컬러 필드 페인팅은 1940 년대와 1950 년대에 뉴욕시에서 등장한 추상 회화 스타일입니다. 그것은 유럽의 근대주의에서 영감을 받았으며 추상 표현주의와 밀접한 관련이 있었으며, 초기의 많은 지지자들은 선구적인 추상 표현 주의자 중 하나였습니다. 컬러 필드는 주로 캔버스 전체에 퍼지거나 스테인드 된 넓은 단색의 넓은 필드를 특징으로하며, 표면이 깨지지 않고 평평한 그림 평면을 만듭니다. 움직임은 형태와 과정의 전반적인 일관성을 위해 제스처, 붓질 및 행동에 덜 중점을 둡니다. 컬러 필드 페인팅에서 “컬러는 객관적인 맥락에서 자유롭고 주제 자체가됩니다.”

컬러 표면 페인팅을 포함한 컬러 필드 페인팅은 현대 미술 표현의 한 형태로, 크고 균일 한 컬러 필드가 채워져 있습니다. 이 예술 운동은 1950 년대 중반 추상 표현주의에서 미국에서 발전했습니다. Mark Rothko, Barnett Newman (빨강, 노랑, 파랑을 두려워하는 사람) 및 Clyfford 아직도이 스타일의 중요한 선구자이자 대표자입니다.

작품은 대부분 큰 형식입니다. 종종 페인트는 고전적인 그림 도구를 사용하지 않고 프라이밍되지 않은 캔버스에 직접 적용되어 (포장, 뿌려 짐, 뿌려 짐) 직물에 직접 침투합니다 (담금 염색 기술). 직물을 염색하는 것과 상당히 유사합니다.

컬러 필드 페인팅이라는 용어는 미국 미술 비평가 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)가 만든 것으로 Jules Olitski가 가장 좋아했습니다. 컬러 필드 페인팅의 다른 중요한 대표자 (이 트렌드에 가장 중요한 창작 기간을 지정할 수 있음)는 Morris Louis, Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Larry Poons, Sam Gilliam, Gene Davis, Friedel Dzubas, Wolfgang Hollegha, Jack Bush, Walter Darby Bannard, Thomas Downing, Howard Mehring 및 Paul Reed.

1950 년대 후반과 1960 년대에 영국, 캐나다, 호주 및 미국의 일부 지역, 특히 뉴욕, 워싱턴, DC 등에서 컬러 필드 페인터가 줄무늬, 대상, 간단한 기하학적 패턴 및 풍경 이미지와 자연.

형질
이 스타일은 물질, 반음, 선명하거나 삐걱 거리는 등고선의 영향으로 조절되는 밝은 색상의 평평한 영역 (보통 캔버스에서 2 ~ 3 개)으로 쉽게 인식됩니다.이 평평한 영역은 인정하지 않기 때문에 깊이가 사라집니다. 하나의 평면에서 관점과 발전. 모든 형상이 배제되고, 작품은 명상 단계로 이어지는 형태를 무시합니다. 따라서 색상은 국소화 및 비 유적 기능에서 벗어나 자율화됩니다. 컬러 필드 페인팅에서 “컬러는 객관적인 맥락에서 벗어나고 그 자체가 주제가됩니다”.

태생
그 정의는 1955 년에 처음으로 그것을 사용했던 비평가 Clement Greenberg에 기인합니다. 컬러 필드는 Suprematism과 연결되어 있으며, 같은 해에 추상 표현주의와 현재 발전해 왔습니다. 칼라 필드 페인팅의 기원은 1920 년대, 러시아 예술가 카지미르 세 베리 노 비치 말레비치 (Kazimir Severinovič Malevič), 초 우주론의 지수로 거슬러 올라갑니다. 그의 시학에서 예술은 색의 순도와 기본 기하학적 형태를 통해 표현 된 “형태의 최고”여야했다.

컬러 필드 페인팅은 개발 한 국가에 따라 매우 다른 방식으로 나타납니다는 점에서 예술적 현재가되는 매우 일반적인 의미입니다. 따라서 두 가지 주요 트렌드로 나눌 수 있습니다. 하나는 마크 로스코 (Mark Rothko)이며 가장 큰 지수는 서로 다른 색상 필드간에 대비를 사용하는 경향이있었습니다. Rothko의 작품은 사실 기체 엔티티로 표현되는 2 개 또는 3 개의 대조되는 색상의 밴드로 특징 지어집니다. 또 다른 추세는 단색에 대한 연구와 단색에 대한 검색입니다.

이 트렌드의 가장 위대한 예술가는 이브 클라인 (Yves Klein)이었는데, 그는 오늘날 블루 클라인 (Blue Klein)이라고 불리는 특정 그늘을 특허 할 때까지 블루에 대한 연구를 심화 시켰습니다. 공간주의 운동에 속하는 Lucio Fontana와 Enrico Castellani와 같은 이탈리아 예술가와 Achrome이라는 일련의 작품을 통해 색이 없다는 주제를 심화시킨 Piero Manzoni에 대한 연구도 주목할 만하다. 컬러 필드와 관련된 시학을 심화시킨 밀라노 예술가 아지 무스 (Azimuth)가 창간 한 잡지는 매우 중요했습니다.

역사
제 2 차 세계 대전과 미국 추상 표현주의의 발전으로 현대 미술의 세계에서 주목의 초점이 파리에서 뉴욕으로 바뀌기 시작했습니다. 1940 년대 후반과 1950 년대 초반 Clement Greenberg는 추상 표현주의 캐논 내에서 서로 다른 경향 사이의 이분법을 제안하고 확인한 최초의 예술 비평가였습니다. ARTnews의 1952 년 12 월호에 실린 그의 기사 “American Action Painters”에서 액션 페인팅의 미덕을 쓴 Harold Rosenberg (Abstract Expressionism의 또 다른 중요한 챔피언)와 관련하여 Greenberg는 전색 또는 컬러에 대한 또 다른 경향을 관찰했습니다. 소위 ‘제 1 세대’추상 표현 주의자들의 작품 분야.

마크 로스코 (Mark Rothko)는 그린버그가 마젠타 (Black Magn), 블랙 (Black), 그린 (Green)을 오렌지 (Orange)로 예시 한 컬러 필드 (Color Field) 화가라고 언급 한 화가 중 한 명입니다. Rothko에게 색상은 “단지 악기”였습니다. 어떤 의미에서, 그의 가장 잘 알려진 작품들 ( “멀티 폼”과 그의 다른 서명 그림들)은 본질적으로 동일한 표현이지만 순수한 (또는 해석에 따라 덜 구체적이거나 정의 할 수없는) 수단 중 하나입니다. 그의 초기 초현실적 신화 그림과 같은 “기본 인간의 감정”. 이러한 문체 혁신 중에서 공통적 인 것은 “비극, 엑스터시 및 운명”에 대한 관심사입니다. 1958 년 Rothko가 캔버스에 묘사 한 영적 표현이 어두워지면서 점점 어두워지고있었습니다. 그의 밝은 빨강 1950 년대 초의 노랑과 오렌지는 진한 파란색, 녹색, 회색 및 검은 색으로 미묘하게 변형되었습니다. 1960 년대 중반의 그의 마지막 그림은 회색이며, 흰색 테두리가있는 검은 색으로 끝없는 황량하고 툰드라와 같은 알려지지 않은 나라의 추상적 풍경으로 보입니다.

Rothko는 1940 년대 중반 중요한 전환기의 한가운데에 있었으며 Clyfford Still의 추상적 인 색채 분야에 깊은 인상을 받았으며 이는 Still의 원주민 노스 다코타 풍경에 영향을 받았습니다. 1947 년, 캘리포니아 미술 대학 (오늘 샌프란시스코 예술 연구소로 알려짐)에서 다음 학기 동안 강의를하면서 Rothko는 여전히 자신의 커리큘럼 또는 학교를 설립한다는 생각에 시달렸습니다. 여전히 최고의 Color Field 화가 중 한 명으로 여겨졌습니다. 그의 비 피겨 그림은 주로 다양한 색상과 표면의 병치에 관한 것입니다. 그의 들쭉날쭉 한 섬광은 그림의 한 층의 층이 그림에서 “찢어졌다”는 인상을주고, 그 아래의 색은 종유석과 원시 동굴을 연상시킵니다. 아직도’

가장 잘 알려진 작품은 추상 표현주의와 컬러 필드 페인팅과 관련이 있습니다. Robert Motherwell입니다. 느슨하게 그려지고 측정 된 선과 모양과 함께 느슨하게 열린 회화 표면의 필드를 특징으로하는 Motherwell의 추상 표현주의는 Joan Miró와 Henri Matisse의 영향을 받았습니다. 로버트 마더 웰 (Robert Motherwell)의 스페인 공화국 번호 110 (1971)에 대한 우아함은 추상 표현주의와 컬러 필드 페인팅의 개척자 작품입니다. Robert Motherwell의 Elegy to the Spain Republic 시리즈는 두 가지 경향을 모두 구현하는 반면, 1960 년대 후반, 1970 년대 및 1980 년대의 Motherwell의 Open Series는 그를 Color Field 캠프에 확실하게 배치했습니다. 1970 년에 머더 웰은 “내 인생을 통틀어 내가 가장 존경했던 20 세기 화가는 마티스”라고 말했다.

Barnett Newman은 추상 표현주의의 주요 인물 중 하나이며 최고의 컬러 필드 화가 중 하나입니다. Newman의 성숙한 작품은 순수한 수직선과 얇은 수직선으로 분리 된 색상 영역, 또는 Newman이 지칭한 “지퍼 (zip)”를 특징으로합니다. 뉴먼은 자신이 여기에서 본 Onement 시리즈 (1948 년)를 통해 완전히 성숙한 스타일에 도달했다고 생각했습니다. 지퍼는 구성을 나누고 동시에 결합하면서 그림의 공간 구조를 정의합니다. 뉴먼의 그림은 순전히 추상적 인 것으로 보이지만 많은 작품이 원래 제목이 없었지만, 나중에 그가 부여한 이름은 특정 주제, 종종 유태인 주제로 다루어지는 주제를 암시했습니다. 예를 들어 1950 년대 초의 두 그림

Jackson Pollock, Adolph Gottlieb, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt 및 Arshile Gorky (마지막 작품)는 Greenberg가 컬러 필드 페인팅에 연결된 것으로 알려진 추상 표현주의 화가 중 한 명입니다. 1950 년대와 1960 년대

폴락은 그의 스타일, 기법, 회화적인 ‘터치’및 페인트의 물리적 적용으로 인해 액션 페인팅과 밀접한 관련이 있지만, 예술 비평가들은 Pollock을 액션 페인팅과 컬러 필드 페인팅 모두에 비유했습니다. Clement Greenberg가 개선 한 또 다른 중요한 견해는 Pollock의 모든 캔버스를 1920 년대에 수행 된 대규모 Claude Monet 수련에 연결합니다. 그린버그, 예술 평론가 마이클 프리드 (Michael Fried) 등은 폴록의 가장 유명한 작품 인 드립 페인팅 (Drip Paintings)의 전반적인 느낌이 광범위한 선형 형태의 선형 요소로 읽히는 경우가 많으며, 전체적으로 읽히는 유사한 값을 갖는 페인트 타래의 광대 한 복합물로 읽히는 경우가 많다는 사실을 발견했습니다 색깔과 그림의 분야,

Pollock은 전체 구성을 사용하여 Newman, Rothko 및 Still과 같은 색상 필드 화가가 파손되지 않은 스틸 표면을 손상시키지 않는 방식과 철학적으로 물리적으로 연결되었습니다. 폴락은 1947 ~ 1950 년의 고전적인 드립 페인팅 기간 이후에 그린 몇 가지 그림에서 유체 오일 페인트와 하우스 페인트를 원시 캔버스에 염색하는 기술을 사용했습니다. 그는 1951 년에 일련의 반 추상적 인 검은 얼룩 그림을, 1952 년에는 색을 사용하여 얼룩 그림을 만들었습니다. 1952 년 뉴욕시 시드니 자니스 갤러리 (Sidney Janis Gallery)에서 열린 전시회에서 폴락은 1952 년 12 호를 밝게 채색 된 얼룩진 풍경과 유사한 크고 명료 한 얼룩 그림을 보여주었습니다. 이 그림은 넬슨 록펠러 (Johnson Rockefeller)의 개인 소장품 전시회에서 얻은 것입니다. 1960 년에이 그림은 알바니에있는 주지사 저택에서 화재로 심각하게 손상되었으며, 이로 인해 Arshile Gorky 그림과 록펠러 컬렉션의 다른 여러 작품도 심각하게 손상되었습니다. 그러나 1999 년에이 제품은 복원되어 Albany Mall에 설치되었습니다.

Arshile Gorky는 추상 표현주의와 초현실주의의 창시자 중 한 사람으로 여겨지지만, ‘염색’기법을 사용한 뉴욕 스쿨의 최초 화가 중 한 사람이기도합니다. 고르 키 (Gorky)는 자신의 많은 그림에서 근거로 사용하는 생생하고 개방적이고 깨지지 않는 넓은 색상의 필드를 만들었습니다. 1941 년에서 1948 년 사이에 고르 키의 가장 효과적이고 성취 된 그림에서 그는 강렬한 스테인드 컬러 필드를 일관되게 사용하여 종종 유기적, 생체 적 형태와 섬세한 선의 친숙한 어휘 아래에서 페인트를 흘리거나 흘릴 수있었습니다.

1940 년대와 1960 년대와 1970 년대의 스테인 페인팅을 생각 나게하는 또 다른 추상 표현주의자는 제임스 브룩스입니다. 브룩스 (Brooks)는 1940 년대 후반부터 회화에서 기법으로 자주 스테인을 사용했습니다. Brooks는 자신이 사용한 대부분의 원시 캔버스에 붓고 물기를 뿌리고 물들이는 유체 색을 갖기 위해 오일 페인트를 희석하기 시작했습니다. 이 작품들은 종종 서예와 추상적 모양을 결합했습니다. 그의 경력의 마지막 30 년 동안, Sam Francis의 대규모 밝은 추상 표현주의 스타일은 컬러 필드 페인팅과 밀접한 관련이있었습니다. 그의 그림은 추상 표현주의 루 브릭, 액션 페인팅 및 컬러 필드 페인팅 내에서 두 캠프를 모두 차지했습니다.

잭슨 폴락 (Jackson Pollock)의 1951 년 얇고 검은 유성 페인트가 원시 캔버스에 묻은 것을 보았을 때, Helen Frankenthaler는 1952 년에 원시 캔버스에 다양한 유채 색으로 스테인 페인팅을 시작했습니다. 그 당시 가장 유명한 그림은 산과 바다입니다 (아래 참조). 그녀는 1950 년대 후반에 등장한 Color Field 운동의 창시자 중 한 사람입니다. Frankenthaler는 Hans Hofmann 과도 연구했습니다.

호프만의 그림은 1959 년에서 1960 년까지 The Gate에서 볼 수 있듯이 색의 교향곡입니다. 호프만은 1930 년대 초 독일에서 미국으로 온 호프만 (Hofmann)과 모국어 독일에서 예술가뿐만 아니라 예술 교사로도 유명했다. 호프만은 1 차 세계 대전 이전에 파리에서 일한 젊은 예술가였으며, 파리에서 로버트 들로네 (Robert Delaunay)와 함께 일했으며 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 헨리 마티스 (Henri Matisse)의 혁신적인 작품을 직접 알고있었습니다. 마티스의 작품은 그에게 큰 영향을 미쳤으며 표현의 표현 언어와 추상화의 잠재력에 대한 이해에 큰 영향을 미쳤다. 호프만은 컬러 필드 페인팅의 최초의 이론가 중 한 사람이었으며 그의 이론은 예술가와 비평가, 특히 클레멘트 그린버그에게 영향을 미쳤습니다. 1930 년대와 1940 년대에 다른 사람들에게도 1953 년 Morris Louis와 Kenneth Noland는 뉴욕시에서 그녀의 스튜디오를 방문한 후 Frankenthaler의 스테인 페인팅에 크게 영향을 받았습니다. 그들은 워싱턴 DC로 돌아와 1950 년대 후반에 컬러 필드 움직임을 일으킨 주요 작품을 제작하기 시작했습니다.

1972 년 당시 메트로폴리탄 미술관 큐레이터 Henry Geldzahler는 다음과 같이 말했습니다.

Clement Greenberg는 Morris Louis와 Kenneth Noland의 작품을 1950 년대 초 Kootz Gallery에서 한 쇼에 포함 시켰습니다. Clem은 그들의 잠재력을 처음으로 보았습니다. 그는 1953 년에 그들을 뉴욕으로 초대했는데, 나는 그녀가 방금했던 산과 바다라고 불리는 매우 아름다운 그림 인 폴락 (Pollock)에서 나온 그림을 보는 것이 헬렌의 스튜디오에 있다고 생각합니다. 고르 키의. 그것은 또한 첫 번째 얼룩 그림 중 하나였으며, 얼룩 기술이 사용 된 첫 번째 큰 들판 그림 중 하나 일 것입니다. 루이스와 놀랜 드는 사진이 그녀의 스튜디오 바닥에서 펼쳐 져서 워싱턴 DC로 돌아간 것을 보았고, 잠시 동안 함께 일하면서 이런 종류의 그림의 의미를 연구했습니다.

모리스 루이스의 그림 1960 년, 추상 표현주의 그림을 컬러 필드와 미니멀리즘쪽으로 새로운 방향으로 전진시킨 주요 혁신이었습니다. 루이스의 주요 작품 중에는 다양한 컬러 필드 페인팅 시리즈가 있습니다. 그의 가장 잘 알려진 시리즈는 Unfurleds, Veils, Florals 및 Stripes 또는 Pillars입니다. Louis는 1929 년부터 1933 년까지 메릴랜드 미술 및 응용 예술 연구소 (현재 메릴랜드 예술 대학)에서 공부했습니다. 그는 그림을 그리는 동안 자신을 지원하기 위해 다양한 이상한 일을했으며 1935 년 볼티모어 예술가 협회 회장이었습니다. 1936 년부터 1940 년까지는 뉴욕에 살며 Works Progress Administration Federal Art Project의 이젤 부서에서 일했습니다.

이 기간 동안 그는 1940 년에 Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros 및 Jack Tworkov를 알고 1940 년에 볼티모어로 돌아 왔습니다. 1948 년에는 유성 아크릴 페인트 인 Magna를 사용하기 시작했습니다. 1952 년, 루이스는 워싱턴 DC로 이주하여 뉴욕과는 별도로 살고 거의 격리 된 상태로 일했습니다. 그와 케네스 놀란 드를 포함하는 예술가 그룹은 컬러 필드 페인팅 개발의 중심이었습니다. 루이스의 작품과 1950 년대 후반과 1960 년대 초반의 다른 새로운 접근법과 달리 워싱턴 컬러 스쿨로 알려진 다른 컬러 필드 화가의 작품에 대한 기본 요점은 외관을 구성하는 것에 대한 아이디어를 크게 단순화한다는 것입니다 완성 된 그림.

워싱턴 DC에서 일하는 Kenneth Noland는 1950 년대 후반에 그의 그림에 중요한 형식으로 시리즈를 사용한 컬러 필드 운동의 선구자였습니다. Noland의 주요 시리즈 중 일부는 Targets, Chevrons and Stripes입니다. 놀랜 드는 실험적인 블랙 마운틴 칼리지에 다녔으며 노스 캐롤라이나 주에서 미술을 전공했습니다. Noland는 Ilya Bolotowsky 교수와 함께 신 생물학 및 Piet Mondrian의 작품을 소개했습니다. 그곳에서 그는 Josef Albers와 바우 하우스 이론과 색을 연구했으며 Paul Klee, 특히 색에 대한 그의 감수성에 관심을 갖게되었습니다. 1948 년과 1949 년 파리에서 Ossip Zadkine과 함께 일했으며 1950 년대 초 워싱턴 DC에서 Morris Louis를 만났습니다.

1970 년 미술 비평가 클레멘트 그린버그는 다음과 같이 말했습니다.
나는이 나라에서 가장 위대한 화가들 사이에이 나라에서 Pollock을 Hofmann과 Morris Louis와 함께 배치했습니다. 사실 유럽에는 같은 세대에 그들과 어울릴 사람이 없다고 생각합니다. 폴락은 호프만의 그림을 좋아하지 않았습니다. 그는 그들을 만들 수 없었습니다. 그는 어려움을 겪지 않았다. 그리고 Hofmann은 Pollock의 모든 그림을 좋아하지 않았으며 대부분의 Pollock 예술가들은 1947 년에서 50 년까지했던 일들을 머리 나 꼬리로 만들 수 없었습니다. 그러나 Pollock의 그림은 Rembrandt 또는 Titian 또는 Velázquez 또는 Goya 또는 David 또는 또는 Manet 또는 Ruben 또는 Michelangelo의 그림과 같은 맥락에서 살거나 죽습니다. 중단이없고, 여기에는 돌연변이가 없습니다.

컬러 필드 운동
1950 년대 후반과 1960 년대 초반 젊은 예술가들은 추상적 표현주의에서 문체 적으로 분리되기 시작했다. 그림을 만드는 새로운 방법으로 실험하기; 페인트와 색상을 처리하는 새로운 방법. 1960 년대 초 추상 회화의 여러 가지 새로운 움직임이 서로 밀접한 관련이 있었고 표면적으로 함께 분류되었습니다. 비록 그들이 장기적으로는 크게 다른 것으로 판명되었지만. 1960 년대 초 추상 표현주의에 대한 반응으로 등장한 새로운 스타일과 움직임 중 일부는 워싱턴 컬러 스쿨 (Washington Color School), 딱딱한 그림, 기하학적 추상화, 미니멀리즘 및 컬러 필드 (Color Field)라고 불렀습니다.

진 데이비스 (Gene Davis)는 1964 년 블랙 그레이 비트 (Black Grey Beat)와 같은 수직 줄무늬 그림으로 특히 유명한 화가였으며, 1960 년대 워싱턴 컬러 스쿨 (Washington Color School)로 알려진 워싱턴 DC의 추상 화가 그룹의 일원이기도했습니다. 워싱턴 화가들은 세기 중반의 컬러 필드 화가들 중 가장 두드러졌습니다.

1960 년대의 컬러 필드 (Color Field) 움직임과 관련된 예술가들은 제스처에서 멀어지면서 표면이 깨끗하고 게슈탈트를 선호했습니다. 1960 년대 초반에서 중반까지 Color Field 그림은 Anne Truitt, John McLaughlin, Sam Francis, Sam Gilliam, Thomas Downing, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Friedel Dzubas, Jack Bush, Howard Mehring, Gene과 같은 예술가들의 작품의 용어였습니다. Davis, Mary Pinchot Meyer, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Robert Goodnough, Ray Parker, Al Held, Emerson Woelffer, David Simpson 및 이전에는 2 세대 추상 표현주의와 관련이있는 작품; Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, John Hoyland, Walter Darby Bannard 및 Frank Stella와 같은 젊은 예술가들에게도 제공됩니다.

Color Field는 Clement Greenberg와 관련이 있지만 Greenberg는 Post-Painterly Abstraction이라는 용어를 사용하는 것을 선호했습니다. 1964 년 Clement Greenberg는 회화 후 추상화라고 불리는이 나라를 여행하는 영향력있는 전시회를 기획했습니다. 전시회는 컬러 필드 페인팅의 정의를 확장했습니다. 컬러 필드 페인팅은 추상 표현주의에서 벗어나 미국 페인팅의 새로운 방향을 분명히 지적했습니다. 2007 년 큐레이터 인 카렌 윌킨 (Karen Wilkin)은 미국 전역의 여러 박물관을 방문한 Color As Field : American Painting 1950-1975라는 전시를 기획했습니다. 이번 전시회는 2 세대 컬러 필드 화가들을 대표하는 여러 예술가들을 선보였습니다.

1970 년 화가 Jules Olitski는 다음과 같이 말했습니다.
컬러 필드 페인팅이 무엇을 의미하는지 모르겠습니다. 아마 평론가들에 의해 발명 된 것 같습니다.하지만 그 문구가 아무 의미가 없다고 생각합니다. 컬러 필드 페인팅? 내 말은 색이 뭐야? 회화는 많은 것들과 관련이 있습니다. 색상은 그와 관련된 것들 중 하나입니다. 표면과 관련이 있습니다. 그것은 모양과 관련이 있으며, 얻기가 더 어려운 감정과 관련이 있습니다.

잭 부시는 1909 년 온타리오 토론토에서 태어나 캐나다 추상 표현주의 화가였으며, 1954 년 윌리엄 로널드가 캐나다에서 추상 회화를 장려하기 위해 설립 한 페인터 스 일레븐의 일원으로 미국 예술가에게 장려되었습니다. 예술 평론가 클레멘트 그린버그. 그린버그의 격려에 힘 입어 부시는 추상 표현 주의자들의 노력 (컬러 필드 페인팅과 서정적 추상화)에서 나온 두 가지 운동에 밀접하게 연결되었습니다. 그의 그림 Big A는 1960 년대 후반의 컬러 필드 그림의 예입니다.

1950 년대 후반과 1960 년대 초반 프랭크 스텔라는 미니멀리즘, 회화 후 추상화 및 컬러 필드 페인팅의 등장에서 중요한 인물이었습니다. 1967 년 Harran II와 같은 1960 년대 그의 형태의 캔버스는 추상 회화에 혁명을 일으켰습니다. 스텔라의 그림에서 가장 중요한 특징 중 하나는 반복 사용입니다. 그의 1959 년 블랙 핀 스트라이프 (Black Pin Stripe) 그림은 단색이며 반복적 인 이미지를 보지 못하고 평평하게 페인트되어 거의 굴곡이없는 예술 세계를 놀라게하고 충격을주었습니다. 1960 년대 초 스텔라는 1960 년대 후반의 여러 가지 비대칭 모양의 캔버스를 만들기 전에 여러 시리즈의 노치 알루미늄 그림과 모양의 구리 그림을 만들었습니다. Frank Stella의 접근 방식과 컬러 필드 페인팅에 대한 관계는 그의 창의적인 결과물에 영구적이거나 중심적인 것이 아니 었습니다.

1960 년대 후반에 Richard Diebenkorn은 자신의 Ocean Park 시리즈를 시작했습니다. 그의 경력의 마지막 25 년 동안 만들어졌으며 그들은 컬러 필드 페인팅의 중요한 예입니다. Ocean Park No.129로 대표되는 Ocean Park 시리즈는 초기 추상 표현주의 작품을 컬러 필드 페인팅과 연결합니다. 1950 년대 초, Richard Diebenkorn은 추상적 표현 주의자로 알려졌으며 그의 제스처 추상화는 감성면에서 뉴욕 스쿨에 가깝지만 샌프란시스코 추상 표현주의 감성에 확고하게 기초하고 있습니다. 샌프란시스코 아트 인스티튜트에서 그의 가르침 덕분에 Clyfford는 여전히 젊은 예술가들에게 상당한 영향을 미쳤습니다.

1950 년대 중반, Richard Diebenkorn은 David Park, Elmer Bischoff 및 몇몇 다른 사람들과 함께 Bay Area Figurative School을 구성했습니다. 1964 년 가을과 1965 년 봄 사이에 Diebenkorn은 유럽 전역을 여행했으며 중요한 소련 박물관의 Henri Matisse 그림을 방문하고 볼 수있는 문화 비자를 받았습니다. 그는 러시아 밖에서는 거의 볼 수 없었던 러시아 박물관에서 앙리 마티스 그림을 연구하기 위해 당시 소비에트 연방으로 여행했습니다. 1965 년 중반 베이 지역에서 그림으로 돌아 왔을 때 그의 작품은 10 년이 넘는 시간 동안 최고의 비 유적 화가로서 배운 모든 것을 요약했습니다. 1967 년에 그는 추상화로 돌아 왔을 때 그의 작품은 Color Field 운동 및 Lyrical Abstraction과 같은 움직임과 평행을 이뤘지만, 둘 다 독립적으로 남아있었습니다.

1960 년대 후반 도트 아트가 Op Art와 관련이있는 Larry Poons는 1967 년에서 1968 년까지의 Lozenge Ellipse 회화라고 불리는 느슨하고 더 자유로운 회화를 만들기 시작했습니다. John Hoyland, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronald Davis, Ronnie Landfield, John Seery, Pat Lipsky, Dan Christensen 및 몇몇 다른 화가들과 함께 Color Field 페인팅과 관련된 새로운 움직임이 형성되었습니다. 결국 Lyrical Abstraction이라고 불렀습니다. 1960 년대 후반, 화가들은 표면의 변곡, 깊은 공간 묘사, 그리고 색의 언어와 결합하여 회화 적으로 만지고 페인트 처리를하는 것을 보았습니다. 컬러 필드 페인팅과 표현주의를 결합한 새로운 세대의 추상 화가들 사이에서, 더 오래된 세대는 복잡한 공간과 표면의 새로운 요소를 작품에 주입하기 시작했습니다.

1970 년대에 Poons는 Elephant Skin 페인팅이라고 불리는 두껍고 갈라진 금색의 무거운 그림을 만들었습니다. 크리스텐슨은 여러 가지 색의 섬세한 땅을 가로 지르는 고리, 채색 된 선, 서예를 뿌렸다. Ronnie Landfield의 스테인드 밴드 페인팅은 중국 풍경화와 Color Field 관용구, 그리고 1973 년 East의 호주 국립 미술관에서 예시 한 John Seery의 스테인드 페인팅을 반영한 것입니다. Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox 등은 Lyrical Abstraction으로 Color Field 페인팅을 연결하고 풍경, 제스처 및 터치에 대한 강조를 강조하는 그림을 만들었습니다.

개요
컬러 필드 페인팅은 회화 후 추상화, 초현실주의, 추상 표현주의, 하드 에지 페인팅 및 서정적 추상화와 관련이 있습니다. 처음에는 특정 유형의 추상 표현주의, 특히 Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb의 작품 및 Joan Miró의 여러 시리즈 그림을 언급했습니다. 예술 평론가 클레멘트 그린버그는 액션 페인팅과 관련이 있지만 컬러 필드 페인팅을 인식했습니다.

컬러 필드 페인팅을 추상 표현과 다르게 만드는 중요한 차이점은 페인트 처리였습니다. 페인팅의 가장 기본적인 기본 정의 기술은 페인트 적용이며 컬러 필드 화가는 페인트를 효과적으로 적용 할 수있는 방법을 혁신했습니다.

컬러 필드 페인팅은 불필요한 수사법을 없애려고했습니다. Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas 및 Frank Stella와 같은 아티스트는 종종 반복적이고 조정 된 시스템, 기본 참조로 단순화 된 그림을 사용하여 크게 축소 된 형식을 사용했습니다. 자연에, 그리고 명료하고 심리적으로 색상을 사용합니다. 일반적으로이 예술가들은 추상화에 찬성하여 명백한 인식 가능한 이미지를 제거했습니다. 어떤 예술가들은 과거 또는 현재의 예술에 대한 언급을 인용했지만, 일반적으로 컬러 필드 페인팅은 추상화 자체를 끝으로 제시합니다. 이러한 현대 예술의 방향을 추구하면서,이 예술가들은 각 그림을 일련의 관련 유형 내에서 하나의 통일되고 응집력있는 모 놀리 식 이미지로 제시하고자했습니다.

Jackson Pollock 및 Willem de Kooning과 같은 추상 표현주의의 정서적 에너지와 제스처 표면 표시 및 페인트 처리와는 달리, 컬러 필드 페인팅은 처음에는 시원하고 엄밀한 것으로 나타났습니다. 색상 필드 화가는 캔버스의 실제 모양과 함께 시각적 추상화의 본질적인 특성으로 여겨지는 크고 평평한 얼룩이 묻은 색상 영역을 선호하여 개별 마크를 훼손합니다. Frank Stella는 특히 특이한 방법으로 조합하여 달성했습니다. 구부러진 직선 가장자리. 그러나 컬러 필드 페인팅은 제스처 추상 표현주의와는 다른 방식으로 관능적이고 깊이 표현적인 것으로 입증되었습니다. 추상 표현주의 또는 다른 예술 운동과의 관련성을 부인 Mark Rothko는 1956 년 그의 그림에 대해 분명하게 말했습니다.
나는 추상 주의자가 아니다. 나는 색이나 형태 또는 다른 것들의 관계에 관심이 없다 …. 나는 비극, 엑스터시, 운명 등과 같은 기본적인 인간의 감정 표현에만 관심이있다. 내 사진에 직면했을 때 많은 사람들이 부서지고 울면서 그 기본적인 인간의 감정을 전달한다는 것을 알 수 있습니다 …. 내 사진 앞에서 울고있는 사람들은 내가 그렸을 때와 같은 종교적 경험을하고 있습니다. 그리고 당신이 말했듯이, 그들의 색 관계에 의해서만 움직여지면, 요점을 놓치게됩니다!

얼룩 그림
Joan Miró는 최초이자 가장 성공적인 얼룩 화가 중 하나였습니다. 오일의 얼룩은 장기적으로면 캔버스에 위험한 것으로 여겨졌지만 1920 년대, 1930 년대 및 1940 년대의 Miró의 사례는 젊은 세대에게 영감과 영향을 미쳤습니다. 컬러 필드 운동의 성공 이유 중 하나는 염색 기술이었습니다. 예술가들은 액체 액체를 만드는 통이나 커피 캔에 페인트를 섞어 희석 한 다음 프라이밍되지 않은 원시 캔버스, 일반적으로면 오리에 붓습니다.

페인트는 브러시로 칠하거나 구르거나 흘리거나 붓거나 뿌릴 수 있으며 캔버스의 직물로 퍼질 수 있습니다. 일반적으로 예술가들은 얼룩진 모양과 영역을 그립니다. 많은 예술가들이 그림을 그릴 때 사용하는 기술로 염색법을 사용했습니다. 제임스 브룩스 (James Brooks), 잭슨 폴락 (Jackson Pollock), 헬렌 프랑켄 탈러 (Helen Frankenthaler), 모리스 루이스 (Morris Louis), 폴 젠킨스 (Paul Jenkins) 및 수십 명의 다른 화가들은 붓기와 얼룩이 새로운 방식으로 의미를 그리고 표현하는 혁신과 혁신적인 방법의 문을 열었다는 것을 발견했습니다. 아크릴 페인트의 가용성으로 1960 년대에 염색 된 예술가의 수가 크게 증가했습니다. 목화 오리 캔버스 직물에 아크릴 페인트를 묻히는 것은 유성 페인트를 사용하는 것보다 캔버스의 직물에 손상이 적고 덜 손상되었습니다.

처음에 얼룩 그림을 시작했을 때 캔버스 자체가 페인트 나 선 또는 색처럼 강력하고 긍정적으로 작용했기 때문에 캔버스의 넓은 영역을 페인트하지 않은 채로 두었습니다. 다시 말해서, 땅은 매체의 일부이므로 배경이나 부정적인 공간이나 빈 곳으로 생각하는 대신 옆에 페인트가 있었기 때문에 페인트가 필요하지 않았습니다. 문제는 어디를 떠나야하고 어디에 채울지 결정하는 것이 었습니다.이 라인에는 다른 선이나 다른 색상의 통이 필요하지 않습니다. 우주에서 말하는 것입니다.

스프레이 페인팅
놀랍게도 1960 년대와 1970 년대에 스프레이 건 기술을 사용하여 캔버스에 뿌려진 넓은 창과 색의 필드를 만들었습니다. 스프레이 페인팅 기술을 효과적으로 사용하는 일부 화가에는 Jules Olitski가 있습니다. Jules Olitski는 스프레이 페인팅 기술의 선구자였으며 큰 그림을 다른 색상의 레이어 후 레이어로 덮었 고, 점차적으로 미묘한 진행으로 색조와 가치를 점차적으로 변경했습니다. 또 다른 중요한 혁신은 Dan Christensen의 스프레이 기술을 사용하여 밝은 색상의 루프와 리본에 큰 영향을 미쳤습니다. 그의 대규모 그림에 분명한 붓글씨 마크가 뿌려졌습니다. William Pettet, Richard Saba 및 Albert Stadler는이 기술을 사용하여 대규모 다중 색상 필드를 만들었습니다. Kenneth Showell은 구겨진 캔버스 위에 스프레이를 뿌려 추상 정물 인테리어의 환상을 만들었습니다.

문
스트라이프는 여러 가지 다른 컬러 필드 화가들이 다양한 형식으로 사용하는 가장 인기있는 컬러 차량 중 하나였습니다. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland 및 David Simpson은 모두 중요한 시리즈의 줄무늬 그림을 만들었습니다. 그가 줄무늬라고 부르지는 않았지만 우편 번호 Barnett Newman의 줄무늬는 주로 세로, 너비가 다양하고 드물게 사용되었습니다. Simpson과 Noland의 경우 그들의 줄무늬 그림은 모두 수평이었고 Gene Davis는 세로 줄무늬 그림을, 모리스 루이스는 주로 기둥이라고 불리는 세로 줄무늬 그림을 그렸습니다. Jack Bush는 가로 및 세로 스트라이프 페인팅과 각도 페인팅을 모두 수행하는 경향이있었습니다.

마그나 페인트
1947 년 Leonard Bocour와 Sam Golden이 특수 예술가 아크릴 페인트를 사용하는 Magna는 1960 년에 모리스 루이스와 다른 컬러 필드 무브먼트 화가를 위해 재구성되었습니다. 마그나 안료는 아크릴계 수지에 알코올 계 용제로 분쇄됩니다. 현대의 수성 아크릴과는 달리, Magna는 테레빈 유 또는 미네랄 스피릿과 혼화 가능하며 무광택 또는 광택 마감으로 빠르게 건조됩니다. Morris Louis와 Friedel Dzubas, 팝 아티스트 Roy Lichtenstein이 광범위하게 사용했습니다. 마그나 색상은 일반 아크릴 수성 페인트보다 생생하고 강렬합니다. Louis는 Magna를 사용하여 Stripe Series에서 색상을 희석하지 않고 캔에서 직접 혼합하지 않고 부어 넣습니다.

아크릴 페인트
1972 년 전 메트로폴리탄 미술관 큐레이터 Henry Geldzahler는 다음과 같이 말했습니다.

신기한 플라스틱 페인트 인 아크릴 페인트가 등장한시기에 색상 필드는 흥미롭게도 아닐 수도있는 실용적인 방법이되었습니다. 마치 새로운 페인트가 새로운 회화 가능성을 요구 한 것처럼, 화가들은 그 페인트에 도착했습니다. 매질이 다르고 수성이 아닌 유성 페인트는 항상 색 가장자리 주위에 매끄러운 기름이나 웅덩이를 남깁니다. 아크릴 페인트는 자체 가장자리에서 멈 춥니 다. 이 새로운 페인트의 발명과 동시에 컬러 필드 페인팅이 등장했습니다.

아크릴은 1950 년대에 Leonard Bocour가 제공 한 Magna라고하는 미네랄 스피릿 기반 페인트로 시판되었습니다. 아크릴 분산액은 고무 나무에서 파생 된 라텍스를 사용하지 않지만 수성 아크릴 페인트는 “라텍스”하우스 페인트로 판매되었습니다. 내부 “라텍스”하우스 페인트는 바인더 (때때로 아크릴, 비닐, pva 등), 필러, 안료 및 물의 조합입니다. 외부 “라텍스”하우스 페인트도 “공중 합체”블렌드 일 수 있지만, 가장 우수한 외부 수성 페인트는 100 % 아크릴입니다.

수성 아크릴 바인더가 하우스 페인트로 소개 된 직후, 두 명의 아티스트 (첫 번째는 멕시코 벽화 전문가)와 회사는 새로운 바인더의 잠재력을 탐구하기 시작했습니다. 아크릴 아티스트 페인트는 물로 얇아지고 수채화 물감 페인트와 같은 방식으로 세척제로 사용될 수 있습니다. 수용성 예술가 품질의 아크릴 페인트는 1960 년대 초 아쿠아 퀴트 (Liquatec)라는 상표명으로 Liquitex와 Bocour에서 시판되었습니다. 수용성 Liquitex 및 Aquatec은 스테인 페인팅에 이상적임이 입증되었습니다. 수용성 아크릴을 사용한 염색 기술은 희석 된 색상을 가라 앉히고 원시 캔버스에 빠르게 고정시킵니다. Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis와 같은 화가

레거시 : 영향 및 영향
20 세기 회화의 회화 적 유산은 영향과 복잡한 상호 관계의 길고 얽힌 주류입니다. 헨리 마티스 (Henri Matisse)와 조안 미로 (Joan Miró)의 20 세기 초반 작품에서 느슨하게 그리기 (모호한 선형 반점 및 / 또는 비 유적 개요)와 함께 관대 한 회화 적 부분에 적용된 넓은 개방 된 표현 색의 필드 사용을 볼 수 있습니다. Matisse와 Miró, Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky 및 Piet Mondrian은 추상 표현 주의자, 회화 후 추상화의 컬러 필드 화가 및 서정적 추상화 주의자에게 직접 영향을 미쳤습니다.

Augustus Vincent Tack 및 Albert Pinkham Ryder와 같은 19 세기 후반의 미국인들과 Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove 및 Milton Avery와 같은 초기 미국 근대 주의자들도 중요한 선례를 제공했으며 추상 표현주의에 영향을 미쳤습니다. Color Field 화가들과 Lyrical Abstractionists. Henri Matisse는 Collioure의 French Window와 Notre Dame의 그림을 1914 년부터 미국 Robert Fieldwell의 Open Series를 포함하여 일반적으로 American Color Field 화가들과 Richard Diebenkorn의 Ocean Park 그림에 엄청난 영향을 미쳤습니다. 미술사 학자 인 제인 리빙스턴 (Jane Livingston)에 따르면, Diebenkorn은 1966 년 로스 앤젤레스에서 열린 전시회에서 Matisse의 두 그림을 보았으며 그와 그의 작품에 엄청난 영향을 미쳤습니다.

당시 그의 작업이 취한 방향에 대해이 경험에 막대한 비중을 두지 않는 것은 어렵습니다. 그가 본 두 장의 사진은 거의 모든 오션 파크 캔버스에서 반향을 일으 킵니다. 콜리 우르의 노트르담 (Notre Dame)과 프렌치 윈도우 (French Window)는 1914 년에 처음 페인팅되어 미국에서 처음으로 공개되었습니다.

리빙스턴은 계속해서 Diebenkorn이 Collioure에서 French Window를 경험 한 것으로 생각합니다.

Joan Miró는 20 세기의 가장 영향력있는 예술가 중 한 사람입니다. Miró는 염색 기술을 개척했습니다. 1920 년대와 1930 년대에 얇게 칠한 유성 페인트로 흐릿하고 다색의 흐린 배경을 만듭니다. 그 위에 서예, 인물, 풍부한 단어 사전 및 이미지를 추가했습니다. Arshile Gorky는 공개적으로 Miró의 작품에 감탄하고 1940 년대 초에 자신의 독창성을 발견하기 전에 Miró와 같은 Gorky 그림을 그렸습니다. 1960 년대에 Miró는 푸른 색, 흰색, 그리고 다른 단색의 색채로 격렬하게 닦은 페인트의 큰 (추상적 인 표현 주의적 규모) 빛을 발산했습니다. 흐릿한 검은 색 오브와 붓글씨 모양의 돌로, 무작위로 떠 다니고 있습니다. 이 작품들은 젊은 세대의 컬러 필드 페인팅과 닮았습니다. 전기자 Jacques Dupin은 Miró ‘에 대해 다음과 같이 말했습니다.

이 캔버스는 새로운 세대의 화가에 대한 연구로 Miró가 이것을 거부하려는 시도는 거의 없습니다. 이들 중 다수 인 Jackson Pollock은 Miró에 대한 부채를 인정했습니다. Miró는 그들의 작업에 활발한 관심을 보이며 격려하고 지원할 수있는 기회를 놓치지 않습니다. 그는 때때로 자신의 발견을 사용하는 것이 그의 존엄성 아래 있다고 생각하지도 않습니다.

조안 미로 (Joan Miró)와 같은 다른 유럽 근대 주의자들의 예를 들자면, 컬러 필드 운동은 20 세기 중반에서 21 세기 초까지 수십 년을 포함합니다. 컬러 필드 페인팅은 실제로 세 가지 분리 된 관련 화가 세대를 포함합니다. 일반적으로 사용되는 용어는 세 가지 별도이지만 관련된 그룹을 나타냅니다. 추상적 표현주의, 포스트 페인트 추상화 및 서정적 추상화입니다. 일부 예술가들은 3 가지 시대 모두에서 작품을 만들었으며, 이는 세 가지 스타일 모두와 관련이 있습니다.

Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb 및 Robert Motherwell과 같은 Color Field의 선구자들은 주로 추상 표현 주의자로 생각됩니다. Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski 및 Kenneth Noland와 같은 아티스트는 약간 젊은 세대이거나 Morris Louis의 경우 그 세대의 관점에 미학적으로 정렬되었습니다. 그것은 추상 표현 주의자들로 시작했지만 포스트 회화 추상화로 빠르게 옮겨졌습니다. Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen과 같은 젊은 예술가는 Post-Painterly Abstraction으로 시작하여 Lyrical Abstraction이라는 새로운 표현주의로 나아 가기 시작했습니다. 언급 한 많은 예술가와 다른 많은 예술가

컬러 필드 페인팅의 후기 단계 동안; 1960 년대 후반 (모든 것이 느슨해지기 시작한)의 제이지 트 (zeitgeist)와 모든 시대의 불확실성을 가진 시대의 분노가 Post-Painterly Abstraction의 gestalt와 합쳐져서 정밀함을 결합한 Lyrical Abstraction을 만들어 냈습니다. 추상 표현주의의 극작가와 함께 컬러 필드 관용구. 1960 년대 후반과 1970 년대 초 유럽에서 같은시기에 Gerhard Richter, Anselm Kiefer 및 기타 여러 화가들도 이미지와 추상화를 병합하고 풍경 이미지를 통합하며 1970 년대 후반에 언급 된 형상을 강렬한 표현 작업을 시작했습니다. 신 표현주의로.