Due date, due numeri: una coppia palindromica. L’arte di questo periodo può essere letta anche da sinistra a destra e da destra a sinistra? Cambiare l’ordine dei fattori altererebbe senza dubbio il prodotto, anche se questa mostra, oltre a segnare l’intervallo tra quei due anni, aspira a evidenziarne l’importanza storica e artistica ma a luci diverse, avanti e indietro.

L’anno 1957 fu il culmine di numerosi eventi rilevanti sia in politica che in arte. Nell’arena politica, varie circostanze all’interno del regime dittatoriale hanno portato alla fine dell’autocrazia e all’inizio dello sviluppo. Nel mondo dell’arte sono nati gli influenti collettivi Equipo 57 ed El Paso.

Questa mostra, che comprende opere della collezione del Centro Andaluz de Arte Contempóraneo, è quindi l’inizio di una storia divisa in capitoli o gallerie. È stato progettato per essere letto inizialmente da sinistra, a partire dal film realizzato nel 1957 da Equipo 57, passando all’AFAL (Almería Photographic Association) e successivamente fermandosi in una grande galleria nera con pessimisti, espressi attraverso i canali dell’Arte Indagini geometriche informali o formali. L’astrazione, i modelli, le strutture e le forme espansi, post-pittorici e di bordo duro hanno anche i loro rispettivi capitoli. Al contrario, i visitatori troveranno importanti spazi dedicati all’arte comportamentale e alle pratiche sociali sociali, rappresentati da Bruce Nauman, Valie Export, Nacho Criado e Marta Minujín, tra gli altri. Infine, la visita termina con un campionamento di Pop Art politico e prime incursioni nella Nuova Figurazione.

Mentre il 1957 fu un anno di intensi sviluppi artistici e di maggiore impatto politico, le tavole furono cambiate nel 1975. In questo intervallo palindromico, rappresentò un nuovo paragrafo nel capitolo della storia recente della Spagna, segnato da un evento politicamente significativo — la fine del dittatore— e una nuova frase nel paragrafo dell’arte, che descrive l’inizio della fine per i linguaggi astratti e concettuali che avevano modellato e dominato gli anni precedenti, e l’ascesa di tendenze figurative che avrebbero attirato l’attenzione su diversi artisti andalusi associati alla nuova figurazione di Madrid movimento. In breve, i visitatori devono essere pronti a rileggere il racconto della mostra al contrario, da destra a sinistra, dall’inizio alla fine, poiché una volta raggiunta la fine non avranno altra scelta che tornare sui propri passi. Un’esperienza davvero palindromica.

Perché la scelta di queste due date —57-75—, di questo numero capicúa per evidenziare la portata temporale della retrospettiva? Proprio per la sua intenzione: quella intrinseca doppia lettura che invita alla riflessione. L’arte prodotta in questo periodo potrebbe essere letta da sinistra a destra allo stesso modo da destra a sinistra? In un certo senso, non importerebbe leggere dall’inizio alla fine o viceversa. Tuttavia, ciò che il campione cerca di evidenziare è l’opposto: l’ordine dei fattori, in questo caso, altera il prodotto. Da qui la divisione in due blocchi.

Iniziando la narrazione da sinistra, all’inizio, iniziamo nel 1957, la data in cui si verificano una serie di eventi politici diffusi in Spagna – la fine dell’autarchia, l’inizio di un certo sviluppo – ma molto rilevante nel campo. Artistico: coloro che aprono il primo capitolo della mostra con la proiezione del film che il Team 57 —gruppo di artisti Cordovan che è stato svelato al caffè Rond Point di Parigi attraverso la pubblicazione del suo manifesto con l’Interattività dello spazio plastico- Lui fatto lo stesso anno, per terminare il tour con pop politico e le prime incursioni della nuova figurazione. Tutto questo senza dimenticare l’astrazione estesa, l’informalismo o l’arte del comportamento e le pratiche sociali del corpo.

Visto dal 75, con la morte di Franco come chiave storica e punto di svolta verso un cambiamento radicale, dal punto di vista artistico c’è una certa continuità da allora è quando il declino dei linguaggi astratti e concettuali che aveva segnato e una volta questo il periodo è stato dominato, lasciano il posto a tendenze figurative che stanno per raggiungere il loro picco. Ciò implica percorrere il percorso inverso, dalla fine all’inizio; un viaggio artistico sicuramente capicúa.

Oltre alle duecento opere — tra pittura, scultura, video, installazione e fotografia— di artisti astratti e concettuali come Nacho Criado, Marta Minujín, AFAL, Grupo Crónica, Rafael Canogar, Robert Limós, Alfredo Alcaín, Manolo Millares, Antonio Saura, Guillermo Pérez Villalta o Bruce Nauman, la mostra si completa con un’interessante documentazione relativa alle tre gallerie d’arte che hanno segnato una pietra miliare nell’introduzione delle ultime tendenze artistiche a Siviglia negli anni ’60 e ’70: La Pasarela, Juana de Aizpuru e la galleria M-11. Oltre a pubblicazioni e poster clandestini dell’Archivio storico CCOO che contestualizzano il momento politico e sociale di questi due decenni artistici.

L’anno 1957 è considerato la fine dell’autarchia e l’inizio dello sviluppo, un periodo in cui il cosiddetto Equipo 57 e il gruppo El Paso e altri artisti che oscilleranno “tra il marxismo, inizieranno il loro viaggio” e l’esistenzialismo. ”

Membro di Equipo 57, Juan Cuenca ha ricordato come nel tentativo di spiegare come lui e i suoi colleghi hanno capito “spazio di plastica”, nel 1957 hanno avuto l’idea di realizzare un film cinematografico usando la tecnica dei cartoni animati e basato su una collezione di gouach astratti, per i quali andarono a Madrid e cercarono tecnici che potessero realizzare il film per loro.

Tra le preoccupazioni di questi artisti in quegli anni, c’era “la promozione delle scuole d’arte e l’ingresso nel mondo del graphic design”, anche se questo è stato fatto da città come Córdoba, come è stato il loro caso, e senza rinunciare ad essere “molto attivi” contro dittatura.

José Ramón Sierra ha esposto una delle sue opere, datata nel 1965 e composta con una predominanza di nero, un colore che domina ancora oggi nelle sue creazioni, e per il quale ha usato parte di una vecchia trebbiatura che ha trovato dimenticato in un loft nella sua casa .

La mostra comprende nove sale del CAAC che, secondo Álvarez Reyes, “funzionano come micro-storie indipendenti, ma con connessioni reciproche”, dedicata a Equipo 57, all’associazione andalusa di fotografi creata nel 1956, AFAL, chiamata informalismo, arte concettuale e, tra gli altri, a gallerie come Juana de Aizpuru, M-11 e La Pasarela.

Punti salienti

EQUIPO 57 (1957-1962)

Film Experience nº 1. Teoria: interattività dello spazio plastico
Film di interattività I

Composto in gran parte da artisti di Cordova, Equipo 57 fece il suo debutto in una mostra tenutasi a Le Rond Point a Parigi nel giugno del 1957. A quel tempo, pubblicarono un testo che presentava le loro aspirazioni programmatiche, a cui presto seguì il manifesto Interattività della plastica Space, pubblicato per la mostra alla Sala Negra di Madrid nel novembre dello stesso anno. Le radici formali di Equipo 57 si trovano negli studi di Oteiza sullo spazio e sulle astrazioni geometriche degli anni ’50, in particolare l’arte concreta dell’artista svizzero Max Bill. Tuttavia, in quanto gruppo d’avanguardia gran parte della loro attività si è concentrata sulla divulgazione sociale e sull’attivismo. Agli inizi sostenevano la scomparsa dell’artista e la sua visione soggettiva a favore dell’anonimato del lavoro collettivo. L’arte doveva servire e adattarsi ai bisogni di una nuova società, dove l’uomo avrebbe combattuto per il bene comune piuttosto che per il proprio beneficio.

In questo aspetto sociale, Equipo 57 è stato fortemente influenzato dai movimenti d’avanguardia russi. Hanno anche preso posizione contro l’istituzionalizzazione dell’arte e del mercato dell’arte, tentando di vendere le loro opere al costo.

I primi principi plastici del gruppo – lo spazio come un insieme continuo in cui gli elementi base della pittura (forma, linea e colore) erano integrati e interagivano tra loro come uguali – si riflettevano in dipinti e disegni. Inoltre, anche i 24 guazzi esposti in questa stanza sono stati portati all’esperienza cinematografica. Alla fine, come tutti i sogni utopici, le alte ambizioni di Equipo 57 si sono scontrate con il muro irremovibile della realtà, creando un senso di frustrazione che ha causato la deriva di alcuni membri. Il gruppo trovò sempre più difficile operare e alla fine si sciolse intorno al 1963, ma le loro idee rimangono nella memoria dell’arte spagnola come uno dei tentativi più radicali e intensi di cambiare il corso della storia attraverso l’azione artistica.

Almería Photographic Association (Almería, 1956-1963)
Negli anni ’50 l’Associazione fotografica AFAL o Almería, che riuniva i migliori fotografi spagnoli di quella generazione, iniziò a rinnovare la fotografia contemporanea e sfidare le convenzioni accademiche prevalenti. Alla ricerca di una nuova sensibilità attraverso una nuova estetica, i suoi membri erano uniti dal loro coinvolgimento con la rivista AFAL, pubblicata per la prima volta nel 1956. Tuttavia, l’AFAL non era un movimento chiaramente definito ma piuttosto una banda di individui interessati a aspetti molto diversi della creazione fotografica , dal fotogiornalismo e l’indagine formale all’esplorazione intimista.

Joan Colom (Barcellona, ​​1921)
Era un membro di AFAL e del collettivo “El Mussol”, con cui condivideva l’amore per l’ordinario e un impegno etico per la libertà di espressione che trascendeva tutto il mondo accademico e la censura politica. Il suo lavoro fotografico ha adottato la forma di serie tematiche, che gli hanno permesso di dipingere un quadro completo degli ambienti urbani che ha ritratto. Come un notaio della realtà, in queste immagini Joan Colom certifica l’autenticità della vita quotidiana in una baraccopoli di Barcellona conosciuta oggi come El Raval. Per motivi di sicurezza, ha scattato le foto clandestinamente, mantenendo la fotocamera nascosta e non guardando attraverso lo spettatore, il che consente a queste foto di raccontare una realtà che gli occhi della città ufficiale non possono vedere.

Gabriel Cualladó (Valencia, 1925 – Madrid, 2003)
Cualladó si definì una fotografia i cui gusti erano inclini al “tema essenzialmente umano”. Il suo obiettivo era sempre quello di evidenziare i “momenti dell’esistenza” dell’essere umano e di catturare momenti precisi e unici, anche se in seguito li mostrava sfocati. Tenterebbe inoltre di catturare l’atmosfera del momento in cui il fotografo “congela” la scena e aggiungerebbe una prospettiva poetica alle immagini, in contrasto con la durezza dei temi trattati.

Paco Gómez (Pamplona, ​​1918 – Madrid, 1998)
Il suo sguardo di interesse primario si concentrava sul paesaggio urbano, edifici abbandonati in luoghi vuoti e inospitali sul punto di essere inghiottiti dalla città tentacolare, dove, come l’artista stesso una volta, “tutto è tranquillo, tutto è fermo, [… ] tutto è lontano dall’istantanea ”, un commento che indica il tipo di fotografia premeditata che stava facendo.

Gonzalo Juanes (Gijón, 1923-2014)
Juanes ha realizzato istantanee in bianco e nero ea colori usando una tecnica altamente personale e non accademica che ha portato a lavori spontanei pieni di vitalità ma che sono anche contemplativi e critici. La sua prassi fotografica si concentra essenzialmente su persone e spazi urbani, creando ritratti psicologici in stile reportage in cui storie anonime che di solito avevano la città come sfondo.

Ramón Masats (Caldes de Montbui, 1931)
Masats ha contribuito a questo rinnovamento della fotografia introducendo la Spagna nella lingua della fotografia documentaristica francese e applicandola nei suoi incarichi giornalistici. Il lavoro di Masats su Las Ramblas a Barcellona ha rappresentato il suo primo tentativo di dominare questo genere, e il suo rapporto grafico su Los Sanfermines (la corsa dei tori a Pamplona) è un lavoro fondamentale che presenta uno dei temi ricorrenti della sua carriera professionale: i cliché spagnoli . Il suo stile fotografico evita il linguaggio tradizionale, sfidando le convenzioni.

Xavier Miserachs (Barcellona, ​​1937 – 1998)
Ha dedicato la sua vita alla fotografia, alla pubblicità, al reportage, alla fotografia di libri, all’insegnamento e persino al cinema. È stato uno dei principali sostenitori del rinnovamento della fotografia spagnola e ha contribuito a creare un nuovo linguaggio fotografico. La sua fotografia mostra la città in tutte le sue sfaccettature, dall’architettura e dalle strade ai suoi abitanti, e pochi possono competere con la sua abilità nel catturare il contesto urbano in modo immediato e spontaneo. Le opere di Miserach sono un documentario completo del suo tempo.

Francisco Ontañón (Barcellona, ​​1930 – 2008)
Ontañón ha iniziato la sua carriera nel 1959 come fotoreporter per l’agenzia di stampa Europa-Press, un lavoro che gli ha permesso di viaggiare in tutto il mondo e di seguire gli eventi in corso. Fu mandato in missione negli Stati Uniti, luogo di nascita di molti dei fotografi che ammirava di più, oltre che in diverse località spagnole. Come mostrano chiaramente queste fotografie, ha preferito un reportage frenetico a una fotografia di studio accuratamente organizzata, cercando sempre di catturare l’evento nel momento in cui si è verificato, per congelare il momento. Ha prodotto un numero considerevole di opere dedicate alle celebrazioni della Settimana Santa in Andalusia. La sua scelta del soggetto non fu casuale, poiché la Settimana Santa era uno dei pochi soggetti pienamente sanzionati dal regime politico al potere in quel momento. Con le stesse parole del fotografo, “Non potevi semplicemente fotografare quello che volevi. C’è stato un censore di stato. Gli unici sbocchi erano le corride, il flamenco e cose del genere. ” In questi lavori, i riflettori sono puntati sulle persone per strada.

Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930)
Stava cercando di rendere una testimonianza di ciò che vide, adottando un approccio rispettoso nei confronti delle persone e delle situazioni che ha catturato con la sua macchina fotografica. Nel 1957 iniziò il suo lavoro nel quartiere dei bassifondi di La Chanca, che è emerso ad Almería all’inizio del XX secolo tra le rovine di un vecchio quartiere povero di epoca moresca. Piuttosto che evidenziare l’evidente povertà dei suoi abitanti, Pérez Siquier ha focalizzato la sua visione sulla vita interiore e sulla routine quotidiana dei suoi sudditi. “Ero interessato alle persone stesse”, afferma l’artista, “la loro dignità personale di fronte a circostanze umili e alle difficoltà di sopravvivenza”.

Alberto Schommer (Vitoria, 1928 – San Sebastián, 2015)
Principalmente ha focalizzato il suo lavoro su temi come nature morte, ritratti in studio, strade, paesaggi e relazioni fotografiche, dando molta importanza alla luce e alla tecnica. Da un punto di vista estetico la sua fotografia è più vicina ai locali di Salon Photography e sebbene il suo obiettivo fosse mostrare un nuovo modo di vedere e sentire la fotografia, la trattava sempre da una prospettiva classica. Era nelle sue nature morte e nelle scene esterne in cui usava, con più libertà, angoli alti e bassi, decentrati ed effetti di messa a fuoco morbida, oltre a disposizioni e inquadrature più arbitrarie.

Ricard Terré (Sant Boi de Llobregat, 1928 – Vigo, 2009)
Come scrisse Arturo Llopis, uno dei critici del gruppo, Terré “ha avvicinato la macchina, il pulsante di scatto, con una sensibilità molto acuta e con un precedente contatto con pittura, scultura e musica jazz / classica. Nelle opere fotografiche che presenta in bianco e nero, solo con la sua macchina fotografica, senza trucchi anche nello sviluppo, viene molestato da una serie di temi (…) Un sentimento poetico porta l’occhio dell’obiettivo a cercare l’aneddoto umano, compiuto con la ragazza perduta in mezzo alla folla. L’oggetto acquisisce anche in Terré una forza plastica espressiva di enorme qualità (…) ”

Julio Ubiña (Santander, 1922 – Barcellona, ​​1988)
Ubiña si trasferì a Parigi durante la guerra civile spagnola, quando era ancora un adolescente. Al suo ritorno in Spagna si stabilì a Barcellona, ​​dove aprì il primo laboratorio di fotografia a colori. Ha prodotto numerosi servizi fotografici per prestigiose riviste internazionali come Stern e Paris Match e, sebbene appartenesse al gruppo AFAL, non era membro attivo. Nel 1958 Ubiña aveva partecipato al numero monografico della rivista AFAL dedicato alla Settimana Santa. Queste opere sono un riflesso della società degli anni ’50 e di alcune delle sue componenti più significative, come il potere dell’ordine pubblico, la Guardia civile e la polizia e le figure religiose dei penitenti nelle processioni, intese come stampe popolari.

Centro andaluso di arte contemporanea
Il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) è stato creato nel febbraio 1990 con l’obiettivo di dare alla comunità locale un’istituzione per la ricerca, la conservazione e la promozione dell’arte contemporanea. Successivamente il centro iniziò ad acquisire le prime opere nella sua collezione permanente di arte contemporanea.

Nel 1997 il monastero di Cartuja divenne il quartier generale del centro, una mossa che si sarebbe rivelata decisiva nell’evoluzione dell’istituzione. Il CAAC, un’organizzazione autonoma dipendente dal governo andaluso (Junta de Andalucía), ha rilevato le collezioni dell’ex Conjunto Monumental de la Cartuja (Cartuja Monument Center) e del Museo de Arte Contemporáneo di Siviglia (Museo di arte contemporanea di Siviglia).

Fin dall’inizio, uno degli obiettivi principali del centro è stato lo sviluppo di un programma di attività che tentasse di promuovere lo studio della creazione artistica internazionale contemporanea in tutte le sue sfaccettature. Mostre temporanee, seminari, workshop, concerti, incontri, recital, cicli cinematografici e conferenze sono stati gli strumenti di comunicazione utilizzati per raggiungere questo obiettivo.

Il programma di attività culturali del centro è completato da una visita al monastero stesso, che ospita una parte importante del nostro patrimonio artistico e archeologico, un prodotto della nostra lunga storia.