Duas datas, dois números: um par palindrômico. A arte desse período também pode ser lida da esquerda para a direita e da direita para a esquerda? Mudar a ordem dos fatores sem dúvida alteraria o produto, mesmo que essa exposição, além de marcar o intervalo entre esses dois anos, aspire a destacar sua importância histórica e artística, mas sob diversas luzes, para frente e para trás.

O ano de 1957 testemunhou o culminar de vários eventos relevantes na política e na arte. Na arena política, várias circunstâncias dentro do regime ditatorial levaram ao fim da autocracia e ao início do desenvolvimentismo. No mundo da arte, nasceram os coletivos influentes Equipo 57 e El Paso.

Esta exposição, composta por obras da coleção do Centro Andaluz de Arte Contempóraneo, é, portanto, o início de uma história dividida em capítulos ou galerias. Ele foi projetado para ser lido inicialmente a partir da esquerda, começando com o filme feito em 1957 pela Equipo 57, passando para a AFAL (Associação Fotográfica de Almeria) e depois parando em uma grande galeria preta com conotações pessimistas, expressa através dos canais de Arte Informel ou investigações geométricas formais. Abstração, modelos, estruturas e formas expandidas, pós-pictóricas e hard-edge também têm seus próprios capítulos. Por outro lado, os visitantes encontrarão espaços importantes dedicados à arte comportamental e às práticas corporais sociais, representadas por Bruce Nauman, Valie Export, Nacho Criado e Marta Minujín, entre outros. Finalmente, a visita termina com uma amostra de Pop Art política e incursões iniciais na Nova Figuração.

Embora 1957 tenha sido um ano de intensos desenvolvimentos artísticos e impacto político mais perigoso, as mesas foram viradas em 1975. Nesse intervalo palindrômico, representou um novo parágrafo no capítulo da história recente da Espanha, marcado por um evento politicamente significativo – a morte do ditador – e uma nova frase no parágrafo da arte, descrevendo o início do fim para as linguagens abstratas e conceituais que moldaram e dominaram os anos anteriores, e o surgimento de tendências figurativas que chamariam a atenção para vários artistas andaluzes associados à Nova Figuração de Madri movimento. Em suma, os visitantes devem estar preparados para reler a narrativa da exposição ao contrário, da direita para a esquerda, do fim ao início, pois, quando chegarem ao fim, não terão escolha a não ser refazer seus passos. Uma experiência verdadeiramente palíndrica.

Por que a escolha dessas duas datas – 57-75 – desta edição capicúa para destacar o escopo temporal da retrospectiva? Precisamente por causa de sua intenção: aquela leitura dupla intrínseca que convida à reflexão. A arte produzida nesse período poderia ser lida da esquerda para a direita da mesma maneira que da direita para a esquerda? De certa forma, não importaria ler do começo ao fim ou vice-versa. No entanto, o que a amostra tenta destacar é o oposto: a ordem dos fatores, neste caso, altera o produto. Daí a divisão em dois blocos.

Começando a narrativa da esquerda, no início, começamos em 1957, data em que ocorrem uma série de eventos políticos difusos na Espanha – o fim da autarquia, o começo de um certo desenvolvimento -, mas muito relevante no campo. Artístico: aqueles que abrem o primeiro capítulo da exposição com a projeção do filme que o Time 57 – grupo de artistas cordovanos que foi apresentado no café Rond Point, em Paris, através da publicação de seu manifesto pela Interatividade do espaço plástico – He fez nesse mesmo ano, para encerrar a turnê com pop político e as primeiras investidas do New Figuration. Tudo isso sem esquecer a abstração expandida, o informalismo ou a arte do comportamento e as práticas sociais do corpo.

Visto desde os 75 anos, com a morte de Franco como chave histórica e ponto de virada para uma mudança radical, do ponto de vista artístico há uma certa continuidade, pois é nesse momento que o declínio das linguagens abstratas e conceituais que marcaram e uma vez dominado, eles abrem caminho para tendências figurativas que estão perto de atingir seu pico. Isso implica percorrer o caminho inverso, do fim ao começo; uma viagem artística definitivamente capicúa.

Além das duzentas obras – entre pintura, escultura, vídeo, instalação e fotografia – de artistas abstratos e conceituais como Nacho Criado, Marta Minujín, AFAL, Grupo Crónica, Rafael Canogar, Robert Limós, Alfredo Alcaín, Manolo Millares, Antonio Saura, Guillermo Pérez Villalta ou Bruce Nauman, a exposição é completada com uma documentação interessante relacionada às três galerias de arte que marcaram um marco na introdução das últimas tendências artísticas de Sevilha nas décadas de 60 e 70: La Pasarela, Juana de Aizpuru e a galeria M-11. Assim como publicações e pôsteres clandestinos do Arquivo Histórico do CCOO que contextualizam o momento político e social dessas duas décadas artísticas.

O ano de 1957 é considerado o fim da autarquia e o começo do desenvolvimentismo, um período em que o chamado Equipo 57 e o grupo El Paso e outros artistas que oscilarão “entre o marxismo, iniciam sua jornada” e o existencialismo. ”

Um membro do Equipo 57, Juan Cuenca lembrou como, tentando explicar como ele e seus colegas entenderam o “espaço plástico”, eles tiveram a idéia em 1957 de fazer um filme de cinema usando a técnica de desenhos animados e com base em uma coleção de guaches abstratos, para os quais eles viajaram para Madri e procuraram técnicos que pudessem fazer o filme para eles.

Entre as preocupações desses artistas naqueles anos, estava “promovendo escolas de arte e entrando no mundo do design gráfico”, embora isso tenha sido feito em cidades como Córdoba, como era o caso, e sem desistir de ser “muito ativo” contra o ditadura.

José Ramón Sierra exibiu uma de suas obras, datada de 1965 e composta predominantemente por preto, cor que ainda hoje domina em suas criações, e pela qual usou parte de uma velha debulha que encontrou esquecida em um loft em sua casa. .

A exposição abrange nove salas do CAAC que, segundo Álvarez Reyes, “funcionam como micro-histórias independentes, mas com conexões entre si”, dedicada ao Equipo 57, à associação andaluza de fotógrafos criada em 1956, a AFAL, denominada informalismo, arte conceitual e, entre outras, galerias como Juana de Aizpuru, M-11 e La Pasarela.

Destaques

EQUIPO 57 (1957-1962)

Experiência Cinematográfica nº 1. Teoria: Interatividade do Espaço Plástico
Filme de Interatividade I

Constituído em grande parte por artistas de Córdoba, o Equipo 57 estreou em uma exposição realizada em Le Rond Point, em Paris, em junho de 1957. Naquela época, eles publicaram um texto apresentando suas aspirações programáticas, que logo foi seguido pelo manifesto Interatividade do Plástico. Space, lançado para a exposição na Sala Negra de Madri em novembro do mesmo ano. As raízes formais do Equipo 57 podem ser encontradas nos estudos de Oteiza sobre o espaço e nas abstrações geométricas da década de 1950, especialmente na arte concreta do artista suíço Max Bill. No entanto, como grupo de vanguarda, grande parte de sua atividade se concentrava em atividades sociais e ativismo. Nos primeiros dias, eles defendiam o desaparecimento do artista e sua visão subjetiva em favor do anonimato do trabalho coletivo. A arte tinha que servir e se adaptar às necessidades de uma nova sociedade, onde o homem lutaria pelo bem comum e não por seu próprio benefício.

Nesse aspecto social, o Equipo 57 foi fortemente influenciado pelos movimentos de vanguarda russos. Eles também se posicionaram contra a institucionalização da arte e do mercado de arte, tentando vender suas obras a preço de custo.

Os primeiros princípios plásticos do grupo – o espaço como um todo contínuo, onde os elementos básicos da pintura (forma, linha e cor) eram integrados e interagiam entre si como iguais – refletiam-se em pinturas e desenhos. Além disso, as 24 guaches exibidas nesta sala também foram levadas para a experiência cinematográfica. Finalmente, como todos os sonhos utópicos, as elevadas ambições do Equipo 57 se depararam com o inflexível muro da realidade, criando um sentimento de frustração que levou alguns membros a se afastarem. O grupo achou cada vez mais difícil operar e acabou por se dissolver por volta de 1963, mas suas idéias permanecem na memória da arte espanhola como uma das tentativas mais radicais e intensas de mudar o curso da história através da ação artística.

Associação Fotográfica de Almeria (Almería, 1956 – 1963)
Na década de 1950, a AFAL ou Almería Photographic Association, que reuniu os melhores fotógrafos espanhóis dessa geração, decidiu renovar a fotografia contemporânea e desafiar as convenções acadêmicas vigentes. Em busca de uma nova sensibilidade através de uma nova estética, seus membros se uniram ao envolvimento com o jornal AFAL, lançado pela primeira vez em 1956. No entanto, o AFAL não era um movimento claramente definido, mas um grupo de indivíduos interessados ​​em aspectos muito diferentes da criação fotográfica. , do fotojornalismo e investigação formal à exploração intimista.

Joan Colom (Barcelona, ​​1921)
Foi membro da AFAL e do coletivo “El Mussol”, com quem compartilhava um amor pelo comum e um compromisso ético com a liberdade de expressão que transcendia todo acadêmico e censura política. Seu trabalho fotográfico adotou a forma de séries temáticas, o que lhe permitiu pintar uma imagem completa dos cenários urbanos que ele retratou. Como um notário da realidade, nessas imagens, Joan Colom atesta a autenticidade da vida cotidiana em uma favela de Barcelona conhecida hoje como El Raval. Por motivos de segurança, ele tirou as fotos clandestinamente, mantendo a câmera escondida e sem olhar através do espectador, o que permite que essas imagens narrem uma realidade que os olhos da cidade oficial não podem ver.

Gabriel Cualladó (Valência, 1925 – Madri, 2003)
Cualladó se definiu como um fotógrafo cujos gostos eram inclinados ao “tema essencialmente humano”. Seu objetivo sempre foi destacar os “momentos de existência” do ser humano e capturar momentos precisos e únicos, mesmo depois que ele os tenha desfocado. Ele também tentava capturar a atmosfera do momento em que o fotógrafo “congela” a cena e acrescentava uma perspectiva poética às imagens, o que contrasta com a dureza dos temas abordados.

Paco Gómez (Pamplona, ​​1918 – Madri, 1998)
Seu principal interesse é focado na paisagem urbana, edifícios abandonados em lugares vazios e inóspitos, a ponto de serem engolidos pela cidade em expansão, onde, como o próprio artista uma vez, “tudo está quieto, tudo está quieto, […] ] tudo está longe do instantâneo ”, um comentário que denota o tipo de fotografia premeditada que ele estava fazendo.

Gonzalo Juanes (Gijón, 1923 – 2014)
Juanes produziu instantâneos em preto e branco e em cores usando uma técnica não pessoal altamente acadêmica que resultou em trabalhos espontâneos repletos de vitalidade, mas que também são contemplativos e críticos. Sua prática fotográfica concentra-se essencialmente nas pessoas e nos espaços urbanos, criando retratos psicológicos no estilo de reportagem, nos quais histórias anônimas que geralmente tinham a cidade como pano de fundo.

Ramón Masats (Caldes de Montbui, 1931)
Masats contribuiu para essa renovação da fotografia, introduzindo a Espanha no idioma da fotografia documental francesa e aplicando-a em suas tarefas de jornalismo. O trabalho de Masats em Las Ramblas, em Barcelona, ​​representou sua primeira tentativa de dominar esse gênero, e seu relatório gráfico sobre Los Sanfermines (a corrida dos touros em Pamplona) é uma obra seminal que apresenta um dos temas recorrentes de sua carreira profissional – clichês espanhóis . Seu estilo fotográfico evita a linguagem tradicional, desafiando convenções.

Xavier Miserachs (Barcelona, ​​1937 – 1998)
Ele dedicou sua vida à fotografia, publicidade, reportagem, fotografia de livros, ensino e até cinema. Ele foi um dos principais defensores da renovação da fotografia espanhola e ajudou a criar uma nova linguagem fotográfica. Sua fotografia apresenta a cidade em todas as suas facetas, desde sua arquitetura e ruas até seus habitantes, e poucos conseguem rivalizar com sua habilidade de capturar o contexto urbano de maneira imediata e espontânea. As obras de Miserach são um documentário completo de seu tempo.

Francisco Ontañón (Barcelona, ​​1930 – 2008)
Ontañón iniciou sua carreira em 1959 como fotojornalista da agência de notícias Europa-Press, um trabalho que lhe permitiu viajar por todo o mundo, cobrindo os eventos atuais. Ele foi enviado para os Estados Unidos, local de nascimento de muitos dos fotógrafos que mais admirava, além de diferentes locais em toda a Espanha. Como essas fotografias mostram claramente, ele preferiu reportagens em ritmo acelerado a fotografias de estúdio cuidadosamente organizadas, sempre tentando capturar o evento como ocorreu, para congelar o momento. Ele produziu um número considerável de obras dedicadas às celebrações da Semana Santa na Andaluzia. Sua escolha de assunto não foi acidental, pois a Semana Santa foi um dos poucos assuntos totalmente sancionados pelo regime político no poder na época. Nas próprias palavras do fotógrafo, “Você não pode simplesmente fotografar o que quiser. Havia um censor do estado. As únicas saídas eram as touradas, flamenco e coisas assim. ” Nesses trabalhos, o foco está nas pessoas na rua.

Carlos Pérez Siquier (Almeria, 1930)
Ele estava procurando testemunhar o que viu, adotando uma abordagem respeitosa às pessoas e situações que capturou com sua câmera. Em 1957, iniciou seu trabalho no bairro de favelas de La Chanca, que surgiu em Almeria no início do século 20, em meio às ruínas de um bairro pobre dos tempos dos mouros. Em vez de destacar a evidente pobreza de seus habitantes, Pérez Siquier concentrou sua visão na vida interior e na rotina diária de seus súditos. “Eu estava interessado nas próprias pessoas”, diz o artista, “em sua dignidade pessoal diante de circunstâncias humildes e das dificuldades de sobrevivência”.

Alberto Schommer (Vitória, 1928 – San Sebastián, 2015)
Concentrou seu trabalho principalmente em temas como natureza morta, retratos de estúdio, ruas, paisagens e reportagens fotográficas, dando muita importância à luz e à técnica. Do ponto de vista estético, sua fotografia está mais próxima das instalações da Salon Photography e, embora seu objetivo fosse mostrar uma nova maneira de ver e sentir a fotografia, ele sempre a tratou de uma perspectiva clássica. Foi em suas naturezas-mortas e cenas exteriores que ele usou, com mais liberdade, ângulos altos e baixos, efeitos descentralizados e de foco suave, além de disposições e enquadramentos mais arbitrários.

Ricard Terré (Sant Boi de Llobregat, 1928 – Vigo, 2009)
Como escreveu Arturo Llopis, um dos críticos do grupo, Terré “abordou a máquina, o disparador, com uma sensibilidade muito nítida e com um contato anterior com pintura, escultura e jazz / música clássica. Nas peças fotográficas que apresenta em preto e branco, apenas com a câmera, sem truques nem no desenvolvimento, ele é assediado por uma série de temas (…) Um sentimento poético leva o olho da lente a procurar a anedota humana, realizada com a garota perdida no meio da multidão. O objeto também adquire em Terré uma força plástica expressiva de enorme qualidade (…) ”

Julio Ubiña (Santander, 1922 – Barcelona, ​​1988)
Ubiña mudou-se para Paris durante a Guerra Civil Espanhola, quando ele ainda era adolescente. Ao retornar à Espanha, estabeleceu-se em Barcelona, ​​onde montou o primeiro laboratório de fotografia em cores. Produziu inúmeros recursos fotográficos para revistas internacionais de prestígio, como Stern e Paris Match, e, embora pertencesse ao grupo AFAL, não era um membro ativo. Em 1958, Ubiña participou da edição monográfica da revista AFAL dedicada à Semana Santa. Essas obras são um reflexo da sociedade da década de 1950 e de alguns de seus componentes mais significativos, como o poder da ordem pública, a Guarda Civil e a polícia e as figuras religiosas dos penitentes nas procissões, entendidas como gravuras populares.

Centro de Arte Contemporânea da Andaluzia
O Centro Andaluz de Arte Contemporânea (CAAC) foi criado em fevereiro de 1990, com o objetivo de dar à comunidade local uma instituição para a pesquisa, conservação e promoção da arte contemporânea. Mais tarde, o centro começou a adquirir as primeiras obras em sua coleção permanente de arte contemporânea.

Em 1997, o Mosteiro de Cartuja tornou-se a sede do centro, um movimento que se revelou decisivo na evolução da instituição. A CAAC, uma organização autônoma dependente do Governo da Andaluzia (Junta de Andaluzia), assumiu as coleções do antigo Conjunto Monumental da Cartuja (Centro de Monumentos da Cartuja) e do Museu de Arte Contemporânea de Sevilha (Museu de Arte Contemporânea de Sevilha).

Desde o início, um dos principais objetivos do centro tem sido desenvolver um programa de atividades que tentem promover o estudo da criação artística internacional contemporânea em todas as suas facetas. Exposições temporárias, seminários, oficinas, concertos, reuniões, recitais, ciclos de filmes e palestras têm sido as ferramentas de comunicação utilizadas para cumprir esse objetivo.

O programa de atividades culturais do centro é complementado por uma visita ao próprio mosteiro, que abriga uma parte importante de nosso patrimônio artístico e arqueológico, produto de nossa longa história.