Der Tanz des Todes (Französisch: Danse Macabre), ist ein künstlerisches Genre der Allegorie des späten Mittelalters auf die Universalität des Todes: Egal wie man im Leben steht, das Dance Macabre vereint alle. Der Totentanz ist ein beliebtes künstlerisches Motiv, das sowohl in der europäischen Folklore als auch im späten Mittelalter vertreten ist. Es ist ein Element, die vollständigste der makabren Kunst des Mittelalters, vom vierzehnten bis zum sechzehnten Jahrhundert.

Die tödlichen Schrecken des 14. Jahrhunderts, wie wiederkehrende Hungersnöte, der Hundertjährige Krieg in Frankreich und vor allem der Schwarze Tod, wurden in ganz Europa kulturell assimiliert. Die allgegenwärtige Möglichkeit eines plötzlichen und schmerzvollen Todes erhöhte das religiöse Verlangen nach Buße, aber es erweckte auch ein hysterisches Verlangen nach Unterhaltung, während es noch möglich war; ein letzter Tanz als kalter Trost. Der Danse Macabre verbindet beide Wünsche: In vielerlei Hinsicht ähnlich wie die mittelalterlichen Mysterienspiele war die Allegorie des Tanzes mit dem Tod ursprünglich ein didaktisches Dialoggedicht, um die Menschen an die Unvermeidbarkeit des Todes zu erinnern und sie zu raten, jederzeit bereit zu sein Tod.

Im Laufe des fünfzehnten und frühen sechzehnten Jahrhunderts wurde dieses Thema an den Wänden der Kirchen, auf den Friedhöfen Nordeuropas, an den Außenwänden der Klöster, Massengräber, Beinhäuser gemalt. Über oder unter der Illustration sind gemalte Verse, mit denen der Tod an das Opfer gerichtet wird, oft in einem sarkastischen und zynischen Ton. Es wird in ganz Europa von poetischen Texten verbreitet, die von Straßentheatergruppen betrieben werden.

Der Danse Macabre besteht aus den Toten oder einer Personifikation des Todes, die Vertreter aus allen Gesellschaftsschichten zusammenrufen, um gemeinsam mit einem Papst, einem Kaiser, einem König, einem Kind und einem Arbeiter zum Grab zu tanzen. Sie wurden als Erinnerungsstücke produziert, um die Menschen an die Zerbrechlichkeit ihres Lebens zu erinnern und wie eitel die Herrlichkeit des irdischen Lebens war.

Diese Ausdrucksform ist das Ergebnis eines Bewusstseins und einer Reflexion über Leben und Tod in einer Zeit, in der es präsenter und traumatischer geworden ist. Kriege – besonders der Hundertjährige Krieg – die Hungersnöte und die Pest, die oft die vier apokalyptischen Reiter darstellen, dezimierten die Bevölkerung.

Performance Kunst:
Der erste Danse Macabre wird 1424 in Paris im Charnier des Saint-Innocents aufgeführt. Er nährt sich von den Ängsten der Krisenzeiten, indem er mit der Kraft der Phantasie reagiert. Mit dieser Sarabande, die tot und lebendig mischt, betont der Danse Macabre die Eitelkeit gesellschaftlicher Unterschiede, von denen das Schicksal spottete und den Papst als armen Priester, den Kaiser als Landsknecht mähte. Es ist eine moralische Lektion, die an die Lebenden gerichtet ist, um über unseren Zustand nachzudenken: Sie tröstet die Armen und lehrt das Größte, dass niemand über dem Gesetz steht. Ihre Zusammensetzung ist hierarchisch: Sie bezieht zuerst die „Großen“ (Papst, Kaiser, König, Kardinal oder Patriarch) mit ein und steigt dann durch das Einbringen der „Kleinen“ (Pflüger, Kind, Lüstling, Einsiedler) in die soziale Leiter herab. Die Lebenden sind also Charaktere, die die verschiedenen sozialen Schichten repräsentieren und die Toten sind Skelett, tanzen, machen Mätzchen, machen sich lustig und ziehen die Lebenden in den Tod, indem sie ihre Attribute (Krone, Schwert, Musikinstrumente) aufspalten

Im Laufe des 16., 17. und 18. Jahrhunderts tanzt der Tod weiter. ein. in Chur (erzbischöflicher Palast nach Holbeins Komposition), in Füssen (Füssener Totentanz), in Konstanz, in Kuks (Böhmen, Totentanz als Wandfresko im Krankenhaus, 18. Jh.), in Luzern (Totentanzgemälde im ehemaligen Jesuit Hochschule und auf der Spreuerbrücke), in Freiburg im Üechtland, in Bleibach (Schwarzwald) und in Erfurt. Die Totentanzkapelle in Straubing, erbaut 1486, besitzt einen umfangreichen Freskenzyklus, der 1763 vom Straubinger Rokoko-Künstler Felix Hölzl geschaffen wurde. Auch die Holzschnitzer- und Kupferkunst griff das Thema auf, ebenso die Poesie, z. B. Bechstein („Der Totentanz“, Leipzig 1831).

Auch in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurden wieder Totentänze aufgeführt, vor allem Alfred Rethel und Wilhelm von Kaulbach. Vermutlich ab dem 16. Jahrhundert hat das regional unterschiedliche Idiom „wie der Tod im Tanztanz Basel / Lübeck / Dresden“ seinen Weg in die Sprache gefunden, die blasse, ungesund aussehende Menschen beschreibt.

Im 20. Jahrhundert führten die beiden Weltkriege zahlreiche Künstler dazu, Motive aus dem Tanz der Toten wieder aufzunehmen oder ihre eigenen Werke entsprechend zu benennen.

Gemälde:
Das früheste aufgezeichnete visuelle Beispiel stammt vom Friedhof der Unschuldigen Kinder (1424-25). Es gab auch in Basel gemalte Pläne (die früheste datierend von c.1440); eine Reihe von Gemälden auf Leinwand von Bernt Notke in Lübeck (1463); das ursprüngliche Fragment des ursprünglichen Bernt-Notke-Gemäldes (vollendet am Ende des 15. Jahrhunderts) in der St.-Nikolaus-Kirche, Tallinn, Estland; das Gemälde an der Rückwand der Kapelle von Sv. Marija na Škrilinama in der istrischen Stadt Beram (1471), gemalt von Vincent von Kastav; das Gemälde in der Dreifaltigkeitskirche, Hrastovlje, Istrien von Johannes von Kastav (1490). In den 1540er Jahren wurde an den Wänden des Kreuzgangs der St. Paul’s Cathedral in London ein Totentanz mit Texten von John Lydgate gemalt, der 1549 zerstört wurde.

Fresken:
Fresken und Wandbilder, die sich mit dem Tod befassen, hatten eine lange Tradition und waren weit verbreitet, z. die Legende von den Drei Lebenden und den Drei Toten: Auf einer Fahrt oder Jagd treffen drei junge Herren drei Kadaver (manchmal als ihre Vorfahren beschrieben), die sie warnen, Quod fuimus, estis; quod sumus, vos eritis (Was wir waren, du bist; was wir sind, wirst du sein). Zahlreiche Wandmalereien dieser Legende aus dem 13. Jahrhundert sind erhalten (z. B. in der Krankenhauskirche Wismar oder im Wohnturm Longthorpe vor Peterborough). Da sie Bildsequenzen von Männern und Leichen zeigten, die mit Leichentüchern bedeckt waren, werden diese Gemälde manchmal als kulturelle Vorläufer des neuen Genres angesehen.

Ein tänzerisch makaberes Gemälde kann einen runden Tanz zeigen, der vom Tod oder einer Kette alternierender toter und lebender Tänzer angeführt wird. Von den höchsten Rängen der mittelalterlichen Hierarchie (gewöhnlich Papst und Kaiser) bis zu den niedrigsten (Bettler, Bauer und Kind), wird die Hand jedes Sterblichen von einem Skelett oder einem extrem verwesten Körper genommen. Der berühmte Totentanz von Bernt Notke in der Lübecker Marienkirche (zerstört während des alliierten Luftangriffs auf Lübeck im Zweiten Weltkrieg) präsentierte die toten Tänzer als sehr lebhaft und agil, die den Eindruck erweckten, dass sie tatsächlich tanzten, während ihre lebenden Tanzpartner sah ungeschickt und passiv aus. Die scheinbare Klassenunterscheidung in fast allen diesen Gemälden wird durch den Tod als ultimativen Entzerrer vollständig neutralisiert, so dass ein sozialkritisches Element dem ganzen Genre subtil innewohnt. Der Totentanz von Metnitz zum Beispiel zeigt, wie ein mit seiner Mitra gekrönter Papst vom tanzenden Tod in die Hölle geführt wird.

Literatur:
Kurze Versdialoge zwischen dem Tod und jedem seiner Opfer, die als Stücke hätten aufgeführt werden können, finden sich unmittelbar nach dem Schwarzen Tod in Deutschland und in Spanien (wo es als Totentanz und La Danza de la Muerte bekannt war), beziehungsweise). Der französische Begriff danse macabre kann vom lateinischen Chorea Machabæorum, wörtlich „Tanz der Makkabäer“, abgeleitet werden. In 2 Makkabäer, einem deuterokanonischen Buch der Bibel, wird das grimmige Martyrium einer Mutter und ihrer sieben Söhne beschrieben und war ein bekanntes mittelalterliches Subjekt. Es ist möglich, dass die Makkabäer Märtyrer in einigen frühen französischen Stücken gedacht wurden oder dass die Menschen die lebendigen Beschreibungen des Martyriums mit der Wechselwirkung zwischen dem Tod und seiner Beute in Verbindung brachten.

Eine alternative Erklärung ist, dass der Begriff Frankreich über Spanien in das Arabische einging: مقابر, maqabir (Friedhof) ist die Wurzel des Wortes. Sowohl die Dialoge als auch die sich entwickelnden Bilder waren bußfertige Lektionen, die sogar Analphabeten (die die überwältigende Mehrheit waren) verstehen konnten.

Holzschnitte:
Die berühmten Entwürfe von Hans Holbein dem Jüngeren (1497-1543) für seine Totentanz-Serie entstanden 1526 während seiner Zeit in Basel. Sie wurden vom erfahrenen Formschneider Hans Lützelburger in Holz geschnitten. William Ivins (zitiert nach W.J. Linton) schreibt über Lützelburgers Werk: „Nichts ist wirklich besser als das, was dieser Mann tut, mit Messern oder Sticheleien, denn die Originale sind nach allgemeinem Bekunden die schönsten Holzschnitte, die jemals gemacht wurden.“ Diese Holzschnitte erschienen bald in Beweisen mit Titeln auf Deutsch.

Der Totentanz von Hans Holbein (1523-26) überformt die spätmittelalterliche Allegorie des Totentanzes als reformistische Satire, und man kann die Anfänge eines allmählichen Übergangs von traditioneller zu reformierter Religion erkennen. Dieser Wechsel hatte jedoch viele Permutationen, und Natalie Zemon Davis hat in einer gründlich detaillierten Studie gezeigt, dass die zeitgenössische Rezeption und das Nachleben von Holbeins Entwürfen sich weder auf rein katholische noch auf protestantische Doktrinen bezogen, sondern mit unterschiedlichen Vorreden und Predigten als Drucker und Schriftsteller verschiedener politischer und religiöser Neigungen nahmen sie auf.

Holbeins Serie zeigt die Figur des „Todes“ in vielen Verkleidungen, konfrontiert mit Individuen aus allen Lebensbereichen. Keine entkommt Deaths Skelettfesseln, nicht einmal den Frommen.

Musik:
Der Totentanz wurde auch häufig als musikalisches Thema verwendet. Sowohl die explizit als Totentanz bezeichneten Arbeiten als auch zahlreiche Einstellungen zum Thema „Tod und das Mädchen“ ordnen sich thematisch ein.

Entwicklung:
Hans Holbein verlagert die Darstellung des Danse-Makabren von einer tragikomischen Farandole mit einer symbolischen Bedeutung auf die Idee eines individuellen und täglichen Kampfes mit dem Tod.
Mit Hans Holbein dem Jüngeren nimmt Danse Macabre eine ganz neue künstlerische Form an. Dieser zeigt den brutalen Einbruch des Todes in der Arbeit und die Lebensfreude. Diese Darstellung hat Vorrang vor der Vorstellung, dass der Tod keine soziale Klasse erspart.

Seine Werke (meist Stiche) erschienen bereits 1530 und wurden ab 1538 als Bücher weit verbreitet.

Eines der am häufigsten wiederveröffentlichten Reiterbücher des 18. Jahrhunderts, Die neue und unterhaltsame Geschichte des bösen Menschen, zeigt eine Figur, die dem Mäher entkommt und unsterblich wird.

Charles Baudelaire und Cazalis haben über den Tanz des Todes geschrieben, Liszt und Saint-Saëns haben ihn vertont.

Bedeutung:
Der Tod greift alle Geschlechter, Altersgruppen und Hintergründe an. Die Wandgemälde von Dance Macabre, in denen wir verschiedene Charaktere sehen können, die mit Skeletten tanzen, stellen in Wirklichkeit die Gleichheit vor dem Tod der verschiedenen sozialen Zustände dar. Indem wir die Päpste, die Kaiser, die Kardinäle, die Könige, aber auch den Pflüger, die Kronleuchter, die Kinder und die Eremiten mit den Skeletten tanzen lassen, wird uns gezeigt, dass der Tod keinen Unterschied macht zwischen der sozialen Zugehörigkeit der zukünftigen Toten. und dass wahrscheinlich jeder davon getroffen wird. Die Skelette tanzen und verspotten alle Charaktere, um sie zum Tod zu führen. Vom Kaiser bis zum Einsiedler wird also jeder das gleiche Schicksal erfahren. Es ist die Abschaffung sozialer Grenzen: Es gibt keine privilegierte Kaste zu Tod oder Hierarchie. Männer und Frauen sind gleich vor dem Tod:

Auch diese Gleichheit ist in den Kompositionen der ersten Tänze sichtbar. Die Toten – durch Skelette repräsentiert – bringen die verschiedenen Charaktere zum Tode, beherrschen sie aber nicht. Die Toten und die Lebenden tanzen zusammen. Diese Todesfälle sind nicht erschreckend und bedrohlich: Sie greifen die Lebenden nicht an, sie trainieren sie nur in ihrem Tanz. Die Toten und die Lebenden sind hier wieder gleich. Die zeitgenössischen Tänze stellen diese Gleichheit zwischen den Toten und dem lebenden Teil der Personifizierung des Todes in Frage. Allmählich werden wir den Tod individualisieren, indem wir einen Charakter – wie zum Beispiel den Rasenmäher – zuschreiben, der eine Hierarchie zwischen den Toten und den Lebenden herbeiführen wird14. Einst von einem Charakter dargestellt, dominiert der Tod die Lebenden. Wir bewegen uns von einer Darstellung der Toten zu den Lebenden an der Hand zu einer Darstellung eines mit einer Sense bewaffneten Charakters, der die Lebenden direkt tötet. Der Tod ist daher der zynische Richter der Laster der Lebenden.