장식 예술은 기능성이있는 아름다운 물체를 디자인하고 제조하는 예술 또는 공예품입니다. 그것은 인테리어 디자인을 포함하지만 일반적으로 아키텍처는 아닙니다. 장식 예술은 전통적으로 사용 목적의 생성 및 장식과 관련된 일련의 비 유적 예술 분야이며, 목적이 의도 된 유물을 만들기위한 미술 (그림, 조각, 그림, 조각, 사진 및 모자이크)과 반대입니다. 대신 미학적 묵상. 이 필드에는 가구 및 가구와 같은 인테리어 디자인 및 인테리어 디자인의 모든 공예품이 포함됩니다.

장식 예술은 보통 매체 또는 기법으로 분류됩니다. 그 중에서도 우리는 금세 스 피커, 토루 티 츠, 글리프 틱, 도예, 미니어처, 스테인드 글라스 및 기타 유리 제품의 제작, 에나멜, 조각, 속지, 캐비닛 제작, 동전 및 메달 제작, 직조 및 자수를 언급 할 수 있습니다 , 산업 디자인, 장식 일반적으로. 또한 그래픽 아트 (조각) 및 미니어처뿐만 아니라 장식을 목적으로 한 일련의 건축물, 회화 및 조각 작품도 포함되며 개별 작품이 아닙니다.

장식 예술과 아름다운 예술의 구분은 무엇보다도 단일 예술가와 관련된 기능, 의도, 중요성, 단일 작업 또는 생산 상태에 기반합니다. 장식용 예술품 또는 가구는 이동식 (예 : 램프) 또는 고정식 (예 : 벽지) 일 수 있습니다.

장식 예술은 다른 예술, 특히 건축과 결합하여 또는 단독으로, 일반적으로 미술사의 모든 기간 동안 더 많거나 적게 존재 해왔다. 많은 경우 비잔틴, 이슬람 또는 고딕 예술과 같은 특정 역사적시기를 표시하여 이러한 유형의 일이 없어도 적절하게 평가할 수 없게됩니다. 다른 경우, 특히 유목민 문화의 경우에는 스키 타이 인이나 로마 제국을 침략 한 게르만 민족의 경우와 마찬가지로이 민족이 수행 한 유일한 예술적 업적입니다. 많은 문화권에서 장식 예술은 그리스 도자기 또는 옻칠의 경우처럼 예술의 나머지 부분과 비슷한 지위를 가지고 있습니다. 장식 예술과 대중 문화의 긴밀한 관계에 주목할 가치가 있습니다.이 문화는 흔히이 매체에서 표현의 주요 수단이었습니다.

장식 예술은 실용적이고 관상적 인 목적으로 대상을 생산하도록 고안된 예술이나 공예와 관련된 모든 활동입니다. 그들은 일반적으로 산업 또는 장인의 생산으로 만들어 지지만 특정한 미적 목적을 추구하는 작품입니다. 이 개념은 소위 “응용 예술”또는 “공예 예술”과 동의어로, 때로는 주요 예술이나 미술과는 달리 사소한 예술이라고도합니다. 특정 의미에서, 장식 예술은 독특하고 차별화 된 작품을 창작하지 않고 장식과 장식 목적을 추구 할 때 회화와 조각뿐만 아니라 산업 예술에 바람직하게 적용되는 용어입니다. 일반적으로 연속 제작.

장식과 미술 사이의 구분은 근본적으로 서구의 르네상스 이후의 예술에서 비롯된다.이 예술의 구별은 대부분 의미가있다. 이 구별은 다른 문화와 시대의 예술을 고려할 때 의미가별로 없으며, 가장 존경받는 작품 – 또는 모든 작품 -은 장식용 미디어에 포함됩니다. 예를 들어, 많은 기간과 장소에서 이슬람 예술은 많은 전통 문화의 예술처럼 기하학과 식물 형태를 사용하여 장식 예술로 완전히 구성됩니다. 장식과 미술 사이의 구별은 중국 예술을 감상하는 데별로 도움이되지 않으며 유럽의 초기 중세 미술을 이해하는데도 유용하지 않습니다. 유럽의 그 시대에는 원고 조명과 기념비적 인 조각과 같은 미술이 있었지만 가장 권위있는 작품은 금세공 작품, 청동과 같은 주조 금속 또는 상아 조각과 같은 다른 기법에 사용되는 경향이있었습니다. 대규모 벽화는별로 고려되지 않았고, 엄격하게 처형되었으며, 현대의 소스에서 거의 언급되지 않았습니다. 그들은 아마도 모자이크에 대한 열등한 대용품으로 여겨졌을 것인데,이 기간 동안 미술 작품으로 여겨 져야만합니다. 그러나 최근 몇 세기 동안 모자이크는 장식으로 보여지는 경향이있었습니다. “ars sacra”( “신성한 예술”)이라는 용어는 때로는 금속, 상아, 직물 및 기타 고 가치 소재로 된 중세의 기독교 예술에 사용되지만 그 기간의 희귀 한 세속적 인 작품에는 사용되지 않습니다.

개념:
장식 예술 기술은 예술 (τέχνη téchnē)의 개념에 속하며, 인간의 창조적 인 표현은 일반적으로 미적 및 의사 소통 목적으로 수행되는 활동이나 제품으로 이해되며, 아이디어, 감정 또는 일반적으로 비전 세계는 다양한 자원과 재료를 통해 표현됩니다. 예술은 문화적 구성 요소이며, 개념 상 경제 및 사회적 기질을 반영하고, 공간과 시간에 걸친 인간 문화 고유의 아이디어와 가치를 전달합니다.

예술의 분류는 예술 자체의 개념과 평행을 이룬다 : 고전 고대 예술은 수동 기술과 손재주, 합리적인 유형과 규칙의 모든 유형으로 간주되어 현재의 미술이 그러한 종파에 들어왔다. 공예와 과학으로서 2 세기에 갈렌은 지적 또는 수동적 기원에 따라 예술을 인문 예술과 저속한 예술로 나눴다. 르네상스 시대에 건축, 회화, 조각은 공예와 기술뿐만 아니라 다른 유형의 공예품보다 우수한 지적 개념을 요구하는 활동으로 간주되었습니다. 1746 년 Charles Batteux는 Fine Art를 예술적 활동의 나머지 부분에서 “기계 예술”이라는 용어를 유지하면서 예술, 그림, 조각, 음악,시와 춤을 포함하는 현재의 예술 개념을 단일 원칙으로 삼아 아키텍처의 두 범주 간 활동으로 기록했습니다. 시간이 지남에 따라이 목록은 다양성을 겪었으며 오늘날에는 완전히 닫히지는 않았지만 일반적으로 공통적으로 받아 들여지는 기준을 설정했습니다.

종종 국경이 완전히 명확하지는 않지만,«장식 예술»,«적용 예술»,«산업 예술»또는«소규모 예술»이라는 용어는«미술»이나«주요 예술»에 반대하여 생겨났습니다. 조형 예술 내에서 장식 기능은 부차적 인 것으로 간주된다. 따라서 회화 자체가 예술 작품으로서의 자율성을 가지면, 사물에 적용 할 때 그 사물을 아름답게하는 종속 된 기능을 수행하는 특이성을 잃는다. 회화가 예술가의 개념적 자유에있어 세계의 비전을 표현할 수 있다면, 장식적인 회화는 주제와 모티브의 폐쇄 된 서클에서 움직일 것입니다.

아마 메이저 예술과 마이너 예술의 분리는 “아름답다”와 “유용하다”라는 예술 비평의 구별에서 나왔을 것이다 : 전자는 더 높은 범주를 부여 받았는데, 그것은 지성과 / 또는 정신, 반면에 후자는보다 실용적이고 평범한 목적을 가지고 있습니다. 이 구분은 주요 예술에 포함 된 건축물과 같은 활동이 확실히 유용하기 때문에 주관적인 것이 아니었고 많은 소소한 예술은 유용 할 수 있지만 아름답습니다.

장식 예술은 작은 예술로 간주되었지만 18 세기부터 그들은 특정한 자율성을 획득했으며, 그때 이후로 그들은 실용적 측면보다는 미적 가치를 강조하기 시작했으며 많은 작품들은 고유 한 고유성을 가진 예술 작품으로 평가 받았다 . 그러나 오늘날 산업 예술이라고 불리는이 산업에 적용된 장식 예술은이 개념에서 분리되었습니다.이 유형의 대상 장식은 일반적으로 보조적이기 때문에; 따라서 기능 주의적 미학은 종종 유용성 때문에 객체를 더 가치있게 여기는 경향이 있었고 종종 장식을 거부했다.

“장식 예술”이라는 용어는 19 세기의 3 분의 1에서 주로 “가벼운 예술”이라는 용어의 대용품으로 만들어졌으며, 경멸적인 용어였습니다. 장식 또는 산업 예술의 기원에서 실용성과 미학은 밀접하게 관련되어 있습니다. 따라서이 용어에 포함 된 물체의 생산은 제품의 용도 (가전 제품, 의류,기구, 가구)와 공식적인 외관을 고려해야합니다. 따라서, 실용적인 기능을 수행하지 못하는 예술적 측면을 가진 다른 실용적인 물건은 장식적인 기능을 가진 제품으로 종종 간주되어 왔지만, 이후에 장식되거나 실용적인 기능을 수행하지 못하는 또 다른 실용적인 물건은이 범주에 속하지 않을 것이다. 그러나 대문자로 된 독특한 예술 작품이라는 개념에서 멀어 질 것입니다.

장식 예술에 대한 새로운 인식을 결정 짓는 요소는 Gotfried Semper에 의해 1860 년에서 1863 년 사이의 Der Stil in technological and tectonischen künsten der Praktische Aestetik의 출판물이었으며, Gottfried Semper는 역사에서 장식 예술에 특별한 관심을 보였습니다. 예술. 이 작품은 형식주의의 역사가 Alois Riegl에게 영향을 미쳤다. Alois Riegl은 스타일의 기능으로 예술의 역사를 분석하면서 장식 예술을 포함했다. 비엔나의 장식 미술관 큐레이터였던 Riegl에게 예술적 제작에 사용 된 기술은 예술적 형태의 진화를 보여주었습니다.

예술 장르 :
장식과 관련된 예술에 대해서는 역사 전반에 걸쳐 많은 용어가 다소 동의어로 적용되었지만 일반적인 차이점에 약간의 차이가있을 수 있지만 동일한 개념을 표현했습니다.

장식 예술 :이 용어는 특정 공간을 장식하는 것이 목적이기 때문에 이러한 유형의 예술의 장식 목적에 영향을 미치며 특히 건축과 관련이 있다고 여겨지는 이유입니다. 일반적으로 가장 적절한 용어로 간주되며 더 큰 존엄성을 부여합니다.이 사실을 증명하는 것은 이러한 유형의 작품에 헌신 된 대다수의 박물관을 흔히 장식 미술관이라고합니다.

마이너 아트 (Minor Arts) : 주요 예술이나 미술 (건축, 조각 및 그림)에 대한 대립에서 생겨났다. 경이롭고 실제와는 다른 경계를 표시하기도하지만, 회화와 조각은 장식적인 예술로 간주 될 수 있기 때문에

유용하거나 실용적인 예술 :이 용어는 아키텍처와 같은 일부 미술 작품의 유용성이이 수준으로 줄어들 것인지 여부는 논란의 여지가 있지만,이 유형의 실현에 대한 실제적인 측면에 중점을 두어 미적 구성 요소를 과소 평가합니다.

기능 예술 : 이전 작품과 유사하게,이 작품들의 기능적 측면은 영향을받으며, 이는 주요 예술에도 기능이없는 경우 추가 될 수있는 비슷한 논쟁을 불러 일으킨다.

응용 예술 :이 용어는 전문적 또는 준 직업적 교육이 필요한 다양한 전문 기술과 절차에 의해 만들어지기 때문에 이러한 유형의 예술 분야와 예술적 또는 산업적 유형의 생산 간의 관계에서 비롯됩니다. 따라서, 이러한 거래가 배워지는 대부분의 학교는 종종 응용 예술 학교 (또는 예술적 무역)라고 불립니다.

보조 예술 : 이러한 유형의 분야의 2 차 측면은 여기에서 강조됩니다. 그 작품은 “주요”작품, 바람직하게는 건축 공간을 꾸미기위한 것이기 때문에 여기에서 강조됩니다. 다시 말하면 경멸의 말이며, 많은 경우에있어서 스스로 실현할 수있는 모든 실현을 포함하지는 않습니다.

공예, 예술 공예품 : 이러한 의미에서 이러한 작품의 생산 측면은 기계 제조 공정없이 수공예품을 고려하여 장인의 전문성 측면에서 영향을받습니다. 이 개념의 대부분은 19 세기 영국에서 등장한 예술 및 공예 운동에서 비롯된 것입니다.

수동 예술 : 일반적으로 거의 사용되지 않는 용어는 많은 경우에 기계적 생산을 배제한이 유형의 작업의 장인 정신에 영향을줍니다.

산업 예술 : 이전의 것과는 달리, 산업 혁명 이래로이 작품들 중 많은 부분을 기계화 및 산업 생산하는 과정이 여기에 표현됩니다. 이러한 유형의 제작이 예술가의 창의적인 과정에 해를 끼치거나 단순히 실현에 도움이되는 도구 일 경우 여기에서 논쟁 할 수 있습니다. 아마도 이것은 일련의 작품으로 만 적용될 수 있습니다.

Sumptuary arts : sumptuary라는 용어는 “사치에 속하거나 관련되어 있음”을 의미하므로 귀중한 재료 (금,은, 보석)로 만든 장식 예술에 바람직하게 적용됩니다.

영향 요인 :
작품 유형 : 주소, 회사, 궁전 또는 다른 목적을위한 것인지 여부에 상관없이 종교적 또는 비 종교적, 문화적 또는 대중적이든 관계없이 작품의 기능과 운명을 고려해야합니다.

기술 및 재료 : 각 예술 분야에는 특정 기술 및 준비 재료가 있으며, 제작하려는 객체에 따라 최종 결과를 고려해야합니다. 이러한 요소 중 상당수는 특정 시간이나 스타일의 결정 요인이므로 연구 및 분류에 도움이됩니다.

많은 문화권의 예술에 대한 현대의 이해는 다른 매체에 대한 미술 매체의 현대적 특권과 다른 매체에서의 작품의 생존율이 매우 다른 것에 의해 왜곡되는 경향이있다. 무엇보다도 귀금속에서의 금속에서의 작업은 유행에서 벗어나 자마자 “재활용”되고, 여분의 돈이 필요할 때 녹아 내릴 부지의 소유자로서 자주 소유자들에 의해 사용되었습니다. 조명 원고의 경우 생존율이 훨씬 높습니다 (특히 교회의 손안에). 재료에 가치가 없어 저장하기가 쉽습니다.

형태 : 형상은 특정 공간의 양과 비율의 리듬, 특히 면제 된 부분을 표시합니다. 반면에, 형식은 대상의 기능과 시간적 특성을 표현하기 때문에 그것이 만들어 졌던 스타일과 역사적, 사회적 체계를 반영한다.

장식 시스템 (Decorating system) : 조각의 장식 모티프의 유형과 그 동기가 동일한 구성 내에서 일치하는 방식을 설정합니다. 세 가지 주요 장식 모티프는 기하학적, 서기 및 자연주의 (식물, 동물, 인간 또는 경관)로 분리되거나 결합 될 수 있습니다. 그것의 구성에 따라, 가시적 인 본성의 실재에 의해 영감을 얻은다면, 자연 주의자와 같이 다양한 표현 언어가 생성된다. 또는 그것이 현실의 주관적인 재 해석을 만드는 경우에 양식화 된 것. 또한 장식물이 작업의 특정 영역으로 제한되거나 완전히 덮는 경우 (소위 공포 진공) 구성을 고려해야합니다. 이 공간 내에서 장식용 모티프는 반복, 교대, 대칭 또는 반전으로 만들 수 있습니다.

기하학적 모티프 : 주요한 것 중에는 점, 선, 지그재그, 깨진 밴드, 랜스, 사행, 사각형, losange, 체크 무늬, 삼각형, 육각형, 팔각형, 정현파, 나선형 , 원과 반원, 타원 등

건축상의 이유 : 코드,리스 텔, 황소, 보셀, 스코틀랜드, 갤런, 카르텔라 등

자연주의 모티프 : 주로 식물상, 동물 상, 인간, 환상적이고 신화적인 존재, 천문학적인 요소, 모든 종류의 풍경과 물체에서옵니다.

복잡한 동기 : 기본적으로 글자와 상징뿐 아니라 전령의 동기입니다.

색상과 빛 : 장식 예술 작품의 미적 및 형식적 측면에서, 색상과 빛은 결정체이며, 물체의 모양, 재질 및 견고성, 굴절, 투명도 또는 불투명도와 같은 다양한 품질, 반사, 질감, 구호 또는 빛과 그림자의 게임. 또한, 빛은 종종 신성 (神 性)과 계시와 관련되는 반면, 색은 종종 특정 종교 또는 문화적 개념과 관련되기 때문에, 그들의 육체적 인 특성과는 별도로, 그들은 특정한 상징주의를 표현할 수 있습니다.

리듬과 균형 : 장식 예술은 일반적으로 다양한 요소의 결합으로 얻을 수있는 공간을 꾸미는 목적으로 사용됩니다. 따라서 고려해야 할 요소는 주어진 공간의 모든 부분들, 전체 균형 및 공간적 리듬 사이의 조화입니다. 이러한 요소의 조화는 다른 한편으로는 패션이나 스타일, 관습이나 사회에 대한 생각과 같은 특정시기의 고유 한 개념을 표현합니다.

공간적 관계 : 예술의 대부분의 장식 작품 (제외 것들을 제외하고)은 그들의 공간과 실현에 영향을 미치는 특정 공간을 위해 설계되었습니다. 이 유형의 작품을 평가할 때 원래 위치에 있는지 여부를 고려해야합니다. 박물관에 전시 된 이러한 작품 중 하나는 고유 한 특성으로 평가 될 수 있지만 원래 기능을 잃으면 의미의 일부가 손실됩니다.

경제, 사회 및 패션 : 모든 예술 작품은 결정적인 역사적, 사회적 순간을 반영하며, 생산적인 기원에 결정적인 요소가 있다고 가정합니다. 이러한 목표를 정교화함에있어 생산성을 나타내는 경제적 요인, 기능을 결정하는 사회 조건 요인, 양식 및 외관을 조정하는 패션 및 스타일의 측면이 결정적 일 수 있습니다. 이러한 외부 조건은 이러한 실현의 생산 과정을 결정하기 위해 기술과 같은 다른 내부 요인과 관련되어 있습니다.

예술 간의 영향 : 예술가와 마찬가지로 서로 다른 예술적 양상이 서로 영향을 미칩니다. 이러한 영향은 시간에 따라 전달되며, 바로크 양식의 다른 사람들과 함께 강조된 고전주의 악센트의 연속으로 표시됩니다. 일반적으로 미성년자에 비해 주요 예술의 영향이 감지되었지만 때때로 반대로 스페인 로마네스크 양식의 이슬람 장식 예술의 영향, 바로크 식 또는 회화의 조각상의 영향으로 일어났습니다. 프랑스와 독일에서의 18 세기 건축물의 로코코 장식.

분류 및 기술 :

모자이크 및 속지
모자이크는 바닥이나 벽에 단단한 돌을 묻어서 이미지를 만드는 기법입니다. 포장으로 놓을 때 그리스 용어 lithostroton을받습니다. 코팅은 석회, 모래 또는 돌, 자갈, 대리석 슬라브 등과 같은 다른 재료에 적용됩니다. 여러 종류가 있습니다 : 오푸스 라피 나무, 자연 색의 작은 자갈 , 그 자체로 그림을 구성한다; 테 서라 테움 (tesserae)으로 구성된 오푸스 테 셀라툼 (opus tessellatum), 일반적으로 기하학적 유형의 정교하게 조성 된 2 센티미터의 정사각형 조각; 오푸스 vermiculatum, 또한 타일로 만든,하지만 다른 윤곽의, 따라서 다른 경로를 형성 할 수있다; opus sectile, 불규칙한 모양의 대리석 슬라브로 형성. opus musivum이라고도 불리는 모자이크 자체는 벽 장식에 적용되는 동일한 기법이지만 벽면에 적용된 유리 – 붙여 넣기 타일로 만들어져 여러 층의 모르타르로 만들어져 인물과 그림을 만듭니다. 상감 세공은 이전의 것과 유사한 기술이며, 포장되거나 정수리가 될 수 있으며 심지어는 가구 또는 다른 물체에도 적용될 수 있습니다. 그것은 돌과 대리석으로 된 얇은 슬라브를 색으로 채우고 다양한 이미지 나 작곡을 잘라내어 콤팩트 한 표면에 넣은 것입니다. 또한 나무로 만들 수 있습니다 (intarsia), 캐비닛 제작에 자주 기법되고. 카르피 (Carpi)에서는 17 세기에 석고 속지가 또한 나타났습니다. 또 다른 변형은 단단한 돌의 소시지입니다.

유리 제조
유리 공예는 나무, 석고, 금 또는 납으로 만든 결정에 만들어지며 납을 사용하여 주석을 입히고 퍼티 (아마씨 기름이 든 흰색 화가) 층을 사용합니다. 오래 된 스테인드 글라스 창문에는 작은 세부 사항을 정확하게 그리기 위해 적용되는 그리 실 (grisailles), 액체 산화철 (ferric oxide)이 있습니다. 1340 년에 이르면은 산화물로 바뀌었고 여기에서 유색 결정은 더 이상 생성되지 않고 흰색 유리에 착색됩니다. 제조 과정은 단계별로 진행됩니다 : 골판지 스케치 정련, 안경 절단, 같은 그림, 요리 및 노조 납치.

유리의 여러 유형이 있습니다 : 나트륨 유리 (실리카로 만든 가장 기본적인 것), 유리 (실리카와 산화 납 또는 칼륨), 칼세도니 유리 (실리카와 금속 산화물) 및«우유 유리»(실리카, 이산화 망간 및 산화 주석). 그것을 작동시키는 주된 기술은 어떤 모양과 두께로 주어질 수있는 곳입니다. 장식에 관해서는 에나멜은 다양한 기술에 따라 일하는 금속 지지체 위에 유리 페이스트 (실리카, 석회, 칼륨, 납 및 미니 움)를 칠한 칠보 칠보입니다. 칠보 , 작은 금 또는 구리 필라멘트 (지지체에 그림이 그려져 있음), 에나멜을 칸막이로 분리하십시오. 폐포의지지를 낮추고 에나멜로 채워진 오목한 부분을 비우는 것으로 만들어진 Champlevé; ajouré, 모양이 톱이나 파일로 잘리는 황금 표면, 제거 된 부분을 에나멜로 채 웁니다.

Azulejería
Azulejería는 바닥과 벽으로 덮는 윤이 나는 세라믹 타일입니다. 에나멜 벽돌과 마찬가지로 근동 지역에도 기원을두고 있습니다. 스페인에서는 15 세기에 세 가지 유형의 타일이 생겼다 : 마른 로프, 대야 또는 능선. 같은 세기에 이탈리아에서는 나폴리와 파엔 자에서 마욜 리카 슬라브의 생산이 시작되었는데 스페인과 포르투갈, 멕시코와 페루에서 큰 성공을 거두었습니다.

Azulejería 화석 물질, 다양한 갈탄, 검은 색과 반짝 이는 표면입니다. 일반적으로 파일과 윈치, 구호 또는 조각 작업을하는 작은 조각으로 연마의 최종 단계입니다. 그들은 수시로 다른 조각품이나 금 세공품과 연결되어 있으며, 관상용 예술 분야에서는 상당히 자주 사용됩니다.

치장 용 벽토와 회 반죽
치장 벽토는 석회 풀 (또는 흰색 석고), 대리석 파우더, 세차 모래 및 카제인으로 시간과 장소에 따라 다른 비율로 만들어집니다. 그것의 2 개의 주요 응용 프로그램은 다른 두께, 일반적으로 첫 번째 경우에 대한 컴팩트하고 두 번째에 대한 더 얇고 가단 성, 코팅 또는 장식으로 있습니다. 석고는 수화 석회의 황산염이며, 물과 혼합하여 흰색의 페이스트를 형성합니다.이 페이스트는 건축과 조각 및 부조에 모두 사용할 수 있습니다. 두 가지의 주된 차이점은 대리석 먼지가없는 회 반죽은 그 장식적인 가치는 비슷하지만 더 연약하고 품질이 낮다는 것입니다.

목공 및 가구 제조
목재 예술은 이동 가능한 요소 (가구)와 같이 건축물 (천장, 문, 창문, 발코니, 난간 동자)에서의 클래딩 (capelardentes 및 retablos와 같은 임시 아키텍처 포함)으로 사용됩니다. 두 가지 주요 기술은 조각과 선회입니다. 첫 번째는 높은, 중간, 낮은 또는 huerelrelieve, 또는 incised 장식에 burin과 같은 날카로운 도구로 이루어집니다. 두 번째는보다 정교한 기계 조작 과정을 포함합니다. 장식에 관해서는, 몇 가지 절차가 있습니다 : intarsia, 인레이와 유사하지만 나무; incrustation (또는 상감 세공), 유사한 유형의 상감목 그러나 더 표면적 인, 접착제로 만들었다 (이 경우에 추가 된 조각은 나무 또는 다른 물자, 주로 아이보리, 뼈, 진주 또는 금속의 다른 유형 일 수있다); 거친 나무의 기초를 사용하고 고품질의 다른 더 정밀한 것 중 하나를 겹쳐서 이루어져있는 도금; 옻칠 기술, 나무에 적용; 색채 효과를 창출하기 위해 여러 가지 색의 목재를 다색, 중첩하는 것. 금, 나무와 금박의 조합; sgraffito, 금과 다색의 조합; 백열하는 금속으로 나무를 태우는 것을 포함하는 pyrography; 그룹화 된 나무, 가죽 라이닝; 그리고 예행 연습을 한 나무.

금속 가공
금속 (철, 구리, 청동)은 일반적으로 문, 바 및 게이트와 같은 마감 요소에서 단독으로 또는 나무에 베니어로 사용할 수 있습니다. 청동은 보통 용융되어 곰팡이에 붓는다. 철분 (limonite, pyrite 또는 magnetite)을 이용한 작업은 단조 (forge)라고 불리우며 열로 인해 열이 감소되어 잉곳을 만드는 붉은 붙여 넣기가 이루어진다. 세 가지 종류가 있습니다 : 탄소, 실리카, 황 및 망간이 많이 함유 된 주철입니다. 단조에 사용되지 않고 단지 곰팡이로 녹기 쉽습니다. 단조 또는 단조 철, 탄소 함량이 낮으며, 연성 및 연성이 뛰어나고 위조 될 수 있지만 부드럽고 둔합니다. 망간, 텅스텐, 코발트 및 텅스텐이 포함 된 강철은 절삭 도구로 사용하기가 더 어렵습니다. 모델링은 소재를 추가하거나 제거하지 않고 수행되지만, 스트레치, 확대, 분할, 굽힘, 강조 등의 여러 가지 대체 기술이 있습니다. 금색 및 다색 효과도 제공 할 수 있습니다 .47

섬유 예술
그들은 주로 직물과 자수로 표현됩니다. 패브릭은 날실과 씨실에 배열 된 여러 실로 구성된 직조기의 작품입니다. 직기는 이동식 (또는 “허리 둘레”)이거나 고정식 (수직 또는 수평) 일 수 있습니다. 원사의 다양성 또는 비월 주사 방식에 따라 태 피터, 능 직물, 새틴, 실크, 벨벳 등과 같은 다양한 유형의 원단이 얻어집니다. 이러한 원단은 천연 또는 인쇄물로 원단에 염료를 적용 할 수 있습니다. 유형학에 관해서는, 장식 예술에서 가장 많이 사용되는 것은 카펫과 태피스트리이며, 그보다는 덜한 레이스입니다. 자수는 이미 만들어진 천에 바늘로 양각 된 작업입니다.

척색 성형술
가죽 작업에는 두 가지 주요 양식이 있습니다. 코도반, 염소 가죽 또는 염색 된 염소는 안달루시아 시대의 코르도바에서 가구용 보완재로 사용되었습니다. 그리고 guadamecí, 검게하고 새긴 숫양의 피부, 그리고 나중에는 폴리 펜, 금박 또는 은색의 장식품을 사용합니다. 예를 들어, 장식품, 천개 및 제단 장식품이나 벽, 커튼 또는 가구 코팅, 때로는 카펫 같은 장식물로 사용됩니다. 가죽 작업에는 여러 가지 기술이 있습니다 : 조각 작업, 엠보싱 작업, 디버깅 작업, 치즐 작업, 조각 작업, 스탬핑 작업, 다림질 작업, 트리밍 작업 등 다양한 방법이 있습니다. 가죽에 자수, 금,은 또는 주석 호일 또는 하드웨어 또는 네일 응용 프로그램을 추가 할 수 있습니다. 미네랄 (칼륨) 또는 화학 물질 (아닐린) 제품 또는 오일 또는 온도 페인트로 다색성을 나타내야합니다 .49 기타 다른 방식으로는 타피레트, 코도 반보다 미세하게 염색 한 염소 가죽을 사용하는 것이 좋습니다. 모로코, 양모는 대부분 실내 장식품에 사용됩니다.

세밀화
미니어처는 종이, 양피지 또는 모조 피지에 작은 크기로 된 그림 형식이지만 다른 지지대에도있을 수 있습니다. 가장 일반적인 기술은 구 아슈, 껌 물 또는 다른 바인더 (아라비아 고무, 달걀 흰자, 꿀)에 용해 된 안료입니다. 그것의 가장 보편적 인 지원은 서적에 쓰여지는 삽화이다.

조각
조각은 철 또는 기질을 사용하여 얻은 도장입니다. 다양한 기술이 있습니다.
칼로 그래피 (Chalcography) : 다양한 기법의 할로우 (hollow)로 만들어진 구리 조각 : 강한 물 (질산을 물에 희석)로 바니시로 보호되지 않는 금속판 부분을 처리하는 에칭, 에칭 기술. aquatint라고 불리는 특별한 종류의 잉크로이 표면을 그린 다음, 수지 판으로 표면을 가볍게 가열 한 수지로 덮은 금속판에서 aquatint, 기술을 얻습니다. burin 조각은 그림이 그려진 burin과 함께 동판에 그려져 잉크로 그루브를 채 웁니다. drypoint로 새겨진,이 기술에서 플레이트는 강철, 다이아몬드 또는 루비의 팁으로 바니시 또는 산에 의지하지 않고 직접 가공되어 압력과 절개 각에 따라 “버 (burr)”라고 불리는 거친 선을 얻습니다. burin과 달리 금속을 자르지 않고 긁어 낸다. 반 잉크 (메조 틴토)가 새겨진 플레이트는 다각 스크레이퍼 (로커 또는 베 서우)로 작업되어 명확하고 어두운 색조가 구분되는 선을 교차하여 균일 한 그레이닝을 얻습니다.
목 판화 (woodcut) : 나무 판자에 스케치 된 그림으로 만들어지고 칼, 가우 징, 끌 또는 정으로 조각 된 나무 조각 (일반적으로 체리 또는 회양목). 그런 다음 롤러로 잉크를 발라서 손으로 또는 프레스로 찍습니다.
Linocut : 목재 컷과 비슷한 엠보싱 기법이지만 목재 대신 리놀륨을 사용합니다.
석판 술 : 석회석 조각은 그리스 연필로 표면을 처리하여 드로잉을 정하고 두 가지 절차에 따라 조각합니다 : 산으로 목욕하고, 비가 황 부분을 부식시키고 도면을 부각 시키십시오. 또는 두 종류의 수성 잉크와 그리스를 바르고 배경의 첫 번째 부분을 고정시키고 연필로 그려진 부분을 덮습니다. 그것은 1796 년 Aloys Senefelder에 의해 발명되었습니다.
스크린 인쇄 : 실크 패턴으로 색상을 필터링하여 인쇄물을 얻는 기법 – 또는 현재 나일론 – 물로 여과하지 말아야 할 부분을 접착제로 코팅하여 방수 처리합니다. 그것은 중국에서 발명되었습니다.

금제
금 세공은 금,은, 다이아몬드, 진주, 호박, 산호 등과 같은 귀금속이나 보석으로 장식물을 만드는 기술입니다. 다양한 기술과 양식이 있습니다.
카메오 (Cameo) : 마노, 냉소, 산호 및 껍데기와 같은 계층화 된 단단한 돌에 구호로 피규어를 조각화 한 것으로 강렬한 반음계 대조를 제공하는 여러 색상의 레이어가 있습니다.

세라믹
세라믹은 진흙으로 만들어 지는데, 다공성 붉은 노랑 구운 진흙 (도자기, 테라코타, 스폰지 케익); 백색 다공성 구운 진흙 (그릇); 회색, 갈색 또는 갈색 비 다공성 구운 진흙 (석기); 소형 흰색 비 다공성 소성 점토 (도자기). 다른 변형은 majolica와 faience 다. stannous 도자기 : 첫 번째 용어는 주로 이탈리아에서 사용되고 나머지는 유럽에서 사용됩니다. 선반을 사용하여 수동 또는 기계적으로 만들 수 있으며, 유형에 따라 400º ~ 1300º의 온도에서 오븐에서 구워지고 에나멜이나 페인트로 장식됩니다 .55 장식은 다음과 같이 할 수 있습니다 : excisa 진흙으로 만든 구호품; incisa, 진흙에 그려진 그림은 아직 부드러웠다. 점토의 부드러운 표면에 적용된 금형; 구운 진흙으로 만든 연마; sgraffito, 원하는 효과에 따라 찢어진 다양한 색상의 적용; 대리석에 몇 가지 염료를 섞어서 지방질을 만들어 세라믹에 정맥을 만듭니다.

래커
래커는 미네랄 또는 식물성 수지에서 추출되고 극동 지역에서 추출되는 광택 있고 두껍고 단단한 바니시입니다. 이 바니쉬는 목재, 금속, 도자기, 종이 또는 가죽과 같은 다양한 재질의 물체에 적용됩니다. 옻칠의 기술은 옻칠의 첫 번째 응용에서 시작됩니다. 옻칠은 몇 가지 고급 옻칠으로 덮여 있으며, 마지막 단계는 원하는 쉐이드입니다. 그 다음 장식은 브러시로 칠할 수 있고, 조각이나 절개, 다른 재료의 부설, 또는 금이나은으로 분무 할 수 있습니다. 마지막으로, 최종 래커는 여러 층의 반투명 래커로 만들어집니다.

에보 리아 주
Eboraria는 코끼리 뿔에서 얻은 아이보리 작품입니다. It can be applied in inlaid wood and, as an individual work, in carved, drawn and painted ivories. The carving begins with the cutting of the tusk into pieces or “boats”, with which the object is shaped and subsequently decorated and, at times, polychrome. The draft is similar to the previous one, with a more refined technique that imitates the fretwork size of the wood. The painted ones used to be plates of ivory on a wood frame, on which pigments with brush were applied.

Plumeria
Feathers are keratinous structures of the skin of birds. In general, they are joined to other supports -generally woven- by stitching, gluing or assembling them. Its main use was in pre-Columbian America.

Basketry
Basketry is one of the oldest crafts in the world is that of containers of vegetable fibers locked together. The oldest technique is basket weaving in spiral, made with reeds, straws or twisted fibers in the form of rope and spirally wound giving them the desired shape, generally spherical or ovoidal. Another technique is braiding, which is done by winding long pleats sewn with fibers. Third, the interweaving is achieved by weaving the fibers on a wicker frame.

Fan
This instrument for giving air has often been the object of decoration and, at times, it has been placed inside houses as a decorative object. They can be rigid, but most are collapsible. They usually consist of a folding surface (country) of cloth, paper, gauze, lace or kid, with rods (guides) of wood, ivory, nacre, lacquer or shell; the two end rods are called shovels. The exposed part of the rods (sources) can be decorated with openwork, gilded or other techniques.

Glíptica:
Glíptica is the art of carving precious or semiprecious stones for the manufacture of stamps, coins or medals. It is usually made in cameo or in carving, and sometimes in a round shape, usually in small pieces. The work of these pieces is carried out with abrasives and grinders with blunt or sharp heads.

Binding:
Binding is the covers of a book have the main function of conserving their content of external agents, although often they have been object of ornamentation. The joining of the folds can be done with sewing, gluing or other procedures. The covers can be made of papyrus, wood, leather, leather (gold, chiseled or embossed), cardboard or other materials, sometimes with applications of enamel, goldsmith or eboraria.

Watchmaking
Watchmaking is a instrument to measure time has often been an object of ornamentation and, over time, has evolved both technologically and stylistically. There are many types of watches: sun, water (clepsydra), sand, ring, bracket, poster, grandfather, banjo, high box, float, balloon, lantern, pedestal, skeleton, parliamentary, regulator, etc.

Toy store:
The toys fulfill in the first place the practical function for which they are created, the children’s games, but on occasion they have been used as ornamental objects in the interior decoration. Constructed in numerous types and materials, its utilitarian function has been an inconvenience in many occasions for its conservation, reason for which it is also difficult to establish a historical evolution. Some of the most used modalities in decoration have been dolls and dollhouses, automatons, puppets and puppets, lead soldiers, rocking horses, kites, reproductions of weapons, trains and cars, etc.

Arts and Crafts movement:
The lower status given to works of decorative art in contrast to fine art narrowed with the rise of the Arts and Crafts movement. This aesthetic movement of the second half of the 19th century was born in England and inspired by William Morris and John Ruskin. The movement represented the beginning of a greater appreciation of the decorative arts throughout Europe. The appeal of the Arts and Crafts movement to a new generation led the English architect and designer Arthur H. Mackmurdo to organize the Century Guild for craftsmen in 1882, championing the idea that there was no meaningful difference between the fine and decorative arts. Many converts, both from professional artists’ ranks and from among the intellectual class as a whole, helped spread the ideas of the movement.

Arts & Crafts movement revaluation of craft work and advocated the return to traditional forms of manufacturing, stipulating that art should be as useful as it is beautiful. Following the approaches of Ruskin and Morris, Charles Robert Ashbee was the main organizer of the movement. In 1888 he founded the Guild and School of Handicraft in Toynbee Hall (London), where he designed furniture, silverware and metalwork in a style close to modernism.

In the United States, this movement – called American Craftsman – was represented by Gustav Stickley, designer of a simple and functional type of furniture, without ornaments, that he began to build in series, with a view to greater commercialization of his products. In general, these artists abandoned the neo-gothic style for a simpler, lighter and more elegant style, partly inspired by the Reina Ana style. In the 1890s, modernist influence was received.

The influence of the Arts and Crafts movement led to the decorative arts being given a greater appreciation and status in society and this was soon reflected by changes in the law. Until the enactment of the Copyright Act 1911 only works of fine art had been protected from unauthorised copying. The 1911 Act extended the definition of an “artistic work” to include works of “artistic craftsmanship”.