Em 1985, um conjunto de textos foi publicado, escrito entre 1976 e 1982 por Georges Perec, sob o título comum daquele que fecha o livro: Pense, classifique. Com base neste ensaio, a exposição apresenta uma das funções clássicas de qualquer museu, a de colecionar. A Perec estabeleceu três categorias referentes aos livros e sua classificação – que talvez pudessem ser transferidas para qualquer coleção -: muito fácil de encomendar, não muito difícil de pedir e quase impossível de pedir.

Esta nova apresentação parcial da coleção permanente do Centro Andaluz de Arte Contemporânea parte de um dos eixos que a sustentam, as práticas de arquivo, para ir além. Em diálogo com as idéias que dizem respeito ao arquivo Bad da sessão de exposição (extraído de um famoso ensaio de Jacques Derrida), ele tenta transferir de certa maneira a experiência pessoal que Perec narra quando afirma em sua própria biblioteca que “o que não está ordenado de forma definitiva provisória é provisoriamente definitiva “. Ao trabalhar com uma determinada coleção, na maneira de fazer apresentações expositivas temporárias, o provisório também se torna algo definitivo, enquanto a possibilidade de estabelecer histórias diferentes acaba sendo um tipo de experiência semelhante ao que Perec conta quando diz que ” às vezes passo três horas procurando um livro sem encontrá-lo, mas com a satisfação ocasional de descobrir outros seis ou sete que são igualmente úteis “.

Esta exposição tenta transmitir esse desespero ocasional de não encontrar o que estávamos procurando originalmente, mas também a alegria de encontrar o que não esperávamos estar lá ou, pelo menos, ter tanto interesse no objeto da pesquisa. A idéia original – reunir trabalhos da coleção do CAAC que participaram ou estavam perto das práticas de arquivamento – tem se transmutado não tanto porque não encontramos o que procurávamos, mas por causa do excesso de produto encontrado no curso desses outros trabalhos que fomos feitos para ir além do arquivo e, portanto, também do documento.

Destaques

Série de quartos
Bleda Y Rosa (Castellón, 1969 e Albacete, 1970)
Enquanto estávamos trabalhando na série Cities, começamos a fotografar espaços relacionados ao urbano. Esse foi o começo de nossa atenção e interesse especiais por espaços simbólicos e monumentais – palácios, vilas nobres, cidades majestosas – que manifestam uma natureza dupla: eram centros de poder e tomada de decisão, mas também espaços de convivência, lugares de privacidade para uma variedade de personagens. Essa condição também fala de uma dupla temporalidade: a que corresponde ao tempo do evento histórico e a que pertence ao tempo biográfico pessoal. Essa tensão particular na natureza dos espaços nos Quartos é captada e acentuada pela fragmentação da arquitetura, com colunas, pisos ou cantos invocando um espaço palpável e íntimo e resistindo à monumentalização. Nossas imagens não descrevem esses quartos ou nos colocam neles, mas nos fazem experimentá-los e retornar a eles por evocação.

É aqui que minha família morava ?, 2008
Terry Berkowitz (Brooklyn, Nova York, EUA, 1953)
Em 1997, Terry Berkowitz passou seis meses em nosso país pesquisando a expulsão dos judeus e sua subsequente perseguição pela Inquisição. Ela identificou e fotografou os portões das casas do século XV que poderiam pertencer àqueles que foram despojados deles e de suas vidas em Sefarad. Os portões fotografados em cidades como Granada ou Toledo nos levam no tempo a um capítulo dramático da história, a casas abandonadas para as quais não haveria retorno.

O projeto, É onde minha família viveu?, Conta uma história de perda e incorpora a esperança deste artista de Nova York em se encontrar, em retornar ao passado perdido através de fotografias de portões que simbolicamente pararam a história.

Nos vemos no vídeo 1492 que acompanha as fotografias e nos transporta para aquela era histórica de abandono. Nas palavras da própria artista, “A exposição é um sonho de procurar casa ao longo dos séculos e pelas ruas”.

Número de imagens, 2003
Ricardo Cadenas (Sevilha, 1960)
Uma crítica de imagens públicas. Esse é o foco do trabalho de Ricardo Cadenas. Imagens públicas se referem a tudo o que aparece todos os dias nos jornais, na publicidade, nos letreiros de neon da cidade, nos painéis eletrônicos nas estações de trem e nos aeroportos e nos cartuns editoriais, quadrinhos e pôsteres. A esse respeito, o trabalho de Cadenas está enraizado na arte pop. Seus interesses estão mais próximos do trabalho de Jasper Johns e Robert Rauschenberg do que a frieza automática de Warhol. Com seus plásticos, o artista explora a lacuna existente entre a pintura e a multiplicidade de imagens que, gostem ou não, pressionam nossos cérebros. Seus meios de expressão são principalmente desenho e colagem, com os quais ele abre, explora e amadurece o processo de seu trabalho.

Nube de imágenes é uma colagem que permite alterar o significado de materiais muito comuns, invocando um novo significado em nossa imaginação, associando certas imagens a outras de uma maneira diferente da maneira como as encontramos todos os dias. Nas próprias palavras do artista: “O que estou tentando mostrar com o meu trabalho é que há algo escondido nessa multidão de imagens que nos assaltam todos os dias, algo que não é evidente”. E acrescentou: “O que eu quero é que a imagem seja vista, lida, como um mapa e não como uma sequência de figuras estáticas. Minhas imagens são mais índices do que objetos. Eles apontam em direções diferentes, incentivam vários caminhos. Em vez de convidar a contemplação, a imagem estimula uma exploração da perspectiva. ”

Sin título, 2001
Gonzalo Puch (Sevilha, 1950)
Depois de iniciar sua carreira artística como pintor nos anos 80, usando uma linguagem neoexpressionista próxima da abstração gestual, Gonzalo Puch começou a tirar fotografias na década seguinte e ainda hoje é dedicado à fotografia. Seu trabalho faz parte de uma tendência fotográfica que poderia ser chamada de “ficção de documentos”, na qual o artista tenta dar às histórias fictícias uma aparência da realidade.

Nesta fotografia, vemos uma parede coberta de imagens que variam de Duchamp a um anúncio de meia-calça feminina. É um repositório que desafia nossos poderes de dedução, como um grupo de referências que exigem um encadeamento central para dar sentido a eles, ou um texto escrito em caracteres indecifráveis, aberto a qualquer pessoa que se esforce para tentar entendê-los.

Há uma tensão entre o todo visual e os detalhes, criados ao entrar em uma sala antes de podermos concentrar nossa visão e distinguir claramente o que está em um determinado local. São as formas de uma “cena roubada” – o que pode ser encontrado ao abrir de repente a porta. Reconhecer a complexidade e a riqueza das experiências de vida leva o artista a procurar acumular elementos em vez de classificá-los.

Conclusão do portfólio (1985 – 2012)
Guerrila Girls (Nova York, EUA, 1985)
As Guerilla Girls são um grupo anônimo de artistas femininas que foi formado em Nova York em 1985 e são conhecidas por usar máscaras de gorila em seus protestos contra a dominação masculina. Eles adotam os nomes de artistas mortos, como Frida Kahlo, Eva Hesse, Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gertrude Stein ou Georgia O´Keeffe, entre outros, ocultando sua verdadeira identidade para celebrar as conquistas dessas mulheres.

As intervenções das Guerilla Girls visam contrabalançar e denunciar as tradições masculinas na sociedade patriarcal e em referência ao campo artístico. Seu discurso, tanto analítico quanto crítico, é reforçado por um senso de humor, como pode ser visto em suas ações, declarações, discussões, debates e exposições.

Com mais de 30 anos de história, este grupo produziu uma infinidade de pôsteres, livros, projetos de desenho, publicações gráficas e intervenções denunciando o sexismo e a discriminação das mulheres no mundo das artes visuais, do cinema e da cultura em geral.

Portfólio Compleat, definido pelo próprio grupo como um símbolo da “consciência do mundo da arte”, inclui livros, revistas e pôsteres que usam a linguagem visual do marketing para transmitir sua mensagem rápida e diretamente.

A nova prateleira de cinco pés, 2001
Allen Ruppersberg (Cleveland, Ohio, EUA, 1944)
Allen Ruppersberg pertence à primeira geração de artistas norte-americanos a usar elementos da cultura da mídia de massa de um ponto de vista crítico. Seu trabalho representa uma reflexão sobre as relações entre conceitos aparentemente contraditórios – realidade e ficção, alta e baixa cultura, espaço público e espaço privado etc. Ao longo de sua carreira, Ruppersberg se voltou para uma infinidade de ferramentas e técnicas artísticas, como instalações, performances , desenhos, apresentações de slides, colagens ou vídeos e utilizou recursos literários, referências autobiográficas e objetos da cultura popular para reconsiderar categorias estéticas como “autoria”, “obra artística” ou “espaço de exposição” e explorar os limites entre um original e um sua cópia ou cópias. Seu principal objetivo é promover “um tipo de objeto de arte mais democrático” e ampliar a esfera dos espaços de exposição, questionando a totalidade dos mecanismos de produção, distribuição e recepção de conteúdo estético.

Mais recentemente, Allen Ruppersberg criou peças como The New Five Foot Shelf, que ele próprio definiu como “uma grande obra biográfica”, incluindo, entre outras coisas, fotografias em tamanho real das diferentes partes de sua oficina que ele ocupava na cidade de Nova York. de 1986 e 2001 e numerosos textos e objetos retirados de seus arquivos pessoais. Apresentando seu estúdio, trabalho e traços de suas fontes – pictórica e literalmente – Ruppersberg nos convida a ficar no lugar dele, ou pelo menos sentar em sua mesa. Para um artista cuja prática é centrada na leitura, disponibilizar esses textos é metaforicamente equivalente a entregar aos espectadores o pincel e a paleta do pintor e deixá-los livres em seu estúdio.

Aterragem de avião, colagens
Aleksandra Mir (Lubin, Polônia, 1967) Este trabalho é um subproduto natural do projeto Plane Landing de Aleksandra Mir. Seus trabalhos oscilam habitualmente entre um mundo de acontecimentos e ações importantes e o reino do comum, do reciclado e do personalizado. O Plane Landing original era um enorme balão em forma de avião produzido pela empresa Cameron Balloons, com sede em Bristol. A aeronave cheia de hélio foi suspensa em um estado permanente de pouso, nunca conseguindo fazer contato com o solo. Uma vez concluído o trabalho conceitual da artista, ela teve que esperar que os engenheiros da empresa terminassem de projetar o avião. Mir explica que, para sustentar seu interesse pela aviação, “usei os primeiros desenhos técnicos da fábrica e fiz colagens, imaginando locais prováveis ​​onde o avião poderia aparecer”. Na maioria dessas composições, o artista faz uso de anúncios publicitários nos quais a figura feminina recebe uso sexual.

Marx Lounge, 2010
Alfredo Jaar (Santiago do Chile, 1956)
As idéias mais influentes de Karl Marx ainda são controversas hoje. Isso é evidenciado nos inúmeros simpósios, publicações e exposições recentes em todo o mundo. A razão para isso pode ser a atual crise econômica. No entanto, seria justo dizer que ele abrange um espectro mais amplo da teoria cultural e da crítica contemporânea, que constantemente questionam e reavaliam o capitalismo.

O Marx Lounge é a resposta de Alfredo Jaar para isso, uma área que fornece ao público amplo material de leitura sobre as idéias filosóficas, políticas, econômicas e humanísticas de Marx. Também apresenta bibliografia de outros teóricos, filósofos e autores que seguiram, analisaram ou revisaram as teorias de Marx. Žižek, Hall, Rancière, Mordomo, Laclau, Mouffe, Jameson, Bourdieu, Fanon etc. trazem novos padrões de pensamento que refletem a enorme quantidade de conhecimento adquirido nas últimas décadas. Segundo o artista, ocorreu uma verdadeira revolução intelectual, embora longe do mundo real. Por esse motivo, Alfredo Jaar oferece uma sala de leitura para se sentar e refletir sobre a importância e a viabilidade do marxismo no estado atual das coisas, bem como sobre as mais recentes idéias políticas e filosóficas, que podem nos ajudar a entender melhor o momento presente.

Arquitecturas encontradas, 1973 – 1985
Guillermo Pérez Villalta
Pintor, arquiteto e escultor, Pérez Villalta fazia parte da Nova Figuração de Madri e é um representante do pós-modernismo na Espanha. Para alguns, seu trabalho está imerso no neomanierismo. O treinamento que ele recebeu em sua juventude na Escola de Arquitetura teve uma influência conceitual em sua arte ao longo de sua carreira.

A série de fotografias intitulada Arquitecturas encontradas é um exemplo claro disso. Esta compilação data entre 1973 e o final dos anos 80 e captura uma série de edifícios únicos. É uma condenação ao desaparecimento deste tipo de construção, que era comum nos anos 70. Eles eram edifícios anônimos que ilustravam a liberdade criativa sentida por seus projetistas diante da “uniformidade sempre crescente”. Como o próprio artista explica, “deparei-me com exemplos intrigantes da arquitetura popular. Arquitetura sem arquitetos, é o que eu chamei; (…) a liberdade criativa deve sempre prevalecer sobre quaisquer diretrizes ou regras sobre “o que deve ser feito”. Decidi documentar o que eu gostava, que a arquitetura criada, na maioria dos casos, pelos próprios proprietários ou pela construção de empreiteiros que satisfizessem seus gostos pessoais como bem entendessem. ”

A obra de Guillermo Pérez Villalta é totalmente autobiográfica: é altamente condicionada por sua personalidade, suas viagens e os lugares e espaços em que sua vida se desenrolou, como nas coleções de cartões postais do Rochedo de Gibraltar e da Costa del Sol. Essas imagens também refletem o interesse do artista em capturar e preservar a mistura de cultura popular, tradição e criatividade moderna que se reúnem na Andaluzia moderna.

Pérez Villalta nasceu em Tarifa e sempre manteve laços estreitos com seu local de nascimento. Ele passou grande parte de sua vida nesta cidade que fica perto do Rochedo de Gibraltar, onde também viveu por um tempo. Por esse motivo, e também devido à história do Rock como uma área geográfica marcada tanto por sua presença física imponente quanto por seu fundo político e estratégico problemático, ele colecionou cartões postais com vistas de ambos os lados de Gibraltar: alguns de Algeciras e outros de La Línea de la Concepción.

Por outro lado, a Costa del Sol sempre foi um lugar lendário na imaginação deste artista, tanto por sua arquitetura quanto por seu turismo. Está presente em várias peças de sua obra, seja em vídeo ou em desenhos, pinturas e nesta coleção de cartões postais.

Centro de Arte Contemporânea da Andaluzia
O Centro Andaluz de Arte Contemporânea (CAAC) foi criado em fevereiro de 1990, com o objetivo de dar à comunidade local uma instituição para a pesquisa, conservação e promoção da arte contemporânea. Mais tarde, o centro começou a adquirir as primeiras obras em sua coleção permanente de arte contemporânea.

Em 1997, o Mosteiro de Cartuja tornou-se a sede do centro, um movimento que se revelou decisivo na evolução da instituição. A CAAC, uma organização autônoma dependente do Governo da Andaluzia (Junta de Andaluzia), assumiu as coleções do antigo Conjunto Monumental da Cartuja (Centro de Monumentos da Cartuja) e do Museu de Arte Contemporânea de Sevilha (Museu de Arte Contemporânea de Sevilha).

Desde o início, um dos principais objetivos do centro tem sido desenvolver um programa de atividades que tentem promover o estudo da criação artística internacional contemporânea em todas as suas facetas. Exposições temporárias, seminários, oficinas, concertos, reuniões, recitais, ciclos de filmes e palestras têm sido as ferramentas de comunicação utilizadas para cumprir esse objetivo.

O programa de atividades culturais do centro é complementado por uma visita ao próprio mosteiro, que abriga uma parte importante de nosso patrimônio artístico e arqueológico, produto de nossa longa história.