La pittura a colori è uno stile di pittura astratta emersa a New York negli anni ’40 e ’50. È stato ispirato dal modernismo europeo e strettamente legato all’espressionismo astratto, mentre molti dei suoi primi sostenitori erano tra i pioneristici espressionisti astratti. Il campo di colore è caratterizzato principalmente da ampi campi di colore piatto, solido, sparsi o colorati nella tela, creando aree di superficie ininterrotta e un piano di immagine piatto. Il movimento pone meno enfasi su gesti, pennellate e azioni a favore di una coerenza generale di forma e processo. Nella pittura a colori “il colore viene liberato dal contesto oggettivo e diventa il soggetto in sé”.
La pittura del campo cromatico, inclusa la pittura superficiale del colore, è una forma di espressione dell’arte contemporanea, caratterizzata da grandi campi cromatici omogenei riempiti. Questo movimento artistico si è sviluppato in America a metà degli anni ’50 dall’espressionismo astratto. Mark Rothko, Barnett Newman (che ha paura del rosso, del giallo e del blu) e Clyfford Still sono importanti precursori e rappresentanti di questo stile.
Le opere sono per lo più di grande formato. Spesso, la vernice viene applicata direttamente sulla tela non impregnata (svuotata, versata, spruzzata) senza l’uso dei classici utensili di pittura e penetra così direttamente nel tessuto (tecnica delle macchie di ammollo) – paragonabile alla tintura di un tessuto,
Il termine pittura a colori è stato coniato dal critico d’arte americano Clement Greenberg, il cui preferito era Jules Olitski. Altri importanti rappresentanti della pittura a colori (i cui periodi creativi più importanti possono essere assegnati a questa tendenza) sono Morris Louis, Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Larry Poons, Sam Gilliam, Gene Davis, Friedel Dzubas, Wolfgang Hollegha, Jack Bush, Walter Darby Bannard, Thomas Downing, Howard Mehring e Paul Reed.
Alla fine degli anni ’50 e ’60, pittori di campi cromatici emersero in alcune parti della Gran Bretagna, del Canada, dell’Australia e degli Stati Uniti, in particolare New York, Washington, DC e altrove, utilizzando formati di strisce, obiettivi, semplici motivi geometrici e riferimenti a immagini del paesaggio e della natura.
caratteristiche
Questo stile è facilmente riconoscibile dalle sue aree piatte di colori vivaci (spesso due o tre su una tela) modulati da effetti di materia, mezzitoni, contorni chiari o sfuggenti … La profondità è abolita perché queste aree piatte non ammettono di no prospettiva e sviluppo su un piano. È esclusa ogni figurazione, il lavoro ignora la forma per condurre a una fase meditativa. Essendo così liberato dal colore dalle sue funzioni localizzative e figurative, diventa autonomo. Nella pittura di Colorfield, “il colore viene liberato dal suo contesto oggettivo e diventa il soggetto in sé”.
origini
La definizione è dovuta al critico Clement Greenberg che lo usò per la prima volta nel 1955. Il campo dei colori è collegato al suprematismo e in parte all’attuale sviluppato negli stessi anni, l’espressionismo astratto. Le origini della pittura dei campi di colore risalgono agli anni ’20, all’artista russo Kazimir Severinovič Malevič, esponente del suprematismo; nella sua poetica l’arte doveva essere la “supremazia della forma”, espressa attraverso la purezza dei colori e delle forme geometriche elementari.
La pittura del campo di colore è un significato molto generico per essere una corrente artistica, dato che si è manifestata in modi molto diversi, a seconda del paese in cui si è sviluppata. Può quindi essere diviso in due tendenze principali: una, il cui esponente più grande è Mark Rothko, in cui si tendeva a usare contrasti tra diversi campi di colore. Le opere di Rothko sono infatti caratterizzate da bande di due o tre colori contrastanti, rappresentate come entità gassose. Un’altra tendenza riguarda lo studio di un singolo colore e la ricerca del monocromo.
Il più grande artista di questa tendenza è stato Yves Klein, che ha approfondito i suoi studi sul blu, fino a quando ha brevettato una tonalità particolare, oggi chiamata blu Klein. Notevoli anche le ricerche di artisti italiani come Lucio Fontana ed Enrico Castellani, appartenenti al movimento spazialista, e a Piero Manzoni, che ha approfondito il tema dell’assenza di colore, attraverso una serie di opere chiamate Achrome. La rivista fondata dall’artista milanese Azimuth, che ha approfondito la poetica relativa ai campi di colore, ha avuto un’importanza significativa.
Storia
L’attenzione nel mondo dell’arte contemporanea iniziò a spostarsi da Parigi a New York dopo la seconda guerra mondiale e lo sviluppo dell’espressionismo astratto americano. Alla fine degli anni ’40 e all’inizio degli anni ’50 Clement Greenberg fu il primo critico d’arte a suggerire e identificare una dicotomia tra tendenze diverse all’interno del canone espressionista astratto. Mettendosi in discussione con Harold Rosenberg (un altro importante campione di espressionismo astratto), che scrisse delle virtù della pittura d’azione nel suo articolo “American Action Painters” pubblicato nel numero di ARTnews del dicembre 1952, Greenberg osservò un’altra tendenza verso il colore o il colore all-over Campo nelle opere di alcuni dei cosiddetti espressionisti astratti di “prima generazione”.
Mark Rothko è stato uno dei pittori che Greenberg ha definito un pittore Color Field esemplificato da Magenta, Nero, Verde su Arancione, sebbene lo stesso Rothko si sia rifiutato di aderire a qualsiasi etichetta. Per Rothko, il colore era “semplicemente uno strumento”. In un certo senso, le sue opere più conosciute – le “multiforme” e i suoi altri quadri d’autore – sono, in sostanza, la stessa espressione, anche se con mezzi più puri (o meno concreti o definibili, a seconda della tua interpretazione), che è quella di le stesse “emozioni umane di base”, come i suoi precedenti dipinti mitologici surreali. Ciò che è comune tra queste innovazioni stilistiche è la preoccupazione per “tragedia, estasi e sventura”. Nel 1958, qualunque espressione spirituale Rothko intendesse ritrarre su tela, stava diventando sempre più oscura. I suoi rossi brillanti, i gialli e le arance dei primi anni ’50 si trasformano sottilmente in blu scuro, verde, grigio e nero. Le sue ultime serie di dipinti della metà degli anni ’60 erano grigie e nere con bordi bianchi, paesaggi apparentemente astratti di un infinito paese desolato, tundra e sconosciuto.
Rothko, durante la metà degli anni ’40, era nel mezzo di un periodo cruciale di transizione, ed era stato colpito dai campi astratti di colore di Clyfford Still, che furono in parte influenzati dai paesaggi del nativo Dakota del Nord. Nel 1947, durante un successivo semestre di insegnamento presso la California School of Fine Art (oggi noto come San Francisco Art Institute), Rothko e Still flirtarono con l’idea di fondare il proprio curriculum o scuola. Era ancora considerato uno dei principali pittori di Color Field: i suoi dipinti non figurativi sono in gran parte interessati alla giustapposizione di diversi colori e superfici. I suoi lampi di colore frastagliati danno l’impressione che uno strato di colore sia stato “strappato” dal dipinto, rivelando i colori sottostanti, che ricordano le stalattiti e le caverne primordiali. Ancora’
Un altro artista le cui opere più conosciute si riferiscono sia all’espressionismo astratto sia alla pittura a colori è Robert Motherwell. Lo stile di espressionismo astratto di Motherwell, caratterizzato da ampi campi aperti di superfici pittoriche accompagnati da linee e forme vagamente disegnate e misurate, è stato influenzato sia da Joan Miró che da Henri Matisse. L’eleganza di Robert Motherwell alla Repubblica spagnola n. 110 (1971) è opera di un pioniere dell’espressionismo astratto e della pittura a colori. La serie Elegy to The Spanish Republic di Robert Motherwell incarna entrambe le tendenze, mentre la serie Open di Motherwell della fine degli anni ’60, ’70 e ’80 lo colloca saldamente nel campo di Color Field. Nel 1970 Motherwell disse: “Per tutta la mia vita, il pittore del 20 ° secolo che ho ammirato di più è stato Matisse”,
Barnett Newman è considerato una delle figure più importanti nell’espressionismo astratto e uno dei principali pittori del campo cromatico. L’opera matura di Newman è caratterizzata da aree di colore puro e piatto separate da sottili linee verticali, o “cerniere” come le chiamava Newman, esemplificate da Vir Heroicus Sublimis nella collezione del MoMA. Lo stesso Newman pensava di aver raggiunto il suo stile pienamente maturo con la serie Onement (dal 1948) vista qui. Le cerniere definiscono la struttura spaziale del dipinto mentre contemporaneamente dividono e uniscono la composizione. Sebbene i dipinti di Newman sembrino puramente astratti, e molti di essi erano originariamente senza titolo, i nomi che in seguito diede loro suggerirono che fossero stati affrontati argomenti specifici, spesso con un tema ebraico. Due dipinti dei primi anni ’50, ad esempio,
Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt e Arshile Gorky (nelle sue ultime opere) sono stati tra i pittori espressionisti astratti di spicco che Greenberg ha identificato come collegato alla pittura di Color Field in gli anni ’50 e ’60.
Sebbene Pollock sia strettamente associato alla pittura d’azione a causa del suo stile, della sua tecnica e del suo “tocco” pittorico e della sua applicazione fisica di pittura, i critici d’arte hanno paragonato Pollock sia alla pittura d’azione che alla pittura a colori. Un’altra visione critica avanzata da Clemente Greenberg collega le tele allover di Pollock alle ninfee su larga scala di Claude Monet realizzate negli anni ’20. Greenberg, il critico d’arte Michael Fried e altri hanno osservato che la sensazione generale nelle opere più famose di Pollock – i suoi dipinti a goccia – legge come vasti campi di elementi lineari costruiti spesso leggendo come vasti complessi di matasse di vernice simili valutate che leggono dappertutto campi di colore e disegno,
L’uso di Pollock nella composizione all-over conferisce una connessione filosofica e fisica al modo in cui i pittori del campo di colore come Newman, Rothko e Still costruiscono le loro superfici ininterrotte e nel caso di Still. In diversi dipinti che Pollock dipinse dopo il suo classico periodo di gocciolamento del 1947-1950, usò la tecnica di macchiare la pittura ad olio fluido e la pittura di casa in tela grezza. Nel 1951 produsse una serie di dipinti semi-figurativi di macchie nere e nel 1952 produsse pitture di macchie usando il colore. Nella sua mostra del novembre 1952 alla Sidney Janis Gallery di New York City, Pollock mostrò il numero 12, 1952, una grande e magistrale pittura che ricorda un paesaggio macchiato dai colori vivaci (con una sovrapposizione di vernice scura ampiamente sgocciolata); il dipinto è stato acquisito dalla mostra di Nelson Rockefeller per la sua collezione personale. Nel 1960 il dipinto fu gravemente danneggiato da un incendio nella Governors Mansion di Albany che danneggiò gravemente anche un dipinto di Arshile Gorky e diverse altre opere della collezione Rockefeller. Tuttavia, nel 1999 è stato restaurato ed è stato installato nel centro commerciale Albany.
Mentre Arshile Gorky è considerato uno dei padri fondatori dell’espressionismo astratto e un surrealista, è stato anche uno dei primi pittori della New York School che ha usato la tecnica della “colorazione”. Gorky ha creato ampi campi di colori vivaci, aperti, ininterrotti che ha usato nei suoi molti suoi dipinti come motivi. Nei dipinti più efficaci e riusciti di Gorky tra gli anni 1941 e 1948, usò costantemente intensi campi di colore macchiati, spesso facendo scorrere e gocciolare la vernice, sotto e intorno al suo lessico familiare di forme organiche e biomorfiche e linee delicate.
Un altro espressionista astratto i cui lavori negli anni ’40 richiamano alla mente le pitture di colori degli anni ’60 e ’70 è James Brooks. Brooks usava spesso la macchia come tecnica nei suoi dipinti della fine degli anni ’40. Brooks iniziò a diluire la sua pittura ad olio per avere colori fluidi con cui versare, gocciolare e macchiare nella tela per lo più grezza che usava. Queste opere combinano spesso calligrafia e forme astratte. Durante gli ultimi tre decenni della sua carriera, lo stile di espressionismo astratto su larga scala di Sam Francis è stato strettamente associato alla pittura di Color Field. I suoi dipinti erano a cavallo di entrambi i campi all’interno della rubrica degli espressionisti astratti, della pittura d’azione e della pittura a colori.
Dopo aver visto i dipinti di Jackson Pollock del 1951 dipinti a olio nero diluito dipinti su tela grezza, nel 1952 Helen Frankenthaler iniziò a produrre dipinti a olio su vari colori ad olio su tela grezza. Il suo dipinto più famoso di quel periodo è Montagne e mare (come visto sotto). È una delle creatrici del movimento Color Field emerso alla fine degli anni ’50. Frankenthaler ha anche studiato con Hans Hofmann.
I dipinti di Hofmann sono una sinfonia di colori come visto in The Gate, 1959-1960. Hofmann era famoso non solo come artista, ma anche come insegnante di arte, sia nella sua nativa Germania che successivamente negli Stati Uniti. Hofmann, che venne negli Stati Uniti dalla Germania all’inizio degli anni ’30, portò con sé l’eredità del modernismo. Hofmann era un giovane artista che lavorava a Parigi, che vi dipinse prima della prima guerra mondiale. Hofmann lavorò a Parigi con Robert Delaunay, e conobbe in prima persona il lavoro innovativo di Pablo Picasso e Henri Matisse. Il lavoro di Matisse ha avuto un’enorme influenza su di lui e sulla sua comprensione del linguaggio espressivo del colore e della potenzialità dell’astrazione. Hofmann fu uno dei primi teorici della pittura sui campi di colore e le sue teorie furono influenti per gli artisti e per la critica, in particolare per Clemente Greenberg, così come ad altri negli anni ’30 e ’40. Nel 1953 Morris Louis e Kenneth Noland furono entrambi profondamente influenzati dalle pitture di macchie di Frankenthaler dopo aver visitato il suo studio a New York City. Ritornati a Washington, DC., Iniziarono a produrre le opere principali che crearono il movimento dei campi di colore alla fine degli anni ’50.
Nel 1972 il curatore del Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler disse:
Clement Greenberg ha incluso il lavoro di Morris Louis e Kenneth Noland in una mostra che ha fatto alla Kootz Gallery nei primi anni ’50. Clem fu il primo a vedere il loro potenziale. Li ha invitati a New York nel 1953, penso che fosse, nello studio di Helen per vedere un dipinto che aveva appena fatto chiamato Mountains and Sea, un dipinto molto, molto bello, che in un certo senso era fuori Pollock e fuori di Gorkij. Fu anche una delle prime immagini di colorazione, una delle prime grandi immagini di campo in cui fu usata la tecnica di colorazione, forse la prima. Louis e Noland hanno visto la foto srotolata sul pavimento del suo studio e sono tornati a Washington, DC. E hanno lavorato insieme per un po ‘, lavorando sulle implicazioni di questo tipo di pittura.
La pittura di Morris Louis Where 1960, è stata una grande innovazione che ha portato la pittura espressionista astratta in una nuova direzione verso Color Field e Minimalism. Tra le principali opere di Louis ci sono le sue varie serie di dipinti a colori. Alcune delle sue serie più conosciute sono gli Unfurleds, i Veils, i Florals e le Stripes o Pillars. Dal 1929 al 1933, Louis studiò al Maryland Institute of Fine and Applied Arts (ora Maryland Institute College of Art). Ha lavorato in vari lavori strani per sostenersi mentre dipingeva e nel 1935 è stato presidente della Baltimore Artists ‘Association. Dal 1936 al 1940, visse a New York e lavorò nella divisione cavalletto del Federal Art Project della Works Progress Administration.
Durante questo periodo, conobbe Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros e Jack Tworkov, tornando a Baltimora nel 1940. Nel 1948, iniziò a usare Magna – colori acrilici a base di olio. Nel 1952, Louis si trasferì a Washington, DC, vivendo in qualche modo separato dalla scena di New York e lavorando quasi in isolamento. Lui e un gruppo di artisti che includevano Kenneth Noland erano al centro dello sviluppo della pittura di Color Field. Il punto fondamentale del lavoro di Louis e di quello di altri pittori di Field Field, a volte noto come la Washington Colour School, in contrasto con la maggior parte degli altri nuovi approcci della fine degli anni ’50 e dei primi anni ’60, è che hanno semplificato notevolmente l’idea di ciò che costituisce l’aspetto di un dipinto finito.
Kenneth Noland, che lavorava a Washington, DC, fu anche un pioniere del movimento dei campi di colore alla fine degli anni ’50 che usò le serie come formati importanti per i suoi dipinti. Alcune delle principali serie di Noland furono chiamate Targets, Chevrons e Stripes. Noland ha frequentato il Black Mountain College sperimentale e ha studiato arte nel suo stato natale nella Carolina del Nord. Noland studiò con la professoressa Ilya Bolotowsky che lo introdusse al neoplasticismo e al lavoro di Piet Mondrian. Lì studiò anche la teoria e il colore del Bauhaus con Josef Albers e si interessò a Paul Klee, in particolare alla sua sensibilità al colore. Nel 1948 e nel 1949 lavorò con Ossip Zadkine a Parigi e nei primi anni ’50 conobbe Morris Louis a Washington, DC.
Nel 1970 il critico d’arte Clement Greenberg disse:
Metterei Pollock insieme a Hofmann e Morris Louis in questo paese tra i più grandi pittori di questa generazione. In realtà non penso che ci fosse qualcuno della stessa generazione in Europa abbastanza da eguagliarli. A Pollock non piacevano i dipinti di Hofmann. Non riuscì a distinguerli. Non si è preso la briga di farlo. E a Hofmann non piacevano i dipinti di Pollock allover, né la maggior parte degli amici artisti di Pollock riuscivano a trarne testa o coda, cosa che fece dal 1947 al ’50. Ma i dipinti di Pollock vivono o muoiono nello stesso contesto di Rembrandt o di Tiziano o di Velázquez o di Goya o di David o … o di Manet o di Ruben o di Michelangelo. Non c’è interruzione, non c’è mutazione qui.
Movimento del campo di colore
Alla fine degli anni ’50 e all’inizio degli anni ’60 i giovani artisti iniziarono a staccarsi stilisticamente dall’espressionismo astratto; sperimentare nuovi modi di fare foto; e nuovi modi di gestire la vernice e il colore. All’inizio degli anni ’60 diversi e diversi nuovi movimenti nella pittura astratta erano strettamente collegati tra loro e superficialmente erano classificati insieme; anche se si sono rivelati profondamente diversi nel lungo periodo. Alcuni dei nuovi stili e movimenti che apparvero nei primi anni ’60 come risposte all’espressionismo astratto furono chiamati: Washington Color School, Pittura a bordo duro, Astrazione geometrica, Minimalismo e Campo di colore.
Gene Davis era anche un pittore noto soprattutto per i dipinti a strisce verticali di colore, come Black Grey Beat, 1964, e faceva anche parte del gruppo di pittori astratti a Washington, DC negli anni ’60, noto come Washington Color School. I pittori di Washington erano tra i più importanti tra i pittori di Color Field della metà del secolo.
Gli artisti associati al movimento Color Field negli anni ’60 si stavano allontanando dal gesto e dall’angoscia a favore di superfici chiare e gestalt. Dall’inizio alla metà degli anni ’60, la pittura a colori del campo era il termine per il lavoro di artisti come Anne Truitt, John McLaughlin, Sam Francis, Sam Gilliam, Thomas Downing, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Friedel Dzubas, Jack Bush, Howard Mehring, Gene Davis, Mary Pinchot Meyer, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Robert Goodnough, Ray Parker, Al Held, Emerson Woelffer, David Simpson e altri i cui lavori erano precedentemente legati all’espressionismo astratto di seconda generazione; e anche per artisti più giovani come Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, John Hoyland, Walter Darby Bannard e Frank Stella.
Sebbene Color Field sia associato a Clement Greenberg, Greenberg in realtà ha preferito usare il termine astrazione post-pittore. Nel 1964, Clemente Greenberg curò una mostra influente che viaggiò nel paese chiamata astrazione post-pittorica. La mostra ha ampliato la definizione di pittura a colori. La pittura di Color Field indica chiaramente una nuova direzione nella pittura americana, lontano dall’espressionismo astratto. Nel 2007 la curatrice Karen Wilkin curò una mostra intitolata Color As Field: American Painting 1950–1975 che si recò in diversi musei negli Stati Uniti. La mostra ha messo in mostra diversi artisti in rappresentanza di due generazioni di pittori Color Field.
Nel 1970 il pittore Jules Olitski disse:
Non so cosa significhi la pittura di Color Field. Penso che sia stato probabilmente inventato da qualche critico, il che va bene, ma non credo che la frase significhi qualcosa. Color Field Pittura? Voglio dire, che cos’è il colore? La pittura ha a che fare con molte cose. Il colore è tra le cose con cui ha a che fare. Ha a che fare con la superficie. Ha a che fare con la forma, ha a che fare con sentimenti che sono più difficili da ottenere.
Jack Bush era un pittore espressionista astratto canadese, nato a Toronto, nell’Ontario nel 1909. Era un membro di Painters Eleven, il gruppo fondato da William Ronald nel 1954 per promuovere la pittura astratta in Canada, e fu presto incoraggiato nella sua arte dagli americani critico d’arte Clement Greenberg. Con l’incoraggiamento di Greenberg, Bush divenne strettamente legato a due movimenti nati dagli sforzi degli espressionisti astratti: la pittura a colori e l’astrazione lirica. Il suo dipinto Big A è un esempio dei suoi dipinti a colori della fine degli anni ’60.
Durante la fine degli anni ’50 e l’inizio degli anni ’60 Frank Stella fu una figura significativa nell’emergere del minimalismo, dell’astrazione post-pittore e della pittura a colori. Le sue tele sagomate degli anni ’60 come Harran II, 1967, rivoluzionarono la pittura astratta. Una delle caratteristiche più importanti dei dipinti di Stella è il suo uso della ripetizione. I suoi dipinti di Black Pin Stripe del 1959 sorpresero e scioccarono un mondo dell’arte che non era abituato a vedere immagini monocromatiche e ripetitive, dipinte piatte, quasi senza alcuna inflessione. All’inizio degli anni ’60 Stella realizzò diverse serie di dipinti in alluminio con intaglio e dipinti a forma di rame prima di realizzare tele a forma multicolore e asimmetrica della fine degli anni ’60. L’approccio e la relazione di Frank Stella con la pittura di Color Field non erano permanenti o centrali per la sua produzione creativa;
Alla fine degli anni ’60 Richard Diebenkorn iniziò la sua serie Ocean Park; creato durante gli ultimi 25 anni della sua carriera e sono importanti esempi di pittura a colori. La serie Ocean Park esemplificata da Ocean Park No.129, collega le sue prime opere espressioniste astratte con la pittura a colori. All’inizio degli anni ’50, Richard Diebenkorn era conosciuto come un espressionista astratto, e le sue astrazioni gestuali erano vicine alla New York School in termini di sensibilità ma saldamente basate sulla sensibilità espressionista astratta di San Francisco; un luogo in cui Clyfford Still ha una notevole influenza sugli artisti più giovani in virtù del suo insegnamento al San Francisco Art Institute.
A metà degli anni ’50, Richard Diebenkorn, insieme a David Park, Elmer Bischoff e molti altri, formarono la Bay Area Figurative School con un ritorno alla pittura figurativa. Durante il periodo tra l’autunno 1964 e la primavera del 1965 Diebenkorn viaggiò in tutta Europa, gli fu concesso un visto culturale per visitare e vedere i dipinti di Henri Matisse in importanti musei sovietici. Ha viaggiato nell’allora Unione Sovietica per studiare i dipinti di Henri Matisse nei musei russi che raramente venivano visti al di fuori della Russia. Quando tornò a dipingere nella Bay Area a metà del 1965, le sue opere risultanti riassunsero tutto ciò che aveva imparato dal suo più di un decennio come pittore figurativo di spicco. Quando nel 1967 tornò all’astrazione le sue opere erano parallele a movimenti come il movimento Color Field e Lyrical Abstraction, ma rimase indipendente da entrambi.
Durante la fine degli anni ’60, Larry Poons, i cui precedenti dipinti Dot erano associati all’Op Art, iniziò a produrre dipinti più liberi e più liberi che venivano chiamati i suoi dipinti a losanga Ellipse del 1967-1968. Insieme a John Hoyland, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronald Davis, Ronnie Landfield, John Seery, Pat Lipsky, Dan Christensen e molti altri giovani pittori, iniziò a formarsi un nuovo movimento legato alla pittura di Color Field; alla fine chiamato Lyrical Abstraction. Alla fine degli anni ’60 i pittori si dedicarono all’inflessione superficiale, alla rappresentazione dello spazio profondo, al tocco pittorico e alla manipolazione della vernice che si fondevano con il linguaggio del colore. Tra una nuova generazione di pittori astratti emersi combinando la pittura a colori con l’espressionismo, la generazione più anziana iniziò anche a infondere nuovi elementi di spazio e superficie complessi nelle loro opere.
Negli anni ’70 Poons creò dipinti dalla pelle spessa, screpolati e pesanti chiamati dipinti di pelle di elefante; mentre Christensen spruzzava anse, trame colorate di linee e calligrafia, attraverso campi multicolori di delicati motivi; I dipinti a banda macchiata di Ronnie Landfield sono riflessi sia della pittura di paesaggio cinese che del linguaggio Color Field, e della pittura macchiata di John Seery come esemplificata da East, 1973, dalla National Gallery of Australia. Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox e molti altri hanno creato dipinti che collegano la pittura di Color Field con Lyrical Abstraction e sottolineano una nuova enfasi su paesaggio, gesto e tocco.
Panoramica
La pittura del campo di colore è correlata all’astrazione post-pittorica, al suprematismo, all’espressionismo astratto, alla pittura sul bordo duro e all’astrazione lirica. Inizialmente si riferiva a un particolare tipo di espressionismo astratto, in particolare il lavoro di Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb e diverse serie di dipinti di Joan Miró. Il critico d’arte Clement Greenberg ha percepito la pittura di Color Field come correlata ma diversa dalla pittura di azione.
Una distinzione importante che ha reso la pittura dei campi di colore diversa dall’espressione astratta è stata la gestione della vernice. La tecnica di base fondamentale per definire la pittura è l’applicazione della vernice e i pittori del campo di colore hanno rivoluzionato il modo in cui la vernice poteva essere efficacemente applicata.
La pittura di Color Field ha cercato di liberare l’arte della retorica superflua. Artisti come Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas e Frank Stella, e altri hanno spesso utilizzato formati notevolmente ridotti, con disegni essenzialmente semplificati per sistemi ripetitivi e regolati, riferimenti di base alla natura e ad un uso altamente articolato e psicologico del colore. In generale, questi artisti hanno eliminato le immagini apertamente riconoscibili a favore dell’astrazione. Alcuni artisti hanno citato riferimenti all’arte passata o presente, ma in generale la pittura nel campo dei colori presenta l’astrazione come fine a se stessa. Nel perseguire questa direzione dell’arte moderna, questi artisti volevano presentare ogni dipinto come un’immagine monolitica unitaria, coesa, spesso all’interno di una serie di tipi correlati.
A differenza dell’energia emotiva e dei segni della superficie gestuale e della gestione della vernice degli espressionisti astratti come Jackson Pollock e Willem de Kooning, la pittura di Color Field inizialmente sembrava essere fresca e austera. I pittori del campo di colore cancellano il segno individuale a favore di aree di colore ampie, piatte, macchiate e impregnate, considerate la natura essenziale dell’astrazione visiva insieme alla forma effettiva della tela, che Frank Stella in particolare ha ottenuto in modi insoliti con combinazioni di bordi curvi e diritti. Tuttavia, la pittura di Color Field ha dimostrato di essere sia sensuale che profondamente espressiva, sebbene in modo diverso dall’espressionismo astratto gestuale. Negando il collegamento con l’espressionismo astratto o qualsiasi altro movimento artistico Mark Rothko parlò chiaramente dei suoi dipinti nel 1956:
Non sono un astrattista … Non sono interessato alla relazione di colore, forma o altro … Mi interessa solo esprimere le emozioni umane di base – tragedia, estasi, sventura e così via – e il fatto che un sacco di persone crollano e piangono quando confrontate con le mie foto mostrano che comunico quelle emozioni umane di base …. Le persone che piangono prima delle mie immagini stanno vivendo la stessa esperienza religiosa che ho avuto quando le ho dipinte. E se, come dici tu, sei mosso solo dalle loro relazioni cromatiche, allora perdi il punto!
Pittura di macchia
Joan Miró è stato uno dei primi e più grandi pittori di macchie. Sebbene la colorazione ad olio fosse considerata pericolosa per la tela di cotone a lungo termine, l’esempio di Miró durante gli anni 1920, 1930 e 1940 fu un’ispirazione e un’influenza sulle nuove generazioni. Uno dei motivi del successo del movimento Color Field è stata la tecnica della colorazione. Gli artisti mescolavano e diluivano la loro vernice in secchi o lattine di caffè creando un liquido fluido e poi lo versavano in tela grezza non impregnata, in genere anatra di cotone.
La vernice potrebbe anche essere spazzolata o arrotolata o gettata o versata o spruzzata e si spargerebbe nel tessuto della tela. Generalmente gli artisti disegnano forme e aree mentre macchiano. Molti artisti diversi hanno utilizzato la colorazione come tecnica di scelta da utilizzare per realizzare i loro dipinti. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins e decine di altri pittori hanno scoperto che il versamento e la colorazione hanno aperto le porte alle innovazioni e ai metodi rivoluzionari di disegnare ed esprimere il significato in nuovi modi. Il numero di artisti che macchiarono negli anni ’60 aumentò notevolmente con la disponibilità di vernice acrilica. Macchiare la vernice acrilica nel tessuto della tela di cotone di anatra era più benigno e meno dannoso per il tessuto della tela rispetto all’uso della pittura ad olio.
Quando ho iniziato a dipingere con le pitture per la prima volta, ho lasciato grandi aree di tela non dipinte, credo, perché la tela stessa ha agito con la stessa forza e positività della pittura, della linea o del colore. In altre parole, il terreno stesso faceva parte del mezzo, così che invece di pensarlo come sfondo o spazio negativo o un punto vuoto, quell’area non aveva bisogno di vernice perché aveva vernice accanto ad essa. La cosa era decidere dove lasciarlo e dove riempirlo e dove dire che non ha bisogno di un’altra linea o di un altro secchio di colori. Lo sta dicendo nello spazio.
Pittura spray
Sorprendentemente pochi artisti hanno usato la tecnica della pistola a spruzzo per creare grandi distese e campi di colore spruzzati sulle loro tele negli anni ’60 e ’70. Alcuni pittori che hanno effettivamente utilizzato le tecniche di verniciatura a spruzzo includono Jules Olitski, che è stato un pioniere nella sua tecnica di spruzzatura che ha coperto i suoi grandi dipinti con strato dopo strato di diversi colori, cambiando spesso gradualmente tonalità e valore in una sottile progressione. Un’altra importante innovazione è stata l’uso da parte di Dan Christensen di una tecnica spray con grande effetto in anelli e nastri di colore brillante; spruzzato in chiari segni calligrafici sui suoi dipinti di grandi dimensioni. William Pettet, Richard Saba e Albert Stadler, usarono la tecnica per creare campi su larga scala di multi-colori; mentre Kenneth Showell spruzzava su tele spiegazzate e creava un’illusione di interni astratti di natura morta.
strisce
Le strisce erano uno dei veicoli più popolari per il colore utilizzati da diversi pittori Color Field in una varietà di formati diversi. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland e David Simpson, hanno tutti realizzato importanti serie di dipinti a strisce. Sebbene non li chiamasse strisce ma con cerniere Le strisce di Barnett Newman erano per lo più verticali, di larghezza variabile e usate con parsimonia. Nel caso di Simpson e Noland i loro dipinti a strisce erano quasi tutti orizzontali, mentre Gene Davis dipingeva quadri a strisce verticali e Morris Louis dipingeva principalmente dipinti a strisce verticali a volte chiamati pilastri. Jack Bush tendeva a fare sia dipinti a strisce orizzontali e verticali che angolari.
Vernice Magna
Magna, un’artista speciale che usa la vernice acrilica, fu sviluppata da Leonard Bocour e Sam Golden nel 1947 e riformulata nel 1960, in particolare per Morris Louis e altri pittori di coloranti del movimento del campo cromatico. In Magna i pigmenti vengono macinati in una resina acrilica con solventi a base alcolica. A differenza dei moderni acrilici a base d’acqua, Magna è miscibile con trementina o distillati minerali e si asciuga rapidamente per una finitura opaca o lucida. È stato ampiamente utilizzato da Morris Louis, Friedel Dzubas e anche dall’artista pop Roy Lichtenstein. I colori Magna sono più vivaci e intensi delle normali vernici acriliche a base d’acqua. Louis ha usato Magna con grande efficacia nella sua serie Stripe, dove i colori sono usati non diluiti e vengono versati non miscelati direttamente dalla lattina.
Colori acrilici
Nel 1972, l’ex curatore del Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler disse:
Il campo di colore, abbastanza curiosamente o forse no, è diventato un modo praticabile di dipingere esattamente nel momento in cui è nata la vernice acrilica, la nuova vernice di plastica. Era come se la nuova vernice richiedesse una nuova possibilità nella pittura e i pittori vi arrivassero. La pittura ad olio, che ha un mezzo abbastanza diverso, che non è a base d’acqua, lascia sempre una chiazza d’olio, o pozza d’olio, attorno al bordo del colore. La vernice acrilica si ferma sul suo bordo. La pittura del campo di colore è arrivata contemporaneamente all’invenzione di questa nuova vernice.
Gli acrilici furono resi disponibili per la prima volta in commercio negli anni ’50 come pitture a base di spirito minerale chiamate Magna offerte da Leonard Bocour. Le vernici acriliche a base d’acqua sono state successivamente vendute come vernici per la casa “in lattice”, sebbene la dispersione acrilica non usi lattice derivato da un albero della gomma. Le vernici per interni “in lattice” tendono ad essere una combinazione di legante (a volte acrilico, vinile, pva e altri), stucco, pigmento e acqua. Le vernici per interni “in lattice” possono anche essere una miscela “copolimerica”, ma le migliori vernici per esterni a base d’acqua sono al 100% acriliche.
Poco dopo l’introduzione dei leganti acrilici a base d’acqua come pitture per la casa, entrambi gli artisti – il primo dei quali erano muralisti messicani – e le aziende iniziarono a esplorare il potenziale dei nuovi leganti. Le vernici acriliche per artisti possono essere diluite con acqua e utilizzate come lavaggi alla maniera delle pitture ad acquerello, anche se i lavaggi sono veloci e permanenti una volta asciutti. Le vernici acriliche idrosolubili di qualità professionale divennero disponibili in commercio all’inizio degli anni ’60, offerte da Liquitex e Bocour con il nome commerciale di Aquatec. Liquitex e Aquatec solubili in acqua si sono rivelati ideali per la pittura di macchie. La tecnica di colorazione con acrilici solubili in acqua ha fatto sprofondare i colori diluiti e trattenerli rapidamente nella tela grezza. Pittori come Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis,
Eredità: influenze e influenza
L’eredità pittorica della pittura del 20 ° secolo è un lungo e intrecciato mainstream di influenze e interrelazioni complesse. L’uso di ampi campi aperti di colore espressivo applicati in generose porzioni pittoriche, accompagnati da disegni sciolti (vaghi punti lineari e / o contorni figurativi) può essere visto per la prima volta nelle opere dei primi del 20 ° secolo sia di Henri Matisse che di Joan Miró. Matisse e Miró, così come Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky e Piet Mondrian hanno influenzato direttamente gli espressionisti astratti, i pittori Color Field di Post-Painterly Abstraction e gli autori lirici.
Gli americani della fine del XIX secolo come Augustus Vincent Tack e Albert Pinkham Ryder, insieme ai primi modernisti americani come Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove e Milton Avery, hanno fornito precedenti importanti e hanno influenzato gli espressionisti astratti, i pittori del campo di colore e gli astrattisti lirici. Henri Matisse dipinge French Window a Collioure e View of Notre Dame dal 1914 esercitò un’enorme influenza sui pittori americani Color Field in generale, (tra cui la serie Open di Robert Motherwell), e sui dipinti dell’Ocean Park di Richard Diebenkorn. Secondo la storica dell’arte Jane Livingston, Diebenkorn ha visto entrambi i dipinti di Matisse in una mostra a Los Angeles nel 1966, e hanno avuto un impatto enorme su di lui e sul suo lavoro.
È difficile non attribuire un peso enorme a questa esperienza per la direzione che il suo lavoro ha preso da quel momento in poi. Due fotografie che vide risuonare in quasi tutte le tele di Ocean Park. La vista di Notre Dame e della portafinestra a Collioure, entrambe dipinte nel 1914, furono esposte per la prima volta negli Stati Uniti.
Livingston continua dicendo che Diebenkorn deve aver sperimentato la portafinestra a Collioure, come epifania.
Joan Miró è stato uno degli artisti più influenti del 20 ° secolo. Miró ha aperto la strada alla tecnica della colorazione; la creazione di sfondi nuvolosi sfocati e multicolori in pittura ad olio diluito durante gli anni 1920 e 1930; in aggiunta al quale ha aggiunto la sua calligrafia, i suoi personaggi e l’abbondante lessico di parole e immagini. Arshile Gorky ha ammirato apertamente il lavoro di Miró e ha dipinto dipinti Gorky simili a Miró, prima di scoprire finalmente la sua originalità nei primi anni ’40. Durante gli anni ’60 Miró dipinse grandi campi radianti (scala espressionista astratta) di vernice vigorosamente spazzolata in blu, bianco e altri campi di colori monocromatici; con sfere nere sfocate e forme calligrafiche simili a pietre, galleggianti a caso. Queste opere assomigliavano ai dipinti Color Field delle giovani generazioni. Il biografo Jacques Dupin ha detto questo su Miró ‘
Queste tele rivelano affinità – Miró non tenta affatto di negarlo – con le ricerche di una nuova generazione di pittori. Molti di questi, Jackson Pollock per uno, hanno riconosciuto il loro debito con Miró. Miró a sua volta mostra vivo interesse per il loro lavoro e non perde occasione per incoraggiarli e sostenerli. Né considera sotto la sua dignità usare le loro scoperte in alcune occasioni.
Prendendo il suo esempio da altri modernisti europei come Joan Miró, il movimento Color Field comprende diversi decenni dalla metà del 20 ° secolo all’inizio del 21 ° secolo. La pittura Color Field comprende in realtà tre generazioni separate ma correlate di pittori. I termini comunemente usati per riferirsi ai tre gruppi separati ma correlati sono espressionismo astratto, astrazione post-pittore e astrazione lirica. Alcuni artisti hanno realizzato opere in tutte e tre le epoche, relative a tutti e tre gli stili.
I pionieri di Color Field come Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Robert Motherwell sono principalmente pensati come espressionisti astratti. Artisti come Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski e Kenneth Noland erano di generazione leggermente più giovane o, nel caso di Morris Louis, esteticamente allineati con il punto di vista di quella generazione; che iniziò come espressionisti astratti, ma passò rapidamente all’astrazione post-pittore. Mentre artisti più giovani come Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, iniziarono con Post-Painterly Abstraction e infine avanzarono verso un nuovo tipo di espressionismo, chiamato Lyrical Abstraction. Molti degli artisti citati, così come molti altri,
Durante le fasi successive della pittura di Color Field; come riflessi dello zeitgeist della fine degli anni ’60 (in cui tutto cominciò a svanire) e l’angoscia dell’epoca (con tutte le incertezze del tempo) si fondeva con la gestalt dell’astrazione post-pittore, producendo un’astrazione lirica che combinava precisione del linguaggio Color Field con la malerische degli espressionisti astratti. Nello stesso periodo della fine degli anni ’60 e dei primi anni ’70 in Europa, Gerhard Richter, Anselm Kiefer e molti altri pittori iniziarono anche a produrre opere di intensa espressione, fondendo l’astrazione con le immagini, incorporando le immagini del paesaggio e la figurazione che alla fine degli anni ’70 come neoespressionismo.