La pintura de campo en color es un estilo de pintura abstracta que surgió en la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950. Se inspiró en el modernismo europeo y estaba estrechamente relacionado con el expresionismo abstracto, mientras que muchos de sus primeros defensores notables se encontraban entre los expresionistas abstractos pioneros. El campo de color se caracteriza principalmente por grandes campos de color plano y sólido distribuidos o teñidos en el lienzo, creando áreas de superficie ininterrumpida y un plano de imagen plano. El movimiento pone menos énfasis en los gestos, pinceladas y acciones en favor de una consistencia general de forma y proceso. En la pintura de campo de color «el color se libera del contexto objetivo y se convierte en el sujeto en sí mismo».
La pintura de campo de color, incluida la pintura de superficie de color, es una forma de expresión del arte contemporáneo, que se caracteriza por campos de color grandes y homogéneos llenos. Este movimiento artístico se desarrolló en Estados Unidos a mediados de la década de 1950 a partir del expresionismo abstracto. Mark Rothko, Barnett Newman (que teme al rojo, amarillo y azul) y Clyfford Still son importantes precursores y representantes de este estilo.
Las obras son en su mayoría de gran formato. A menudo, la pintura se aplica directamente al lienzo no imprimado (vaciado, vertido, rociado) sin el uso de utensilios de pintura clásicos y, por lo tanto, penetra directamente en la tela (técnica de manchado), bastante comparable a teñir una tela,
El término pintura de campo en color fue acuñado por el crítico de arte estadounidense Clement Greenberg, cuyo favorito era Jules Olitski. Otros representantes importantes de la pintura de campo en color (cuyos períodos creativos más importantes se pueden asignar a esta tendencia) son Morris Louis, Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Larry Poons, Sam Gilliam, Gene Davis, Friedel Dzubas, Wolfgang Hollegha, Jack Bush, Walter Darby Bannard, Thomas Downing, Howard Mehring y Paul Reed.
A fines de la década de 1950 y 1960, surgieron pintores de campo de color en partes de Gran Bretaña, Canadá, Australia y Estados Unidos, particularmente Nueva York, Washington, DC y otros lugares, utilizando formatos de rayas, blancos, patrones geométricos simples y referencias a imágenes del paisaje y a la naturaleza.
Caracteristicas
Este estilo se reconoce fácilmente por sus áreas planas de colores brillantes (a menudo dos o tres en un lienzo) moduladas por efectos de materia, medios tonos, contornos claros o fugaces … La profundidad se elimina porque estas áreas planas no admiten perspectiva y desarrollo en un plano. Se excluye toda figuración, el trabajo ignora la forma para conducir a una fase meditativa. El color, así liberado de sus funciones de localización y figurativas, se vuelve autónomo. En la pintura Colorfield, «el color se libera de su contexto objetivo y se convierte en el sujeto en sí mismo».
Orígenes
La definición se debe al crítico Clement Greenberg, quien la usó por primera vez en 1955. El campo de color está conectado con el suprematismo y, en parte, con la corriente desarrollada en los mismos años, el expresionismo abstracto. Los orígenes de la pintura de campo en color se remontan a la década de 1920, al artista ruso Kazimir Severinovič Malevič, exponente del suprematismo; En su poética, el arte tenía que ser la «supremacía de la forma», expresada a través de la pureza de los colores y las formas geométricas elementales.
La pintura de campo en color es un significado muy genérico por ser una corriente artística, dado que se manifiesta de maneras muy diferentes, dependiendo del país en el que se desarrolló. Por lo tanto, se puede dividir en dos tendencias principales: una, cuyo mayor exponente es Mark Rothko, en el que hubo una tendencia a usar contrastes entre diferentes campos de color. Las obras de Rothko se caracterizan por bandas de dos o tres colores contrastantes, representados como entidades gaseosas. Otra tendencia se refiere al estudio de un solo color y la búsqueda de monocromo.
El mejor artista de esta tendencia fue Yves Klein, quien profundizó sus estudios sobre el azul, hasta que patentó un tono particular, hoy llamado azul Klein. También destacan las investigaciones de artistas italianos como Lucio Fontana y Enrico Castellani, pertenecientes al movimiento espacialista, y a Piero Manzoni, que profundizó el tema de la ausencia de color, a través de una serie de obras llamadas Achrome. La revista fundada por el artista milanés, Azimuth, que profundizó la poética relacionada con los campos de color, fue de gran importancia.
Historia
El foco de atención en el mundo del arte contemporáneo comenzó a cambiar de París a Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial y el desarrollo del expresionismo abstracto estadounidense. A fines de la década de 1940 y principios de la década de 1950, Clement Greenberg fue el primer crítico de arte en sugerir e identificar una dicotomía entre las diferentes tendencias dentro del canon expresionista abstracto. En desacuerdo con Harold Rosenberg (otro importante defensor del expresionismo abstracto), quien escribió sobre las virtudes de la pintura de acción en su artículo «American Action Painters» publicado en la edición de diciembre de 1952 de ARTnews, Greenberg observó otra tendencia hacia el color o el color en general. Campo en las obras de varios de los llamados expresionistas abstractos de ‘primera generación’.
Mark Rothko fue uno de los pintores a los que Greenberg se refería como un pintor de Color Field, ejemplificado por Magenta, Black, Green on Orange, aunque el propio Rothko se negó a adherirse a ninguna etiqueta. Para Rothko, el color era «simplemente un instrumento». En cierto sentido, sus obras más conocidas, los «multiformes» y sus otras pinturas de firma, son, en esencia, la misma expresión, aunque sea de un significado más puro (o menos concreto o definible, según su interpretación), que es el de las mismas «emociones humanas básicas» que sus anteriores pinturas mitológicas surrealistas. Lo que es común entre estas innovaciones estilísticas es la preocupación por la «tragedia, el éxtasis y la fatalidad». Para 1958, cualquiera que sea la expresión espiritual que Rothko pretendiera retratar en el lienzo, se estaba volviendo cada vez más oscura. Sus rojos brillantes, Los amarillos y naranjas de principios de la década de 1950 se transformaron sutilmente en azules oscuros, verdes, grises y negros. Su serie final de pinturas de mediados de los años sesenta fue gris y negra con bordes blancos, paisajes aparentemente abstractos de un país inhóspito, desconocido, parecido a la tundra.
Rothko, a mediados de la década de 1940, se encontraba en medio de un período crucial de transición, y le habían impresionado los campos abstractos de color de Clyfford Still, influenciados en parte por los paisajes de Dakota del Norte natal de Still. En 1947, durante un semestre posterior enseñando en la Escuela de Bellas Artes de California (conocida hoy como el Instituto de Arte de San Francisco), Rothko y Still coquetearon con la idea de fundar su propio plan de estudios o escuela. Todavía se lo consideraba uno de los pintores más importantes de Color Field: sus pinturas no figurativas se preocupan en gran medida por la yuxtaposición de diferentes colores y superficies. Sus destellos de color irregulares dan la impresión de que una capa de color ha sido «arrancada» de la pintura, revelando los colores debajo, que recuerdan las estalactitas y las cavernas primordiales. Todavía’
Otro artista cuyas obras más conocidas se relacionan tanto con el expresionismo abstracto como con la pintura de campo de color es Robert Motherwell. El estilo de expresionismo abstracto de Motherwell, caracterizado por campos abiertos y abiertos de superficies pictóricas acompañadas de líneas y formas sueltas y medidas, fue influenciado tanto por Joan Miró como por Henri Matisse. Elegy to the Spanish Republic No. 110 (1971) de Robert Motherwell es el trabajo de un pionero de la pintura del expresionismo abstracto y del campo de color. La serie Elegy to The Spanish Republic de Robert Motherwell encarna ambas tendencias, mientras que la serie abierta de Motherwell de finales de los años sesenta, setenta y ochenta lo coloca firmemente dentro del campo Color Field. En 1970, Motherwell dijo: «A lo largo de mi vida, el pintor del siglo XX a quien más he admirado ha sido Matisse»,
Barnett Newman es considerado una de las principales figuras del expresionismo abstracto y uno de los pintores de campo de color más importantes. El trabajo maduro de Newman se caracteriza por áreas de color puro y plano separadas por delgadas líneas verticales, o «cremalleras» como las llamó Newman, ejemplificadas por Vir Heroicus Sublimis en la colección de MoMA. El propio Newman pensó que alcanzó su estilo completamente maduro con la serie Onement (de 1948) vista aquí. Las cremalleras definen la estructura espacial de la pintura mientras dividen y unen simultáneamente la composición. Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstractas, y muchas de ellas originalmente no tenían título, los nombres que luego les dio insinuaban temas específicos que se abordaban, a menudo con un tema judío. Dos pinturas de principios de la década de 1950, por ejemplo,
Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt y Arshile Gorky (en sus últimos trabajos) fueron algunos de los pintores expresionistas abstractos más destacados que Greenberg identificó como relacionados con la pintura de Color Field en Las décadas de 1950 y 1960.
Aunque Pollock está estrechamente asociado con la pintura de acción debido a su estilo, técnica y su «toque» pictórico y su aplicación física de la pintura, los críticos de arte han comparado a Pollock con la pintura de acción y la pintura de campo de color. Otra visión crítica presentada por Clement Greenberg conecta los lienzos de Pollock con los nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Greenberg, el crítico de arte Michael Fried y otros han observado que el sentimiento general en las obras más famosas de Pollock, sus pinturas por goteo, se leen como vastos campos de elementos lineales acumulados que a menudo se leen como vastos complejos de madejas de pintura de valor similar que se leen en todas partes. campos de color y dibujo,
El uso de Pollock de una composición completa brinda una conexión filosófica y física a la forma en que los pintores de campo de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies ininterrumpidas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas que Pollock pintó después de su clásico período de pintura por goteo de 1947–1950, utilizó la técnica de teñir pintura al óleo fluida y pintura de la casa en lienzos en bruto. Durante 1951 produjo una serie de pinturas de tintas negras semifigurativas, y en 1952 produjo pinturas de tintas con color. En su exposición de noviembre de 1952 en la Galería Sidney Janis de la ciudad de Nueva York, Pollock mostró el número 12, 1952, una pintura de manchas grande y magistral que se asemeja a un paisaje manchado de colores brillantes (con una superposición de pintura oscura ampliamente goteada); La pintura fue adquirida de la exposición de Nelson Rockefeller para su colección personal. En 1960, la pintura fue severamente dañada por un incendio en la Mansión de los Gobernadores en Albany que también dañó severamente una pintura de Arshile Gorky y varias otras obras en la colección Rockefeller. Sin embargo, en 1999 se había restaurado y se instaló en Albany Mall.
Si bien se considera que Arshile Gorky es uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y un surrealista, también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica de «tinción». Gorki creó amplios campos de colores vivos, abiertos e ininterrumpidos que utilizó en muchas de sus pinturas como motivos. En las pinturas más efectivas y exitosas de Gorki entre los años 1941 y 1948, usó consistentemente campos de color intensos y manchados, a menudo dejando que la pintura corriera y goteara, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas.
James Brooks es otro expresionista abstracto cuyas obras en la década de 1940 recuerdan las pinturas de manchas de las décadas de 1960 y 1970. Brooks usaba frecuentemente la tinción como técnica en sus pinturas de finales de la década de 1940. Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con los que verter, gotear y manchar en el lienzo en bruto en su mayoría que utilizó. Estas obras a menudo combinaban caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, el estilo de Sam Francis de expresionismo abstracto brillante a gran escala estuvo estrechamente asociado con la pintura de Color Field. Sus pinturas abarcaron ambos campos dentro de la rúbrica expresionista abstracta, la pintura de acción y la pintura de campo de color.
Después de haber visto las pinturas de Jackson Pollock en 1951 de pintura al óleo negra diluida teñida en lienzo crudo, Helen Frankenthaler comenzó a producir pinturas manchadas en variados colores al óleo sobre lienzo crudo en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y Mar (como se ve a continuación). Ella es una de las creadoras del movimiento Color Field que surgió a fines de la década de 1950. Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann.
Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de color como se ve en The Gate, 1959-1960. Hofmann fue reconocido no solo como artista, sino también como maestro de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en los Estados Unidos. Hofmann, quien llegó a los Estados Unidos desde Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del Modernismo. Hofmann era un joven artista que trabajaba en París y pintó allí antes de la Primera Guerra Mundial. Hofmann trabajó en París con Robert Delaunay y conoció de primera mano el trabajo innovador de Pablo Picasso y Henri Matisse. El trabajo de Matisse tuvo una enorme influencia en él y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y la potencialidad de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campo en color, y sus teorías fueron influyentes para los artistas y los críticos, en particular para Clement Greenberg, así como a otros durante las décadas de 1930 y 1940. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland fueron profundamente influenciados por las pinturas de manchas de Frankenthaler después de visitar su estudio en la ciudad de Nueva York. Al regresar a Washington, DC, comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento del campo de color a fines de la década de 1950.
En 1972, el curador del Museo Metropolitano de Arte Henry Geldzahler dijo:
Clement Greenberg incluyó el trabajo de Morris Louis y Kenneth Noland en un espectáculo que hizo en la Galería Kootz a principios de la década de 1950. Clem fue el primero en ver su potencial. Los invitó a Nueva York en 1953, creo que fue, al estudio de Helen para ver una pintura que acababa de hacer llamada Montañas y mar, una pintura muy, muy hermosa, que en cierto sentido, estaba fuera de Pollock y fuera de Gorki También fue una de las primeras imágenes de tinción, una de las primeras imágenes de campo grandes en las que se usó la técnica de tinción, quizás la primera. Louis y Noland vieron la imagen desenrollada en el piso de su estudio y volvieron a Washington, DC, y trabajaron juntos por un tiempo, trabajando en las implicaciones de este tipo de pintura.
La pintura de Morris Louis Where 1960, fue una gran innovación que impulsó la pintura expresionista abstracta en una nueva dirección hacia el campo de color y el minimalismo. Entre las principales obras de Louis se encuentran sus diversas series de pinturas de campo en color. Algunas de sus series más conocidas son Unfurleds, Veils, Florals and the Stripes o Pillars. De 1929 a 1933, Louis estudió en el Instituto de Bellas Artes y Artes Aplicadas de Maryland (ahora Maryland Institute College of Art). Trabajó en varios trabajos ocasionales para mantenerse mientras pintaba y en 1935 fue presidente de la Asociación de Artistas de Baltimore. De 1936 a 1940, vivió en Nueva York y trabajó en la división de caballete del Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras.
Durante este período, conoció a Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros y Jack Tworkov, regresando a Baltimore en 1940. En 1948, comenzó a usar Magna, pinturas acrílicas a base de aceite. En 1952, Louis se mudó a Washington, DC, viviendo allí un tanto apartado de la escena de Nueva York y trabajando casi de forma aislada. Él y un grupo de artistas que incluían a Kenneth Noland fueron fundamentales para el desarrollo de la pintura Color Field. El punto básico sobre el trabajo de Louis y el de otros pintores de Color Field, a veces conocidos como la Escuela de Color de Washington en contraste con la mayoría de los otros enfoques nuevos de fines de la década de 1950 y principios de 1960, es que simplificaron enormemente la idea de lo que constituye el aspecto de una pintura terminada.
Kenneth Noland, que trabajaba en Washington, DC, también fue pionero del movimiento del campo de color a fines de la década de 1950, y usó las series como formatos importantes para sus pinturas. Algunas de las principales series de Noland se llamaron Targets, Chevrons and Stripes. Noland asistió al Black Mountain College experimental y estudió arte en su estado natal de Carolina del Norte. Noland estudió con el profesor Ilya Bolotowsky, quien le presentó el neoplasticismo y el trabajo de Piet Mondrian. Allí también estudió teoría y color de Bauhaus con Josef Albers y se interesó en Paul Klee, específicamente su sensibilidad al color. En 1948 y 1949 trabajó con Ossip Zadkine en París, y a principios de la década de 1950 conoció a Morris Louis en Washington, DC.
En 1970, el crítico de arte Clement Greenberg dijo:
Colocaría a Pollock junto con Hofmann y Morris Louis en este país entre los pintores más grandes de esta generación. De hecho, no creo que haya alguien en la misma generación en Europa que pueda igualarlos. A Pollock no le gustaban las pinturas de Hofmann. No pudo distinguirlos. No se tomó la molestia de hacerlo. Y a Hofmann no le gustaban las pinturas de Pollock, ni la mayoría de los amigos artistas de Pollock podían sacarles la cabeza o la cola, las cosas que hizo de 1947 a 1950. Pero las pinturas de Pollock viven o mueren en el mismo contexto que las de Rembrandt o Titian o Velázquez o Goya o David o … o las de Manet o Ruben o Michelangelo. No hay interrupción, no hay mutación aquí.
Movimiento del campo de color
A fines de los años cincuenta y principios de los sesenta, los artistas jóvenes comenzaron a separarse estilísticamente del expresionismo abstracto; experimentar con nuevas formas de hacer fotos; y nuevas formas de manejar la pintura y el color. A principios de la década de 1960, varios y nuevos movimientos en la pintura abstracta estaban estrechamente relacionados entre sí, y superficialmente se clasificaron juntos; aunque resultaron ser profundamente diferentes a la larga. Algunos de los nuevos estilos y movimientos que aparecieron a principios de la década de 1960 como respuestas al expresionismo abstracto se llamaron: Washington Color School, pintura de vanguardia, abstracción geométrica, minimalismo y campo de color.
Gene Davis también fue un pintor conocido especialmente por pinturas de rayas verticales de color, como Black Gray Beat, 1964, y también fue miembro del grupo de pintores abstractos en Washington, DC durante la década de 1960 conocida como Washington Color School. Los pintores de Washington se encontraban entre los más destacados de los pintores de Color Field de mediados de siglo.
Los artistas asociados con el movimiento Color Field durante la década de 1960 se alejaron del gesto y la angustia en favor de superficies claras y gestalt. De principios a mediados de la década de 1960, la pintura de Color Field fue el término para el trabajo de artistas como Anne Truitt, John McLaughlin, Sam Francis, Sam Gilliam, Thomas Downing, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Friedel Dzubas, Jack Bush, Howard Mehring, Gene Davis, Mary Pinchot Meyer, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Robert Goodnough, Ray Parker, Al Held, Emerson Woelffer, David Simpson y otros cuyas obras estuvieron anteriormente relacionadas con el expresionismo abstracto de segunda generación; y también a artistas más jóvenes como Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, John Hoyland, Walter Darby Bannard y Frank Stella.
Aunque el campo de color está asociado con Clement Greenberg, Greenberg en realidad prefirió usar el término abstracción post-pictórica. En 1964, Clement Greenberg comisarió una exposición influyente que recorrió el país llamada abstracción post-pictórica. La exposición amplió la definición de pintura de campo en color. La pintura de Color Field apuntaba claramente hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, lejos del expresionismo abstracto. En 2007, la curadora Karen Wilkin fue curadora de una exposición llamada Color As Field: American Painting 1950–1975 que viajó a varios museos en todo Estados Unidos. La exposición mostró a varios artistas que representan a dos generaciones de pintores de Color Field.
En 1970, el pintor Jules Olitski dijo:
No sé qué significa la pintura de campo de color. Creo que probablemente fue inventado por algún crítico, lo cual está bien, pero no creo que la frase signifique nada. Pintura de campo de color? Quiero decir, ¿qué es el color? La pintura tiene que ver con muchas cosas. El color es una de las cosas con las que tiene que ver. Tiene que ver con la superficie. Tiene que ver con la forma, tiene que ver con los sentimientos a los que es más difícil llegar.
Jack Bush fue un pintor expresionista abstracto canadiense, nacido en Toronto, Ontario, en 1909. Fue miembro de Painters Eleven, el grupo fundado por William Ronald en 1954 para promover la pintura abstracta en Canadá, y pronto fue alentado en su arte por el estadounidense. crítico de arte Clement Greenberg. Con el aliento de Greenberg, Bush se unió estrechamente a dos movimientos que surgieron de los esfuerzos de los expresionistas abstractos: Color Field Painting y Lyrical Abstraction. Su pintura Big A es un ejemplo de sus pinturas de campo de color de finales de la década de 1960.
A finales de la década de 1950 y principios de la década de 1960, Frank Stella fue una figura importante en la aparición del minimalismo, la abstracción pospainteral y la pintura del campo de color. Sus lienzos con forma de la década de 1960 como Harran II, 1967, revolucionaron la pintura abstracta. Una de las características más importantes de las pinturas de Stella es su uso de la repetición. Sus pinturas de Black Pin Stripe de 1959 sorprendieron y conmocionaron a un mundo del arte que no estaba acostumbrado a ver imágenes monocromáticas y repetitivas, pintadas planas, casi sin inflexión. A principios de la década de 1960, Stella realizó varias series de Pinturas de aluminio con muescas y Pinturas de cobre con forma antes de hacer lienzos multicolores y de forma asimétrica de finales de la década de 1960. El enfoque y la relación de Frank Stella con la pintura de Color Field no fue permanente ni central en su producción creativa;
A finales de la década de 1960, Richard Diebenkorn comenzó su serie Ocean Park; creado durante los últimos 25 años de su carrera y son ejemplos importantes de pintura de campo en color. La serie Ocean Park, ejemplificada por Ocean Park No.129, conecta sus trabajos expresionistas abstractos anteriores con la pintura de campo Color. A principios de la década de 1950, Richard Diebenkorn era conocido como un expresionista abstracto, y sus abstracciones gestuales estaban cerca de la sensibilidad de la Escuela de Nueva York, pero firmemente basadas en la sensibilidad expresionista abstracta de San Francisco; un lugar donde Clyfford Still tiene una influencia considerable en artistas más jóvenes en virtud de su enseñanza en el Instituto de Arte de San Francisco.
A mediados de la década de 1950, Richard Diebenkorn junto con David Park, Elmer Bischoff y varios otros formaron la Escuela Figurativa del Área de la Bahía con un regreso a la pintura figurativa. Durante el período comprendido entre el otoño de 1964 y la primavera de 1965, Diebenkorn viajó por toda Europa, se le otorgó una visa cultural para visitar y ver las pinturas de Henri Matisse en importantes museos soviéticos. Viajó a la entonces Unión Soviética para estudiar pinturas de Henri Matisse en museos rusos que rara vez se veían fuera de Rusia. Cuando volvió a pintar en el Área de la Bahía a mediados de 1965, sus trabajos resultantes resumieron todo lo que había aprendido de su más de una década como un destacado pintor figurativo. Cuando en 1967 volvió a la abstracción, sus obras eran paralelas a movimientos como el movimiento del Campo de color y la Abstracción lírica, pero se mantuvo independiente de ambos.
A fines de la década de 1960, Larry Poons, cuyas primeras pinturas Dot se asociaron con Op Art, comenzó a producir pinturas más sueltas y de forma libre que se denominaron sus pinturas Lozenge Ellipse de 1967-1968. Junto con John Hoyland, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronald Davis, Ronnie Landfield, John Seery, Pat Lipsky, Dan Christensen y varios otros pintores jóvenes, comenzó a formarse un nuevo movimiento relacionado con la pintura de Color Field; finalmente llamado abstracción lírica. A fines de la década de 1960, los pintores recurrieron a la inflexión de la superficie, la representación del espacio profundo y el tacto pictórico y el manejo de la pintura fusionándose con el lenguaje del color. Entre una nueva generación de pintores abstractos que surgieron combinando pintura de campo de color con expresionismo, la generación anterior también comenzó a infundir nuevos elementos de espacio y superficie complejos en sus obras.
En la década de 1970, los Poons crearon pinturas de piel gruesa, agrietadas y pesadas denominadas pinturas de piel de elefante; mientras que Christensen roció bucles, redes de líneas de colores y caligrafía, a través de campos multicolores de suelos delicados; Las pinturas de bandas manchadas de Ronnie Landfield son reflejos tanto de la pintura de paisaje china como del lenguaje de Color Field, y de la pintura manchada de John Seery, como lo ejemplifica East, 1973, de la Galería Nacional de Australia. Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox y muchos otros crearon pinturas que unen la pintura de Color Field con Lyrical Abstraction y subrayan un nuevo énfasis en el paisaje, el gesto y el tacto.
Visión general
La pintura de campo de color está relacionada con la abstracción post-pictórica, el suprematismo, el expresionismo abstracto, la pintura de borde duro y la abstracción lírica. Inicialmente se refería a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente el trabajo de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y varias series de pinturas de Joan Miró. El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura de Color Field como algo relacionado pero diferente de la pintura de acción.
Una distinción importante que hizo que la pintura de campo de color fuera diferente de la expresión abstracta fue el manejo de la pintura. La técnica de definición fundamental más básica de la pintura es la aplicación de pintura y los pintores del campo de color revolucionaron la forma en que la pintura podría aplicarse de manera efectiva.
La pintura de Color Field buscó librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas y Frank Stella, y otros, a menudo utilizan formatos muy reducidos, con dibujos esencialmente simplificados a sistemas repetitivos y regulados, referencias básicas a la naturaleza, y un uso altamente articulado y psicológico del color. En general, estos artistas eliminaron las imágenes claramente reconocibles a favor de la abstracción. Ciertos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Al seguir esta dirección del arte moderno, estos artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica, a menudo dentro de series de tipos relacionados.
A diferencia de la energía emocional y las marcas superficiales gestuales y el manejo de la pintura de los expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Willem de Kooning, la pintura de Color Field inicialmente parecía ser fría y austera. Los pintores de campo de color borran la marca individual en favor de áreas de color grandes, planas, manchadas y empapadas, consideradas la naturaleza esencial de la abstracción visual junto con la forma real del lienzo, que Frank Stella en particular logró de maneras inusuales con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura de Color Field ha demostrado ser sensual y profundamente expresiva, aunque de manera diferente al expresionismo abstracto gestual. Negando la conexión con el expresionismo abstracto o cualquier otro movimiento artístico, Mark Rothko habló claramente sobre sus pinturas en 1956:
No soy un abstraccionista … No estoy interesado en la relación de color o forma o cualquier otra cosa … Solo estoy interesado en expresar emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, fatalidad, etc. y el hecho de que Muchas personas se desmoronan y lloran cuando se enfrentan a mis imágenes muestran que comunico esas emociones humanas básicas … Las personas que lloran antes de que mis imágenes tengan la misma experiencia religiosa que tuve cuando las pinté. Y si, como dices, solo te conmueven sus relaciones de color, ¡entonces pierdes el punto!
Pintura de manchas
Joan Miró fue uno de los primeros y más exitosos pintores de manchas. Aunque las manchas en aceite se consideraban peligrosas para el lienzo de algodón a largo plazo, el ejemplo de Miró durante las décadas de 1920, 1930 y 1940 fue una inspiración y una influencia para la generación más joven. Una de las razones del éxito del movimiento Color Field fue la técnica de tinción. Los artistas mezclan y diluyen su pintura en baldes o latas de café haciendo un líquido fluido y luego la vierten en lienzo crudo sin imprimar, generalmente pato de algodón.
La pintura también se puede aplicar con brocha, rodar, tirar, verter o rociar y se extenderá por la tela del lienzo. En general, los artistas dibujaban formas y áreas a medida que se manchaban. Muchos artistas diferentes emplearon la tinción como la técnica elegida para hacer sus pinturas. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins y docenas de otros pintores descubrieron que verter y manchar abrió la puerta a innovaciones y métodos revolucionarios de dibujar y expresar significado de nuevas maneras. El número de artistas que se tiñeron en la década de 1960 aumentó enormemente con la disponibilidad de pintura acrílica. La tinción de pintura acrílica en la tela del lienzo de pato de algodón fue más benigna y menos dañina para la tela del lienzo que el uso de pintura al óleo.
Creo que cuando comencé a pintar con tintes, dejé grandes áreas de lienzo sin pintar, porque el lienzo en sí actuaba con tanta fuerza y tan positivamente como la pintura, la línea o el color. En otras palabras, el suelo mismo era parte del medio, de modo que en lugar de pensarlo como fondo o espacio negativo o un lugar vacío, esa área no necesitaba pintura porque tenía pintura al lado. La cuestión era decidir dónde dejarlo y dónde llenarlo y dónde decir que esto no necesita otra línea u otro cubo de colores. Lo dice en el espacio.
Pintura con pistola
Sorprendentemente, pocos artistas utilizaron la técnica de la pistola pulverizadora para crear grandes extensiones y campos de color rociados en sus lienzos durante las décadas de 1960 y 1970. Algunos pintores que utilizaron efectivamente las técnicas de pintura en aerosol incluyen a Jules Olitski, quien fue pionero en su técnica de pulverización que cubrió sus grandes pinturas con capas tras capas de diferentes colores, a menudo cambiando gradualmente el tono y el valor en una progresión sutil. Otra innovación importante fue el uso de Dan Christensen de una técnica de pulverización con gran efecto en lazos y cintas de colores brillantes; rociado en marcas claras y caligráficas en sus pinturas a gran escala. William Pettet, Richard Saba y Albert Stadler, utilizaron la técnica para crear campos a gran escala de varios colores; mientras Kenneth Showell rocía sobre lienzos arrugados y creaba una ilusión de interiores abstractos de naturaleza muerta.
Rayas
Las rayas fueron uno de los vehículos más populares para el color utilizado por varios pintores de diferentes campos de color en una variedad de formatos diferentes. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland y David Simpson, todos hicieron series importantes de pinturas a rayas. Aunque no las llamó rayas, las cremalleras de Barnett Newman eran en su mayoría verticales, de diferentes anchos y poco utilizadas. En el caso de Simpson y Noland, sus pinturas de rayas eran en su mayoría horizontales, mientras que Gene Davis pintó pinturas de rayas verticales y Morris Louis pintó principalmente pinturas de rayas verticales a veces llamadas Pilares. Jack Bush tendía a hacer pinturas de rayas horizontales y verticales, así como angulares.
Pintura magna
Magna, un artista especial que utiliza pintura acrílica, fue desarrollada por Leonard Bocour y Sam Golden en 1947 y reformulada en 1960, específicamente para Morris Louis y otros pintores del movimiento del campo de color. En Magna, los pigmentos se muelen en una resina acrílica con solventes a base de alcohol. A diferencia de los acrílicos modernos a base de agua, Magna es miscible con aguarrás o alcoholes minerales y se seca rápidamente hasta obtener un acabado mate o brillante. Fue utilizado ampliamente por Morris Louis y Friedel Dzubas y también por el artista pop Roy Lichtenstein. Los colores Magna son más vívidos e intensos que las pinturas acrílicas a base de agua. Louis usó Magna con gran efecto en su Serie Stripe, donde los colores se usan sin diluir y se vierten sin mezclar directamente de la lata.
Pintura acrilica
En 1972, el ex curador del Museo Metropolitano de Arte Henry Geldzahler dijo:
El campo de color, curiosamente o tal vez no, se convirtió en una forma viable de pintar exactamente en el momento en que surgió la pintura acrílica, la nueva pintura plástica. Era como si la nueva pintura exigiera una nueva posibilidad en la pintura, y los pintores llegaron a ella. La pintura al óleo, que tiene un medio que es bastante diferente, que no es a base de agua, siempre deja una mancha de aceite, o un charco de aceite, alrededor del borde del color. La pintura acrílica se detiene en su propio borde. La pintura de campo en color llegó al mismo tiempo que la invención de esta nueva pintura.
Los acrílicos se comercializaron por primera vez en la década de 1950 como pinturas a base de alcohol mineral llamadas Magna ofrecidas por Leonard Bocour. Las pinturas acrílicas a base de agua se vendieron posteriormente como pinturas para el hogar «látex», aunque la dispersión acrílica no utiliza látex derivado de un árbol de caucho. Las pinturas para el hogar de látex para interiores tienden a ser una combinación de aglutinante (a veces acrílico, vinilo, pva y otros), relleno, pigmento y agua. Las pinturas para exteriores «de látex» para el hogar también pueden ser una mezcla de «copolímero», pero las mejores pinturas para exteriores a base de agua son 100% acrílicas.
Poco después de que los aglutinantes acrílicos a base de agua se introdujeran como pinturas de casas, ambos artistas, el primero de los cuales eran muralistas mexicanos, y las compañías comenzaron a explorar el potencial de los nuevos aglutinantes. Las pinturas de artistas acrílicos pueden diluirse con agua y usarse como lavados a la manera de las pinturas de acuarela, aunque los lavados son rápidos y permanentes una vez secos. Las pinturas acrílicas de calidad artística solubles en agua se comercializaron a principios de la década de 1960, ofrecidas por Liquitex y Bocour bajo el nombre comercial de Aquatec. Liquitex y Aquatec solubles en agua demostraron ser ideales para pintar con tintas. La técnica de tinción con acrílicos solubles en agua hizo que los colores diluidos se hundieran y se aferraran al lienzo en bruto. Pintores como Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis,
Legado: influencias e influencia
El legado pictórico de la pintura del siglo XX es una corriente principal larga e interrelacionada de influencias e interrelaciones complejas. El uso de grandes campos abiertos de color expresivo aplicado en generosas porciones pictóricas, acompañado de dibujos sueltos (puntos lineales vagos y / o contorno figurativo) se puede ver por primera vez en las obras de principios del siglo XX de Henri Matisse y Joan Miró. Matisse y Miró, así como Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky y Piet Mondrian influyeron directamente en los expresionistas abstractos, los pintores del campo de color de la abstracción post-pictórica y los abstraccionistas líricos.
Los estadounidenses de finales del siglo XIX, como Augustus Vincent Tack y Albert Pinkham Ryder, junto con los primeros modernistas estadounidenses como Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove y Milton Avery, también proporcionaron precedentes importantes y fueron influencias en los expresionistas abstractos, los pintores del Campo de color y los abstraccionistas líricos. Henri Matisse pinta French Window en Collioure, y View of Notre Dame, desde 1914, ejerció una tremenda influencia en los pintores de American Color Field en general (incluida la serie abierta de Robert Motherwell) y específicamente en las pinturas de Richard Diebenkorn en Ocean Park. Según la historiadora de arte Jane Livingston, Diebenkorn vio ambas pinturas de Matisse en una exposición en Los Ángeles en 1966, y tuvieron un enorme impacto en él y su trabajo.
Es difícil no atribuir un enorme peso a esta experiencia por la dirección que tomó su trabajo a partir de ese momento. Dos imágenes que vio allí reverberan en casi todos los lienzos de Ocean Park. La vista de Notre Dame y French Window en Collioure, ambas pintadas en 1914, se vieron por primera vez en los Estados Unidos.
Livingston continúa diciendo que Diebenkorn debe haber experimentado French Window en Collioure, como una epifanía.
Joan Miró fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Miró fue pionero en la técnica de tinción; creando fondos nublados borrosos y multicolores en pintura al óleo diluida durante las décadas de 1920 y 1930; Además de eso, agregó su caligrafía, caracteres y abundante léxico de palabras e imágenes. Arshile Gorky admiraba abiertamente el trabajo de Miró y pintaba cuadros de Gorky como Miró, antes de descubrir finalmente su propia originalidad a principios de la década de 1940. Durante la década de 1960, Miró pintó grandes (radiantes expresionistas) campos radiantes de pintura vigorosamente cepillada en azul, blanco y otros campos de colores monocromáticos; con orbes negros borrosos y formas caligráficas en forma de piedra, flotando al azar. Estas obras se parecían a las pinturas de Color Field de la generación más joven. El biógrafo Jacques Dupin dijo esto sobre Miró ‘
Estos lienzos revelan afinidades (Miró no intenta negarlo en lo más mínimo) con las investigaciones de una nueva generación de pintores. Muchos de estos, Jackson Pollock, reconocieron su deuda con Miró. Miró a su vez muestra un vivo interés en su trabajo y nunca pierde la oportunidad de alentarlos y apoyarlos. Tampoco considera que, debajo de su dignidad, use sus descubrimientos en algunas ocasiones.
Tomando su ejemplo de otros modernistas europeos como Joan Miró, el movimiento Color Field abarca varias décadas desde mediados del siglo XX hasta principios del siglo XXI. La pintura de campo de color en realidad abarca tres generaciones separadas pero relacionadas de pintores. Los términos que se usan comúnmente para referirse a los tres grupos separados pero relacionados son el expresionismo abstracto, la abstracción post-pictórica y la abstracción lírica. Algunos de los artistas hicieron obras en las tres épocas, que se relacionan con los tres estilos.
Los pioneros de Color Field como Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Robert Motherwell son considerados principalmente como expresionistas abstractos. Artistas como Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski y Kenneth Noland eran de una generación ligeramente más joven, o en el caso de Morris Louis, estéticamente alineados con el punto de vista de esa generación; que comenzó como expresionistas abstractos, pero rápidamente se trasladó a la abstracción post-pictórica. Mientras que artistas más jóvenes como Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, comenzaron con la abstracción post-pictórica y finalmente avanzaron hacia un nuevo tipo de expresionismo, conocido como abstracción lírica. Muchos de los artistas mencionados, así como muchos otros,
Durante las fases posteriores de la pintura del campo de color; como reflejos del espíritu de la época de finales de la década de 1960 (en el que todo comenzó a aflojarse) y la angustia de la época (con todas las incertidumbres de la época) se fusionó con la gestalt de la abstracción post-pictórica, produciendo la abstracción lírica que combinaba precisión del lenguaje de Color Field con el malerische de los expresionistas abstractos. Durante el mismo período de fines de la década de 1960 y principios de la década de 1970 en Europa, Gerhard Richter, Anselm Kiefer y varios otros pintores también comenzaron a producir obras de expresión intensa, fusionando la abstracción con imágenes, incorporando imágenes de paisajes y figuraciones que a fines de la década de 1970 fueron referidas. como Neo-expresionismo.