement en Italie et le second dans le reste de l’Europe. Il peut être fait manuellement ou mécaniquement – avec un tour -, puis il est cuit au four – à des températures comprises entre 400º et 1300º, selon le type -, et il est décoré avec de l’émail ou de la peinture.55 La décoration peut être: excisa , applications en relief réalisées avec de la boue; incisa, un dessin dessiné sur la boue encore tendre; avec des moules, appliqués sur la surface molle de l’argile; polissage, fait sur l’argile cuite; sgraffito, application de différentes couleurs qui sont ensuite déchirées selon l’effet désiré; et marbré, mélangeant plusieurs colorants avec une graisse, créant des veines dans la céramique.

Laque
La laque est un vernis brillant, épais et solide, extrait de résines minérales ou végétales et provenant d’Extrême-Orient. Ce vernis est appliqué sur des objets de différents matériaux: bois, métal, céramique, papier ou cuir. La technique de la laque commence par une première application de laque grossière, qui est recouverte de plusieurs couches de laque fine, dont la dernière sera de l’ombre désirée; ensuite on fait la décoration, qui peut être peinte avec une brosse, en la sculptant ou en l’incisant, en incrustant d’autres matériaux ou en pulvérisant de l’or ou de l’argent; enfin, une laque finale est faite avec plusieurs couches de laque translucide.

Eboraria
Eboraria est l’œuvre de l’ivoire, qui est obtenue à partir des cornes d’éléphants. Il peut être appliqué en bois incrusté et, à titre individuel, en ivoire sculpté, dessiné et peint. La sculpture commence avec la coupe de la défense en morceaux ou « bateaux », avec lesquels l’objet est façonné et ensuite décoré et, parfois, polychrome. Le brouillon est similaire au précédent, avec une technique plus raffinée qui imite la taille du bois. Les peintures étaient des plaques d’ivoire sur un cadre en bois, sur lesquelles étaient appliqués des pigments à la brosse.

Plumeria
Les plumes sont des structures kératiniques de la peau des oiseaux. En général, ils sont joints à d’autres supports – généralement tissés – en les cousant, en les collant ou en les assemblant. Son utilisation principale était en Amérique précolombienne.

Vannerie
La vannerie est l’un des plus anciens artisanats au monde, c’est celui des conteneurs de fibres végétales enfermés ensemble. La technique la plus ancienne est le tissage en spirale, réalisé avec des roseaux, des pailles ou des fibres torsadées en forme de corde et enroulé en spirale leur donnant la forme désirée, généralement sphérique ou ovoïdale. Une autre technique est le tressage, qui se fait en enroulant de longs plis cousus avec des fibres. Troisièmement, l’entrelacement est réalisé en tissant les fibres sur un cadre en osier.

Ventilateur
Cet instrument pour donner de l’air a souvent fait l’objet d’une décoration et, parfois, il a été placé à l’intérieur de maisons comme un objet décoratif. Ils peuvent être rigides, mais la plupart sont pliables. Ils consistent généralement en une surface de pliage (pays) en tissu, en papier, en gaze, en dentelle ou en chevreau, avec des tiges (guides) en bois, en ivoire, en nacre, en laque ou en coquille; les deux tiges d’extrémité sont appelées pelles. La partie exposée des tiges (sources) peut être décorée avec des techniques ajourées, dorées ou autres.

Glíptica
Glíptica est l’art de sculpter des pierres précieuses ou semi-précieuses pour la fabrication de timbres, de pièces de monnaie ou de médailles. Il est généralement fait en camée ou en sculpture, et parfois en forme ronde, généralement en petits morceaux. Le travail de ces pièces est effectué avec des abrasifs et des broyeurs à tête émoussée ou tranchante.

Contraignant
Reliure est la couverture d’un livre ont la fonction principale de conserver leur contenu d’agents externes, bien que souvent ils ont été objet d’ornementation. La jonction des plis peut être faite avec la couture, le collage ou d’autres procédures. Les couvertures peuvent être faites de papyrus, de bois, de cuir, de cuir (or, ciselé ou gaufré), de carton ou d’autres matériaux, parfois avec des applications d’émail, d’orfèvre ou d’eboraria.

Horlogerie
L’horlogerie est un instrument pour mesurer le temps a souvent été un objet d’ornementation et, au fil du temps, a évolué à la fois technologiquement et stylistiquement. Il existe plusieurs types de montres: soleil, eau (clepsydre), sable, anneau, support, affiche, grand-père, banjo, boîte haute, flotteur, ballon, lanterne, piédestal, squelette, parlementaire, régulateur, etc.

Magasin de jouets
Les jouets remplissent en premier lieu la fonction pratique pour laquelle ils sont créés, les jeux d’enfants, mais à l’occasion ils ont été utilisés comme objets ornementaux dans la décoration intérieure. Construit en de nombreux types et matériaux, sa fonction utilitaire a été un inconvénient dans de nombreuses occasions pour sa conservation, raison pour laquelle il est également difficile d’établir une évolution historique. Certaines des modalités de décoration les plus utilisées sont les poupées et les maisons de poupées, les automates, les marionnettes et les marionnettes, les soldats de plomb, les chevaux à bascule, les cerfs-volants, les reproductions d’armes, les trains et les voitures, etc.

Mouvement Arts and Crafts:
Le statut inférieur accordé aux œuvres d’art décoratif par opposition aux beaux-arts s’est rétréci avec la montée du mouvement Arts and Crafts. Ce mouvement esthétique de la seconde moitié du XIXe siècle est né en Angleterre et inspiré par William Morris et John Ruskin. Le mouvement représentait le début d’une plus grande appréciation des arts décoratifs dans toute l’Europe. L’attrait du mouvement Arts and Crafts pour une nouvelle génération a conduit l’architecte et designer anglais Arthur H. Mackmurdo à organiser la Century Guild for craftsmen en 1882, soutenant l’idée qu’il n’y avait pas de différence significative entre les beaux-arts et les arts décoratifs. De nombreux convertis, issus des rangs des artistes professionnels et de la classe intellectuelle dans son ensemble, ont contribué à diffuser les idées du mouvement.

Le mouvement Arts & Crafts a revalorisé le travail artisanal et préconisé le retour aux formes traditionnelles de fabrication, stipulant que l’art doit être aussi utile que beau. Suivant les approches de Ruskin et Morris, Charles Robert Ashbee était l’organisateur principal du mouvement. En 1888, il fonde la Guild and School of Handicraft à Toynbee Hall (Londres), où il conçoit des meubles, de l’argenterie et du métal dans un style proche du modernisme.

Aux États-Unis, ce mouvement – appelé American Craftsman – était représenté par Gustav Stickley, concepteur d’un mobilier simple et fonctionnel, sans ornement, qu’il commença à construire en série, en vue d’une plus grande commercialisation de ses produits. En général, ces artistes ont abandonné le style néo-gothique pour un style plus simple, plus léger et plus élégant, en partie inspiré par le style Reina Ana. Dans les années 1890, l’influence moderniste a été reçue.

L’influence du mouvement Arts and Crafts a conduit à donner aux arts décoratifs une plus grande appréciation et un statut plus élevé dans la société, ce qui s’est rapidement traduit par des changements dans la loi. Jusqu’à la promulgation de la loi de 1911 sur le droit d’auteur, seules les œuvres d’art étaient protégées contre la copie non autorisée. La loi de 1911 a étendu la définition d’une «œuvre artistique» aux œuvres de «l’artisanat artistique».