Artes decorativas

As artes decorativas são artes ou ofícios preocupados com o design e fabricação de objetos bonitos que também são funcionais. Inclui design de interiores, mas não geralmente arquitetura. As artes decorativas são uma série de disciplinas artísticas figurativas tradicionalmente ligadas à criação e decoração de objetos de uso, em oposição às belas artes (pintura, escultura, desenho, gravura, fotografia e mosaico) destinadas a criar artefatos cujo único propósito é em vez da contemplação estética. Este campo inclui todos os ofícios de design de interiores e design de interiores, como mobiliário e mobiliário.

As artes decorativas são muitas vezes catalogadas por meio ou técnica. Entre eles, podemos citar a majestosa, a toreutica, o glíptico, a arte cerâmica, a miniatura, a criação de vitrais e outros objetos de vidro, esmaltes, escultura, incrustação, fabricação de armários, cunhagem de moedas e medalhas, tecelagem e bordados. , design industrial, decoração em geral. Além disso, muitas vezes inclui artes gráficas (gravura) e miniatura, bem como algumas obras de arquitetura, pintura e escultura destinadas à ornamentação e concebidas em série, não como obras individuais.

A distinção entre arte decorativa e arte bonita é sobretudo baseada na funcionalidade, intenções, importância, status de trabalho único ou produção relacionada a um único artista. Produtos de artes decorativas ou mobiliário, podem ser móveis (por exemplo, lâmpadas) ou estacionárias (por exemplo, papel de parede).

As artes decorativas têm sido presentes em maior ou menor medida em todos os períodos da história da arte em geral, seja por solitário ou em conjunto com outras artes, especialmente a arquitetura. Em muitos casos, eles marcaram um certo período histórico, como a arte bizantina, islâmica ou gótica, de tal forma que não seria possível avaliar adequadamente sem a presença desse tipo de trabalho. Em outros casos, especialmente o das culturas nômades, é o único tipo de realização artística realizada por esses povos, como é o caso dos citas ou dos povos germânicos que invadiram o Império Romano. Em muitas culturas, as artes decorativas tiveram um status semelhante ao resto das artes, como é o caso da cerâmica grega ou da laca chinesa. Também vale a pena notar a estreita relação entre as artes decorativas e a cultura popular, que muitas vezes tem sido o principal meio de expressão neste meio.

As artes decorativas são todas aquelas atividades relacionadas à arte ou artesanato destinadas a produzir objetos com finalidade tanto utilitária quanto ornamental. São geralmente obras feitas com uma produção industrial ou artesanal, mas buscando um determinado propósito estético. O conceito é sinônimo das chamadas artes aplicadas ou artes industriais, também às vezes chamadas artes menores, em oposição às principais artes ou artes plásticas. Em certo sentido, as artes decorativas são um termo aplicado preferencialmente às artes industriais, bem como à pintura e à escultura, quando seu objetivo não é gerar um trabalho único e diferenciado, mas sim buscar um propósito decorativo e ornamental, com uma produção em série em série.

A distinção entre as artes decorativas e as artes finas surgiu essencialmente da arte pós-renascentista do Ocidente, onde a distinção é, na maior parte, significativa. Esta distinção é muito menos significativa quando se considera a arte de outras culturas e períodos, onde as obras mais conceituadas – ou mesmo todas as obras – incluem as de mídia decorativa. Por exemplo, a arte islâmica em muitos períodos e lugares consiste inteiramente nas artes decorativas, muitas vezes usando formas geométricas e vegetais, assim como a arte de muitas culturas tradicionais. A distinção entre artes decorativas e artes plásticas não é muito útil para apreciar a arte chinesa, e tampouco é para entender a arte medieval precoce na Europa. Nesse período na Europa, existiam belas artes, como a iluminação manuscrita e a escultura monumental, mas os trabalhos mais prestigiosos tendiam a ser obra de ourives, em metais fundidos, como bronze, ou em outras técnicas como a escultura de marfim. As pinturas de parede em larga escala eram muito menos consideradas, grosseiramente executadas e raramente mencionadas em fontes contemporâneas. Eles provavelmente foram vistos como um substituto inferior para o mosaico, que para este período deve ser visto como uma arte fina, embora nos séculos recentes, os mosaicos tendem a ser vistos como decorativos. O termo “ars sacra” (“artes sagradas”) às vezes é usado para arte cristã medieval feita em metal, marfim, têxteis e outros materiais de alto valor, mas não para trabalhos seculares mais raros desse período.

Conceito:
A técnica das artes decorativas enquadra-se no conceito de arte (τέχνη téchnē), uma manifestação criativa do ser humano, geralmente entendida como qualquer atividade ou produto realizado com um propósito estético e comunicativo, através do qual Idéias, emoções ou, em geral, uma visão de O mundo é expresso através de vários recursos e materiais. A arte é um componente da cultura, que reflete na sua concepção os substratos econômicos e sociais, bem como a transmissão de idéias e valores inerentes a qualquer cultura humana ao longo do espaço e do tempo.

A classificação da arte teve uma evolução paralela ao conceito de arte em si: durante a antiguidade clássica, a arte era considerada todo tipo de habilidade e destreza manual, de tipo racional e sujeito a regras, de modo que as atuais artes plásticas chegassem a essa denominação como como artesanato e ciências. No segundo século, Galen dividiu a arte em artes liberais e artes vulgares, de acordo com a sua origem intelectual ou manual. No Renascimento, a arquitetura, a pintura e a escultura foram consideradas atividades que exigiam não só artesanato e habilidade, mas também um tipo de concepção intelectual que os fazia superiores a outros tipos de artesanato. Em 1746, Charles Batteux estabeleceu as belas artes reduzidas a um único princípio, a concepção atual das artes plásticas, onde incluiu pintura, escultura, música, poesia e dança, mantendo o termo “artes mecânicas” para o resto das atividades artísticas e observando como atividades entre as duas categorias a arquitetura. Ao longo do tempo, esta lista sofreu variações e, a partir de hoje, não está completamente fechada, mas, em geral, definiu uma base comumente aceita.

Os termos «artes decorativas», «artes aplicadas», «artes industriais» ou «artes menores» surgiram em oposição às «artes finas» ou às «principais artes», embora muitas vezes a fronteira não seja inteiramente clara. , dentro das artes plásticas, a função decorativa é considerada secundária: assim, se a pintura tem por si só uma autonomia como obra de arte, na sua aplicação a um objeto, perde essa singularidade para cumprir uma função subordinada, a de embelezar esse objeto. Se a pintura pode representar uma visão do mundo na liberdade conceitual do artista, a pintura decorativa se moverá em um círculo fechado de temas e motivos.

Provavelmente, a separação entre artes principais e menores veio da distinção por parte da crítica de arte do “belo” e do “útil”: o primeiro foi concedido uma categoria superior, já que parecia ser direcionado mais diretamente ao intelecto e / ou o espírito, enquanto o último tinha um propósito mais prático e mundano. Essa distinção não deixou de ser subjetiva, uma vez que uma atividade como a arquitetura, abrangida nas principais artes, certamente é útil, enquanto muitas artes menores, embora úteis, podem ser lindas.

Embora as artes decorativas fossem consideradas uma arte menor, a partir do século XVIII adquiriram uma certa autonomia e, desde então, começaram a valorizar seu aspecto estético e não utilitário e muitas de suas produções foram valorizadas como obras de arte com sua própria singularidade . No entanto, as artes decorativas aplicadas à indústria – mais apropriadamente chamadas hoje “artes industriais” – foram separadas desse conceito, uma vez que neste tipo de objetos a decoração é geralmente secundária; assim, a estética funcionalista tende a valorizar os objetos mais por sua utilidade, rejeitando uma decoração muitas vezes superposta.

O termo “artes decorativas” foi forjado no terceiro século do século XIX, principalmente como substituto do termo “artes menores”, que foi pejorativo. Na gênese das artes decorativas ou industriais, a praticidade e a estética estão inextricavelmente ligadas. Assim, a produção de objetos abrangidos neste termo deve levar em consideração a finalidade do produto (eletrodomésticos, roupas, utensílios, móveis), bem como sua aparência formal. Assim, um objeto utilitário que é subsequentemente decorado ou, ao contrário, outro que tem um aspecto artístico que não cumpre uma função prática, não entraria nessa categoria, embora as artes decorativas tenham sido frequentemente consideradas produtos com uma função ornamental simples, mas produzido em série, o que se afastaria do conceito de obra de arte única com letras maiúsculas.

Um fator decisivo na nova consciência das artes decorativas foi a publicação entre 1860 e 1863 do livro Der Stil in den technischen und tectonischen künsten der praktische Aestetik, de Gottfried Semper, onde prestou especial atenção às artes decorativas dentro da história de a arte. Este trabalho influenciou o historiador formalista Alois Riegl, que em sua análise da história da arte como função de estilo também incluiu as artes decorativas. Para Riegl, que era curador do Museu de Artes Decorativas de Viena, as técnicas utilizadas na produção artística marcaram a evolução das formas artísticas.

Géneros de arte:
Para as artes relacionadas à decoração foram aplicadas ao longo da história muitos termos mais ou menos sinônimo, embora possam ter algumas diferenças em nuances gerais expressas o mesmo conceito:

Artes decorativas: o termo afeta o propósito decorativo deste tipo de artes, porque seu objetivo é enfeitar um espaço específico, pelo que são considerados especialmente ligados à arquitetura. Em geral, é considerado o termo mais apropriado e que concede uma maior dignidade, prova disso é que a maioria dos museus dedicados a este tipo de obras são geralmente chamados de Museus de Artes Decorativas.

Artes menores: surgiu em confronto com a ideia de grandes artes ou artes plásticas (arquitetura, escultura e pintura), embora seja pejorativa e marca alguns limites que não são reais, uma vez que a pintura e a escultura podem ser consideradas em certos casos como artes decorativas

Artes úteis ou utilitárias: este termo coloca ênfase no aspecto prático desse tipo de realizações, que subestima seu componente estético, enquanto seria discutível se a utilidade de algumas artes plásticas como a arquitetura os reduziria a esse nível.

Artes funcionais: análogo ao anterior, o aspecto funcional desses trabalhos é influenciado, o que dá origem a um debate semelhante, que pode ser adicionado se as principais artes não tiverem também uma função.

Artes aplicadas: este termo vem da relação entre este tipo de disciplinas artísticas e sua produção de tipo artesanal ou industrial, já que geralmente são criadas por várias técnicas e procedimentos especializados que precisam de treinamento profissional ou semi-profissional. Assim, a maioria das escolas onde esses negócios são aprendidos são muitas vezes chamadas de Escolas de Artes Aplicadas (ou Artesanato).

Artes auxiliares: o aspecto secundário deste tipo de disciplinas é enfatizado aqui, uma vez que suas produções destinam-se a decorar obras “maiores”, de preferência espaços arquitetônicos. Mais uma vez é um termo pejorativo e isso não inclui todas essas realizações, que em muitos casos podem ter autonomia por si só.

Artesanato, artesanato artístico: neste sentido, o aspecto de produção desses trabalhos é afetado em termos de profissionalismo de seus artesãos, na consideração de objetos artesanais, sem processo de fabricação mecânica. Grande parte desse conceito vem do movimento Artes e Ofícios, que surgiu no Reino Unido no século XIX.

Artes manuais: um termo raramente usado em geral, afeta o artesanato deste tipo de trabalho, o que exclui sua produção mecânica em muitos casos.

Artes industriais: em contraste com a anterior, o processo de mecanização e produção industrial de muitas dessas obras é expresso aqui, especialmente desde a Revolução Industrial. Pode-se argumentar aqui se esse tipo de fabricação é feita em detrimento do processo criativo do artista ou simplesmente é uma ferramenta que ajuda na sua realização. Talvez seja aplicável somente às obras produzidas em série.

Artes de Sumptuary: o termo suntuário significa “pertencer ou relacionar-se ao luxo”, de modo que é aplicado de preferência às artes decorativas feitas com materiais preciosos (ouro, prata, jóias).

Fatores de influência:
Tipo de trabalhos: um primeiro fator a ter em conta é a função e o destino do trabalho, seja religioso ou secular, culto ou popular, seja para um endereço, uma empresa, um palácio ou qualquer outro propósito.

Técnicas e materiais: cada disciplina artística tem certas técnicas e materiais de preparação, que devem ser considerados para o resultado final, dependendo do objeto que deseja criar. Muitos desses elementos são determinantes de um determinado tempo ou estilo, para que eles ajudem no estudo e na classificação.

A compreensão moderna da arte de muitas culturas tende a ser distorcida pelo privilégio moderno das mídias artísticas sobre os outros, bem como pelas taxas de sobrevivência muito diferentes dos trabalhos em diferentes mídias. As obras de metal, acima de tudo em metais preciosos, são susceptíveis de serem “reciclado”, logo que caem da moda, e são freqüentemente usadas pelos proprietários como depósitos de riqueza, para serem derretidas quando dinheiro extra era necessário. Os manuscritos iluminados têm uma taxa de sobrevivência muito maior, especialmente nas mãos da igreja, pois havia pouco valor nos materiais e eram fáceis de armazenar.

Forma: a forma marca o ritmo dos volumes e proporções de um determinado espaço, especialmente em peças isentas. Por outro lado, a forma expressa a função do objeto e suas características temporais, por isso é um reflexo do estilo e do quadro histórico e social em que foi criado.

Sistema decorativo: estabelece o tipo de motivo ornamental de uma peça e a forma como esse motivo se encaixa dentro da composição do mesmo. Os três motivos ornamentais principais são: geométricos, epigráficos e naturalistas (vegetais, animais, humanos ou paisagens), que podem ser isolados ou combinados. Dependendo da sua composição, são geradas diversas linguagens expressivas, como o naturalista, se for inspirado pela realidade da natureza visível; ou o estilizado, se fizer uma reinterpretação subjetiva da realidade. Também dentro da composição deve ser levado em conta se a ornamentação é limitada a uma área específica do trabalho ou cobre-a completamente (o chamado horror vacui). Dentro deste espaço, motivos decorativos podem ser feitos por repetição, alternância, simetria ou inversão.

Motivos geométricos: entre os principais são o ponto, a linha, o ziguezague, a faixa quebrada, a lança, o meandro, o quadrado, o losange, o xadrez, o triângulo, o hexágono, o octógono, a sinusoide, a espiral , o círculo e o semicírculo, a elipse, etc.

Razões arquitetônicas: cordão, listel, touro, bocel, scotland, galão, cartela, etc.

Motivos naturalistas: vêm principalmente de flora, fauna, seres humanos, seres fantásticos e mitológicos, elementos astronômicos, paisagens e objetos de todos os tipos.

Motivos complexos: são basicamente a escrita e os símbolos, bem como os motivos heráldicos.

Cor e luz: no aspecto estético e formal do trabalho da arte decorativa, a cor e a luz são decisivas, que influenciam a forma do objeto, o material e várias qualidades como solidez, refração, transparência ou opacidade, a reflexão, a textura, relevo ou jogos de luzes e sombras. Além disso, além de suas qualidades físicas, eles podem expressar um certo simbolismo, uma vez que as cores são freqüentemente associadas a certos conceitos religiosos ou culturais, enquanto a luz é freqüentemente associada à divindade e revelação.

Ritmo e equilíbrio: as artes decorativas têm o propósito de decorar um espaço, que normalmente é alcançado com a conjunção de vários elementos. Portanto, um fator a ter em conta é a harmonia entre todas as peças de um determinado espaço, o equilíbrio geral e o ritmo espacial em que estão circunscritos. Essa harmonização de elementos expressa, por outro lado, conceitos inerentes a um determinado período, como moda ou estilo, costumes ou o pensamento de uma sociedade.

Relacionamento espacial: as obras de arte mais decorativas (exceto as isentas) são projetadas para um espaço específico, que influencia sua concepção e realização. Na avaliação deste tipo de trabalhos, deve ser considerado se eles estão em seu local original ou não; Uma dessas obras exibidas em um museu pode ser avaliada por suas qualidades intrínsecas, mas perder sua função original perde algum significado.

Economia, sociedade e moda: toda obra de arte é o reflexo de um determinado momento histórico e social, o que supõe um fator determinante na sua gênese produtiva. Na elaboração desses objetos, os fatores econômicos que marcam sua produtividade, os fatores de condicionamento social que determinam sua função e os aspectos de moda e estilo que condicionam sua forma e aparência podem ser decisivos. Essas condições externas estão ligadas a outros fatores internos, como a técnica, para determinar o processo de produção dessas realizações.

Influências entre as artes: as diferentes modalidades artísticas – tanto maiores como menores – influenciam-se, assim como os artistas. Essas influências também são transmitidas no tempo, que é denotada na sucessão de períodos de acento classicista marcado com outros de gosto barroco. Geralmente, a influência das principais artes sobre os menores foi percebida, mas às vezes também aconteceu pelo contrário, como a influência das artes decorativas islâmicas na escultura românica espanhola, da gravura na pintura do barroco ou de A decoração rococó na arquitetura do século XVIII na França e na Alemanha.

Classificação e técnicas:

Mosaico e incrustação
O mosaico é a técnica de fazer imagens incorporando pedras duras, tanto no solo como na parede. Quando é colocado como um pavimento, ele recebe o termo grego lithostroton: o revestimento é aplicado em lima, areia ou outros materiais, como pedras, pedras, lajes de mármore, etc. Existem vários tipos: opus lapilli, pequenos seixos de cores naturais , que por si só compor o desenho; opus tessellatum, formado por tesserae, pedaços de forma quadrada de dois centímetros, com a qual a composição é elaborada, geralmente de tipo geométrico; opus vermiculatum, também feito com azulejos, mas de contornos diferentes, podendo assim formar caminhos diferentes; opus sectile, formado por lajes de mármore de forma irregular. O próprio mosaico, também chamado de opus musivum, é a mesma técnica, mas aplicado à decoração de parede: é feito com telhas de pasta de vidro, aplicadas na parede preparada com várias camadas de argamassa, fazendo figuras e desenhos. O embutimento é uma técnica semelhante à anterior, pode ser pavimentada ou parietal, ou pode até ser aplicada em móveis ou outros objetos. Consiste na incorporação de placas finas de pedra e mármore de cor, corte e embutido formando diversas imagens ou composições em uma superfície compacta. Também pode ser feito em madeira (intarsia), sendo uma técnica freqüente na fabricação de armários. Em Carpi, no século XVII, uma camada de gesso também surgiu. Outra variante é a salsicha de pedras duras.

Vidro
O vidro é feito em cristais em madeira, gesso, ouro ou chumbo, que estão equipados com folhas de chumbo, estantando-os, com uma camada de massa (pintor branco com óleo de linhaça). As velhas janelas de vitrais têm grisailles, óxido férrico líquido, aplicadas para desenhar com precisão pequenos detalhes; até 1340 foi substituído por óxido de prata e, a partir daqui, os cristais coloridos já não são feitos, mas coloridos em vidro branco. O processo de fabricação é por fases: elaboração de um esboço em papelão, corte de óculos, pintura do mesmo, cozimento e união por chumbo.

Existem vários tipos de vidro: «vidro de sódio» (o mais básico, feito de sílica), vidro (sílica e óxido de chumbo ou potássio), «vidro de calcedônia» (óxidos de sílica e metal) e «vidro de leite» (sílica, dióxido de manganês e óxido de estanho). A técnica principal para o trabalho está soprando, onde pode ser dada qualquer forma e espessura. Quanto à decoração, pode ser pintado, graffiti, esculpido, com clipes, filigrana, etc. O esmalte é uma pasta de vidro (sílica, limão, potássio, chumbo e minium), em suporte metálico, trabalhado de acordo com várias técnicas: cloisonne , pequenos filamentos de ouro ou cobre, com os quais a figura é desenhada no suporte, separar o esmalte em partições; Champlevé, que é feito reduzindo o suporte em alvéolos e esvaziando o material em concavidades, preenchido com esmalte; Ajouré, uma superfície dourada onde as formas são cortadas com serras ou arquivos, preenchendo a parte removida com esmalte.

Azulejería
A Azulejería é uma telha cerâmica vidrada que é usada como revestimento de piso e parede. Como os tijolos esmaltados, tem sua origem no Oriente Próximo. Na Espanha, no século XV, surgiu a variante da telha, com três tipos: corda seca, bacia ou cume. No mesmo século, na Itália, começou a produção de lajes de majolica, especialmente em Nápoles e Faenza, cujas composições pictóricas mais tarde tiveram grande sucesso em Espanha e em Portugal, bem como no México e no Peru.

Azulejería é uma substância fóssil, uma variedade de lignite, superfície preta e brilhante. Geralmente eles são pequenos pedaços, que funcionam com arquivo e guincho, em relevo ou escultura, com uma fase final de polimento. Muitas vezes, eles estão ligados a outras obras de escultura ou ourivesaria, sendo bastante frequentes nas artes sumptuárias.

Estuque e estuque
O estuque é feito com pasta de limão (ou gesso branco), pó de mármore, areia lavada e caseína, em proporções diferentes, dependendo da hora e do lugar. Suas duas aplicações principais são como um revestimento ou como uma decoração, com diferentes espessuras, geralmente mais compactas para o primeiro caso e mais finas e maleáveis ​​para o segundo. Por sua vez, o gesso é um sulfato de cal hidratada, que se mistura com água, forma uma pasta branca, que pode ser usada tanto para construção quanto para escultura e relevos. A principal diferença entre os dois é que o emplastro, sem pó de mármore, é mais frágil e de menor qualidade, embora seu valor decorativo seja semelhante.

Carpintaria e marcenaria
As artes da madeira são usadas tanto como um revestimento na arquitetura (tectos artesanais, portas, janelas, varandas, balaústres) – incluindo arquiteturas provisórias como capelardentes e retablos – como em elementos transportáveis ​​(móveis). As duas técnicas principais estão esculpindo e girando: a primeira é feita com instrumentos afiados, como o burin – em alta, média, baixa ou huerelrelieve – ou em ornamentação incisada; O segundo envolve um processo de manipulação mecânica mais elaborado. Quanto à ornamentação, existem vários procedimentos: intarsia, semelhante ao embutido, mas em madeira; incrustação (ou marqueteria), um tipo de embutimento similar, mas mais superficial, feito com cola (neste caso, as peças adicionadas podem ser de outro tipo de madeira ou outros materiais, principalmente marfim, osso, madrepérola ou metal); chapeamento, consistindo em usar uma base de madeira grosseira e sobrepor outro mais refinado de maior qualidade; lacado, aplicação de técnica de laca à madeira; policromática, superposição de madeiras de diferentes cores para criar efeitos cromáticos; ouro, combinação de madeira e folha de ouro; sgraffito, combinação de ouro e policromo; pirografia, consistindo em queimar a madeira com um metal incandescente; Agrupados, revestidos de madeira com couro; e ensaiada, revestida de madeira com pano.

Metalurgia
O metal (ferro, cobre, bronze) pode ser usado sozinho ou folheado em madeira, geralmente em elementos de fechamento, como portas, barras e portões. O bronze geralmente é derretido e derramado em moldes. O trabalho com ferro (limonite, pirita ou magnetita) é chamado forja: é reduzido com calor, a partir do qual uma pasta avermelhada com a qual os lingotes são feitos. Existem três classes: ferro fundido, com muito carbono, sílica, enxofre e manganês, não é usado para forjar, apenas derreter no molde; ferro doce ou forjado, com menos carbono, é mais maleável e dúctil, pode ser forjado, mas é macio e maçante; e o aço, com manganês, tungstênio, cobalto e tungstênio, é mais difícil, para instrumentos de corte. A modelagem é feita sem adicionar ou remover material, mas existem várias técnicas alternativas: alongar, ampliar, dividir, dobrar, enfatizar etc. O ouro e os efeitos policromos também podem ser dados.47

Artes têxteis
Eles se manifestam principalmente em tecidos e bordados. Um tecido é um trabalho de tear composto de vários fios dispostos em urdidura e trama. Os teares podem ser móveis (ou “cintura”) ou fixos (vertical ou horizontal). Dependendo da multiplicidade ou entrelaçamento dos fios, são obtidos diferentes tipos de tecidos, tais como tafetá, sarja, cetim, seda, veludo, etc. Estes tecidos podem ser naturais ou impressos, aplicando corantes no tecido. Quanto às tipologias, as mais utilizadas nas artes decorativas são tapetes e tapeçarias e, em menor grau, rendas. Os bordados são trabalhos em relevo feitos com agulha em tecidos já fabricados.

Chorioplastia
O trabalho de couro tem duas modalidades principais: o couro cordobés, de cabra ou cabra bronzeada, apareceu em Córdoba no período andaluz, usado como complemento para mobiliário; e o guadamecí, pele de carneiro curtido e esculpido, e mais tarde policromada, dourada ou prata, usavam ornamentos de retábulos, copas e altares ou revestimentos de paredes, cortinas ou móveis, às vezes até como tapetes. Existem diferentes técnicas para o trabalho em couro: gravura, gravação em relevo, acabamento, esqueleto, escultura, estampagem, engomar, corte, etc. O bordado, o ouro, a prata ou a folha de alumínio, ou as aplicações de hardware ou de unhas podem ser adicionadas ao couro, e pode ser policromado com produtos minerais (potassa) ou químicos (anilina), ou com óleo ou tinta temperada.49 Outras modalidades são o tafilete, pele de cabra polida mais fino do que o cordovente, usado de preferência em ligação; e o marroquino, pele de carneiro usado principalmente em estofados de móveis.

Miniatura
A miniatura é um tipo de pintura de pequenas dimensões feitas em papel, pergaminho ou velo, embora possa ser em outros suportes. A técnica mais comum é gouache, pigmentos dissolvidos em água de goma ou outros aglutinantes (goma arábica, clara de ovo, mel). O suporte mais comum é nos livros, geralmente ilustrações que acompanham o texto escrito.

Gravação
A gravura é um selo obtido por meio de um ferro ou matriz. Existem diferentes técnicas:
Cálcografia: gravura em cobre feito em vazio, em várias técnicas: gravura, técnica de gravura química consistindo em tratar as partes da placa de metal não protegidas por um verniz com “água forte” (ácido nítrico diluído em água); técnica de aquatinte de uma placa de metal coberta com resina, que uma vez aquecida adere-se à superfície do prato, em seguida, desenhe nesta superfície com um tipo especial de tinta, chamado aquatinta; A gravação de burin, é feita em chapa de cobre, com um burin, com o qual o desenho é delineado, enchendo os sulcos com tinta; gravado com ponto seco, nesta técnica a placa é trabalhada diretamente com uma ponta de aço, diamante ou rubi, sem recorrer a vernizes ou ácidos, com os quais você obtém linhas ásperas chamadas “rebarbas”, diferentes dependendo da pressão e ângulo de incisão, que ao contrário do burin não corta o metal, mas o arranha; gravado com meia tinta (mezzotinto), a placa é trabalhada com um raspador de várias pontas (rocker ou berceau), obtendo um grão uniforme atravessando linhas, com os tons claros e escuros que se distinguem.
Woodcut: gravura em madeira (geralmente cereja ou boxwood), feita em um desenho esboçado na tábua de madeira e esculpida com uma faca, gouge, cinzel ou cincel, esvaziando os brancos de madeira e deixando os negros em alívio; É então entrado com um rolo e estampado, manualmente ou com a imprensa.
Linocut: técnica de gravação em relevo semelhante à madeira, mas usando linóleo em vez de madeira.
Litografia: é uma gravura em calcário, que é feita tratando a superfície com um lápis de graxa para delimitar o desenho e fazer a gravação de acordo com dois procedimentos: banhar-se com ácido, corroer a parte não desidratada e deixar o desenho em alívio; ou aplicando dois tipos de tinta e graxa aquosas, fixando o primeiro em segundo plano e cobrindo o segundo as linhas desenhadas a lápis. Foi inventado por Aloys Senefelder em 1796.
Serigrafia: técnica pela qual as impressões são obtidas através da filtragem das cores por um padrão de seda – ou, atualmente, nylon -, recobre com cola as peças que não devem ser filtradas para impermeabilizá-las. Foi inventado na China.

Goldwork
A Goldwork é a arte de fazer objetos decorativos com metais preciosos ou pedras preciosas, como ouro, prata, diamante, pérola, âmbar, coral, etc. Existem diferentes técnicas e modalidades:
Cameo: é a escultura de figuras em relevo em pedras rígidas estratificadas, como ágata, sardônica, coral e casca, que geralmente possuem camadas de cores diferentes, o que proporciona contrastes cromáticos intensos.

Cerâmica
A cerâmica é feita com argila, em quatro classes: argila porosa argila vermelha-amarelada (cerâmica, terracota, bolo de esponja); Argila cozida poroso branco (louça); Argila cozida não-porosa cinza, marrom ou marrom (grés); Argila cozida branca não porosa compacta (porcelana). Outras variantes são a majólica e a faiança, ambas as coisas estanques: o primeiro termo é usado principalmente na Itália e o segundo no resto da Europa. Pode ser feito manualmente ou mecanicamente – com um torno -, então é cozido no forno – em temperaturas entre 400º e 1300º, dependendo do tipo – e está decorado com esmalte ou tinta.55 A decoração pode ser: excisa , aplicações em relevo feitas com lama; incisa, um desenho desenhado na lama ainda é terno; com moldes, aplicado sobre a superfície macia da argila; polimento, feito na argila cozida; sgraffito, aplicação de várias cores que são então rasgadas de acordo com o efeito desejado; e marmoreado, misturando vários corantes com uma gordura, criando veias na cerâmica.

Laca
A laca é um verniz brilhante, espesso e sólido, extraído de resinas minerais ou vegetais e que vem do Extremo Oriente. Este verniz é aplicado em objetos de vários materiais: madeira, metal, cerâmica, papel ou couro. A técnica de laca começa com uma primeira aplicação de laca grosseira, que é coberta com várias camadas de laca fina, a última das quais será da sombra desejada; então é feita a decoração, que pode ser pintada com pincel, escultura ou incisão, com incrustação de outros materiais, ou por pulverização de ouro ou prata; Finalmente, uma laca final é feita com várias camadas de laca translúcida.

Eboraria
Eboraria é o trabalho do marfim, que é obtido a partir dos chifres de elefantes. Pode ser aplicado em madeira embutida e, como trabalho individual, em marfins esculpidos, desenhados e pintados. A escultura começa com o corte da presa em pedaços ou “barcos”, com os quais o objeto é moldado e posteriormente decorado e, às vezes, policromado. O rascunho é semelhante ao anterior, com uma técnica mais refinada que imita o tamanho do fretwork da madeira. Os pintados costumavam ser placas de marfim em uma armação de madeira, em que se aplicavam pigmentos com escova.

Plumeria
As penas são estruturas queratinosas da pele dos pássaros. Em geral, eles estão unidos a outros suportes – geralmente tecidos – por costura, colagem ou montagem. Seu uso principal foi na América pré-colombiana.

Basketry
Basketry é um dos ofícios mais antigos do mundo é o dos recipientes de fibras vegetais trancadas. A técnica mais antiga é a tecelagem em espiral, feita com canas, palhas ou fibras torcidas sob a forma de corda e ferida em espiral, dando-lhes a forma desejada, geralmente esférica ou ovoidal. Outra técnica é o trança, que é feito por enrolamento de plissados ​​largos costurados com fibras. Em terceiro lugar, o entrelaçamento é conseguido tecendo as fibras em uma moldura de vime.

Ventilador
Este instrumento para dar ar tem sido frequentemente objeto de decoração e, às vezes, foi colocado dentro das casas como um objeto decorativo. Eles podem ser rígidos, mas a maioria é dobrável. Eles geralmente consistem em uma superfície dobrável (país) de pano, papel, gaze, renda ou criança, com varas (guias) de madeira, marfim, nácar, laca ou casca; As duas varas de extremidade são chamadas de pás. A parte exposta das varas (fontes) pode ser decorada com técnicas abertas, douradas ou outras.

Glíptica
Glíptica é a arte de esculpir pedras preciosas ou semipreciosas para a fabricação de selos, moedas ou medalhas. Geralmente é feito em cameo ou em escultura, e às vezes em uma forma redonda, geralmente em pequenos pedaços. O trabalho destas peças é realizado com abrasivos e trituradores com cabeças bruscas ou afiadas.

Obrigatório
O encadernamento é que as capas de um livro têm a principal função de conservar seu conteúdo de agentes externos, embora muitas vezes eles tenham sido objeto de ornamentação. A união das dobras pode ser feita com costura, colagem ou outros procedimentos. As tampas podem ser feitas de papiro, madeira, couro, couro (ouro, cinza ou em relevo), papelão ou outros materiais, às vezes com aplicações de esmalte, ourivesaria ou eboraria.

Relojoaria
A relojoaria é um instrumento para medir o tempo tem sido frequentemente um objeto de ornamentação e, ao longo do tempo, evoluiu de forma tecnológica e estilística. Existem muitos tipos de relógios: sol, água (clepsidra), areia, anel, suporte, cartaz, avô, banjo, caixa alta, flutuador, balão, lanterna, pedestal, esqueleto, parlamentar, regulador, etc.

Loja de brinquedos
Os brinquedos cumprem, em primeiro lugar, a função prática para a qual são criados, os jogos infantis, mas, ocasionalmente, foram utilizados como objetos ornamentais na decoração de interiores. Construído em numerosos tipos e materiais, sua função utilitária tem sido um inconveniente em muitas ocasiões pela sua conservação, razão pela qual também é difícil estabelecer uma evolução histórica. Algumas das modalidades mais utilizadas em decoração foram bonecos e casas de bonecos, autômatos, fantoches e fantoches, soldados de chumbo, cavalos de balanço, pipas, reproduções de armas, trens e carros, etc.

Movimento de Artes e Ofícios:
O status mais baixo dado às obras de arte decorativa em contraste com a arte fina estreitou com a ascensão do movimento de artes e artesanato. Este movimento estético da segunda metade do século XIX nasceu na Inglaterra e inspirado por William Morris e John Ruskin. O movimento representou o início de uma maior apreciação das artes decorativas em toda a Europa. O apelo do movimento Arts and Crafts a uma nova geração levou o arquiteto e designer inglês Arthur H. Mackmurdo a organizar o Century Guild para artesãos em 1882, defendendo a idéia de que não havia diferença significativa entre as artes finas e decorativas. Muitos conversos, tanto das fileiras de artistas profissionais quanto de toda a classe intelectual como um todo, ajudaram a espalhar as idéias do movimento.

A revalorização do movimento artístico e artesanal do trabalho artesanal e defendeu o retorno às formas tradicionais de fabricação, estipulando que a arte deve ser tão útil quanto bonita. Seguindo as abordagens de Ruskin e Morris, Charles Robert Ashbee foi o principal organizador do movimento. Em 1888, fundou a Guild and School of Handicraft em Toynbee Hall (Londres), onde ele projetou móveis, talheres e trabalhos em metal em um estilo próximo ao modernismo.

Nos Estados Unidos, este movimento – chamado American Craftsman – foi representado por Gustav Stickley, designer de um tipo de mobiliário simples e funcional, sem ornamentos, que ele começou a construir em série, com vistas a uma maior comercialização de seus produtos. Em geral, esses artistas abandonaram o estilo neogótico para um estilo mais simples, mais leve e mais elegante, parcialmente inspirado pelo estilo Reina Ana. Na década de 1890, a influência modernista foi recebida.

A influência do movimento de artes e artesanato levou as artes decorativas a ter uma maior apreciação e status na sociedade e isso logo se refletiu em mudanças na lei. Até a promulgação da Lei de direitos autorais de 1911, apenas obras de arte foram protegidas contra cópias não autorizadas. O Ato de 1911 ampliou a definição de “trabalho artístico” para incluir obras de “artesanato artístico”.