Las artes decorativas son artes o artesanías relacionadas con el diseño y la fabricación de objetos hermosos que también son funcionales. Incluye diseño de interiores, pero no suele ser arquitectura. Las artes decorativas son una serie de disciplinas artísticas figurativas tradicionalmente vinculadas a la creación y decoración de objetos de uso, a diferencia de las bellas artes (pintura, escultura, dibujo, grabado, fotografía y mosaico) destinadas a crear artefactos cuyo único propósito es en cambio, contemplación estética. Este campo incluye todas las artesanías de diseño de interiores y diseño de interiores, como muebles y mobiliario.

Las artes decorativas a menudo se catalogan por medio o técnica. Entre ellos podemos mencionar la orfebrería, la toreútica, la glíptica, el arte de cerámica, la miniatura, la creación de vidrieras y otros objetos de vidrio, esmaltes, talla, incrustaciones, ebanistería, acuñación de monedas y medallas, tejido y bordado , diseño industrial, decoración en general. También suele incluir artes gráficas (grabado) y miniaturas, así como algunas obras de arquitectura, pintura y escultura destinadas a la ornamentación y concebidas en series, no como obras individuales.

La distinción entre arte decorativo y bello arte se basa sobre todo en la funcionalidad, las intenciones, la importancia, el estado del trabajo individual o la producción relacionada con un solo artista. Los productos de arte decorativo, o el mobiliario, pueden ser móviles (por ejemplo, lámparas) o fijos (por ejemplo, papel tapiz).

Las artes decorativas han estado presentes en mayor o menor medida en todos los períodos de la historia del arte en general, ya sea solos o en conjunto con otras artes, especialmente la arquitectura. En muchos casos han marcado un cierto período histórico, como el arte bizantino, islámico o gótico, de tal manera que no sería posible evaluarlo adecuadamente sin la presencia de este tipo de trabajo. En otros casos, especialmente el de las culturas nómadas, es el único tipo de logro artístico llevado a cabo por estos pueblos, como es el caso de los escitas o los pueblos germánicos que invadieron el Imperio Romano. En muchas culturas, las artes decorativas han tenido un estatus similar al resto de las artes, como es el caso de la cerámica griega o laca china. También vale la pena señalar la estrecha relación entre las artes decorativas y la cultura popular, que a menudo ha sido el principal medio de expresión en este medio.

Las artes decorativas son todas aquellas actividades relacionadas con el arte o la artesanía diseñadas para producir objetos con un propósito tanto utilitario como ornamental. Suelen ser trabajos realizados con una producción industrial o artesanal pero que persiguen un determinado propósito estético. El concepto es sinónimo de las llamadas artes aplicadas o artes industriales, también a veces llamadas artes menores en oposición a las principales artes o bellas artes. En cierto sentido, las artes decorativas es un término aplicado preferentemente a las artes industriales, así como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es generar una obra única y diferenciada, sino que buscan un propósito decorativo y ornamental, con una producción generalmente en serie.

La distinción entre las artes decorativas y las bellas artes se ha originado esencialmente en el arte posrenacentista de Occidente, donde la distinción es, en su mayor parte, significativa. Esta distinción es mucho menos significativa cuando se considera el arte de otras culturas y períodos, donde las obras más respetadas -o incluso todas las obras- incluyen aquellas en medios decorativos. Por ejemplo, el arte islámico en muchos períodos y lugares consiste enteramente en las artes decorativas, a menudo usando formas geométricas y vegetales, como lo hace el arte de muchas culturas tradicionales. La distinción entre artes decorativas y bellas artes no es muy útil para apreciar el arte chino, y tampoco lo es para entender el arte medieval temprano en Europa. En ese período en Europa, las bellas artes como la iluminación de manuscritos y la escultura monumental existían, pero las obras más prestigiosas solían ser trabajos de orfebrería, en metales de fundición como el bronce, o en otras técnicas como el tallado de marfil. Las pinturas murales a gran escala fueron mucho menos respetadas, ejecutadas crudamente y raramente mencionadas en fuentes contemporáneas. Probablemente fueron vistos como un sustituto inferior del mosaico, que para este período debe ser visto como una obra de arte, aunque en los últimos siglos los mosaicos han tendido a ser considerados como decorativos. El término «ars sacra» («artes sagradas») se utiliza a veces para el arte cristiano medieval hecho en metal, marfil, textiles y otros materiales de alto valor, pero no para obras seculares más raras de ese período.

Concepto:
La técnica de las artes decorativas se inscribe en el concepto de arte (τέχνη téchnē), una manifestación creativa del ser humano generalmente entendida como cualquier actividad o producto llevado a cabo con un propósito estético y comunicativo, a través del cual Ideas, emociones o, en general, una visión de el mundo se expresa a través de diversos recursos y materiales. El arte es un componente de la cultura, que refleja en su concepción los sustratos económicos y sociales, así como la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana en el espacio y el tiempo.

La clasificación del arte ha tenido una evolución paralela al concepto de arte mismo: durante la antigüedad clásica el arte fue considerado como todo tipo de destreza manual y destreza, de un tipo racional y sujeto a reglas, por lo que las bellas artes actuales entraron en esa denominación como artes y ciencias En el siglo II Galeno dividió el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual. En el Renacimiento, la arquitectura, la pintura y la escultura se consideraban actividades que requerían no solo artesanía y habilidad, sino también un tipo de concepción intelectual que los hacía superiores a otros tipos de artesanías. En 1746, Charles Batteux estableció Las bellas artes reducidas a un principio único la concepción actual de las bellas artes, donde incluía pintura, escultura, música, poesía y danza, manteniendo el término «artes mecánicas» para el resto de las actividades artísticas, y se señaló como actividades entre ambas categorías la arquitectura. Con el tiempo, esta lista sufrió variaciones y, a partir de hoy, no está completamente cerrada, pero en general establece una base comúnmente aceptada.

Los términos «artes decorativas», «artes aplicadas», «artes industriales» o «artes menores» surgieron en oposición a «bellas artes» o «grandes artes», aunque a menudo la frontera no está del todo clara. dentro de las artes plásticas, la función decorativa se considera secundaria: así, si la pintura tiene por sí misma una autonomía como obra de arte, en su aplicación a un objeto pierde esa singularidad para cumplir una función subordinada, la de embellecer ese objeto. Si la pintura puede representar una visión del mundo en la libertad conceptual del artista, la pintura decorativa se moverá en un círculo cerrado de temas y motivos.

Probablemente la separación entre artes mayores y menores provino de la distinción por parte de la crítica de arte de lo «bello» y lo «útil»: a la primera se le concedió una categoría superior, ya que parecía estar dirigida más directamente al intelecto y / o el espíritu, mientras que el último tenía un propósito más práctico y mundano. Esta distinción no dejó de ser subjetiva, ya que una actividad como la arquitectura, comprendida en las artes principales, es ciertamente útil, mientras que muchas artes menores, aunque útiles, pueden ser hermosas.

Aunque las artes decorativas fueron consideradas un arte menor, desde el siglo XVIII adquirieron cierta autonomía y, desde entonces, comenzaron a valorar su aspecto estético más que utilitario y muchas de sus producciones fueron valoradas como obras de arte con su propia singularidad. . Sin embargo, las artes decorativas aplicadas a la industria -más propiamente llamadas hoy «artes industriales» – se separaron de este concepto, ya que en este tipo de objetos la decoración suele ser secundaria; así, la estética funcionalista tendía a valorar los objetos más por su utilidad, rechazando una decoración a menudo superpuesta.

El término «artes decorativas» fue una rama forjada en la tercera mitad del siglo XIX, principalmente como un sustituto del término «artes menores», que era peyorativo. En la génesis de las artes decorativas o industriales, la practicidad y la estética están inextricablemente unidas. Por lo tanto, la producción de objetos abarcados en este término debe tener en cuenta el propósito del producto (electrodomésticos, ropa, utensilios, muebles), así como su apariencia formal. Por lo tanto, un objeto utilitario que posteriormente se decora o, por el contrario, otro que tiene un aspecto artístico que no cumple una función práctica, no caería en esta categoría, aunque las artes decorativas a menudo se han considerado productos con una función ornamental simple, pero producido en serie, que se alejaría del concepto de obra de arte única con mayúsculas.

Un factor decisivo en la nueva conciencia de las artes decorativas fue la publicación entre 1860 y 1863 del libro Der Stil in den technischen und tectonischen künsten der praktische Aestetik, de Gottfried Semper, donde prestó especial atención a las artes decorativas en la historia de el arte. Este trabajo influyó en el historiador formalista Alois Riegl, quien en su análisis de la historia del arte en función del estilo también incluyó las artes decorativas. Para Riegl, que fue curador del Museo de Artes Decorativas de Viena, las técnicas utilizadas en la producción artística marcaron la evolución de las formas artísticas.

Géneros de arte:
Para las artes relacionadas con la decoración se han aplicado a lo largo de la historia muchos términos más o menos sinónimos, mientras que pueden tener algunas diferencias en matices generales expresados ​​en el mismo concepto:

Artes decorativas: el término afecta el propósito decorativo de este tipo de artes, ya que su finalidad es adornar un espacio específico, por lo que se consideran especialmente vinculadas a la arquitectura. En general se considera el término más apropiado y otorga una mayor dignidad, prueba de ello es que la mayoría de los museos dedicados a este tipo de obras suelen llamarse Museos de Artes Decorativas.

Artes menores: surgió en confrontación con la idea de grandes artes o bellas artes (arquitectura, escultura y pintura), aunque es peyorativa y marca algunos límites que no son reales, ya que la pintura y la escultura pueden considerarse en ciertos casos como artes decorativas

Artes útiles o utilitarias: este término pone énfasis en el aspecto práctico de este tipo de realizaciones, que subestima su componente estético, mientras que sería discutible si la utilidad de algunas bellas artes como la arquitectura las reduciría a este nivel.

Artes funcionales: análoga a la anterior, se influye en el aspecto funcional de estas obras, lo que da lugar a un debate similar, que puede agregarse si las artes principales tampoco tienen una función.

Artes aplicadas: este término proviene de la relación entre este tipo de disciplinas artísticas y su producción de tipo artesanal o industrial, ya que generalmente se crean mediante diversas técnicas y procedimientos especializados que requieren una formación profesional o semiprofesional. Por lo tanto, la mayoría de las escuelas donde se aprenden estos oficios a menudo se denominan Escuelas de Artes Aplicadas (o Oficios Artísticos).

Artes auxiliares: aquí se enfatiza el aspecto secundario de este tipo de disciplinas, ya que sus producciones están destinadas a decorar obras «mayores», preferiblemente espacios arquitectónicos. De nuevo, es un término peyorativo y no incluye todas estas realizaciones, que en muchos casos pueden tener una autonomía por sí mismas.

Artesanías, artesanías artísticas: en este sentido, el aspecto productivo de estas obras se ve afectado en términos de la profesionalidad de sus artesanos, en la consideración de ser objetos hechos a mano, sin un proceso de fabricación mecánica. Gran parte de este concepto proviene del movimiento Arts and Crafts, que surgió en el Reino Unido en el siglo XIX.

Artes manuales: un término poco utilizado en general, afecta la artesanía de este tipo de trabajo, que excluye su producción mecánica en muchos casos.

Artes industriales: a diferencia de la anterior, el proceso de mecanización y producción industrial de muchas de estas obras se expresa aquí, especialmente desde la Revolución Industrial. Se podría argumentar aquí si este tipo de fabricación se realiza en detrimento del proceso creativo del artista o simplemente es una herramienta que ayuda a su realización. Quizás solo sea aplicable a aquellas obras producidas en serie.

Artes suntuarias: el término suntuario significa «pertenecer o estar relacionado con el lujo», por lo que se aplica preferiblemente a aquellas artes decorativas hechas con materiales preciosos (oro, plata, joyería).

Factores de influencia:
Tipo de obras: un primer factor a tener en cuenta es la función y el destino del trabajo, ya sea religioso o secular, culto o popular, ya sea para una dirección, una empresa, un palacio o cualquier otro propósito.

Técnicas y materiales: cada disciplina artística tiene ciertas técnicas y materiales de preparación, que deben considerarse para el resultado final en función del objeto que desea crear. Muchos de estos elementos son determinantes de un cierto tiempo o estilo, por lo que ayudan en su estudio y clasificación.

La comprensión moderna del arte de muchas culturas tiende a distorsionarse por el privilegio moderno de los medios de comunicación sobre otros, así como por las tasas de supervivencia muy diferentes de las obras en diferentes medios. Los trabajos en metal, sobre todo en metales preciosos, son susceptibles de ser «reciclados» tan pronto como caen de la moda, y con frecuencia fueron utilizados por los propietarios como depósitos de riqueza, para ser fundidos cuando se necesitaba dinero extra. Los manuscritos iluminados tienen una tasa de supervivencia mucho más alta, especialmente en las manos de la iglesia, ya que había poco valor en los materiales y eran fáciles de almacenar.

Forma: la forma marca el ritmo de volúmenes y proporciones de un cierto espacio, especialmente en piezas exentas. Por otro lado, la forma expresa la función del objeto y sus características temporales, por lo que es un reflejo del estilo y el marco histórico y social en el que fue creado.

Sistema decorativo: establece el tipo de motivo ornamental de una pieza y la forma en que dicho motivo encaja dentro de la composición de la misma. Los tres principales motivos ornamentales son: geométrico, epigráfico y naturalista (vegetal, animal, humano o paisajístico), que pueden ser aislados o combinados. Dependiendo de su composición, se generan diversos lenguajes expresivos, como el naturalista, si está inspirado en la realidad de la naturaleza visible; o el estilizado, si hace una reinterpretación subjetiva de la realidad. También dentro de la composición debe tenerse en cuenta si la ornamentación se limita a un área específica de la obra o si la cubre por completo (el llamado horror vacui). Dentro de este espacio, los motivos ornamentales se pueden hacer por repetición, alternancia, simetría o inversión.

Motivos geométricos: entre los principales se encuentran el punto, la línea, el zigzag, la banda rota, la lanza, el meandro, el cuadrado, losange, el a cuadros, el triángulo, el hexágono, el octágono, la sinusoide, la espiral , el círculo y el semicírculo, la elipse, etc.

Razones arquitectónicas: cable, listel, toro, bocel, escocia, galón, cartela, etc.

Motivos naturalistas: proceden principalmente de flora, fauna, seres humanos, seres fantásticos y mitológicos, elementos astronómicos, paisajes y objetos de todo tipo.

Motivos complejos: son básicamente la escritura y los símbolos, así como los motivos heráldicos.

Color y luz: en el aspecto estético y formal de la obra de arte decorativo, el color y la luz son decisivos, lo que influye en la forma del objeto, el material y diversas cualidades como la solidez, la refracción, la transparencia u opacidad, el reflejo, el textura, el relieve o los juegos de luces y sombras. Además, aparte de sus cualidades físicas, pueden expresar un cierto simbolismo, ya que los colores a menudo se asocian con ciertos conceptos religiosos o culturales, mientras que la luz a menudo se asocia con la divinidad y la revelación.

Ritmo y equilibrio: las artes decorativas tienen el propósito de decorar un espacio, que generalmente se logra con la conjunción de varios elementos. Por lo tanto, un factor a tener en cuenta es la armonía entre todas las piezas de un espacio dado, el equilibrio general y el ritmo espacial en el que están circunscritas. Esta armonización de elementos expresa, por otro lado, conceptos inherentes a un cierto período, como la moda o el estilo, las costumbres o el pensamiento de una sociedad.

Relación espacial: la mayoría de las obras de arte decorativas (excepto las exentas) están diseñadas para un espacio específico, lo que influye en su concepción y realización. En la evaluación de este tipo de trabajos, se debe considerar si se encuentran en su ubicación original o no; Una de estas obras expuestas en un museo puede ser valorada por sus cualidades intrínsecas, pero perder su función original pierde parte de su significado.

Economía, sociedad y moda: cada obra de arte es reflejo de un determinado momento histórico y social, que supone un factor determinante en su génesis productiva. En la elaboración de estos objetos, los factores económicos que marcan su productividad, los condicionantes sociales que determinan su función, y los aspectos de moda y estilo que condicionan su forma y apariencia pueden ser decisivos. Estas condiciones externas están vinculadas a otros factores internos, como la técnica, para determinar el proceso de producción de estas realizaciones.

Influencias entre las artes: las diferentes modalidades artísticas, tanto mayores como menores, se influyen mutuamente, al igual que los artistas. Estas influencias también se transmiten en el tiempo, lo que se denota en la sucesión de periodos marcados de acento clasicista con otros del gusto barroco. En general se ha percibido la influencia de las artes principales sobre las menores, pero a veces también ha sucedido por el contrario, como la influencia de las artes decorativas islámicas en la escultura románica española, del grabado en la pintura del Barroco o de la decoración rococó en la arquitectura del siglo XVIII en Francia y Alemania.

Clasificación y técnicas:

Mosaico y embutido
El mosaico es la técnica de hacer imágenes incrustando piedras duras, ya sea en el suelo o en la pared. Cuando se coloca como un pavimento, recibe el término griego lithostroton: el revestimiento se aplica sobre cal, arena u otros materiales como piedras, guijarros, losas de mármol, etc. Hay varios tipos: opus lapilli, pequeños guijarros de colores naturales , que por sí mismos componen el dibujo; opus tessellatum, formado por teselas, piezas de forma cuadrada de dos centímetros, con las que se elabora la composición, generalmente de tipo geométrico; opus vermiculatum, también hecho con azulejos, pero de diferentes contornos, pudiendo así formar diferentes caminos; opus sectile, formado por losas de mármol de forma irregular. El mosaico en sí, también llamado opus musivum, es la misma técnica, pero se aplica a la decoración de la pared: está hecha con azulejos de pasta de vidrio, aplicados a la pared preparada con varias capas de mortero, haciendo figuras y dibujos. La incrustación es una técnica similar a las anteriores, puede ser pavimentada o parietal, o incluso puede aplicarse a muebles u otros objetos. Consiste en incrustar finas losas de piedra y mármol de color, cortar e incrustar formando diversas imágenes o composiciones sobre una superficie compacta. También se puede hacer en madera (intarsia), siendo una técnica frecuente en ebanistería. En Carpi, en el siglo diecisiete, también surgió una incrustación de yeso. Otra variante es la salchicha de piedras duras.

Cristalería
La cristalería está hecha sobre cristales engastados en madera, yeso, oro o plomo, que están equipados con láminas de plomo, estañándolos, con una capa de masilla (pintor blanco con aceite de linaza). Las vidrieras antiguas tienen grisailles, óxido férrico líquido, aplicadas para dibujar con precisión pequeños detalles; en 1340 fue reemplazado por óxido de plata y, a partir de aquí, ya no se fabrican cristales de colores, sino que se colorean sobre vidrio blanco. El proceso de fabricación es por fases: elaboración de un boceto en cartón, corte de las copas, pintura de la misma, cocción y unión por plomo.

Hay varios tipos de vidrio: «vidrio de sodio» (el más básico, hecho de sílice), vidrio (sílice y óxido de plomo o potasio), «vidrio de calcedonia» (sílice y óxidos de metal) y «vidrio de leche» (Sílice, dióxido de manganeso y óxido de estaño). La principal técnica para trabajar es soplar, donde se le puede dar cualquier forma y grosor. En cuanto a la decoración, puede ser pintada, grafiti, tallada, con clips, filigrana, etc. El esmalte es una pasta de vidrio (sílice, lima, potasa, plomo y minio), sobre soporte metálico, trabajado según varias técnicas: cloisonné , pequeños filamentos de oro o cobre, con los que se dibuja la figura sobre el soporte, separe el esmalte en particiones; Champlevé, que se realiza bajando el soporte en los alvéolos y vaciando el material en las concavidades, lleno de esmalte; ajouré, una superficie dorada donde las formas se cortan con sierras o limas, llenando la parte removida con esmalte.

Azulejería
La Azulejería es una baldosa cerámica esmaltada que se utiliza como revestimiento para pisos y paredes. Al igual que los ladrillos esmaltados, tiene su origen en el Cercano Oriente. En España, en el siglo XV, surgió la variante del mosaico, con tres tipos: cuerda seca, cuenca o cresta. Ese mismo siglo, en Italia, comenzó la producción de losas de mayólica, especialmente en Nápoles y Faenza, cuyas composiciones pictóricas tuvieron más éxito en España y Portugal, así como en México y Perú.

Azulejería es una sustancia fósil, una variedad de lignito, superficie negra y brillante. En general, son piezas pequeñas, que trabajan con archivo y cabrestante, en relieve o tallado, con una fase final de pulido. A menudo están vinculados a otras obras de escultura o orfebrería, siendo bastante frecuentes en las artes suntuarias.

Estuco y yesería
El estuco está hecho con pasta de cal (o yeso blanco), polvo de mármol, arena lavada y caseína, en diferentes proporciones dependiendo del tiempo y el lugar. Sus dos aplicaciones principales son como revestimiento o como decoración, con diferentes espesores, generalmente más compactos para el primer caso y más delgados y maleables para el segundo. Por su parte, el yeso es un sulfato de cal hidratada, que mezclado con agua forma una pasta blanca, que puede usarse tanto para construcción como para escultura y relieves. La principal diferencia entre los dos es que el yeso, que no tiene polvo de mármol, es más frágil y de menor calidad, aunque su valor decorativo es similar.

Carpintería y ebanistería
Las artes de la madera se utilizan como un revestimiento dentro de la arquitectura (artesonados de techos, puertas, ventanas, balcones, balaustres) -incluidas las arquitecturas provisionales, como capelardentes y retablos- como en elementos transportables (muebles). Las dos técnicas principales son el tallado y el torneado: la primera se realiza con instrumentos filosos, como el buril -en alto, medio, bajo o tono brillante-, o en ornamentación incisa; el segundo implica un proceso de manipulación mecánica más elaborado. En cuanto a la ornamentación, existen varios procedimientos: intarsia, similar a la incrustación pero en madera; incrustación (o marquetería), un tipo similar de incrustación pero más superficial, hecho con pegamento (en estos casos, las piezas añadidas pueden ser de otro tipo de madera u otros materiales, predominantemente marfil, hueso, nácar o metal); chapado, que consiste en utilizar una base de madera gruesa y superponer otra más fina de mayor calidad; lacado, aplicación de la técnica de laca a la madera; policromático, superposición de maderas de diferentes colores para crear efectos cromáticos; oro, combinación de madera y pan de oro; esgrafiado, combinación de oro y policromía; pirografía, que consiste en quemar la madera con un metal incandescente; Agrupado, madera forrada con cuero; y ensayado, madera forrada con tela.

Metalmecánica
El metal (hierro, cobre, bronce) se puede usar solo o enchapado en madera, generalmente en elementos de cierre como puertas, barras y compuertas. El bronce generalmente se derrite y se vierte en moldes. El trabajo con hierro (limonita, pirita o magnetita) se llama forja: se reduce con el calor, del que se obtiene una pasta rojiza con la que se fabrican los lingotes. Hay tres clases: hierro fundido, con mucho carbono, sílice, azufre y manganeso, no se usa para forjar, solo para fundirse en moho; hierro dulce o forjado, con menos carbono, es más maleable y dúctil, puede ser forjado, pero es suave y sin brillo; y el acero, con manganeso, tungsteno, cobalto y tungsteno, es más duro, para instrumentos de corte. El modelado se realiza sin agregar o eliminar material, pero hay varias técnicas alternativas: estirar, agrandar, dividir, doblar, enfatizar, etc. También se pueden dar efectos dorados y policromados.47

Artes textiles
Se manifiestan principalmente en telas y bordados. Una tela es una obra de telar compuesta de varios hilos dispuestos en urdimbre y trama. Los telares pueden ser móviles (o «cintura») o fijos (verticales u horizontales). Dependiendo de la multiplicidad o entrelazado de los hilos, se obtienen diferentes tipos de tejidos, como tafetán, sarga, satén, seda, terciopelo, etc. Estas telas pueden ser naturales o impresas, aplicando tintes sobre la tela. En cuanto a las tipologías, las más utilizadas en artes decorativas son las alfombras y los tapices y, en menor medida, los encajes. Los bordados son un trabajo en relieve hecho con aguja en telas ya hechas.

Corioplastia
El trabajo en cuero tiene dos modalidades principales: el cordobán, el cuero de cabra o la cabra curtida, aparecido en Córdoba en el período andaluz, utilizado como complemento para el mobiliario; y el guadamecí, piel de carnero curtido y tallado, y luego policromada, dorada o plateada, utilizada como adorno de retablos, doseles y altares o como revestimiento de paredes, cortinas o muebles, a veces incluso como alfombras. Existen diferentes técnicas para el trabajo del cuero: grabado, gofrado, degradación, cincelado, tallado, estampado, planchado, recorte, etc. Puede agregarse bordado, oro, plata o papel de aluminio, o aplicaciones de hardware o clavo en el cuero, y puede policromarse con productos minerales (potasa) o químicos (anilina), o con pintura al óleo o al temple.49 Otras modalidades son el tafilete, piel de cabra bruñida más fina que el cordobán, usada preferentemente en encuadernación; y el marroquí, piel de oveja utilizada principalmente en tapicería de muebles.

Miniatura
Miniatura es un tipo de pintura de pequeñas dimensiones hecha en papel, pergamino o pergamino, aunque puede ser sobre otros soportes. La técnica más común es gouache, pigmentos disueltos en agua de goma u otros aglutinantes (goma arábiga, clara de huevo, miel). Su apoyo más común es en libros, generalmente ilustraciones que acompañan al texto escrito.

Grabado
El grabado es un sello obtenido por medio de una plancha o matriz. Hay diferentes técnicas:
Calcografía: grabado en cobre realizado en hueco, en diversas técnicas: grabado, técnica de grabado que consiste en tratar las partes de la placa de metal no protegidas por un barniz con «agua fuerte» (ácido nítrico diluido en agua); aguatinta, técnica de una placa de metal cubierta con resina, que una vez calentada se adhiere a la superficie de la placa, luego dibuja sobre esta superficie con un tipo especial de tinta, llamada aguatinta; buril engraving, se realiza en chapa de cobre, con un buril, con el que se delinea el dibujo, llenando los surcos de tinta; grabado con punta seca, en esta técnica la placa se trabaja directamente con una punta de acero, diamante o rubí, sin recurrir a barnices o ácidos, con lo que se obtienen líneas ásperas llamadas «rebabas», diferentes dependiendo de la presión y el ángulo de incisión, que a diferencia del buril no corta el metal, sino que lo raspa; grabado con media tinta (mezzotinto), la placa se trabaja con un raspador de múltiples puntas (balancín o berceau), obteniendo un graneado uniforme mediante líneas cruzadas, con las que se distinguen los tonos claros y oscuros.
Grabado en madera: grabado en madera (generalmente cerezo o boj), hecho en un dibujo bocetado en el tablero de madera y tallado con un cuchillo, gubia, cincel o cincel, vaciando los blancos de madera y dejando los negros en relieve; Luego se entinta con un rodillo y se estampa, ya sea a mano o con la prensa.
Linograbado: técnica de gofrado similar al grabado en madera, pero con linóleo en lugar de madera.
Litografía: es un grabado sobre piedra caliza, que se realiza tratando la superficie con un lápiz de grasa para delimitar el dibujo y realizar el grabado según dos procedimientos: bañarse con ácido, corroer la parte no engrasada y dejar el dibujo en relieve; o aplicando dos tipos de tinta y grasa acuosas, fijando la primera en el fondo y cubriendo la segunda las líneas dibujadas a lápiz. Fue inventado por Aloys Senefelder en 1796.
Serigrafía: técnica mediante la cual se obtienen las impresiones filtrando los colores mediante un patrón de seda -o, actualmente, nylon-, cubriendo con pegamento las partes que no deben filtrarse para impermeabilizarlas. Fue inventado en China.

Goldwork
La orfebrería es el arte de hacer objetos decorativos con metales preciosos o piedras preciosas, como oro, plata, diamantes, perlas, ámbar, coral, etc. Existen diferentes técnicas y modalidades:
Cameo: es el tallado de figuras en relieve sobre piedras duras estratificadas, como ágata, sardónica, coral y concha, que generalmente tienen capas de diferentes colores, lo que proporciona intensos contrastes cromáticos.

Cerámico
La cerámica está hecha con arcilla, en cuatro clases: arcilla cocida al rojo amarillento porosa (cerámica, terracota, bizcocho); arcilla blanca porosa cocida al horno (vajilla); arcilla cocida no gresosa gris, marrón o marrón (gres); arcilla cocida blanca no porosa compacta (porcelana). Otras variantes son la mayólica y la loza, ambas de cerámica estannosa: el primer término se usa principalmente en Italia y el segundo en el resto de Europa. Se puede hacer manual o mecánicamente -con un torno-, luego se hornea en el horno a temperaturas entre 400º y 1300º, dependiendo del tipo, y está decorado con esmalte o pintura.55 La decoración puede ser: excisa , aplicaciones en relieve hechas con barro; incisa, un dibujo dibujado en el barro todavía tierno; con moldes, aplicado sobre la suave superficie de la arcilla; pulido, hecho en la arcilla cocida; esgrafiado, aplicación de varios colores que luego se rasgan según el efecto deseado; y veteado, mezclando varios tintes con una grasa, creando venas en la cerámica.

Laca
La laca es un barniz brillante, grueso y sólido, extraído de resinas minerales o vegetales y procedente del Lejano Oriente. Este barniz se aplica sobre objetos de diversos materiales: madera, metal, cerámica, papel o cuero. La técnica de la laca comienza con una primera aplicación de laca gruesa, que se cubre con varias capas de laca fina, la última de las cuales tendrá el tono deseado; luego se hace la decoración, que se puede pintar con un pincel, tallar o incidir, con incrustación de otros materiales, o rociando oro o plata; finalmente, una laca final está hecha con varias capas de laca translúcida.

Eboraria
Eboraria es el trabajo de marfil, que se obtiene de los cuernos de elefante. Se puede aplicar en madera incrustada y, como trabajo individual, en marfiles tallados, dibujados y pintados. El tallado comienza con el corte del colmillo en pedazos o «botes», con los cuales el objeto se moldea y posteriormente se decora y, a veces, policromado. El borrador es similar al anterior, con una técnica más refinada que imita el tamaño del calado de la madera. Los pintados solían ser platos de marfil en un marco de madera, sobre los que se aplicaban pigmentos con pincel.

Plumeria
Las plumas son estructuras queratinosas de la piel de los pájaros. En general, se unen a otros soportes -generalmente tejidos- cosiéndolos, pegándolos o ensamblándolos. Su uso principal fue en la América precolombina.

Cestería
La cestería es una de las artesanías más antiguas en el mundo, es la de los contenedores de fibras vegetales trabadas juntas. La técnica más antigua es el tejido de cestas en espiral, hecho con juncos, pajitas o fibras retorcidas en forma de cuerda y enrolladas en espiral dándoles la forma deseada, generalmente esférica u ovoidal. Otra técnica es el trenzado, que se realiza enrollando largos pliegues cosidos con fibras. En tercer lugar, el entrelazado se logra tejiendo las fibras en un marco de mimbre.

Ventilador
Este instrumento para dar aire ha sido a menudo objeto de decoración y, a veces, se ha colocado dentro de las casas como un objeto decorativo. Pueden ser rígidos, pero la mayoría son plegables. Por lo general, consisten en una superficie plegable (país) de tela, papel, gasa, encaje o niño, con varillas (guías) de madera, marfil, nácar, laca o concha; las dos varillas finales se llaman palas. La parte expuesta de las varillas (fuentes) puede decorarse con calados, dorado u otras técnicas.

Glíptica
Glíptica es el arte de tallar piedras preciosas o semipreciosas para la fabricación de sellos, monedas o medallas. Por lo general, se hace en camafeo o en talla, y, a veces en forma redonda, generalmente en trozos pequeños. El trabajo de estas piezas se lleva a cabo con abrasivos y amoladoras con cabezas romas o afiladas.

Unión
Las encuadernaciones son las portadas de un libro que tienen la función principal de conservar su contenido de agentes externos, aunque a menudo han sido objeto de ornamentación. La unión de los pliegues se puede hacer con costura, pegado u otros procedimientos. Las cubiertas pueden ser de papiro, madera, cuero, cuero (dorado, cincelado o en relieve), cartón u otros materiales, a veces con aplicaciones de esmalte, orfebrería o eboraria.

Relojería
La relojería es un instrumento para medir el tiempo que a menudo ha sido objeto de ornamentación y, con el tiempo, ha evolucionado tanto tecnológica como estilísticamente. Hay muchos tipos de relojes: sol, agua (clepsidra), arena, anillo, soporte, póster, abuelo, banjo, caja alta, flotador, globo, linterna, pedestal, esqueleto, parlamentario, regulador, etc.

Tienda de juguetes
Los juguetes cumplen en primer lugar la función práctica para la que están creados, los juegos infantiles, pero en ocasiones se han utilizado como objetos ornamentales en la decoración interior. Construido en numerosos tipos y materiales, su función utilitaria ha sido un inconveniente en muchas ocasiones para su conservación, por lo que también es difícil establecer una evolución histórica. Algunas de las modalidades más utilizadas en la decoración han sido muñecas y casas de muñecas, autómatas, marionetas y títeres, soldados de plomo, caballos de balancín, cometas, reproducciones de armas, trenes y automóviles, etc.

Movimiento de Artes y oficios:
El estatus inferior dado a las obras de arte decorativo en contraste con las bellas artes se redujo con el surgimiento del movimiento de Artes y oficios. Este movimiento estético de la segunda mitad del siglo XIX nació en Inglaterra e inspiró a William Morris y John Ruskin. El movimiento representó el comienzo de una mayor apreciación de las artes decorativas en toda Europa. El atractivo del movimiento Arts and Crafts para una nueva generación llevó al arquitecto y diseñador inglés Arthur H. Mackmurdo a organizar Century Guild for craftsmen en 1882, defendiendo la idea de que no había una diferencia significativa entre las bellas artes y las artes decorativas. Muchos conversos, tanto de las filas de artistas profesionales como de la clase intelectual en su conjunto, ayudaron a difundir las ideas del movimiento.

Arts & Crafts revalorizó el movimiento del trabajo artesanal y abogó por el retorno a las formas tradicionales de fabricación, estipulando que el arte debería ser tan útil como bello. Siguiendo los planteamientos de Ruskin y Morris, Charles Robert Ashbee fue el principal organizador del movimiento. En 1888 fundó el Guild and School of Handicraft en Toynbee Hall (Londres), donde diseñó muebles, platería y orfebrería en un estilo cercano al modernismo.

En los Estados Unidos, este movimiento – llamado American Craftsman – fue representado por Gustav Stickley, diseñador de un tipo de mobiliario simple y funcional, sin adornos, que comenzó a construir en serie, con el objetivo de una mayor comercialización de sus productos. En general, estos artistas abandonaron el estilo neogótico para un estilo más simple, más ligero y más elegante, en parte inspirado en el estilo Reina Ana. En la década de 1890, se recibió la influencia modernista.

La influencia del movimiento Arts and Crafts condujo a que las artes decorativas recibieran una mayor apreciación y estatus en la sociedad y esto se vio reflejado pronto por los cambios en la ley. Hasta la promulgación de la Ley de derecho de autor de 1911, solo las obras de arte habían sido protegidas contra copias no autorizadas. La Ley de 1911 amplió la definición de «obra artística» para incluir obras de «artesanía artística».