装飾芸術（Decorative arts）は、機能的である美しい物体の設計および製造に関係する芸術または工芸品である。それはインテリアデザインを含みますが、通常は建築は含まれません。装飾芸術は、伝統的に使用目的の作成と装飾に関連した一連の比喩的な芸術分野であり、唯一の目的である人工物を作り出すための美術（絵画、彫刻、絵画、彫刻、写真、モザイク）とは対照的です。代わりに審美的な熟考。このフィールドには、家具や家具など、インテリアデザインとインテリアデザインのすべての工芸品が含まれます。

装飾的な芸術は、しばしば媒体または技術によってカタログ化される。その中には、金銀細工師、彫刻家、彫刻家、陶芸品、ミニチュア、ステンドグラスやその他のガラス物の創作、エナメル、彫刻、インレイ、キャビネット作り、コインとメダルの製作、製織と刺繍、工業デザイン、一般的な装飾。また、グラフィックアート（彫刻）やミニチュア、また装飾のための建築、絵画、彫刻などの作品も含まれています。

装飾的な芸術と美しい芸術との区別は、とりわけ、単一のアーティストに関連した機能、意​​図、重要性、単一の作業または生産の状態に基づいている。装飾的な芸術製品、または家具は、可動式（例えば、ランプ）または静止式（例えば、壁紙）であり得る。

装飾的な芸術は、一般的な芸術史のすべての期間において、単独で、または他の芸術、特に建築と関連して、多かれ少なかれ存在してきた。多くの場合、ビザンチン、イスラム、ゴシック様式の芸術のようなある歴史的な時期に、この種の仕事がなければそれを適切に評価することはできないだろう。他の場合、特に遊牧民文化のそれは、ロシア帝国を侵略したスキタイ人やゲルマン族の場合のように、これらの人々によって行われた唯一の芸術的業績である。多くの文化において、装飾芸術は、ギリシャの陶器や中国の漆のように、他の芸術と同様の地位を持っています。装飾芸術と一般的にこの媒体の表現の主な手段であったポピュラー文化との密接な関係に注目することも価値があります。

装飾的な芸術は、実用的で装飾的な目的を持ってオブジェクトを制作するように設計されたアートや工芸品に関連するすべての活動です。彼らは通常、工業的または職人的な生産で作られていますが、特定の審美的な目的を追求した作品です。この概念は、いわゆる応用芸術または工業芸術と同義であり、時には主要芸術や美術とは対照的にマイナーアートとも呼ばれます。ある意味では、装飾芸術は、独特で差別化された作品を生み出すのではなく、むしろ装飾的で装飾的な目的を追求するために、工業的芸術だけでなく、絵画や彫刻にも好ましく適用される用語です一般的な連続生産です。

装飾と美術との区別は、本質的に西洋のルネサンス後の芸術から生じており、その区別は大部分意味のあるものである。この区別は、他の文化や時代の芸術を考えるときには意味がありません。最も高く評価されている作品、あるいはすべての作品でさえ、装飾メディアに含まれています。例えば、多くの時代や場所におけるイスラム美術は、多くの伝統的文化の芸術と同様に、装飾芸術から構成されており、幾何学的形態や植物形態をしばしば使用しています。装飾と美術との区別は、中国の芸術を鑑賞するのにはあまり有用ではないし、ヨーロッパの初期の中世の芸術を理解するためのものでもない。ヨーロッパのその時期には、写本照明や記念碑的彫刻などの美術が存在しましたが、最も名高い作品は金細工、銅のような鋳物の金属、または象牙の彫刻などの技法の傾向がありました。大規模な壁画は、それほど考慮されず、厳しく執行され、現代の資料ではほとんど言及されなかった。近年、モザイクは装飾的なものに見える傾向があったが、彼らはおそらくこの時期には芸術として見なされなければならないモザイクの下位代替品と見なされていた。 “ars sacra”（ “聖なる芸術”）という言葉は、金属、象牙、織物、およびその他の価値の高い素材で行われる中世のキリスト教の芸術のために使用されることがあります。

概念：
装飾芸術技術は、芸術（τέχνηtéchnē）の概念に属し、人間の創造的な表現は、美的かつコミュニケーション的な目的で行われるあらゆる活動または製品として一般に理解され、アイデア、感情、または一般的には世界はさまざまなリソースと材料で表現されています。アートは文化の構成要素であり、その構想に経済的および社会的基盤を反映するだけでなく、宇宙と時間を通じて人間の文化に内在するアイデアや価値を伝達します。

芸術の分類は、芸術そのものの概念と並行して進化してきた。古典古代芸術は、すべての種類の手動技能と器用さ、合理的な種類と規則の対象とみなされ、現代の芸術がそのような宗派に入った工芸と科学として2世紀にガレンは、知的なものか手作業によるものかによって、アートをリベラルアーツと下品なアートに分けました。ルネサンスでは、建築、絵画、彫刻は、工芸と技能だけでなく、他の工芸品よりも優れた知的発想の一種でもある活動であると考えられていました。1746年、Charles Batteuxは、絵画、彫刻、音楽、詩、舞踊を含む現代の美術芸術の一つの原則であり、残りの芸術的活動のために「機械芸術」という言葉を維持し、両方のカテゴリーの間の活動として指摘した。時間が経つにつれて、このリストにはばらつきがあり、今日では完全に閉じているわけではありませんが、一般的には一般的に受け入れられています。

しばしばフロンティアが完全には明らかではないが、«装飾美術»、«応用芸術»、«工業芸術»、«マイナーアート»という用語は«美術»や«主要芸術»とは反対に起きた。芸術の中で装飾的な機能は第二次的なものであると考えられている。したがって、絵画が自ら美術作品としての自律性を持っているならば、オブジェクトへの応用において、その特質を失って、そのオブジェクトを美しくする機能を果たす。絵画が世界のビジョンを表現することができれば、装飾的な絵画はテーマやモチーフの閉じた円の中を移動します。

多分、美と芸術の分離は、「美しい」と「有益」という芸術批評の部分の区別に由来していたでしょう。前者は、より高いカテゴリーを与えられました。これは、後者はより現実的で平凡な目的を持っていました。この区別は、主要な美術に含まれる建築などの活動が確かに有用であり、有用である一方、多くのマイナーな芸術が美しいことができるので、主観的なものではありませんでした。

装飾芸術はマイナーな芸術と見なされていましたが、18世紀から一定の自主性を獲得して以来、功利主義的側面ではなく審美的価値観を始め、多くの作品は独自のユニークな芸術作品として評価されました。しかし、今日の「工業芸術」と呼ばれているこの業界に適用されている装飾芸術は、このコンセプトから分離されています。したがって、機能主義的美学は、多くの場合、重ね合わされた装飾を拒絶し、その有用性のためにオブジェクトをより価値あるものにする傾向があった。

「装飾芸術」という用語は、19世紀の3月に枝鍛造されたもので、主に「マイナー芸術」という言葉の代用品として飾られていました。装飾的または工業的芸術の起源において、実用性と美学は密接に関連しています。したがって、この用語に含まれる物体の生産は、製品（器具、衣服、器具、家具）の目的とその正式な外観を考慮しなければならない。したがって、実用的な機能を果たさない芸術的側面を有する別の実用的な物体は、その後装飾されるか、逆に、装飾的な芸術はしばしば単純な装飾的な機能を有する製品とみなされるが、一連の作品は、大文字のユニークな芸術作品のコンセプトから離れることになります。

装飾芸術の新たな意識における決定的な要因は、1860年から1863年にかけて出版されたGothfried Semperの著書「The Stil in technischen und tectonischen kersten der Praktische Aestetik」の中で、アート。この作品はフォーマル主義の歴史学者Alois Rieglに影響を与えた。彼は、装飾芸術も含めたスタイルの機能としての美術史の分析を行った。ウィーンの装飾美術館のキュレーターであったRieglにとって、芸術的な生産に使われた技法は、芸術的な形の進化を示していました。

アートジャンル：
装飾に関連する芸術には、歴史のなかで多くの用語が多かれ少なかれ同義語に適用されていますが、一般的なニュアンスにはいくつかの違いがありますが、同じ概念を表現しています。

装飾芸術：この用語は、このタイプの芸術の装飾目的に影響を及ぼします。なぜなら、その目的は特定の空間を飾ることであり、特にアーキテクチャに関連していると考えられる理由です。一般に、それは最も適切な用語と考えられ、それはより大きな尊厳を与え、これは、このタイプの作品に捧げられた博物館の大部分が通常装飾美術館と呼ばれているという証です。

マイナーアーツ：主要な芸術や美術（建築、彫刻、絵画）のアイデアと対立して起こったが、装飾的な芸術として絵画や彫刻を考えることができるので、それは軽蔑的であり、

有用な、または功利主義的な芸術：この用語は、建築のようないくつかの美術の有用性がそれらをこのレベルまで減らすかどうかは議論の余地があるが、その美的要素を過小評価するこのタイプの実現の実践的側面に重点を置く。

機能的芸術：前のものと同様に、これらの作品の機能的側面が影響を受け、同様の議論が生まれ、主要芸術にも機能がなければ追加することができます。

応用芸術：この用語は、この種の芸術学分野と職人技工業種の生産の関係から来ている。したがって、これらの取引が学ばれる学校の大多数は、多くの場合、応用芸術学校（または芸術貿易）と呼ばれています。

補助芸術：このタイプの分野の第2の側面は、その作品が「主要な」作品、好ましくは建築空間を飾ることになっているため、ここで強調されている。繰り返しますが、それは軽蔑的な言葉であり、多くの場合、それ自体で自律性を持つことができるこれらのすべての実現を含むわけではありません。

工芸、芸術工芸：この意味では、これらの作品の生産面は、手作業であることを考慮して、職人のプロフェッショナリズムの点で、機械的製造プロセスなしで影響を受けます。このコンセプトの大部分は、19世紀英国で浮上した芸術と工芸の動きから来ています。

手作業：一般的にほとんど使用されない用語は、多くの場合機械的生産を除いたこのタイプの作業の職人技に影響を及ぼします。

産業芸術：以前のものとは対照的に、これらの作品の多くの機械化と産業生産のプロセスは、特に産業革命以来ここに表現されています。このタイプの製作がアーティストのクリエイティブなプロセスを犠牲にして行われた場合、またはその実現に役立つ単なるツールであれば、ここで主張することができます。おそらくそれはシリーズで生産された作品にのみ適用されます。

Sumptuaryの芸術：sumptuaryの用語は「贅沢に属しているか関連している」ことを意味するので、貴重な材料（金、銀、宝飾品）で作られた装飾美術に好ましく適用されます。

影響要因：
作品の種類：住所、会社、宮殿、その他の目的にかかわらず、宗教的であれ、世俗的であれ、文化的であれ、一般的であれ、仕事の機能と運命が考慮されなければなりません。

テクニックと素材：各芸術分野には、作成するオブジェクトに応じて最終的な結果を考慮する必要のある特定のテクニックと準備素材があります。これらの要素の多くは、特定の時間やスタイルの決定要因であるため、学習や分類に役立ちます。

多くの文化の芸術に対する近代的理解は、他のものよりも美術メディアの現代的な特権と、異なるメディアにおける作品の生存率が非常に異なることによって歪められる傾向があります。金属の中では、特に貴金属は、ファッションから落ちると直ちに「リサイクル」される可能性があり、余分なお金が必要になったときに富の倉庫として所有者によって頻繁に使用される。イルミネーションされた写本は、特に教会の手に渡って、材料に価値がなく、保管が容易なため、生存率がはるかに高い。

フォーム：形状は、特定のスペースのボリュームと比率のリズムを、特に除外された部分でマークします。一方、この形式は、対象の機能とその時間的特性を表現するので、それは作成されたスタイルと歴史的・社会的枠組みを反映しています。

装飾的なシステム：作品の装飾的モチーフのタイプとそのモチベーションが同じものの構成内に収まる方法を確立する。 3つの主要な装飾モチーフは、幾何学的、碑文的、および自然主義的（植物、動物、人間または風景）であり、これらは単離されていても組み合わされていてもよい。その性質に応じて、目に見える性質の現実に触発されれば、自然主義者のように多様な表現言語が生成される。それが現実の主観的な再解釈をするならば、装飾が作業の特定の領域に限定されているか、完全に覆っている場合（いわゆるホラー・バキューム）、組成物内にも考慮する必要があります。この空間内で、装飾モチーフは、繰り返し、交互、対称または反転によって作成することができる。

幾何学的モチーフ：主なものの中には、点、線、ジグザグ、壊れたバンド、ランス、蛇行、正方形、ロージュ、チェッカード、三角形、六角形、八角形、正弦波、らせん、円と半円、楕円など

建築上の理由：コード、リステル、ブル、ボッセル、スコットランド、ガロン、カルテラなど

自然主義者のモチーフ：主に動植物、人間、幻想的な神話の存在、天文学の要素、あらゆる種類の風景や対象から来ます。

複雑な動機：基本的に筆記と記号、紋章の動機です。

色と光：装飾的な芸術の作品の審美的で正式な側面では、色と光は決定的であり、物体の形状、材料や硬度、屈折、透明度や不透明度などの様々な品質、反射、テクスチャ、救済、またはライトとシャドウのゲーム。また、色はしばしば特定の宗教的または文化的概念に関連しているため、物理的性質以外にも、ある種の象徴性を表現することができますが、光はしばしば神性や啓示に関連しています。

リズムとバランス：装飾芸術は、通常、様々な要素の組み合わせで達成される空間を装飾する目的を持っています。したがって、考慮する要因は、与えられた空間のすべての部分、全体的なバランス、およびそれらが囲まれている空間的なリズムの調和です。一方、要素の調和は、ファッションやスタイル、習慣、社会の考えなど、一定の期間に内在する概念を表現しています。

空間的関係：美術のほとんどの装飾作品（除外されていないものを除く）は、その概念と実現に影響を及ぼす特定の空間用に設計されています。このタイプの作品を評価するには、作品が元の場所にあるかどうかを検討する必要があります。博物館に展示されているこれらの作品のうちの1つは、その本質的な性質のために評価されることができるが、その元の機能を失うことは、その意味の一部を失う。

経済、社会、ファッション：すべての芸術作品は、生産的起源の決定要因となる決定的な歴史的、社会的瞬間を反映しています。これらのオブジェクトの精緻化において、生産性、その機能を決定する社会的コンディショニング要因、およびその形態および外観を調整するファッションおよびスタイルの側面を示す経済的要因が決定的であり得る。これらの外部条件は、これらの実現の生産プロセスを決定するために、技術などの他の内部要因と関連しています。

芸術間の影響：芸術のような芸術的な様相は、大小両方のものが互いに影響を及ぼします。これらの影響は時を経て伝えられ、バロック様式の味の古典主義的なアクセントを継承している。一般的に、主要な芸術の影響は軽視されていますが、それとは逆に、スペインのロマネスク様式の彫刻におけるイスラム装飾芸術の影響、バロック様式の絵画における彫刻の影響、フランスとドイツでの18世紀の建築におけるロココの装飾。

分類と手法：

モザイクとインレイ
モザイクは、地面にも壁にも硬い石を埋め込んで画像を作る技法です。それは舗道として置かれるとき、それはギリシャ語の用語lithostrotonを受け取ります：コーティングは、石、砂や石、小石、大理石のスラブなどの他の材料に適用されます。いくつかのタイプがあります：オパール・ラピッリ、自然の色の小さな小石それ自体が図面を構成する。テッセラ（tesserae）によって形成されたオッペス・テセラタム（opus tessellatum）、組成が精緻化された2センチメートルの四角形の部分、一般に幾何学的な型;また、タイルで作られているが、異なる輪郭のものであるため、異なる経路を形成することができる。不規則な形をした大理石のスラブによって形成された尖塔。 opus musivumとも呼ばれるモザイク自体は同じテクニックですが、壁の装飾に適用されます。ガラスペーストタイルで作られ、モルタルのいくつかのレイヤーで作成された壁に適用され、図や図を作成します。インレイは、前のものと同様の技術であり、舗装または壁面にすることができ、または家具または他の物体に適用することさえできる。石と大理石の薄いスラブを埋め込み、コンパクトな表面にさまざまなイメージやコンポジションをカットして埋め込みます。それはまた、木製（インターシャ）で作ることができ、キャビネット製作において頻繁に使用されています。カルピでは、17世紀に、石膏のインレイも登場しました。もう一つの変種は硬い石のソーセージです。

ガラス工事
ガラス工事は、木材、石膏、金または鉛で作られた結晶で作られ、パテの層（亜麻仁油を含む白い画家）で錫の鉛シートが取り付けられています。古いステンドグラスの窓には細かい細部を正確に描画するためにグリサリウム、液体酸化第二鉄が施されています。 1340年には酸化銀に置き換えられ、ここから着色された結晶はもはや作られないが、白色のガラスに着色される。製造プロセスは、段ボールでのスケッチの精緻化、眼鏡の切断、同じものの塗装、鉛による調理と組合の段階的なものです。

ガラスには、ナトリウムガラス（シリカでできた最も基本的なもの）、ガラス（シリカと酸化鉛、カリウム）、«カルセドニーガラス»（シリカと金属酸化物）、«ミルクグラス»（シリカ、二酸化マンガンおよび酸化スズ）。それを動作させる主な技法は、吹き飛ばしていて、どこの形や厚さにもできる。装飾は、塗装、落書き、彫刻、クリップ、細工などで塗装することができます。エナメルは、金属支持体上のガラスペースト（シリカ、石灰、カリッシュ、鉛、およびミニウム）であり、 、小さな金や銅のフィラメント、サポートの上に図が描かれている、エナメルを仕切りに分ける;肺胞の支持を低下させ、エナメルで満たされた凹面の材料を空洞化することによって作られたChamplevé; ajouré、形状が鋸やファイルでカットされている金色の表面、除去された部分をエナメルで満たす。

Azulejería
Azulejeríaは床と壁の覆いとして使用されるガラス質のセラミックタイルです。エナメル質のレンガと同様に、近東にもその起源があります。スペインでは、15世紀には、乾燥したロープ、盆地、尾根の3種類のタイル張りのバリエーションが生まれました。それと同じ世紀、イタリアでは、特にスペインやポルトガル、メキシコやペルーで絵画の構成が大成功したナポリやファエンツァで、マジョリカスラブの生産が始まりました。

Azulejeríaは化石物質であり、様々な亜炭、黒く輝く表面である。一般的には、ファイルやウインチ、彫刻、彫刻などの小さな作品で、研磨の最終段階です。彼らはしばしば彫刻や金細工の他の作品にリンクされており、宗教芸術ではかなり頻繁に見られます。

スタッコとプラスターワーク
スタッコは石灰ペースト（または白い石膏）、大理石の粉、洗った砂とカゼインで、時間と場所によって異なる比率で作られています。その2つの主な用途は、異なる厚さを有するコーティングまたは装飾として、一般に第1のケースではよりコンパクトで、第2のケースではより薄くて可鍛性である。その部分については、石膏は、水と混合された水和石灰の硫酸塩であり、白いペーストを形成し、それは建設および彫刻および救済の両方に使用することができる。 2つの主な違いは、大理石のほこりのない石膏は、その装飾的価値は類似しているが、より壊れ易く、品質が低いことである。

木工と建具
木製の芸術は、輸送可能な要素（家具）のように、岬やレタブロなどの暫定的なアーキテクチャーを含め、建築内の被覆物（飾り天井、ドア、窓、バルコニー、バスター）として使用されます。 2つの主なテクニックは、彫刻と旋削です。最初は、高、中、低、またはヒューレールのような鋭利な器具で、または切開した装飾で行われます。第2はより精巧な機械的操作プロセスを伴う。装飾に関しては、いくつかの手順があります：インターシャー、インレイに似ていますが木材に。象牙質、骨、母の真珠、金属などの他の種類の木材やその他の材料を使用することができます。粗い木材のベースを使用し、より高品質の別の細かいものを重ねることからなるめっき。漆塗り、木材へのラッカー技術の適用;色彩効果を作り出すために異なる色の森を重ね合わせる多色性;金、木と金の葉の組み合わせ; sgraffito、金と多色の組み合わせ。白熱した金属で木材を燃やすことからなるパイログラフィー。グループ化された木製の革の裏地。布で裏打ちされた木材をリハーサルしました。

金属加工
金属（鉄、銅、青銅）は、単独で使用することもできますし、通常はドア、バー、ゲートなどの閉鎖要素で木材に塗装して使用することもできます。ブロンズは、通常溶融され、金型に注がれる。鉄（リモナイト、黄鉄鉱、マグネタイト）の仕事は鍛造と呼ばれ、熱で還元され、そこからインゴットを作る赤いペーストができます。 3つのクラスがあります：炭素、シリカ、硫黄、マンガンが多く含まれている鋳鉄です。鍛造では溶けません。甘くて鍛造された鉄、より少ない炭素、より可鍛性および延性があり、鍛造することができるが、柔らかく鈍い。マンガン、タングステン、コバルトおよびタングステンを含む鋼は、切削器具のためにより硬い。モデリングはマテリアルを追加または削除することなく行われますが、ストレッチ、拡大、分割、曲げ、強調など、いくつかの代替技法があります。ゴールドとポリクロームのエフェクトも指定できます。

繊維芸術
主に生地や刺繍で表現されています。織物とは、経糸と緯糸に配列された複数の糸からなる織機のことである。織機は可動式（または「腰部」）または固定式（垂直または水平）であってもよい。糸の多重度または絡み合いに応じて、タフタ、ツイル、サテン、シルク、ベルベットなどのような異なる種類の布が得られる。これらの布は、天然または印刷され、布に染料を塗布することができる。類型学に関しては、装飾芸術で最もよく使われるものは、カーペットやタペストリー、それよりも少ないレースです。刺繍はすでに作られた布に針で行われたエンボス加工です。

脈管形成術
革の仕事には2つの主なモダリティがあります：アンダルシア時代のコルドバに登場したコドバン、ヤギの皮、またはヤギのヤギは、家具の補足として使われました。グアダメチェ、日焼けした彫刻されたラムの皮、後にポリプラマダ、金箔や銀、飾りのような飾りのような飾りつけ、天蓋や祭壇、またはカーペットのような壁、カーテンや家具のコーティングなど。レザーワークには、彫刻、エンボス、デベリング、チゼル、彫刻、スタンピング、アイロン、トリミングなどのさまざまなテクニックがあります。革には刺繍、金、銀または錫箔、またはハードウェアまたはネイルアプリケーションを追加できます。鉱物（カリ）または化学（アニリン）製品、または油または温度塗料で多染めされていてもよい。他の様式は、好ましくは結合に使用される、タフィレート、モロッコのシープスキンは主に家具の室内装飾品に使われていました。

ミニチュア
ミニチュアは、紙、羊皮紙、または皮革に作られた小さな寸法の絵の一種ですが、他の支持体上にあっても構いません。最も一般的な方法は、ガッシュ、ガム水または他のバインダー（アラビアゴム、卵白、蜂蜜）に溶解した顔料です。その最も一般的なサポートは、書物に付随する図書（通常はイラスト）です。

彫刻
彫刻とは、鉄または母材を用いて得た切手である。さまざまな手法があります。
Chalcography：中空で作られた銅の彫刻、エッチング技術、ワニスで保護されていない金属板の部分を強水（硝酸を水で希釈）で処理するエッチング技術。 aquatintと呼ばれる特殊なタイプのインクでこの表面を描く、樹脂で覆われた金属プレートからの水分、テクニック。銅板上に描かれたバーイン（burin）を用いて溝をインクで充填し、この技法では、スチール、ダイヤモンドまたはルビーのチップを用いてワニスまたは酸に頼らずに直接加工され、圧力および切開角度に応じて異なる「バリ」と呼ばれる粗い線が得られ、 burinと違って、金属を切断するのではなく、それを傷つける。ハーフインキ（メゾチント）で彫刻されたプレートは、多角形スクレーパー（ロッカーまたはベーソー）で加工され、鮮明で暗い色合いが区別されるラインを交差させて均一な砂目立てを得る。
木版画：木版画のスケッチを描き、ナイフ、ガウジ、チゼル、またはチゼルで刻んだ木の白い彫刻（通常チェリーまたはボックスウッド）。その後、手で、またはプレスでローラーで打ち抜き、打ち抜きます。
Linocut：木版に似たエンボス加工のテクニックですが、木の代わりにリノリウムを使用しています。
石版：石灰岩の彫刻であり、表面をグリースペンシルで処理して図面を画定し、彫刻を2つの手順に従って行う。酸で入浴し、未腐食部分を腐食させ、図面を浮かせる。または2種類の水性インクとグリースを塗り、最初のものをバックグラウンドで固定し、2番目の線を鉛筆で覆う。それは1796年にAloys Senefelderによって考案されました。
スクリーン印刷：絹の模様で色をろ過してプリントを得たり、防水のためにろ過してはならない部分を糊でコーティングしたりする技術。それは中国で発明されました。

ゴールドワーク
ゴールドワークとは、金、銀、ダイヤモンド、パール、アンバー、サンゴなどの貴金属や貴石で装飾品を作る技術です。さまざまなテクニックやモダリティがあります。
カメオ（Cameo）：瑪瑙、鼓膜、珊瑚、殻などの層状の硬い石の彫像で、通常は色の異なるレイヤーがあり、強いコントラストを提供します。

セラミック
セラミックは粘土で4つのクラスに分かれています：多孔質赤黄色の粘土（陶器、テラコッタ、スポンジケーキ）。白い多孔質の焼いた粘土（食器類）;灰色、褐色または褐色の非多孔質焼成粘土（石器）;コンパクトな白色の非多孔質焼成クレー（磁器）。他の変種は、マジョリカとファイネスです。第一期は主にイタリアで使用され、第二期はヨーロッパの残りの国で使用されます。旋盤で手作業または機械的に作ってから、タイプに応じて400°〜1300°の温度でオーブンで焼くことができ、エナメルまたはペイントで飾られています.55装飾は：excisa 、泥で作られた救済のアプリケーション; incisa、泥の上に描画された絵はまだ柔らかい;粘土の軟らかい表面に適用された型を用いて、焼いた粘土の上に作られた研磨; sgraffito、さまざまな色のアプリケーションは、その後、希望の効果に応じて引き裂かれます。いくつかの染料を脂肪と混合してセラミックに静脈を作り出した。

ラッカー
漆は、鉱物または植物性樹脂から抽出され、極東から来る、光沢のある、厚くてしっかりしたワニスです。このワニスは、木材、金属、セラミックス、紙、革などの様々な素材の物体に適用されます。漆の技法は、粗い漆の最初の塗布から始まります。これは、いくつかの上質な漆の層で覆われています。最後は、希望の色合いになります。彫刻や切開、他の材料の盛り付け、または金や銀のスプレーによる刷毛塗りが可能な装飾が施されています。最終的に、最終的なラッカーは、いくつかの層の半透明ラッカーで作られる。

エボラリア
エボラリアは象の角から得られる象牙の作品です。これは、象眼細工の木材や、個々の作品として、彫刻され、描かれ、塗装された象牙に適用することができます。この彫刻は、牙を切って舟形にしたり、その後に装飾を施したり、時には多色にする「ボート」に始まります。ドラフトは前のものと似ていますが、木のフレットサイズを模倣するより洗練されたテクニックがあります。塗装されたものは木製のフレームに象牙の板であり、その上に刷毛のある顔料が塗布されていました。

プルメリア
羽毛は鳥の皮膚の角質構造である。一般に、それらは他の支持体に接合されている（一般に、それらを縫合、接着または組み立てることによって織られている）。その主な用途はコロンビア前アメリカであった。

バスケットリー
バスケットリーは、世界で最も古い工芸品の一つであり、一緒にロックされた植物繊維の容器のものです。最も古い技法は、螺旋状のバスケット織りで、葦や藁や撚り糸で作られたロープや螺旋状の繊維で作られ、一般に球形や卵形のような形をしています。もう一つのテクニックは、ファイバーで縫い付けられた長いプリーツを巻くことによって行われる編組です。第3に、織り交ぜは、繊維を籐のフレームに織ることによって達成される。

ファン
空気を与えるためのこの器具は、しばしば装飾の対象であり、時には装飾品として家屋の中に置かれている。彼らは剛性がありますが、ほとんどが折りたたみ可能です。それらは通常、布、紙、ガーゼ、レースまたは子供の折り畳み式の表面（国）、木材、象牙、真珠、漆または殻の棒（ガイド）で構成されています。 2つの端部ロッドは、シャベルと呼ばれる。露出したロッド（光源）の部分は、開け木加工、金めっきまたは他の技術で装飾することができる。

Glíptica
Glípticaは、切手、コインまたはメダルの製造のための貴重なまたは半貴石を刻む芸術です。それは通常カメオや彫刻で作られ、時には丸い形で、通常は小片に作られます。これらの部分の作業は、鈍いまたは鋭い頭部を備えた研磨剤および粉砕機を用いて行われる。

バインディング
綴じは本の表紙で、外部エージェントの内容を保存する主な機能を持っていますが、しばしば装飾の対象となっています。折り目の結合は、縫い付け、糊付けまたは他の手順で行うことができる。カバーは、パパイヤ、木材、皮革、革（金、チゼルまたはエンボス加工）、厚紙または他の材料でできている場合もあり、時にはエナメル、金細工またはエボラリアの用途もある。

時計製造
ウォッチメーキングは、多くの場合、装飾の対象となっていた時間を測定するための手段であり、時間の経過とともに、技術的にも書類的にも進化してきました。太陽、水（clepsydra）、砂、リング、ブラケット、ポスター、祖父、バンジョー、ハイボックス、フロート、バルーン、ランタン、ペデスタル、スケルトン、議会、レギュレータなど多くの種類の時計があります。

おもちゃ屋
おもちゃは、まず子供たちのゲームのための実際の機能を果たしますが、時には内装の装飾品として使用されています。数多くの種類と材料で構成されているその実用的機能は、その保存のために多くの場面で不便であり、歴史的進化を確立することも難しい。人形や人形館、オートマトン、人形や人形、鉛兵、揺れ馬、凧、兵器の複製品、列車や車など、装飾に最もよく使われているモダリティのいくつかがあります。

芸術と工芸の動き：
装飾芸術の作品に与えられる低い地位は、芸術と工芸の動きの勢いで狭まった美術とは対照的です。 19世紀後半のこの美的運動は、英国で生まれ、ウィリアム・モリスとジョン・ラスキンに影響を受けた。この動きは、ヨーロッパ全体の装飾芸術のより大きな賞賛の始まりを表していました。新しい世代への芸術と工芸の動きの魅力は、英国の建築家でデザイナーのArthur H. Mackmurdoが1882年に職人のためにCentury Guildを組織し、罰金と装飾の芸術の間に意味のある差異がないという考えを裏付けました。多くの改宗者は、プロの芸術家の階級から、そして知的階級の中から全体として、運動のアイディアを広めるのを助けました。

工芸品の動きを再評価し、従来の製造業への復帰を唱え、芸術はそれが美しいほど有用であるべきであると規定している。ラスキンとモリスのアプローチに続いて、チャールズ・ロバート・アッシュビー（Charles Robert Ashbee）がこの運動の主催者でした。 1888年に、彼はモダニズムに近いスタイルで家具、銀製品、金属工芸品をデザインしたToynbee Hall（ロンドン）でGuild and Handicrafts Schoolを設立しました。

アメリカでは、アメリカの職人と呼ばれるこの運動は、彼の製品のより大きな商業化を目指して、装飾のないシンプルで機能的なタイプの家具のデザイナーであるGustav Stickleyによって代表されました。一般的に、これらのアーティストは、ネオ・ゴシック様式を放棄し、レイナ・アナ様式に部分的に触発された、よりシンプルで軽くエレガントなスタイルを放棄しました。 1890年代には、モダニズムの影響が受けられました。

芸術と工芸の動きの影響は、装飾的な芸術が社会においてより大きな感謝と地位を与えられたことにつながり、これはすぐに法律の変更によって反映されました。 1911年の著作権法制定まで、美術品の著作物のみが不正コピーから保護されていました。 1911年の法律は、「芸術作品」の定義を、「芸術的職人技」の作品を含むように拡張した。