Farbfeldmalerei ist ein Stil der abstrakten Malerei, der in den 1940er und 1950er Jahren in New York City entstand. Es war vom europäischen Modernismus inspiriert und eng mit dem abstrakten Expressionismus verwandt, während viele seiner bemerkenswerten frühen Befürworter zu den wegweisenden abstrakten Expressionisten zählten. Das Farbfeld ist in erster Linie durch große Felder mit flacher, durchgehender Farbe gekennzeichnet, die über die Leinwand verteilt oder in diese gebeizt sind und Bereiche mit ungebrochener Oberfläche und einer flachen Bildebene erzeugen. Die Bewegung legt weniger Wert auf Gesten, Pinselstriche und Handlungen zugunsten einer Gesamtkonsistenz von Form und Prozess. In der Farbfeldmalerei „wird Farbe vom objektiven Kontext befreit und zum Subjekt an sich“.

Die Farbfeldmalerei einschließlich der Farbflächenmalerei ist eine Ausdrucksform der Gegenwartskunst, die sich durch große, homogen gefüllte Farbfelder auszeichnet. Diese Kunstbewegung entwickelte sich in Amerika Mitte der 1950er Jahre aus dem Abstrakten Expressionismus. Mark Rothko, Barnett Newman (der Angst vor Rot, Gelb und Blau hat) und Clyfford Still sind wichtige Vorläufer und Vertreter dieses Stils.

Die Werke sind meist großformatig. Oft wird die Farbe ohne Verwendung klassischer Malutensilien direkt auf die nicht grundierte Leinwand aufgetragen (entleert, gegossen, gesprüht) und dringt so direkt in den Stoff ein (Soak-Stain-Technik) – vergleichbar mit dem Färben eines Stoffes.

Der Begriff Farbfeldmalerei wurde vom amerikanischen Kunstkritiker Clement Greenberg geprägt, dessen Favorit Jules Olitski war. Andere wichtige Vertreter der Farbfeldmalerei (deren wichtigste Schaffensperioden diesem Trend zugeordnet werden können) sind Morris Louis, Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Larry Poons, Sam Gilliam, Gene Davis, Friedel Dzubas, Wolfgang Hollegha, Jack Bush und Walter Darby Bannard, Thomas Downing, Howard Mehring und Paul Reed.

In den späten 1950er und 1960er Jahren entstanden Farbfeldmaler in Teilen Großbritanniens, Kanadas, Australiens und der Vereinigten Staaten, insbesondere in New York, Washington, DC und anderswo, unter Verwendung von Streifenformaten, Zielen, einfachen geometrischen Mustern und Verweisen auf Landschaftsbilder und zur Natur.

Eigenschaften
Dieser Stil ist leicht an seinen flachen Bereichen mit hellen Farben (oft zwei oder drei auf einer Leinwand) zu erkennen, die durch Effekte von Materie, Halbtönen, klaren oder flüchtigen Konturen moduliert werden Perspektive und Entwicklung auf einer Ebene. Jede Figuration ist ausgeschlossen, die Arbeit missachtet die Form, um zu einer meditativen Phase zu führen. Wenn die Farbe von ihren Lokalisierungs- und Bildfunktionen befreit wird, wird sie autonom. In Colorfields Malerei „wird Farbe aus ihrem objektiven Kontext befreit und zum Subjekt an sich“.

Ursprünge
Die Definition geht auf den Kritiker Clement Greenberg zurück, der sie 1955 zum ersten Mal verwendete. Das Farbfeld ist mit dem Suprematismus und zum Teil mit dem in den gleichen Jahren entwickelten gegenwärtigen abstrakten Expressionismus verbunden. Die Ursprünge der Farbfeldmalerei lassen sich bis in die 1920er Jahre zurückverfolgen, auf den russischen Künstler Kazimir Severinovič Malevič, Exponenten des Suprematismus; in seiner poetik musste kunst die „überlegenheit der form“ sein, ausgedrückt durch die reinheit der farben und elementaren geometrischen formen.

Farbfeldmalerei ist eine sehr allgemeine Bedeutung für eine künstlerische Strömung, da sie sich je nach Land, in dem sie sich entwickelt hat, auf sehr unterschiedliche Weise manifestiert. Es kann daher in zwei Haupttrends unterteilt werden: einer, dessen größter Exponent Mark Rothko ist, in dem die Tendenz bestand, Kontraste zwischen verschiedenen Farbfeldern zu verwenden. Rothkos Arbeiten sind in der Tat durch zwei oder drei kontrastierende Farbbänder gekennzeichnet, die als gasförmige Einheiten dargestellt werden. Ein weiterer Trend betrifft das Studium einer einzelnen Farbe und die Suche nach Monochrom.

Der größte Künstler dieser Tendenz war Yves Klein, der seine Studien über Blau vertiefte, bis er einen bestimmten Farbton patentierte, der heute blau Klein heißt. Bemerkenswert sind auch die Forschungen italienischer Künstler wie Lucio Fontana und Enrico Castellani, die der räumlichen Bewegung angehören, sowie von Piero Manzoni, der das Thema der Abwesenheit von Farbe durch eine Reihe von Werken namens Achrome vertiefte. Von großer Bedeutung war das vom Mailänder Künstler Azimuth gegründete Magazin, das die Poetik der Farbfelder vertiefte.

Geschichte
Der Schwerpunkt der zeitgenössischen Kunst verlagerte sich nach dem Zweiten Weltkrieg und der Entwicklung des amerikanischen Abstrakten Expressionismus von Paris nach New York. In den späten 1940er und frühen 1950er Jahren war Clement Greenberg der erste Kunstkritiker, der eine Dichotomie zwischen unterschiedlichen Tendenzen innerhalb des Kanons des Abstrakten Expressionismus vorschlug und identifizierte. Mit Harold Rosenberg (einem weiteren wichtigen Verfechter des Abstrakten Expressionismus), der in seinem Artikel „American Action Painters“, der in der Dezemberausgabe 1952 von ARTnews veröffentlicht wurde, über die Vorzüge des Action Painting berichtete, stellte Greenberg eine weitere Tendenz zur Allover-Farbe oder Farbe fest Feld in den Werken mehrerer der sogenannten „ersten Generation“ der Abstrakten Expressionisten.

Mark Rothko war einer der Maler, die Greenberg als Farbfeldmaler bezeichnete, beispielhaft dargestellt durch Magenta, Schwarz, Grün auf Orange, obwohl Rothko sich weigerte, sich an irgendein Etikett zu halten. Farbe war für Rothko „nur ein Instrument“. In gewissem Sinne sind seine bekanntesten Werke – die „Multiforms“ und seine anderen charakteristischen Gemälde – im Wesentlichen derselbe Ausdruck, auch wenn es sich um ein reineres (oder weniger konkretes oder definierbares, je nach Ihrer Interpretation) Mittel handelt, das jenes von die gleichen „menschlichen Grundgefühle“ wie seine früheren surrealistischen mythologischen Gemälde. Was diesen stilistischen Innovationen gemeinsam ist, ist die Sorge um „Tragödie, Ekstase und Untergang“. Bis 1958 wurde der spirituelle Ausdruck, den Rothko auf der Leinwand darstellen wollte, immer dunkler. Seine leuchtenden Rottöne Gelb und Orange der frühen 1950er Jahre verwandelten sich subtil in dunkles Blau, Grün, Grau und Schwarz. Seine letzte Serie von Gemälden aus der Mitte der 1960er Jahre war grau und schwarz mit weißen Rändern, scheinbar abstrakten Landschaften eines endlosen, kahlen, tundraartigen, unbekannten Landes.

Rothko befand sich Mitte der vierziger Jahre in einer entscheidenden Übergangsphase und war beeindruckt von Clyfford Stills abstrakten Farbfeldern, die zum Teil von den Landschaften von Stills Heimatort North Dakota beeinflusst wurden. Im Jahr 1947, während eines anschließenden Semesters Unterricht an der California School of Fine Art (heute bekannt als San Francisco Art Institute), flirteten Rothko und Still mit der Idee, einen eigenen Lehrplan oder eine eigene Schule zu gründen. Still galt als einer der bedeutendsten Farbfeldmaler – seine nicht figurativen Gemälde beschäftigen sich hauptsächlich mit der Gegenüberstellung verschiedener Farben und Oberflächen. Seine gezackten Farbblitze erwecken den Eindruck, dass eine Farbschicht vom Gemälde „abgerissen“ wurde, wodurch die darunter liegenden Farben sichtbar werden, die an Stalaktiten und ursprüngliche Höhlen erinnern. Immer noch‘

Ein weiterer Künstler, dessen bekanntestes Werk sowohl den abstrakten Expressionismus als auch die Farbfeldmalerei betrifft, ist Robert Motherwell. Motherwells Stil des abstrakten Expressionismus, der durch lose geöffnete Felder malerischer Oberflächen gekennzeichnet ist, die von locker gezeichneten und gemessenen Linien und Formen begleitet werden, wurde sowohl von Joan Miró als auch von Henri Matisse beeinflusst. Robert Motherwells Elegy to the Spanish Republic Nr. 110 (1971) ist das Werk eines Pioniers sowohl des Abstrakten Expressionismus als auch der Farbfeldmalerei. Robert Motherwells „Elegy to The Spanish Republic“ -Reihe verkörpert beide Tendenzen, während Motherwells „Open Series“ der späten 1960er, 1970er und 1980er Jahre ihn fest in das Lager der Farbfelder einordnet. 1970 sagte Motherwell: „Während meines ganzen Lebens war der Maler des 20. Jahrhunderts, den ich am meisten bewundert habe, Matisse.“

Barnett Newman gilt als eine der Hauptfiguren des abstrakten Expressionismus und als eine der führenden Farbfeldmaler. Newmans reifes Werk zeichnet sich durch farbreine und flache Bereiche aus, die durch dünne vertikale Linien oder „Reißverschlüsse“, wie Newman sie nannte, voneinander getrennt sind. Beispiele hierfür sind Vir Heroicus Sublimis in der Sammlung von MoMA. Newman selbst glaubte, mit der hier gezeigten Onement-Serie (ab 1948) seinen ausgereiften Stil erreicht zu haben. Die Reißverschlüsse definieren die räumliche Struktur des Gemäldes und teilen und vereinen gleichzeitig die Komposition. Obwohl Newmans Gemälde rein abstrakt zu sein scheinen und viele von ihnen ursprünglich ohne Titel waren, deuteten die Namen, die er ihnen später gab, darauf hin, dass bestimmte Themen angesprochen wurden, oft mit einem jüdischen Thema. Zwei Gemälde aus den frühen 1950er Jahren, zum Beispiel

Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt und Arshile Gorky (in seinen letzten Arbeiten) gehörten zu den prominenten Malern des abstrakten Expressionismus, die Greenberg als mit der Farbfeldmalerei verbunden identifizierte die 1950er und 1960er Jahre.

Obwohl Pollock aufgrund seines Stils, seiner Technik und seiner malerischen „Berührung“ und seines physischen Einsatzes von Farbe eng mit Action Painting verbunden ist, haben Kunstkritiker Pollock sowohl mit Action Painting als auch mit Color Field Painting verglichen. Eine andere von Clement Greenberg vorgebrachte kritische Sichtweise verbindet Pollocks allover-Leinwände mit den großformatigen Seerosen von Claude Monet, die in den 1920er Jahren hergestellt wurden. Greenberg, der Kunstkritiker Michael Fried und andere haben beobachtet, dass das allgemeine Gefühl in Pollocks berühmtesten Werken – seinen Tropfmalereien – als weite Felder aus linearen Elementen zu lesen ist, oft als weite Komplexe von ähnlich geschätzten Farbsträngen, die wie überall zu lesen sind Farb- und Zeichenfelder,

Pollocks Verwendung von Allover-Kompositionen verleiht der Art und Weise, wie die Farbfeldmaler wie Newman, Rothko und Still ihre ungebrochenen und bei Still gebrochenen Oberflächen konstruieren, eine philosophische und physikalische Verbindung. In mehreren Gemälden, die Pollock nach seiner klassischen Tropfmalerei zwischen 1947 und 1950 malte, verwendete er die Technik, flüssige Ölfarbe und Hausfarbe in rohe Leinwand zu färben. Im Jahr 1951 produzierte er eine Reihe von halbfigurativen schwarzen Malereien, und im Jahr 1952 produzierte er Malereien mit Farbe. In seiner Ausstellung im November 1952 in der Sidney Janis Gallery in New York City zeigte Pollock Nummer 12, 1952, ein großes, meisterhaftes Fleckbild, das einer bunten, fleckigen Landschaft ähnelt (mit einer Überlagerung von breit getropfter dunkler Farbe); Das Gemälde wurde von Nelson Rockefeller aus der Ausstellung für seine persönliche Sammlung erworben. 1960 wurde das Gemälde durch einen Brand in der Governors Mansion in Albany schwer beschädigt, wodurch auch ein Arshile Gorky-Gemälde und mehrere andere Werke in der Rockefeller-Sammlung schwer beschädigt wurden. Bis 1999 wurde es jedoch restauriert und in der Albany Mall installiert.

Während Arshile Gorky als einer der Gründerväter des Abstrakten Expressionismus und eines Surrealisten gilt, war er auch einer der ersten Maler der New York School, der die Technik des „Malens“ einsetzte. Gorki schuf weite Felder lebendiger, offener, ungebrochener Farben, die er in seinen vielen Gemälden als Hintergrund verwendete. In Gorkys effektivsten und erfolgreichsten Gemälden der Jahre 1941 bis 1948 verwendete er durchweg intensiv gefärbte Farbfelder, wobei er die Farbe häufig unter und um sein bekanntes Lexikon von organischen und biomorphen Formen und feinen Linien laufen und tropfen ließ.

Ein weiterer abstrakter Expressionist, dessen Werke in den 1940er Jahren an die Malereien der 1960er und 1970er Jahre erinnern, ist James Brooks. Brooks verwendete in seinen Gemälden aus den späten 1940er Jahren häufig Malfarben als Technik. Brooks begann, seine Ölfarbe zu verdünnen, um flüssige Farben zu erhalten, mit denen er die meist rohe Leinwand, die er verwendete, einfüllen und tropfen und beflecken konnte. Diese Arbeiten kombinieren oft Kalligraphie und abstrakte Formen. In den letzten drei Jahrzehnten seiner Karriere war Sam Francis ‚Stil des großformatigen abstrakten Expressionismus eng mit der Farbfeldmalerei verbunden. Seine Bilder reihten sich in beide Lager der Rubriken Abstract Expressionist, Action Painting und Colour Field Painting ein.

Nachdem Helen Frankenthaler Jackson Pollocks Gemälde von 1951 mit verdünnter schwarzer Ölfarbe auf roher Leinwand gesehen hatte, begann sie 1952, Malereien in verschiedenen Ölfarben auf roher Leinwand herzustellen. Ihr berühmtestes Gemälde aus dieser Zeit ist Mountains and Sea (siehe unten). Sie ist eine der Begründerinnen der Colour Field-Bewegung, die in den späten 1950er-Jahren entstand. Frankenthaler studierte auch bei Hans Hofmann.

Hofmanns Gemälde sind eine Symphonie aus Farben, wie sie in The Gate (1959–1960) zu sehen sind. Hofmann war nicht nur als Künstler, sondern auch als Kunstlehrer in seiner Heimat Deutschland und später in den USA bekannt. Hofmann, der Anfang der 1930er Jahre aus Deutschland in die USA kam, brachte das Erbe der Moderne mit. Hofmann war ein junger Künstler, der in Paris arbeitete und dort vor dem Ersten Weltkrieg malte. Hofmann arbeitete in Paris mit Robert Delaunay und kannte die innovativen Arbeiten von Pablo Picasso und Henri Matisse aus erster Hand. Matisses Werk hatte einen enormen Einfluss auf ihn und auf sein Verständnis der Ausdruckssprache der Farbe und der Möglichkeiten der Abstraktion. Hofmann war einer der ersten Theoretiker der Farbfeldmalerei, und seine Theorien wirkten sich auf Künstler und Kritiker aus, insbesondere auf Clement Greenberg. sowie zu anderen in den 1930er und 1940er Jahren. 1953 wurden Morris Louis und Kenneth Noland nach ihrem Atelierbesuch in New York von Frankenthalers Malereien stark beeinflusst. Nach ihrer Rückkehr nach Washington DC begannen sie Ende der 1950er Jahre mit der Produktion der wichtigsten Werke, die die Farbfeldbewegung hervorbrachten.

1972 sagte der damalige Kurator des Metropolitan Museum of Art, Henry Geldzahler:

Clement Greenberg nahm die Arbeiten von Morris Louis und Kenneth Noland in eine Show auf, die er in den frühen 1950er Jahren in der Kootz Gallery machte. Clem war der erste, der ihr Potenzial erkannte. Er lud sie 1953 nach New York ein, ich glaube, in Helens Atelier, um ein Gemälde zu sehen, das sie gerade gemalt hatte: Berge und Meer, ein sehr, sehr schönes Gemälde, in gewisser Weise aus Pollock und aus von Gorki. Es war auch eines der ersten Malbilder, eines der ersten Großfeldbilder, bei denen die Maltechnik angewendet wurde, vielleicht das erste Mal. Louis und Noland sahen das Bild auf dem Boden ihres Ateliers aufrollen und gingen zurück nach Washington, DC. Sie arbeiteten eine Weile zusammen, um die Auswirkungen dieser Art von Malerei zu untersuchen.

Morris Louis ‚Gemälde Where 1960 war eine bedeutende Innovation, die die Malerei des abstrakten Expressionismus in eine neue Richtung in Richtung Farbfeld und Minimalismus führte. Zu Ludwigs Hauptwerken zählen seine verschiedenen Serien von Farbfeldgemälden. Einige seiner bekanntesten Serien sind die Unfurleds, die Veils, die Florals und die Stripes oder Pillars. Von 1929 bis 1933 studierte Louis am Maryland Institute of Fine und Applied Arts (heute Maryland Institute College of Art). Er arbeitete an verschiedenen Gelegenheitsjobs, um sich beim Malen zu ernähren, und war 1935 Präsident der Baltimore Artists ‚Association. Von 1936 bis 1940 lebte er in New York und arbeitete in der Staffeleiabteilung des Federal Art Project der Works Progress Administration.

In dieser Zeit kannte er Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros und Jack Tworkov, die 1940 nach Baltimore zurückkehrten. 1948 begann er mit der Verwendung von Magna – Acrylfarben auf Ölbasis. 1952 zog Louis nach Washington, DC, wo er etwas abseits der New Yorker Szene lebte und fast isoliert arbeitete. Er und eine Gruppe von Künstlern, zu denen Kenneth Noland gehörte, waren für die Entwicklung der Farbfeldmalerei von zentraler Bedeutung. Das Grundlegende an Louis ‚Werken und dem anderer Farbfeldmaler, die im Gegensatz zu den meisten anderen neuen Ansätzen der späten 1950er und frühen 1960er Jahre manchmal als Washington Color School bezeichnet werden, ist, dass sie die Idee, was den Look ausmacht, stark vereinfachten eines fertigen Gemäldes.

Kenneth Noland, der in Washington, DC, arbeitet, war in den späten 1950er Jahren auch ein Pionier der Farbfeldbewegung, die Serien als wichtige Formate für seine Gemälde verwendete. Einige der wichtigsten Serien von Noland hießen Targets, Chevrons and Stripes. Noland besuchte das experimentelle Black Mountain College und studierte Kunst in seinem Heimatstaat North Carolina. Noland studierte bei Professor Ilya Bolotowsky, der ihn mit dem Neoplastizismus und der Arbeit von Piet Mondrian bekannt machte. Dort studierte er auch Bauhaustheorie und Farbe bei Josef Albers und interessierte sich für Paul Klee, insbesondere für seine Sensibilität für Farbe. In den Jahren 1948 und 1949 arbeitete er mit Ossip Zadkine in Paris zusammen und lernte in den frühen 1950er Jahren Morris Louis in Washington, DC, kennen.

1970 sagte der Kunstkritiker Clement Greenberg:
Ich würde Pollock zusammen mit Hofmann und Morris Louis in diesem Land zu den größten Malern dieser Generation zählen. Ich glaube nicht, dass es in Europa jemanden der gleichen Generation gibt, der mit ihnen mithalten kann. Pollock mochte Hofmanns Gemälde nicht. Er konnte sie nicht erkennen. Er hat sich nicht die Mühe gemacht. Und Hofmann mochte weder Pollocks Allover-Gemälde, noch konnten die meisten Künstlerfreunde Pollocks Kopf oder Schwanz daraus machen, wie er es von 1947 bis 1950 getan hatte. Pollocks Bilder leben oder sterben jedoch im selben Kontext wie die von Rembrandt oder Tizian oder Velázquez oder Goya oder David oder … oder Manet oder Rubens oder Michelangelo. Es gibt keine Unterbrechung, hier gibt es keine Mutation.

Farbfeldbewegung
In den späten 1950er und frühen 1960er Jahren begannen junge Künstler, sich stilistisch vom abstrakten Expressionismus zu lösen. Experimentieren mit neuen Arten, Bilder zu machen; und neue Wege im Umgang mit Farbe und Farbe. In den frühen 1960er Jahren waren mehrere und verschiedene neue Bewegungen in der abstrakten Malerei eng miteinander verwandt und wurden oberflächlich zusammengefasst; obwohl sie sich auf lange Sicht als grundlegend anders herausstellten. Einige der neuen Stile und Bewegungen, die in den frühen 1960er Jahren als Reaktion auf den abstrakten Expressionismus auftraten, hießen: Washington Color School, Hard-Edge-Malerei, geometrische Abstraktion, Minimalismus und Color Field.

Gene Davis war auch ein Maler, der vor allem für Gemälde mit vertikalen Farbstreifen bekannt war, wie Black Grey Beat (1964), und er gehörte in den 1960er Jahren zur Gruppe der abstrakten Maler in Washington, DC, die als Washington Color School bekannt war. Die Washingtoner Maler gehörten zu den bekanntesten Farbfeldmalern der Mitte des Jahrhunderts.

Die mit der Colour Field-Bewegung in den 1960er-Jahren verbundenen Künstler wandten sich von Gesten und Ängsten zu Gunsten klarer Oberflächen und Gestalten. In den frühen bis mittleren 1960er Jahren bezeichnete Color Field Painting die Arbeiten von Künstlern wie Anne Truitt, John McLaughlin, Sam Francis, Sam Gilliam, Thomas Downing, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Friedel Dzubas, Jack Bush, Howard Mehring und Gene Davis, Mary Pinchot Meyer, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Robert Goodnough, Ray Parker, Al Held, Emerson Wölffer, David Simpson und andere, deren Werke früher mit dem abstrakten Expressionismus der zweiten Generation verwandt waren; und auch für jüngere Künstler wie Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Walter Darby Bannard und Frank Stella.

Obwohl Colour Field mit Clement Greenberg in Verbindung gebracht wird, bevorzugte Greenberg die Verwendung des Begriffs Post-Painterly Abstraction. Im Jahr 1964 kuratierte Clement Greenberg eine einflussreiche Ausstellung, die das Land bereiste und als postmalerische Abstraktion bezeichnet wurde. Die Ausstellung erweiterte die Definition der Farbfeldmalerei. Die Farbfeldmalerei zeigte deutlich eine neue Richtung in der amerikanischen Malerei, weg vom abstrakten Expressionismus. 2007 kuratierte die Kuratorin Karen Wilkin eine Ausstellung mit dem Titel Color As Field: American Painting 1950–1975, die in verschiedenen Museen in den USA gezeigt wurde. Die Ausstellung zeigte mehrere Künstler, die zwei Generationen von Farbfeldmalern repräsentierten.

1970 sagte der Maler Jules Olitski:
Ich weiß nicht, was Farbfeldmalerei bedeutet. Ich denke, es wurde wahrscheinlich von einem Kritiker erfunden, was in Ordnung ist, aber ich glaube nicht, dass der Ausdruck etwas bedeutet. Farbfeldmalerei? Ich meine, was ist Farbe? Malen hat mit vielen Dingen zu tun. Farbe gehört zu den Dingen, mit denen es zu tun hat. Es hat mit Oberfläche zu tun. Es hat mit Form zu tun, es hat mit Gefühlen zu tun, die schwerer zu erreichen sind.

Jack Bush war ein kanadischer Maler des abstrakten Expressionismus, der 1909 in Toronto, Ontario, geboren wurde. Er war Mitglied von Painters Eleven, einer Gruppe, die 1954 von William Ronald gegründet wurde, um die abstrakte Malerei in Kanada zu fördern, und wurde bald von den Amerikanern in seiner Kunst gefördert Kunstkritiker Clement Greenberg. Mit der Ermutigung von Greenberg wurde Bush eng mit zwei Bewegungen verbunden, die aus den Bemühungen der abstrakten Expressionisten hervorgingen: Farbfeldmalerei und lyrische Abstraktion. Sein Gemälde Big A ist ein Beispiel für seine Farbfeldmalerei der späten 1960er Jahre.

In den späten 1950er und frühen 1960er Jahren war Frank Stella eine bedeutende Figur in der Entstehung des Minimalismus, der postmalerischen Abstraktion und der Farbfeldmalerei. Seine geformten Leinwände der 1960er Jahre wie Harran II. Von 1967 revolutionierten die abstrakte Malerei. Eine der wichtigsten Eigenschaften von Stellas Gemälden ist die Verwendung von Wiederholungen. Seine Black Pin Stripe-Gemälde von 1959 erschreckten und schockierten eine Kunstwelt, die es nicht gewohnt war, monochrome und sich wiederholende Bilder zu sehen, die flach und fast ohne Beugung gemalt waren. In den frühen 1960er Jahren fertigte Stella mehrere Serien gekerbter Aluminiumbilder und geformter Kupferbilder an, bevor sie Ende der 1960er Jahre mehrfarbige und asymmetrisch geformte Leinwände fertigte. Frank Stellas Ansatz und seine Beziehung zur Farbfeldmalerei waren nicht permanent oder zentral für sein kreatives Schaffen.

In den späten 1960er Jahren begann Richard Diebenkorn seine Ocean Park-Serie; Sie entstanden in den letzten 25 Jahren seiner Karriere und sind wichtige Beispiele für Farbfeldmalerei. Die Ocean Park-Serie Ocean Park Nr. 129 verbindet seine früheren Werke des abstrakten Expressionismus mit der Farbfeldmalerei. In den frühen 1950er Jahren war Richard Diebenkorn als abstrakter Expressionist bekannt, und seine gestischen Abstraktionen standen der New York School in Bezug auf Sensibilität nahe, beruhten jedoch fest auf der Sensibilität des abstrakten Expressionismus in San Francisco. Ein Ort, an dem Clyfford Still durch seinen Unterricht am San Francisco Art Institute einen erheblichen Einfluss auf jüngere Künstler ausübt.

Mitte der 1950er Jahre gründete Richard Diebenkorn zusammen mit David Park, Elmer Bischoff und mehreren anderen die Bay Area Figurative School mit der Rückkehr zur figurativen Malerei. In der Zeit zwischen Herbst 1964 und Frühjahr 1965 reiste Diebenkorn durch ganz Europa, und ihm wurde ein Kulturvisum für den Besuch und die Besichtigung von Henri Matisse-Gemälden in wichtigen sowjetischen Museen erteilt. Er reiste in die damalige Sowjetunion, um Henri Matisse-Gemälde in russischen Museen zu studieren, die außerhalb Russlands nur selten zu sehen waren. Als er Mitte 1965 in die Bay Area zurückkehrte, fasste er mit seinen Arbeiten alles zusammen, was er in mehr als einem Jahrzehnt als führender figurativer Maler gelernt hatte. Als er 1967 zur Abstraktion zurückkehrte, verliefen seine Werke parallel zu Bewegungen wie der Colour Field-Bewegung und der Lyrical Abstraction, aber er blieb unabhängig von beiden.

In den späten 1960er Jahren begannen Larry Poons, dessen frühere Dot-Gemälde mit Op Art in Verbindung gebracht wurden, lockerere und freiformigere Gemälde zu produzieren, die als seine Lozenge Ellipse-Gemälde von 1967–1968 bezeichnet wurden. Zusammen mit John Hoyland, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronald Davis, Ronnie Landfield, John Seery, Pat Lipsky, Dan Christensen und mehreren anderen jungen Malern bildete sich eine neue Bewegung, die sich mit der Farbfeldmalerei befasste. letztendlich Lyrical Abstraction genannt. In den späten 1960er Jahren wandten sich die Maler der Oberflächenbeugung, der Darstellung im Weltraum sowie der malerischen Berührung und dem Umgang mit Farben zu und verschmolzen mit der Sprache der Farben. Unter einer neuen Generation von abstrakten Malern, die Farbfeldmalerei mit Expressionismus verband, begann die ältere Generation auch, neue Elemente komplexer Räume und Oberflächen in ihre Werke einfließen zu lassen.

In den 1970er Jahren schufen Poons dickhäutige, rissige und schwere Gemälde, die als Elefantenhautbilder bezeichnet wurden. während Christensen Schlaufen, farbige Linien und Kalligrafien über mehrfarbige Felder aus empfindlichem Grund sprühte; Ronnie Landfields gefärbte Bandgemälde spiegeln sowohl die chinesische Landschaftsmalerei als auch die Farbfeldsprache wider, und John Seerys gefärbtes Gemälde, wie es beispielsweise East 1973 in der National Gallery of Australia zeigt. Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox und einige andere schufen Gemälde, die die Farbfeldmalerei mit der lyrischen Abstraktion verbinden und die Betonung von Landschaft, Geste und Berührung erneut unterstreichen.

Überblick
Die Farbfeldmalerei ist verwandt mit der nachmalerischen Abstraktion, dem Suprematismus, dem abstrakten Expressionismus, der Malerei mit harten Kanten und der lyrischen Abstraktion. Es bezog sich zunächst auf eine bestimmte Art des abstrakten Expressionismus, insbesondere auf die Werke von Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb und mehrere Bildserien von Joan Miró. Der Kunstkritiker Clement Greenberg hat die Farbfeldmalerei als mit der Action-Malerei verwandt, aber anders wahrgenommen.

Ein wichtiger Unterschied, der die Farbfeldmalerei vom abstrakten Ausdruck unterschied, war der Umgang mit Farbe. Die grundlegendste Definitionstechnik für das Malen ist das Auftragen von Farbe, und die Farbfeldmaler revolutionierten die Art und Weise, wie Farbe effektiv aufgetragen werden kann.

Die Farbfeldmalerei wollte die Kunst von überflüssiger Rhetorik befreien. Künstler wie Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas und Frank Stella und andere verwendeten häufig stark reduzierte Formate, wobei die Zeichnung im Wesentlichen vereinfacht wurde, um sich wiederholende und regulierte Systeme, grundlegende Referenzen für die Natur und einen hoch artikulierten und psychologischen Umgang mit Farbe. Im Allgemeinen haben diese Künstler offenkundig erkennbare Bilder zugunsten der Abstraktion beseitigt. Einige Künstler zitierten Verweise auf vergangene oder gegenwärtige Kunst, aber im Allgemeinen präsentiert die Farbfeldmalerei die Abstraktion als Selbstzweck. Bei der Verfolgung dieser Richtung der modernen Kunst wollten diese Künstler jedes Gemälde als ein einheitliches, zusammenhängendes, monolithisches Bild darstellen, das häufig in Serien verwandter Typen vorkommt.

In Abgrenzung zur emotionalen Energie und gestischen Oberflächenmarkierungen und zum Umgang mit Farbe von Abstrakten Expressionisten wie Jackson Pollock und Willem de Kooning wirkte die Farbfeldmalerei zunächst kühl und streng. Farbfeldmaler heben die individuelle Note zugunsten großer, flacher, fleckiger und durchtränkter Farbflächen auf, die neben der eigentlichen Form der Leinwand als wesentlicher Bestandteil der visuellen Abstraktion gelten und die Frank Stella in ungewöhnlicher Weise mit Kombinationen erzielt hat von gekrümmten und geraden Kanten. Die Farbfeldmalerei hat sich jedoch als sowohl sinnlich als auch zutiefst ausdrucksstark erwiesen, wenn auch in anderer Weise als der gestische abstrakte Expressionismus. Mark Rothko leugnete die Verbindung zum Abstrakten Expressionismus oder einer anderen Kunstbewegung und sprach 1956 deutlich über seine Gemälde:
Ich bin kein Abstraktionist … Ich interessiere mich nicht für die Beziehung von Farbe oder Form oder irgendetwas anderem … Ich interessiere mich nur dafür, grundlegende menschliche Gefühle auszudrücken – Tragödie, Ekstase, Untergang und so weiter – und die Tatsache, dass Viele Menschen brechen zusammen und weinen, wenn sie mit meinen Bildern konfrontiert werden. Sie zeigen, dass ich diese grundlegenden menschlichen Emotionen kommuniziere. Die Menschen, die vor meinen Bildern weinen, haben die gleiche religiöse Erfahrung, die ich hatte, als ich sie gemalt habe. Und wenn Sie, wie Sie sagen, nur von ihren Farbbeziehungen bewegt werden, dann verpassen Sie den Punkt!

Fleckmalerei
Joan Miró war einer der ersten und erfolgreichsten Malermeister. Obwohl Ölflecken auf lange Sicht als gefährlich für Baumwolltuch galten, war Mirós Beispiel in den 1920er, 1930er und 1940er Jahren eine Inspiration und ein Einfluss auf die jüngere Generation. Einer der Gründe für den Erfolg der Farbfeldbewegung war die Färbetechnik. Künstler mischten und verdünnten ihre Farbe in Eimern oder Kaffeedosen, um eine flüssige Flüssigkeit zu erhalten, und gossen sie dann in rohe, nicht grundierte Leinwand, im Allgemeinen Baumwollente.

Die Farbe könnte auch aufgestrichen oder aufgerollt oder aufgeworfen oder aufgeschüttet oder aufgesprüht werden und würde sich in den Stoff der Leinwand ausbreiten. Im Allgemeinen zeichneten Künstler Formen und Bereiche, während sie befleckten. Viele verschiedene Künstler verwendeten das Färben als die Technik der Wahl, um ihre Bilder herzustellen. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins und Dutzende anderer Maler stellten fest, dass das Gießen und Färben die Tür für Innovationen und revolutionäre Methoden des Zeichnens und Ausdruckens von Bedeutung auf neue Weise öffnete. Die Zahl der Künstler, die in den 1960er Jahren befleckten, nahm mit der Verfügbarkeit von Acrylfarben stark zu. Das Einfärben von Acrylfarbe in den Stoff aus Baumwoll-Entenleinwand war für den Stoff der Leinwand harmloser und weniger schädlich als die Verwendung von Ölfarbe.

Als ich anfing, die Malereien zu machen, ließ ich große Bereiche der Leinwand unbemalt, denke ich, weil die Leinwand selbst so kraftvoll und positiv wirkte wie Farbe oder Linie oder Farbe. Mit anderen Worten, der eigentliche Boden war Teil des Mediums, so dass dieser Bereich keine Farbe benötigte, anstatt ihn als Hintergrund oder negativen Raum oder leere Stelle zu betrachten, da sich Farbe daneben befand. Die Sache war zu entscheiden, wo man es hinterlässt und wo man es füllt und wo man sagt, dass dies keine weitere Linie oder einen anderen Farbeimer benötigt. Es sagt es im Weltraum.

Spritzlackierung
Überraschenderweise verwendeten nur wenige Künstler die Spritzpistolen-Technik, um große Flächen und Farbfelder zu erzeugen, die in den 1960er und 1970er Jahren auf ihre Leinwände gesprüht wurden. Zu den Malern, die Sprühtechniken effektiv einsetzten, gehörte Jules Olitski, ein Pionier in seiner Sprühtechnik, die seine großen Gemälde Schicht für Schicht mit verschiedenen Farben bedeckte, wobei sich Farbton und Wert häufig allmählich in subtilen Schritten änderten. Eine weitere wichtige Neuerung war Dan Christensens Einsatz einer Sprühtechnik, die sich hervorragend für Schleifen und Bänder mit leuchtenden Farben eignet. Auf seine großformatigen Gemälde wurden klare kalligraphische Markierungen gesprüht. William Pettet, Richard Saba und Albert Stadler verwendeten die Technik, um mehrfarbige Felder in großem Maßstab zu erzeugen. während Kenneth Showell über zerknitterte Leinwände sprühte und eine Illusion von abstrakten Stillleben-Innenräumen schuf.

Streifen
Streifen waren eines der beliebtesten Farbmittel, das von verschiedenen Farbfeldmalern in verschiedenen Formaten verwendet wurde. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland und David Simpson machten alle wichtige Serien von Streifengemälden. Er nannte sie zwar keine Streifen, aber Reißverschlüsse. Barnett Newmans Streifen waren größtenteils vertikal, unterschiedlich breit und wurden sparsam verwendet. Bei Simpson und Noland waren ihre Streifenbilder größtenteils horizontal, während Gene Davis vertikale Streifenbilder und Morris Louis vertikale Streifenbilder malte, die manchmal als Säulen bezeichnet wurden. Jack Bush neigte dazu, sowohl horizontale als auch vertikale und eckige Streifen zu malen.

Magna malen
Magna, ein Spezialkünstler für Acrylfarben, wurde 1947 von Leonard Bocour und Sam Golden entwickelt und 1960 speziell für Morris Louis und andere Malerbeschmutzer der Farbfeldbewegung neu formuliert. In Magna werden Pigmente in einem Acrylharz mit Lösungsmitteln auf Alkoholbasis gemahlen. Im Gegensatz zu modernen Acrylfarben auf Wasserbasis ist Magna mit Terpentin oder Testbenzin mischbar und trocknet schnell zu einem matten oder glänzenden Finish. Es wurde ausgiebig von Morris Louis und Friedel Dzubas sowie vom Popkünstler Roy Lichtenstein genutzt. Magna-Farben sind lebendiger und intensiver als normale Acrylfarben auf Wasserbasis. Louis verwendete Magna in seiner Stripe-Serie, in der die Farben unverdünnt verwendet und ungemischt direkt aus der Dose gegossen werden.

Acrylfarbe
Der ehemalige Kurator des Metropolitan Museum of Art, Henry Geldzahler, sagte 1972:

Das Farbfeld wurde, merkwürdigerweise oder vielleicht auch nicht, genau zu dem Zeitpunkt, zu dem Acrylfarbe, die neue Plastikfarbe, entstand, zu einer brauchbaren Art zu malen. Es war, als ob der neue Anstrich eine neue Möglichkeit des Anstrichs verlangte, und die Maler kamen dazu. Ölfarbe mit einem ganz anderen Medium, das nicht auf Wasser basiert, hinterlässt immer einen Ölfleck oder eine Ölpfütze am Rand der Farbe. Acrylfarbe bleibt an ihrem eigenen Rand stehen. Zeitgleich mit der Erfindung dieser neuen Farbe kam die Farbfeldmalerei auf den Markt.

Acrylfarben wurden erstmals in den 1950er Jahren als mineralgeistbasierte Farben namens Magna von Leonard Bocour auf den Markt gebracht. Acrylfarben auf Wasserbasis wurden anschließend als „Latex“ -Hausfarben verkauft, obwohl in der Acryldispersion kein Latex aus einem Kautschukbaum verwendet wird. Innenfarben aus „Latex“ bestehen in der Regel aus einer Kombination von Bindemittel (manchmal Acryl, Vinyl, PVA und anderen), Füllstoff, Pigment und Wasser. Hausfarben aus „Latex“ für den Außenbereich können auch eine „Copolymer“ -Mischung sein, aber die allerbesten Farben auf Wasserbasis für den Außenbereich bestehen aus 100% Acryl.

Bald nach der Einführung der Acrylbindemittel auf Wasserbasis als Hausfarben begannen beide Künstler – die ersten waren mexikanische Wandmaler – und Unternehmen, das Potenzial der neuen Bindemittel zu erkunden. Acryl-Künstlerfarben können mit Wasser verdünnt und wie Aquarellfarben als Waschmittel verwendet werden, obwohl die Waschmittel nach dem Trocknen schnell und dauerhaft sind. Wasserlösliche Acrylfarben in Künstlerqualität wurden Anfang der 1960er Jahre von Liquitex und Bocour unter dem Handelsnamen Aquatec im Handel erhältlich. Wasserlösliches Liquitex und Aquatec erwiesen sich als ideal für Malfarben. Die Färbetechnik mit wasserlöslichen Acrylfarben ließ verdünnte Farben einsinken und in roher Leinwand festhalten. Maler wie Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis,

Vermächtnis: Einflüsse und beeinflusst
Das malerische Erbe der Malerei des 20. Jahrhunderts ist eine lange und verflochtene Hauptströmung von Einflüssen und komplexen Wechselbeziehungen. Die Verwendung großer, geöffneter, ausdrucksstarker Farbfelder, die in großzügigen malerischen Abschnitten aufgetragen werden, begleitet von losen Zeichnungen (vage lineare Flecken und / oder figurative Umrisse), ist erstmals in den Werken von Henri Matisse und Joan Miró aus dem frühen 20. Jahrhundert zu sehen. Matisse und Miró sowie Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky und Piet Mondrian beeinflussten direkt die Abstrakten Expressionisten, die Farbfeldmaler der nachmalenden Abstraktion und die lyrischen Abstraktionisten.

Amerikaner des späten 19. Jahrhunderts wie Augustus Vincent Tack und Albert Pinkham Ryder sowie frühe amerikanische Modernisten wie Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove und Milton Averys Landschaften stellten ebenfalls wichtige Präzedenzfälle dar und wirkten sich auf die Abstrakten Expressionisten aus. die Farbfeldmaler und die lyrischen Abstraktionisten. Henri Matisse malte French Window in Collioure und View of Notre Dame, beide von 1914, übten einen enormen Einfluss auf amerikanische Farbfeldmaler im Allgemeinen (einschließlich Robert Motherwells Open Series) und auf Richard Diebenkorns Ocean Park-Gemälde im Besonderen aus. Laut der Kunsthistorikerin Jane Livingston sah Diebenkorn beide Gemälde von Matisse 1966 in einer Ausstellung in Los Angeles und sie hatten einen enormen Einfluss auf ihn und seine Arbeit.

Es ist schwierig, dieser Erfahrung für die Richtung, in die seine Arbeit von diesem Zeitpunkt an verlief, kein enormes Gewicht beizumessen. Zwei Bilder, die er dort sah, hallten in fast jeder Ocean Park-Leinwand wider. Die 1914 gemalte Ansicht von Notre Dame und French Window in Collioure war zum ersten Mal in den USA zu sehen.

Livingston fährt fort, dass Diebenkorn French Window in Collioure als Offenbarung erlebt haben muss.

Joan Miró war einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Miró war Pionier der Färbetechnik. Erstellen von verschwommenen, mehrfarbigen, wolkigen Hintergründen in verdünnter Ölfarbe in den 1920er und 1930er Jahren; Darüber hinaus fügte er seine Kalligraphie, Zeichen und ein reichhaltiges Lexikon mit Wörtern und Bildern hinzu. Arshile Gorky bewunderte offen Mirós Werk und malte Miró-ähnliche Gorky-Gemälde, bevor er schließlich in den frühen 1940er Jahren seine eigene Originalität entdeckte. In den 1960er Jahren malte Miró große (im Maßstab des abstrakten Expressionismus) leuchtende Felder mit kräftig gebürsteter Farbe in Blau, Weiß und anderen monochromen Farbfeldern. mit verschwommenen schwarzen Kugeln und kalligraphischen steinähnlichen Formen, die nach dem Zufallsprinzip schweben. Diese Arbeiten ähnelten den Farbfeldgemälden der jüngeren Generation. Der Biograf Jacques Dupin sagte dies über Miró ‚

Diese Leinwände offenbaren Verwandtschaftsverhältnisse – Miró bestreitet dies keineswegs – mit den Forschungen einer neuen Malergeneration. Viele von ihnen, zum Beispiel Jackson Pollock, haben ihre Schuld gegenüber Miró anerkannt. Miró wiederum zeigt reges Interesse an ihrer Arbeit und verpasst nie eine Gelegenheit, sie zu ermutigen und zu unterstützen. Er hält es auch nicht für seine Würde, ihre Entdeckungen gelegentlich zu nutzen.

Die Colour Field-Bewegung, die sich am Beispiel anderer europäischer Modernisten wie Joan Miró orientiert, umfasst mehrere Jahrzehnte von der Mitte des 20. bis zum Beginn des 21. Jahrhunderts. Die Farbfeldmalerei umfasst tatsächlich drei verschiedene, aber verwandte Generationen von Malern. Häufig verwendete Begriffe, die sich auf die drei getrennten, aber verwandten Gruppen beziehen, sind Abstrakter Expressionismus, Nachmalerische Abstraktion und Lyrische Abstraktion. Einige der Künstler schufen Werke in allen drei Epochen, die sich auf alle drei Stile beziehen.

Farbfeldpioniere wie Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb und Robert Motherwell werden in erster Linie als abstrakte Expressionisten angesehen. Künstler wie Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski und Kenneth Noland stammten aus einer etwas jüngeren Generation oder waren im Fall von Morris Louis ästhetisch auf den Standpunkt dieser Generation ausgerichtet. das begann als abstrakte Expressionisten, wandte sich aber schnell der nachmalerischen Abstraktion zu. Während jüngere Künstler wie Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield und Dan Christensen mit der postmalerischen Abstraktion begannen und sich schließlich einer neuen Art von Expressionismus zuwandten, die als lyrische Abstraktion bezeichnet wurde. Viele der genannten Künstler, sowie viele andere,

In den späteren Phasen der Farbfeldmalerei; als reflexionen des zeitgeists der späten sechziger jahre (in denen sich alles zu lösen begann) und der angst des zeitalters (mit allen unsicherheiten der zeit) verschmolzen sie mit der gestalt der nachmalerischen abstraktion und erzeugten eine lyrische abstraktion, die präzision verband der Farbfeldsprache mit der malerischen der Abstrakten Expressionisten. Im gleichen Zeitraum der späten 1960er und frühen 1970er Jahre in Europa begannen auch Gerhard Richter, Anselm Kiefer und mehrere andere Maler, Werke von intensivem Ausdruck zu produzieren, Abstraktion mit Bildern zu verschmelzen, Landschaftsbilder und Figurationen zu integrieren, auf die sich die späten 1970er Jahre bezogen als Neo-Expressionismus.