A pintura de campo colorido é um estilo de pintura abstrata que surgiu na cidade de Nova York durante as décadas de 1940 e 1950. Foi inspirado pelo modernismo europeu e estreitamente relacionado ao expressionismo abstrato, enquanto muitos de seus notáveis primeiros defensores estavam entre os expressionistas abstratos pioneiros. O campo de cores é caracterizado principalmente por grandes campos de cores planas e sólidas espalhadas ou manchadas na tela, criando áreas de superfície ininterrupta e um plano de imagem plano. O movimento coloca menos ênfase em gestos, pinceladas e ações em favor de uma consistência geral de forma e processo. Na pintura do campo de cores “a cor é liberada do contexto objetivo e se torna o sujeito em si mesma”.
A pintura de campo colorido, incluindo a pintura de superfície colorida, é uma forma de expressão da arte contemporânea, caracterizada por campos de cores grandes e homogêneos preenchidos. Esse movimento artístico se desenvolveu nos Estados Unidos em meados da década de 1950 a partir do expressionismo abstrato. Mark Rothko, Barnett Newman (que tem medo de vermelho, amarelo e azul) e Clyfford Still são importantes precursores e representantes desse estilo.
Os trabalhos são principalmente de grande formato. Freqüentemente, a tinta é aplicada diretamente na tela não escorvada (esvaziada, derramada, pulverizada) sem o uso de utensílios de pintura clássicos e, assim, penetra diretamente no tecido (técnica de imersão-mancha) – bastante comparável ao tingimento de um tecido,
O termo pintura de campo colorido foi cunhado pelo crítico de arte americano Clement Greenberg, cujo favorito era Jules Olitski. Outros representantes importantes da pintura de campo colorido (cujos períodos criativos mais importantes podem ser atribuídos a essa tendência) são Morris Louis, Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Larry Poons, Sam Gilliam, Gene Davis, Friedel Dzubas, Wolfgang Hollegha, Jack Bush e Walter Darby. Bannard, Thomas Downing, Howard Mehring e Paul Reed.
Durante o final dos anos 1950 e 1960, os pintores de campos coloridos surgiram em partes da Grã-Bretanha, Canadá, Austrália e Estados Unidos, particularmente Nova York, Washington, DC e outros países, usando formatos de listras, alvos, padrões geométricos simples e referências a imagens da paisagem e da natureza.
Características
Esse estilo é facilmente reconhecido por suas áreas planas de cores vivas (geralmente duas ou três em uma tela) moduladas por efeitos da matéria, meios-tons, contornos claros ou fugazes … A profundidade é abolida porque essas áreas planas não admitem perspectiva e desenvolver em um plano. Toda figuração é excluída, o trabalho desconsidera a forma que leva a uma fase meditativa. Sendo assim, liberta a cor de suas funções figurativas e de localização, ela se torna autônoma. Na pintura de Colorfield, “a cor é libertada de seu contexto objetivo e se torna o sujeito em si”.
Origens
A definição se deve ao crítico Clement Greenberg, que a utilizou pela primeira vez em 1955. O campo de cores está ligado ao suprematismo e, em parte, à corrente desenvolvida nos mesmos anos, ao expressionismo abstrato. As origens da pintura do campo colorido remontam à década de 1920, ao artista russo Kazimir Severinovič Malevič, expoente do suprematismo; em sua poética, a arte deveria ser a “supremacia da forma”, expressa através da pureza das cores e das formas geométricas elementares.
A pintura de campo colorido é um significado muito genérico por ser uma corrente artística, uma vez que se manifesta de maneiras muito diferentes, dependendo do país em que se desenvolveu. Portanto, pode ser dividido em duas tendências principais: uma, cujo maior expoente é Mark Rothko, no qual houve uma tendência a usar contrastes entre diferentes campos de cores. As obras de Rothko são de fato caracterizadas por faixas de duas ou três cores contrastantes, representadas como entidades gasosas. Outra tendência diz respeito ao estudo de uma única cor e à busca de monocromático.
O maior artista dessa tendência foi Yves Klein, que aprofundou seus estudos sobre o azul, até patentear um tom específico, hoje chamado Klein azul. Destacam-se também as pesquisas de artistas italianos como Lucio Fontana e Enrico Castellani, pertencentes ao movimento espacialista, e Piero Manzoni, que aprofundou o tema da ausência de cor, através de uma série de obras denominadas Achrome. A revista fundada pelo artista milanês Azimuth, que aprofundou a poética relacionada aos campos de cores, teve uma importância significativa.
História
O foco de atenção no mundo da arte contemporânea começou a mudar de Paris para Nova York após a Segunda Guerra Mundial e o desenvolvimento do expressionismo abstrato americano. Durante o final da década de 1940 e o início da década de 1950, Clement Greenberg foi o primeiro crítico de arte a sugerir e identificar uma dicotomia entre tendências diferentes dentro do cânone expressionista abstrato. Discordando de Harold Rosenberg (outro importante defensor do expressionismo abstrato), que escreveu sobre as virtudes da pintura de ação em seu artigo “American Action Painters”, publicado na edição de dezembro de 1952 da ARTnews, Greenberg observou outra tendência a cores ou cores comuns Campo nas obras de vários dos chamados expressionistas abstratos da “primeira geração”.
Mark Rothko foi um dos pintores que Greenberg chamou de pintor de campo colorido exemplificado por Magenta, Preto, Verde em laranja, embora o próprio Rothko tenha se recusado a aderir a qualquer etiqueta. Para Rothko, a cor era “apenas um instrumento”. Em certo sentido, seus trabalhos mais conhecidos – as “multiformas” e suas outras pinturas de assinatura – são, em essência, a mesma expressão, embora um dos meios mais puros (ou menos concretos ou definíveis, dependendo da sua interpretação), que é o de as mesmas “emoções humanas básicas”, como suas pinturas mitológicas surrealistas anteriores. O que é comum entre essas inovações estilísticas é uma preocupação com “tragédia, êxtase e destruição”. Em 1958, qualquer que fosse a expressão espiritual que Rothko quisesse retratar na tela, estava ficando cada vez mais sombria. Seus vermelhos brilhantes, amarelos e laranjas do início da década de 1950 sutilmente transformados em azuis escuros, verdes, cinzas e pretos. Sua série final de pinturas de meados da década de 1960 era cinza e preta com bordas brancas, paisagens aparentemente abstratas de um país desconhecido, sombrio e tundra, sem fim.
Rothko, em meados da década de 1940, estava no meio de um período crucial de transição e ficou impressionado com os campos de cores abstratos de Clyfford Still, que foram influenciados em parte pelas paisagens da Dakota do Norte, cidade natal de Still. Em 1947, durante um semestre subsequente ensinando na Escola de Belas Artes da Califórnia (hoje conhecida como Instituto de Arte de São Francisco), Rothko e Still flertaram com a idéia de fundar seu próprio currículo ou escola. Ainda foi considerado um dos principais pintores do campo de cores – suas pinturas não figurativas preocupam-se amplamente com a justaposição de diferentes cores e superfícies. Seus clarões irregulares de cor dão a impressão de que uma camada de cor foi “arrancada” da pintura, revelando as cores abaixo, remanescentes de estalactites e cavernas primordiais. Ainda’
Outro artista cujas obras mais conhecidas se relacionam ao expressionismo abstrato e à pintura de campo colorido é Robert Motherwell. O estilo de expressionismo abstrato de Motherwell, caracterizado por campos abertos e frouxos de superfícies pintadas, acompanhados por linhas e formas vagamente desenhadas e medidas, foi influenciado por Joan Miró e por Henri Matisse. A elegância de Robert Motherwell para a República Espanhola nº 110 (1971) é obra de um pioneiro da pintura do expressionismo abstrato e do campo de cores. A série Elegy to the Spanish Republic, de Robert Motherwell, incorpora ambas as tendências, enquanto a Open Series de Motherwell, no final das décadas de 1960, 1970 e 1980, coloca-o firmemente no campo Color Field. Em 1970, Motherwell disse: “Ao longo da minha vida, o pintor do século XX que mais admirei foi Matisse”,
Barnett Newman é considerada uma das principais figuras do expressionismo abstrato e uma das principais pintoras de campos de cores. O trabalho maduro de Newman é caracterizado por áreas de cores puras e planas separadas por finas linhas verticais, ou “zips”, como Newman os chamava, exemplificado por Vir Heroicus Sublimis na coleção do MoMA. O próprio Newman pensou que alcançou seu estilo totalmente maduro com a série Onement (de 1948) vista aqui. Os zíperes definem a estrutura espacial da pintura enquanto dividem e unem simultaneamente a composição. Embora as pinturas de Newman pareçam ser puramente abstratas, e muitas delas tenham sido originalmente sem título, os nomes que ele mais tarde lhes deu sugeriram assuntos específicos sendo abordados, geralmente com um tema judaico. Duas pinturas do início dos anos 50, por exemplo,
Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt e Arshile Gorky (em seus últimos trabalhos) estavam entre os proeminentes pintores expressionistas abstratos que Greenberg identificou como sendo conectados à pintura de Color Field em década de 1950 e 1960.
Embora Pollock esteja intimamente associado à pintura de ação por causa de seu estilo, técnica e seu “toque” pictórico e sua aplicação física da tinta, os críticos de arte compararam Pollock à pintura de ação e ao campo de cores. Outra visão crítica avançada por Clement Greenberg conecta as telas allover de Pollock aos nenúfares em larga escala de Claude Monet, feitos durante a década de 1920. Greenberg, o crítico de arte Michael Fried e outros observaram que a sensação geral nas obras mais famosas de Pollock – suas pinturas por gotejamento – são lidas como vastos campos de elementos lineares construídos, frequentemente lidos como vastos complexos de meadas de tinta de valor semelhante, lidas por todo campos de cor e desenho,
O uso de composição geral de Pollock empresta uma conexão filosófica e física à maneira como os pintores de campos de cores como Newman, Rothko e Still constroem suas superfícies ininterruptas e quebradas. Em várias pinturas que Pollock pintou após seu período clássico de pintura por gotejamento, de 1947 a 1950, ele usou a técnica de coloração de tinta a óleo fluido e tinta de casa em tela crua. Durante 1951, produziu uma série de pinturas semi-figurativas de manchas pretas e, em 1952, produziu pinturas de manchas usando cores. Em sua exposição de novembro de 1952 na Galeria Sidney Janis, na cidade de Nova York, Pollock mostrou o número 12 de 1952, uma pintura grande e magistral que lembra uma paisagem manchada de cores vivas (com uma sobreposição de tinta escura amplamente pingada); a pintura foi adquirida da exposição por Nelson Rockefeller para sua coleção pessoal. Em 1960, a pintura foi severamente danificada pelo fogo na Mansão dos Governadores, em Albany, que também danificou severamente uma pintura de Arshile Gorky e várias outras obras da coleção Rockefeller. No entanto, em 1999, havia sido restaurado e instalado no Albany Mall.
Embora Arshile Gorky seja considerado um dos pais fundadores do expressionismo abstrato e um surrealista, ele também foi um dos primeiros pintores da Escola de Nova York que usaram a técnica de “coloração”. Gorky criou amplos campos de cores vivas, abertas e ininterruptas que ele usou em muitas de suas pinturas como fundamento. Nas pinturas mais eficazes e realizadas de Gorky, entre os anos de 1941 e 1948, ele sempre usou intensos campos de cores manchadas, muitas vezes deixando a tinta escorrer e pingar, sob e ao redor de seu familiar léxico de formas orgânicas e biomórficas e linhas delicadas.
Outro expressionista abstrato cujas obras na década de 1940 lembram as pinturas de manchas das décadas de 1960 e 1970 é James Brooks. Brooks costumava usar a mancha como técnica em suas pinturas a partir do final da década de 1940. Brooks começou a diluir sua tinta a óleo, a fim de obter cores fluidas com as quais derramar, pingar e manchar a tela principalmente crua que ele usava. Esses trabalhos geralmente combinavam caligrafia e formas abstratas. Durante as três décadas finais de sua carreira, o estilo de expressionismo abstrato brilhante em larga escala de Sam Francis esteve intimamente associado à pintura de Color Field. Suas pinturas abrangiam os dois campos da rubrica Expressionista Abstrata, pintura de ação e pintura de Campo de Cores.
Tendo visto as pinturas de Jackson Pollock, em 1951, de tinta a óleo preta diluída manchada em tela crua, Helen Frankenthaler começou a produzir pinturas em cores variadas em cores de óleo em tela crua em 1952. Sua pintura mais famosa desse período é Montanhas e Mar (como visto abaixo). Ela é uma das criadoras do movimento Color Field que surgiu no final da década de 1950. Frankenthaler também estudou com Hans Hofmann.
As pinturas de Hofmann são uma sinfonia de cores, como pode ser visto em The Gate, 1959-1960. Hofmann era conhecido não apenas como artista, mas também como professor de arte, tanto na Alemanha natal quanto depois nos EUA. Hofmann, que veio da Alemanha para os Estados Unidos no início dos anos 30, trouxe consigo o legado do modernismo. Hofmann era um jovem artista que trabalha em Paris que pintou lá antes da Primeira Guerra Mundial. Hofmann trabalhou em Paris com Robert Delaunay e conheceu em primeira mão o trabalho inovador de Pablo Picasso e Henri Matisse. O trabalho de Matisse teve uma enorme influência sobre ele e sobre a compreensão da linguagem expressiva da cor e da potencialidade da abstração. Hofmann foi um dos primeiros teóricos da pintura de campo colorido, e suas teorias foram influentes para artistas e críticos, particularmente para Clement Greenberg, bem como para outros durante as décadas de 1930 e 1940. Em 1953, Morris Louis e Kenneth Noland foram profundamente influenciados pelas pinturas de Frankenthaler depois de visitar seu estúdio na cidade de Nova York. Voltando a Washington, DC, começaram a produzir as principais obras que criaram o movimento do campo de cores no final da década de 1950.
Em 1972, o curador do Museu de Arte Metropolitana, Henry Geldzahler, disse:
Clement Greenberg incluiu o trabalho de Morris Louis e Kenneth Noland em um show que ele fez na Galeria Kootz no início dos anos 50. Clem foi o primeiro a ver seu potencial. Ele os convidou para ir a Nova York em 1953, acho que foi, ao estúdio de Helen para ver uma pintura que ela acabara de fazer chamada Mountains and Sea, uma pintura muito, muito bonita, que era, de certo modo, fora de Pollock e fora de Gorky. Também foi uma das primeiras fotos de manchas, uma das primeiras fotos de campo grandes em que a técnica de manchas foi usada, talvez a primeira. Louis e Noland viram a foto desenrolada no chão de seu estúdio e voltaram para Washington, DC, e trabalharam juntos por um tempo, trabalhando nas implicações desse tipo de pintura.
A pintura de Morris Louis Onde 1960, foi uma grande inovação que levou a pintura expressionista abstrata para uma nova direção em direção ao Campo de Cores e ao Minimalismo. Entre as principais obras de Louis estão suas várias séries de pinturas coloridas. Algumas de suas séries mais conhecidas são os Desabrigados, os Véus, os Florais e as Listras ou Pilares. De 1929 a 1933, Louis estudou no Instituto de Artes Finas e Aplicadas de Maryland (hoje Faculdade de Arte do Instituto de Maryland). Ele trabalhou em vários empregos ímpares para se sustentar enquanto pintava e em 1935 foi presidente da Associação de Artistas de Baltimore. De 1936 a 1940, ele morou em Nova York e trabalhou na divisão de cavaletes do Projeto Federal de Arte da Works Progress Administration.
Durante esse período, ele conheceu Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros e Jack Tworkov, retornando a Baltimore em 1940. Em 1948, ele começou a usar Magna – tintas acrílicas à base de óleo. Em 1952, Louis se mudou para Washington, DC, morando lá um pouco além da cena de Nova York e trabalhando quase isoladamente. Ele e um grupo de artistas que incluíam Kenneth Noland foram fundamentais para o desenvolvimento da pintura em Color Field. O ponto básico do trabalho de Louis e de outros pintores do Color Field, às vezes conhecido como Washington Color School, em contraste com a maioria das outras novas abordagens do final da década de 1950 e início da década de 1960, é que eles simplificaram bastante a idéia do que constitui a aparência. de uma pintura acabada.
Kenneth Noland, trabalhando em Washington, DC, também foi pioneiro no movimento dos campos de cores no final da década de 1950, que usava as séries como formatos importantes para suas pinturas. Algumas das principais séries da Noland foram chamadas de Alvos, Chevrons e Stripes. Noland frequentou o experimental Black Mountain College e estudou arte em seu estado natal, Carolina do Norte. Noland estudou com o professor Ilya Bolotowsky, que o apresentou ao neoplasticismo e ao trabalho de Piet Mondrian. Lá, ele também estudou a teoria e a cor da Bauhaus com Josef Albers e se interessou por Paul Klee, especificamente sua sensibilidade à cor. Em 1948 e 1949, ele trabalhou com Ossip Zadkine em Paris e, no início dos anos 50, conheceu Morris Louis em Washington, DC.
Em 1970, o crítico de arte Clement Greenberg disse:
Eu colocaria Pollock junto com Hofmann e Morris Louis neste país entre os maiores pintores desta geração. Na verdade, acho que não havia ninguém na mesma geração na Europa que correspondesse a eles. Pollock não gostava das pinturas de Hofmann. Ele não conseguiu identificá-los. Ele não se deu ao trabalho de fazê-lo. E Hofmann não gostava das pinturas allover de Pollock, nem a maioria dos amigos artistas de Pollock conseguia decifrá-las, o que ele fez de 1947 a ’50. Mas as pinturas de Pollock vivem ou morrem no mesmo contexto que as pinturas de Rembrandt ou Ticiano ou Velázquez ou Goya ou David ou … ou Manet ou Ruben ou Michelangelo. Não há interrupção, não há mutação aqui.
Movimento do campo de cor
No final dos anos 50 e início dos anos 60, os jovens artistas começaram a se afastar estilisticamente do expressionismo abstrato; experimentando novas maneiras de tirar fotos; e novas maneiras de lidar com tinta e cor. No início da década de 1960, vários e vários novos movimentos na pintura abstrata estavam intimamente relacionados entre si, e superficialmente eram categorizados juntos; embora eles se mostrassem profundamente diferentes a longo prazo. Alguns dos novos estilos e movimentos que apareceram no início da década de 1960 como respostas ao expressionismo abstrato foram chamados: Escola de Cores de Washington, pintura de ponta, abstração geométrica, minimalismo e campo de cores.
Gene Davis também foi um pintor conhecido especialmente por pinturas de faixas verticais de cores, como Black Gray Beat, 1964, e também foi membro do grupo de pintores abstratos em Washington, DC, durante os anos 1960, conhecido como Washington Color School. Os pintores de Washington estavam entre os mais proeminentes dos pintores do campo de cores de meados do século.
Os artistas associados ao movimento Color Field durante os anos 1960 estavam se afastando do gesto e da angústia em favor de superfícies claras e gestalt. Durante o início e meados da década de 1960, a pintura de Color Field foi o termo para o trabalho de artistas como Anne Truitt, John McLaughlin, Sam Francis, Sam Gilliam, Thomas Downing, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Friedel Dzubas, Jack Bush, Howard Mehring e Gene. Davis, Mary Pinchot Meyer, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Robert Goodnough, Ray Parker, Al Held, Emerson Woelffer, David Simpson e outros cujos trabalhos eram anteriormente relacionados ao expressionismo abstrato de segunda geração; e também a artistas mais jovens, como Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, John Hoyland, Walter Darby Bannard e Frank Stella.
Embora o Color Field esteja associado a Clement Greenberg, Greenberg realmente preferiu usar o termo Abstração Pós-Painterly. Em 1964, Clement Greenberg curou uma exposição influente que viajou pelo país chamada abstração pós-pictórica. A exposição expandiu a definição de pintura de campo colorido. A pintura do campo de cores claramente apontava para uma nova direção na pintura americana, longe do expressionismo abstrato. Em 2007, a curadora Karen Wilkin foi curadora de uma exposição chamada Color As Field: Pintura Americana 1950–1975, que viajou para vários museus nos Estados Unidos. A exposição apresentou vários artistas representando duas gerações de pintores do Campo de Cores.
Em 1970, o pintor Jules Olitski disse:
Não sei o que significa a pintura do campo colorido. Acho que provavelmente foi inventado por algum crítico, o que é bom, mas não acho que a frase signifique nada. Pintura de campo colorido? Quero dizer, o que é cor? A pintura tem a ver com muitas coisas. A cor está entre as coisas com as quais tem a ver. Tem a ver com a superfície. Tem a ver com forma, tem a ver com sentimentos mais difíceis de entender.
Jack Bush era um pintor expressionista abstrato canadense, nascido em Toronto, Ontário em 1909. Ele era membro do Painters Eleven, o grupo fundado por William Ronald em 1954 para promover a pintura abstrata no Canadá, e logo foi incentivado em sua arte pelo americano crítico de arte Clement Greenberg. Com o incentivo de Greenberg, Bush tornou-se intimamente ligado a dois movimentos que surgiram dos esforços dos expressionistas abstratos: Pintura de Campo Colorido e Abstração Lírica. Sua pintura Big A é um exemplo de suas pinturas de campo coloridas no final da década de 1960.
Durante o final da década de 1950 e o início da década de 1960, Frank Stella foi uma figura significativa no surgimento da pintura minimalista, abstração pós-pictórica e campo colorido. Suas telas moldadas da década de 1960, como Harran II, 1967, revolucionaram a pintura abstrata. Uma das características mais importantes das pinturas de Stella é o uso da repetição. Suas pinturas de Black Pin Stripe de 1959 surpreenderam e chocaram um mundo artístico que não estava acostumado a ver imagens monocromáticas e repetitivas, pintadas de forma plana, quase sem inflexão. Durante o início dos anos 60, Stella fez várias séries de Pinturas de Alumínio entalhadas e Pinturas de Cobre moldadas antes de fazer telas multicoloridas e assimétricas do final da década de 1960. A abordagem e o relacionamento de Frank Stella com a pintura de Color Field não eram permanentes ou centrais para sua produção criativa;
No final dos anos 1960, Richard Diebenkorn começou sua série no Ocean Park; criado durante os 25 anos finais de sua carreira e são exemplos importantes de pintura de campo colorido. A série Ocean Park, exemplificada pelo Ocean Park No.129, conecta seus trabalhos expressionistas abstratos anteriores com a pintura de campos coloridos. No início dos anos 50, Richard Diebenkorn era conhecido como expressionista abstrato, e suas abstrações gestuais estavam próximas da Escola de Nova York em sensibilidade, mas firmemente baseadas na sensibilidade expressionista abstrata de São Francisco; um lugar onde Clyfford ainda tem uma influência considerável sobre os artistas mais jovens em virtude de seu ensino no San Francisco Art Institute.
Em meados da década de 1950, Richard Diebenkorn, juntamente com David Park, Elmer Bischoff e vários outros formaram a Escola Figurativa da Bay Area com um retorno à pintura figurativa. Durante o período entre o outono de 1964 e a primavera de 1965, Diebenkorn viajou por toda a Europa, recebeu um visto cultural para visitar e ver as pinturas de Henri Matisse em importantes museus soviéticos. Ele viajou para a então União Soviética para estudar pinturas de Henri Matisse em museus russos que raramente eram vistos fora da Rússia. Quando ele voltou a pintar na área da baía, em meados de 1965, seus trabalhos resultantes resumiram tudo o que ele havia aprendido ao longo de mais de uma década como um importante pintor figurativo. Quando em 1967 ele voltou à abstração, seus trabalhos eram paralelos a movimentos como o movimento do campo de cores e a abstração lírica, mas ele permaneceu independente de ambos.
No final dos anos 60, Larry Poons, cujas pinturas anteriores de pontos foram associadas à Op Art, começou a produzir pinturas mais soltas e mais livres, conhecidas como suas pinturas de Lozenge Ellipse, de 1967 a 1968. Juntamente com John Hoyland, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronald Davis, Ronnie Landfield, John Seery, Pat Lipsky, Dan Christensen e vários outros jovens pintores, um novo movimento relacionado à pintura do campo colorido começou a se formar; eventualmente chamado Lyrical Abstraction. No final da década de 1960, os pintores se voltaram para a inflexão da superfície, a representação do espaço profundo e o manuseio da pintura e do toque, fundidos com a linguagem da cor. Entre uma nova geração de pintores abstratos que surgiram combinando pintura de campo colorido com expressionismo, a geração mais velha também começou a inserir novos elementos de espaço e superfície complexos em suas obras.
Na década de 1970, os Poons criaram pinturas grossas, rachadas e pesadas, conhecidas como pinturas de Pele de Elefante; enquanto Christensen pulverizava laços, teias coloridas de linhas e caligrafia, através de campos multicoloridos de terrenos delicados; As pinturas de bandas manchadas de Ronnie Landfield são reflexos da pintura de paisagem chinesa e do idioma Color Field, e a pintura manchada de John Seery, como exemplificado por East, 1973, da Galeria Nacional da Austrália. Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox e vários outros criaram pinturas que fazem a ponte entre a pintura de Color Field e a Lyrical Abstraction e enfatizam uma re-ênfase na paisagem, gesto e toque.
Visão geral
A pintura de campo colorido está relacionada à abstração pós-pictórica, suprematismo, expressionismo abstrato, pintura de borda dura e abstração lírica. Inicialmente, referia-se a um tipo particular de expressionismo abstrato, especialmente a obra de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb e várias séries de pinturas de Joan Miró. O crítico de arte Clement Greenberg percebeu a pintura Color Field como relacionada, mas diferente da pintura Action.
Uma distinção importante que tornou a pintura de campo colorida diferente da expressão abstrata foi o manuseio da tinta. A técnica de definição fundamental mais básica da pintura é a aplicação de tinta, e os pintores de campo de cores revolucionaram a maneira como a tinta poderia ser efetivamente aplicada.
A pintura Color Field procurou livrar a arte da retórica supérflua. Artistas como Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas e Frank Stella, e outros costumavam usar formatos muito reduzidos, com desenho essencialmente simplificado para sistemas repetitivos e regulamentados, referências básicas à natureza e um uso altamente articulado e psicológico da cor. Em geral, esses artistas eliminaram imagens reconhecíveis e evidentes em favor da abstração. Certos artistas citaram referências à arte passada ou presente, mas, em geral, a pintura do campo colorido apresenta a abstração como um fim em si mesma. Ao seguir essa direção da arte moderna, esses artistas queriam apresentar cada pintura como uma imagem unificada, coesa e monolítica, geralmente dentro de séries de tipos relacionados.
Em distinção à energia emocional, às marcas de superfície gestual e ao manuseio de tinta de expressionistas abstratos, como Jackson Pollock e Willem de Kooning, a pintura de Color Field inicialmente parecia ser fria e austera. Os pintores de campos de cores apagam a marca individual em favor de áreas de cores grandes, planas, manchadas e encharcadas, consideradas a natureza essencial da abstração visual juntamente com a forma real da tela, que Frank Stella em particular alcançou de maneiras incomuns com combinações de arestas curvas e retas. No entanto, a pintura do Color Field provou ser sensual e profundamente expressiva, embora de uma maneira diferente do expressionismo abstrato gestual. Negando conexão com o expressionismo abstrato ou qualquer outro movimento artístico, Mark Rothko falou claramente sobre suas pinturas em 1956:
Eu não sou um abstracionista … Não estou interessado na relação de cor ou forma ou qualquer outra coisa … Estou interessado apenas em expressar emoções humanas básicas – tragédia, êxtase, destruição e assim por diante – e o fato de que muitas pessoas desmoronam e choram quando confrontadas com minhas fotos mostram que eu comunico essas emoções humanas básicas … As pessoas que choram diante de minhas fotos estão tendo a mesma experiência religiosa que tive quando as pintei. E se você, como diz, é movido apenas por seus relacionamentos de cores, perde o objetivo!
Pintura de mancha
Joan Miró foi um dos primeiros e mais bem-sucedidos pintores de manchas. Embora a mancha de óleo tenha sido considerada perigosa para as telas de algodão a longo prazo, o exemplo de Miró durante as décadas de 1920, 1930 e 1940 foi uma inspiração e uma influência para a geração mais jovem. Uma das razões para o sucesso do movimento Color Field foi a técnica de coloração. Os artistas misturavam e diluíam sua tinta em baldes ou latas de café, formando um líquido líquido e depois a despejavam em telas não pintadas, geralmente pato de algodão.
A tinta também poderia ser escovada, enrolada, jogada, derramada ou pulverizada, e se espalharia pelo tecido da tela. Geralmente, os artistas desenhavam formas e áreas à medida que manchavam. Muitos artistas diferentes empregavam a coloração como técnica de escolha para fazer suas pinturas. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins e dezenas de outros pintores descobriram que derramar e manchar abriu as portas para inovações e métodos revolucionários de desenhar e expressar significado de novas maneiras. O número de artistas que mancharam na década de 1960 aumentou muito com a disponibilidade de tinta acrílica. A coloração da tinta acrílica no tecido da lona de algodão era mais benigna e menos prejudicial ao tecido da tela do que o uso de tinta a óleo.
Quando comecei a pintar as manchas, deixei grandes áreas de tela sem pintura, acho, porque a própria tela agia com tanta força e de maneira positiva quanto a pintura, a linha ou a cor. Em outras palavras, o próprio solo fazia parte do meio, de modo que, em vez de pensar nele como fundo ou espaço negativo ou um local vazio, essa área não precisava de tinta porque tinha tinta ao lado. A questão era decidir onde deixá-lo, onde preenchê-lo e onde dizer que isso não precisa de outra linha ou outro balde de cores. Está dizendo isso no espaço.
Pintura em spray
Surpreendentemente, poucos artistas usaram a técnica da pistola de pulverização para criar grandes extensões e campos de cores pulverizados em suas telas durante as décadas de 1960 e 1970. Alguns pintores que efetivamente usaram técnicas de pintura com spray incluem Jules Olitski, pioneiro em sua técnica de spray que cobria suas grandes pinturas com camadas após camadas de cores diferentes, frequentemente mudando gradualmente a tonalidade e o valor na progressão sutil. Outra inovação importante foi o uso de uma técnica de spray por Dan Christensen com grande efeito em loops e fitas de cores vivas; borrifou marcas claras e caligráficas em suas pinturas em larga escala. William Pettet, Richard Saba e Albert Stadler, usaram a técnica para criar campos em larga escala de várias cores; enquanto Kenneth Showell pulverizava sobre telas amassadas e criava uma ilusão de interiores abstratos de natureza morta.
Listras
As faixas eram um dos veículos mais populares para cores usadas por vários pintores de campo colorido em uma variedade de formatos diferentes. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland e David Simpson, fizeram importantes séries de pinturas com faixas. Embora ele não os chamasse listras, mas fecha as listras de Barnett Newman, na maior parte verticais, de larguras variadas e pouco usadas. No caso de Simpson e Noland, todas as pinturas de faixas eram horizontais, enquanto Gene Davis pintou pinturas de listras verticais e Morris Louis pintou principalmente pinturas de listras verticais às vezes chamadas de Pilares. Jack Bush costumava fazer pinturas de listras horizontais e verticais, bem como pinturas angulares.
Magna paint
Magna, um artista especial que usa tinta acrílica, foi desenvolvida por Leonard Bocour e Sam Golden em 1947 e reformulada em 1960, especificamente para Morris Louis e outros pintores de manchas do movimento do campo de cores. Na Magna, os pigmentos são moídos em uma resina acrílica com solventes à base de álcool. Ao contrário dos acrílicos modernos à base de água, o Magna é miscível com aguarrás ou aguardente de minerais e seca rapidamente para um acabamento fosco ou brilhante. Foi usado extensivamente por Morris Louis, Friedel Dzubas e também pelo artista pop Roy Lichtenstein. As cores Magna são mais vivas e intensas do que as tintas acrílicas comuns à base de água. Louis usou Magna com grande efeito em sua série Stripe, onde as cores são usadas não diluídas e derramadas sem mistura diretamente da lata.
Tinta acrílica
Em 1972, o ex-curador do Museu Metropolitano de Arte Henry Geldzahler disse:
O campo de cores, curiosamente ou talvez não, tornou-se uma maneira viável de pintar exatamente quando a tinta acrílica, a nova tinta plástica, surgiu. Era como se a nova pintura exigisse uma nova possibilidade na pintura, e os pintores chegassem a ela. A tinta a óleo, que possui um meio bastante diferente, que não é à base de água, sempre deixa uma mancha de óleo ou poça de óleo em torno da borda da cor. A tinta acrílica para na sua própria borda. A pintura do campo colorido surgiu ao mesmo tempo que a invenção dessa nova tinta.
Os acrílicos foram comercializados pela primeira vez na década de 1950 como tintas minerais à base de espíritos, chamadas Magna, oferecidas por Leonard Bocour. As tintas acrílicas à base de água foram posteriormente vendidas como tintas para uso doméstico “látex”, embora a dispersão acrílica não use látex derivado de uma seringueira. As tintas para interiores de “látex” tendem a ser uma combinação de aglutinante (às vezes acrílico, vinil, pva e outros), material de enchimento, pigmento e água. As tintas domésticas de “látex” externas também podem ser uma mistura de “copolímero”, mas as melhores tintas à base de água externas são 100% acrílicas.
Logo após a introdução dos aglutinantes acrílicos à base de água como tintas para a casa, os dois artistas – os primeiros foram muralistas mexicanos – e as empresas começaram a explorar o potencial dos novos aglutinantes. As tintas acrílicas para artistas podem ser diluídas com água e usadas como lavagens à maneira de tintas aquarela, embora as lavagens sejam rápidas e permanentes depois de secas. As tintas acrílicas solúveis em água com qualidade de artista tornaram-se disponíveis comercialmente no início dos anos 60, oferecidas pela Liquitex e Bocour sob o nome comercial de Aquatec. Liquitex e Aquatec solúveis em água provaram ser ideais para a pintura de manchas. A técnica de coloração com acrílicos solúveis em água fez com que as cores diluídas afundassem e se prendessem rapidamente à tela crua. Pintores como Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis,
Legado: influências e influenciado
O legado pictórico da pintura do século XX é uma corrente longa e entrelaçada de influências e inter-relações complexas. O uso de grandes campos abertos de cores expressivas aplicadas em porções generosas de pintura, acompanhado de desenhos soltos (pontos lineares vagos e / ou contorno figurativo) pode ser visto pela primeira vez nas obras do início do século XX de Henri Matisse e Joan Miró. Matisse e Miró, assim como Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky e Piet Mondrian influenciaram diretamente os expressionistas abstratos, os pintores do campo de cores da abstração pós-pictórica e os abstracionistas líricos.
Os americanos do final do século XIX, como Augustus Vincent Tack e Albert Pinkham Ryder, junto com os modernistas americanos como Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove e paisagens de Milton Avery também forneceram precedentes importantes e foram influências nos expressionistas abstratos, os pintores do campo de cores e os abstracionistas líricos. As pinturas de Henri Matisse, French Window em Collioure e View of Notre Dame, ambas de 1914, exerceram tremenda influência sobre os pintores americanos do Campo de Cores em geral (incluindo a Série Aberta de Robert Motherwell) e sobre as pinturas de Richard Diebenkorn, Ocean Park especificamente. Segundo a historiadora de arte Jane Livingston, Diebenkorn viu as duas pinturas de Matisse em uma exposição em Los Angeles em 1966, e elas tiveram um enorme impacto sobre ele e seu trabalho.
É difícil não atribuir um peso enorme a essa experiência pela direção que seu trabalho tomou a partir daquele momento. Duas fotos que ele viu lá reverberam em quase todas as telas do Ocean Park. A vista de Notre Dame e a janela francesa de Collioure, ambas pintadas em 1914, foram vistas pela primeira vez nos EUA.
Livingston continua dizendo que Diebenkorn deve ter experimentado a French Window em Collioure, como uma epifania.
Joan Miró foi um dos artistas mais influentes do século XX. Miró foi pioneiro na técnica de coloração; criando fundos nublados embaçados e multicoloridos em tinta a óleo diluída ao longo das décadas de 1920 e 1930; além de acrescentar sua caligrafia, caracteres e abundante léxico de palavras e imagens. Arshile Gorky admirou abertamente o trabalho de Miró e pintou pinturas de Gorky semelhantes a Miró, antes de finalmente descobrir sua própria originalidade no início da década de 1940. Durante os anos 1960, Miró pintou grandes campos radiantes (escala expressionista abstrata) de tinta vigorosamente escovada em azul, branco e outros campos monocromáticos de cores; com esferas pretas embaçadas e formas caligráficas semelhantes a pedras, flutuando aleatoriamente. Esses trabalhos se assemelhavam às pinturas Color Field da geração mais jovem. O biógrafo Jacques Dupin disse isso sobre Miró ‘
Essas telas revelam afinidades – Miró não nega nem um pouco – com as pesquisas de uma nova geração de pintores. Muitos deles, Jackson Pollock, reconheceram sua dívida com Miró. Miró, por sua vez, mostra um vivo interesse em seu trabalho e nunca perde uma oportunidade de incentivá-los e apoiá-los. Ele também não considera digno de usar suas descobertas em algumas ocasiões.
Tomando o exemplo de outros modernistas europeus como Joan Miró, o movimento Color Field abrange várias décadas, de meados do século XX ao início do século XXI. Na verdade, a pintura do campo de cores abrange três gerações separadas, mas relacionadas, de pintores. Os termos comumente usados para se referir aos três grupos separados, mas relacionados, são expressionismo abstrato, abstração pós-pictórica e abstração lírica. Alguns artistas fizeram trabalhos nas três épocas, relacionados a todos os três estilos.
Os pioneiros do Color Field, como Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Robert Motherwell, são pensados principalmente como expressionistas abstratos. Artistas como Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski e Kenneth Noland eram de uma geração um pouco mais jovem, ou no caso de Morris Louis esteticamente alinhado com o ponto de vista dessa geração; que começaram como expressionistas abstratos, mas rapidamente se mudaram para a abstração pós-pictórica. Enquanto artistas mais jovens, como Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield e Dan Christensen, começaram com a Pós-Pintor Abstração e, eventualmente, avançaram em direção a um novo tipo de expressionismo, conhecido como Lyrical Abstraction. Muitos dos artistas mencionados, assim como muitos outros,
Durante as fases posteriores da pintura do campo colorido; como reflexões do zeitgeist do final dos anos 1960 (em que tudo começou a se soltar) e da angústia da época (com todas as incertezas da época) se fundiram com a gestalt da abstração pós-pictórica, produzindo a abstração lírica que combinava precisão do idioma Color Field com a malerische dos expressionistas abstratos. Durante o mesmo período do final da década de 1960 e início da década de 1970 na Europa, Gerhard Richter, Anselm Kiefer e vários outros pintores também começaram a produzir obras de expressão intensa, mesclando abstração com imagens, incorporando imagens de paisagem e figurações a que se referia o final da década de 1970. como neo-expressionismo.